We often see brands investing in visually striking window displays or store concepts. However, without consistency and clear storytelling, these efforts lose impact over time. Creativity alone is not enough, it needs to be sustained, aligned and executed across the entire customer journey.

“Visual merchandising is not just what customers see, but what drives them to act.”

As Pietro Beccari recently explained, “the future of retail is retailtainment” . A combination of product, experience and culture.

This idea reinforces a key shift: stores are no longer just spaces to sell, but platforms to create emotion, connection and memorable experiences. At the same time, Beccari also highlighted that customers today come not only to buy, but “to hear good stories” in Vogue Arabia, 2025..

Experiential retail at its highest level is captured in this New York flagship tour, where architecture, display and customer flow merge into luxury experience.

From my perspective, this is where visual merchandising plays a critical role. It is the point where creativity meets execution, and where brand identity becomes tangible for the customer.

The real challenge is not designing a beautiful space, but maintaining a coherent and engaging experience over time. That consistency is what builds trust, strengthens brand perception and ultimately drives measurable results.

Interior walkthrough captures how visual storytelling, space flow and sensory design elevate a flagship into an immersive environment.

I strongly believe that visual merchandising is not only about what customers see, but about what drives them to act. Because in the end, retail spaces should not only inspire: they should perform.

Sources: joseluisledesma, vogue, youtube.

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A menudo vemos marcas invirtiendo en escaparates visualmente impactantes o en conceptos de tienda innovadores. Sin embargo, sin consistencia y un storytelling claro, estos esfuerzos pierden efecto con el tiempo. La creatividad por sí sola no basta: debe mantenerse, estar alineada y ejecutarse a lo largo de todo el recorrido del cliente.

El visual merchandising no es sólo lo que los clientes ven, sino lo que los impulsa a actuar.

Como explicó recientemente Pietro Beccari: “el futuro del retail es el retailtainment”, una combinación de producto, experiencia y cultura.

Esta idea refuerza un cambio clave: las tiendas ya no son solo espacios para vender, sino plataformas para generar emoción, conexión y experiencias memorables. Al mismo tiempo, Beccari destacó que los clientes de hoy acuden no solo a comprar, sino “a escuchar buenas historias”, Vogue Arabia, 2025.

El retail experiencial en su nivel más alto se refleja en este recorrido por un flagship en Nueva York, donde arquitectura, diseño y flujo de clientes se fusionan en una experiencia de lujo.

Desde mi perspectiva, aquí es donde el visual merchandising juega un papel crítico: es el punto donde la creatividad se encuentra con la ejecución y donde la identidad de marca se vuelve tangible para el cliente.

El verdadero desafío no es diseñar un espacio bonito, sino mantener una experiencia coherente y atractiva a lo largo del tiempo. Esa consistencia es la que genera confianza, refuerza la percepción de la marca y, en última instancia, impulsa resultados medibles.

El recorrido interior del video muestra cómo el storytelling visual, el flujo del espacio y el diseño sensorial elevan un flagship a un entorno inversivo.

Creo firmemente que el visual merchandising no se trata solo de lo que los clientes ven, sino de lo que los impulsa a actuar. Porque, al final, los espacios retail no solo deben inspirar: deben rendir resultados.

Fuentes: joseluisledesma, vogue, youtube.

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Europa: artesanía, narrativa y phygital

En Europa, el retail se consolida como experiencia híbrida, donde lo físico y lo digital se integran sin fricciones. Las tiendas dejan de ser puntos de venta para convertirse en centros culturales y sociales: pop-ups efímeros, eventos locales y experiencias inmersivas que refuerzan el vínculo con la comunidad.

En moda, tanto pasarelas como street style apuestan por estéticas más expresivas: manipulación de estampados, tejidos emocionales y volúmenes con carácter. Paralelamente, el quiet luxury gana terreno: menos logotipos, más calidad, más relato y más tiempo.

Asia: velocidad, tecnología y nuevos códigos

En Asia, la creatividad se mueve a otra velocidad. Innovación, digitalización extrema y viralidad marcan el ritmo. Las micro-tendencias nacen en plataformas sociales y se expanden globalmente en semanas. Aquí, la IA generativa y la personalización avanzada ya forman parte del ADN creativo y comercial.

España: potencial creativo con límites estructurales

España cuenta con una identidad cultural potente, pero el reto sigue siendo convertir creatividad en retail sostenible más allá de Madrid y Barcelona. La oportunidad está en activar talento local, conectar moda con cultura y descentralizar la experiencia comercial.

En paralelo, crecen con fuerza marcas de precio ultra-bajo que construyen universos de lifestyle reconocibles. En países mediterráneos, donde las rentas son ajustadas, estas propuestas alivian la presión económica, aunque abren un debate necesario sobre valor y futuro creativo.

¿La gran amenaza para 2026?

La hiperpersonalización y la IA prometen eficiencia, pero también traen riesgos: saturación creativa, copia constante y pérdida de identidad. Paradójicamente, mientras hablamos de diferenciación, muchos espacios de retail empiezan a parecerse demasiado entre sí.

En 2026, las marcas que destaquen no venderán productos: contarán historias, crearán comunidad y defenderán una identidad propia y reconocible.

Fuentes: Spring Fair – Fashion & Retail Trends. The Storefront – Global Retail Trends. Business of Fashion (BoF). Vogue Business. McKinsey – State of Fashion. WGSN – Consumer & Retail Forecasting. TikTok Creative Center (Asia trends). Editorial y reflexión: José Luis Ledesma

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Art that materializes in a window display, in a visual atmosphere, in a staging that—even if ephemeral—has the power to touch deep emotions in those who experience it.

Creatives, designers, window dressers, visual merchandisers and artists working in this ecosystem know that our work cannot be evaluated solely through ROI or conversions. Human creativity is a language that resonates beyond what can be quantified. A color composition can make someone stop. A single light can provoke a gesture. A scene can connect directly with the soul.

And yet, many times this work fades quietly. It is dismantled, stored away, replaced by the next campaign. What was once magical disappears. But its true impact remains, because emotional value does not obey metrics.

Today we live in an era where brands seek to monetize every creative action, justifying everything through data. And although that need exists and is legitimate, it cannot become a prison that restricts the essence of art. What is human cannot be precisely measured, and therein lies its beauty.

“When art is born from essence rather than from the obsession with money, its spirit expands: it attracts more eyes, more souls, and more truth than anything calculated.” — Jose Luis

A window display is not just a point of sale: it is a stage. A temporary work that transforms a street, a glance, a memory. It is a way of creating worlds.

Those of us who work behind these experiences are builders of atmospheres, stories, and sensations. Our work exists to move, to inspire, to make people dream. And that is precisely what attracts audiences the most: authenticity.

International houses like Bergdorf Goodman, Louis Vuitton or collaborations in Asia such as those with SKP Beijing and Dior Shanghai demonstrate that the art of window display is global, but its emotion is profoundly human.

Because true creativity is not born from the obsession with money, but from a sensitivity capable of imagining beyond the immediate. When a brand embraces this vision, it grows in spirit, in character, in connection.

Profit arrives.

But emotion comes first.

And that is the key.

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Los creativos, diseñadores, escaparatistas, visual merchandisers y artistas que trabajamos en este ecosistema sabemos que nuestra labor no se puede medir únicamente en ROI o conversiones. Porque la creatividad humana es un lenguaje que resuena más allá de lo cuantificable. Una composición de color puede detener el paso. Una luz puede provocar un gesto. Una escena puede conectar directamente con el alma.

Y, sin embargo, muchas veces ese trabajo se desvanece en silencio. Se desmonta, se guarda, se sustituye por la siguiente campaña. Lo que fue mágico, desaparece. Pero su impacto real permanece, porque el valor emocional no entiende de métricas.

Hoy, vivimos una era donde las marcas buscan monetizar cada acción creativa, justificándolo todo a través de datos. Y aunque esa necesidad existe y es legítima, no puede convertirse en una prisión que limite la esencia del arte. Lo humano no es medible con precisión, y ahí reside su belleza.

Cuando el arte nace desde la esencia y no desde la obsesión por el dinero, su espíritu se expande: atrae más miradas, más almas y más verdad que cualquier obra calculada. Jose Luis

Un escaparate no es solo un punto de venta: es un escenario. Una obra temporal que transforma una calle, una mirada, un recuerdo. Es una forma de crear mundos.

Los artistas que trabajamos detrás de estas experiencias somos constructores de atmósferas, de historias, de sensaciones. Nuestro trabajo nace para emocionar, para inspirar, para hacer soñar. Y eso, precisamente, es lo que más atrae al público: la autenticidad.

Casas internacionales como Bergdorf Goodman, Louis Vuitton o colaboraciones en Asia como las de SKP Beijing y Dior Shanghai están demostrando que el arte del escaparate es global, pero su emoción es profundamente humana.

Porque la creatividad verdadera no nace de la obsesión por el dinero, sino de una sensibilidad que se atreve a imaginar más allá de lo inmediato. Cuando una marca abraza esa visión, crece en espíritu, en carácter, en conexión.

La rentabilidad llega.

Pero primero llega la emoción.

Y ahí está la clave.

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I remember when Topshop landed in Madrid in the early 2000s. I was in my early twenties and curiously peeked into that Puerta del Sol store that felt as if it had arrived straight from Oxford Street. For my generation, it was a breath of fresh air: different shop windows, daring clothes, and the feeling of being connected to a more global fashion scene. However, the brand closed in Spain in 2017, leaving behind a mix of nostalgia and the sense that it never fully clicked with the local consumer.

The new relaunch: digital, multi-brand, and collaborations

In 2025, Topshop’s comeback looks very different. The brand has recovered its own website and is betting on the multi-brand channel, reducing risks and gaining flexibility. The relaunch has included high-impact gestures: a fashion show in Trafalgar Square featuring see-now, buy-now pieces, and a collaboration with Cara Delevingne (FashionUnited, FashionNetwork).

Own website and multi-brand strategy. Topshop is back without costly flagships, instead opting for wholesale agreements and a strong digital presence. This allows it to test markets like Spain before committing to its own stores.

Nostalgia as strategy: updated messaging and aesthetics

The brand taps into collective memory with messages such as “We missed you too” (Elle). At the same time, it refreshes its aesthetic proposal with more sophisticated cuts, hybrid fabrics, and campaigns that blend the physical with the digital.

Madrid then and now: different business models

In its first stage, the franchise model relied on large stores in prime locations and collections that didn’t always connect with Spanish audiences. In 2025, Topshop comes with less rigidity, a digital-first approach, and a greater ability to listen to the consumer.

Challenges and opportunities in the Spanish market

The challenge will be to balance nostalgia and competitiveness: fair pricing against Inditex or H&M, agile logistics, and cultural sensitivity. If it succeeds, Topshop will not just be a nostalgic revival, but an example of how to reinvent a retail icon in the 21st century.

All of this, however, happens under the looming shadow of SHEIN, which continues to gain ground internationally.

This analysis is part of my personal perspective as a creative specializing in retail and visual culture. On joseluisledesma.com I continue to explore how brands engage with collective memory and the challenges of the digital era. The Topshop case is a clear example of how yesterday’s visual merchandising and today’s omnichannel strategies come together in a single narrative.

Sources: FashionUnited – Relaunch fashion show at Trafalgar Square. FashionNetwork – Collaboration with Cara Delevingne and retail comeback. Elle México – Communication strategy based on nostalgia. Modaes – Multi-brand distribution strategy. Modaes – History and closure of Topshop in Spain. El Español – Information on openings in Madrid and Barcelona. Joseluisledesma.com

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Recuerdo cuando Topshop aterrizó en Madrid a principios de los 2000. Yo tenía poco más de veinte años y me asomaba con curiosidad a aquella tienda de Puerta del Sol que parecía llegada directamente de Oxford Street. Para mi generación fue un soplo de aire fresco: escaparates distintos, ropa atrevida y la sensación de estar conectados con una moda más global. Sin embargo, la marca cerró en 2017 en España, dejando tras de sí una mezcla de nostalgia y la percepción de que no terminó de encajar con el consumidor local.

El nuevo relanzamiento: digital, multimarca y colaboraciones

En 2025 el regreso de Topshop se plantea de forma muy diferente. La firma recupera web propia y apuesta por el canal multimarca, reduciendo riesgos y ganando flexibilidad. El relanzamiento ha incluido gestos de alto impacto: un desfile en Trafalgar Square con prendas see-now, buy-now y una colaboración con Cara Delevingne (FashionUnited, FashionNetwork).

Web propia y canal multimarca. Topshop regresa sin flagships costosos, sino con acuerdos wholesale y fuerte presencia digital, lo que le permite testar mercados como España antes de comprometerse con tiendas propias.

Nostalgia como estrategia: mensajes y estética actual

La marca explota la memoria colectiva con mensajes como “También te extrañamos” (Elle). Al mismo tiempo, actualiza su propuesta estética con cortes más sofisticados, tejidos híbridos y campañas que combinan lo físico con lo digital.

Madrid entonces y ahora: diferencias de modelo

En su primera etapa, el modelo de franquicia dependía de tiendas grandes en ubicaciones prime y colecciones que no siempre conectaban con el público español. En 2025, Topshop llega con menos rigidez, un enfoque digital-first y mayor capacidad de escucha al consumidor.

Retos y oportunidades en el mercado español

El reto será equilibrar nostalgia y competitividad: precios justos frente a Inditex o H&M, logística ágil y sensibilidad cultural. Si acierta, Topshop no quedará en un revival nostálgico, sino en un ejemplo de cómo reinventar un icono del retail contemporáneo en pleno siglo XXI. Todo eso sí, con la sombra de SHEIN ganando mercado.

Este análisis forma parte de mi mirada personal como creativo especializado en retail y cultura visual. En joseluisledesma.com sigo explorando cómo las marcas dialogan con la memoria colectiva y con los retos de la era digital. El caso Topshop es un buen ejemplo de cómo el escaparatismo visual de ayer y la omnicanalidad de hoy se encuentran en un mismo relato.

Fuentes. FashionUnited – Desfile de relanzamiento en Trafalgar Square. FashionNetwork – Colaboración con Cara Delevingne y regreso al retail. Elle México – Estrategia de comunicación basada en nostalgia. Modaes – Estrategia de distribución multimarca. Modaes – Historia y cierre de Topshop en España. El Español – Información sobre las aperturas en Madrid y Barcelona. Joseluisledesma.com

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Sober and aspirational luxury

The appeal of that conscious sobriety lies in noble materials, neutral colors, and garments that feel exquisite, even if they don’t appear so at first glance (The Hawk News, ClassicsTrend). Houses like The Row, Loro Piana, and Khaite lead that narrative which favors refined tactility over visible labels (Financial Times).

Pieces that speak without saying

This is no recent invention: magazines like Who What Wear already showcase autumn 2025 essentials such as suede shoes, structured coats, and handbags that transmit more than they display (Who What Wear). Does it help you imagine that luxury can be something that does not demand attention, yet fully deserves it?

At joseluisledesma.com, the silent dialogue with you, our readers, has always been a priority, as well as the paused reflection you feel when discovering a vintage or handcrafted piece. Perhaps it is that same stillness that lends soul to minimalism.

And here I throw you the game: what pieces in your wardrobe or your home speak without saying so? Does the vintage —that inherited coat or ceramic piece that would never pass an Instagram filter— feel richer than any shiny novelty?

Sources: The Business of Fashion (BoF), Financial Times , Vogue Business, Architectural Digest, joseluisledesma.com

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Lujo sobrio y aspiracional

El atractivo de esa sobriedad consciente está anclado en materiales nobles, colores neutros y confecciones que se sienten deliciosas, aunque no lo parezcan a simple vista (The Hawk News, ClassicsTrend). Casas como The Row, Loro Piana o Khaite lideran esa narrativa que prefiere el tacto exquisito a una etiqueta visible (Financial Times).

Piezas que hablan sin decirlo

No es invención reciente: revistas como Who What Wear ya muestran listados de otoño 2025 con zapatos de ante, abrigos estructurados y bolsos que transmiten más que informan (Who What Wear). ¿Te ayuda a pensar que el lujo puede ser algo que no exige atención, pero que lo merece?

En joseluisledesma.com siempre ha sido prioridad el diálogo silencioso con vosotros, los que nos leéis, y esa reflexión pausada que sentís al descubrir una pieza vintage o artesanal. Quizá es esa misma quietud la que le da alma al minimalismo.

Y aquí te lanzo el juego: ¿qué piezas en tu armario o en tu casa hablan sin decirlo? ¿Lo vintage, ese abrigo heredado o esa cerámica que no pasaría un filtro de Instagram, os parece más rico que cualquier novedad brillante?

Fuentes: The Business of Fashion (BoF), Financial Times , Vogue Business, Architectural Digest, joseluisledesma.com

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The Impact of Gossip in Fashion and Retail

A Vogue Business analysis shows how the fashion industry has grown used to the noise of rumors around creative director changes. These distractions weaken the focus on innovation and teamwork (Vogue Business, 2024). Another article warns that fashion gossip is a profitable commodity, but its hidden cost is trust erosion and cultural decay within brands (Vogue Business, 2023).

A Problem Beyond Fashion

Recent studies confirm that gossip shapes parallel power structures that harm engagement and cohesion. Research published in the Cambridge Journal of Management and Organization reveals that in collectivist cultures, like those in the Mediterranean, rumors can be social glue—but also tools of exclusion that undermine productivity (2022).

Creativity and a Healthy Workplace Culture

In visual merchandising, retail teams, and store management, gossip is particularly damaging. A gossip-dominated workplace lowers creativity, builds distrust, and hurts financial results. By contrast, transparency, respect, and fair recognition nurture a strong culture that drives innovation.

Finding balance is key: keeping Mediterranean warmth and human closeness, while avoiding gossip as a toxic channel. A gossip-free company is not cold—it is stronger, more creative, and better at inspiring teams. In retail, where each day’s experience matters, that balance makes the difference.

Sources:

1. Vogue Business. How should brands handle creative director transitions? (2024).

2. Vogue Business. Let’s dish: racing to the bottom of fashion’s gossip problem (2023).

3. Journal of Management and Organization, Cambridge University Press. Impact of organizational gossip on affective organizational commitment, feelings of loneliness and turnover intention (2022).

4. José Luis Ledesma. joseluisledesma.com (2025).

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El impacto del gossip en moda y retail

Un análisis reciente de Vogue Business subraya cómo la industria de la moda se ha acostumbrado al “ruido” de los rumores en torno a las transiciones de directores creativos, lo cual distrae la atención del verdadero valor: la innovación y el trabajo en equipo (Vogue Business, 2024). Otro artículo de la misma publicación advierte que el fashion gossip se ha convertido en una “mercancía rentable”, pero con un coste silencioso: la pérdida de confianza y la erosión cultural dentro de las marcas (Vogue Business, 2023).

Un fenómeno que trasciende la moda

La cuestión no es exclusiva de la moda. Estudios académicos recientes confirman que el gossip crea entornos paralelos de poder, que afectan al compromiso laboral y a la cohesión. Una investigación publicada en Cambridge Journal of Management and Organization destaca que, en culturas colectivistas como las mediterráneas, los rumores pueden servir como lazo social, pero también como una herramienta de exclusión que debilita la motivación y la productividad (2022).

Creatividad y cultura empresarial sana

En profesiones ligadas al mundo de la tienda, al escaparatismo o a la gestión de equipos, estas dinámicas resultan especialmente dañinas. Un clima laboral dominado por rumores reduce la capacidad creativa, genera desconfianza y termina por afectar al rendimiento económico. Por el contrario, cuando se fomenta una cultura de transparencia, respeto y reconocimiento justo, se construye un tejido empresarial sano y fértil para la innovación.

El reto está en encontrar el equilibrio: mantener la cercanía humana propia de la cultura mediterránea, pero evitar que esa naturalidad se convierta en un canal de toxicidad. Una empresa libre de gossip no es fría ni distante; es más sólida, más creativa y más capaz de ilusionar a sus equipos. Y en un sector como el retail, donde la experiencia de cada jornada de trabajo es clave, ese equilibrio marca la diferencia.

Fuentes:

1. Vogue Business. How should brands handle creative director transitions? (2024).

2. Vogue Business. Let’s dish: racing to the bottom of fashion’s gossip problem (2023).

3. Journal of Management and Organization, Cambridge University Press. Impact of organizational gossip on affective organizational commitment, feelings of loneliness and turnover intention (2022).

4. José Luis Ledesma. joseluisledesma.com (2025).

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This public space represents a unique meeting point where trends materialise spontaneously, reflecting the diversity and creativity of modern society.

The evolution of this social phenomenon ranges from conscious consumption to the adoption of organic fabrics, demonstrating a significant change in the way people dress in big cities. The underground spaces of these cities not only facilitate the movement of people, but also serve as a stage for the expression of different styles, where timelessness and functionality meet the latest trends.

The democratization of fashion in the metro

The democratization of fashion finds its ultimate expression in metro cars and platforms, where 82% of Spanish consumers consider that diversity and inclusion influence their purchasing decisions. This phenomenon reflects a fundamental transformation in how society interacts with urban fashion.

The metro as a space for personal expression

Public transport has become a democratic catwalk where street style takes on a life of its own. Messages and symbols in clothing act as elements of self-expression and community connection. Clothing has been transformed into a platform for personal communication, where each style choice tells a story about the identity of the individual.

The street style phenomenon demonstrates that fashion is an art form accessible to all, transcending cultural and linguistic barriers. Underground users have turned this space into a stage where sustainable fashion and responsible consumption coexist, with a growing interest in second-hand clothes as a gateway to sustainable fashion.

Subcultures

Metro stations and carriages have become a privileged setting for the manifestation of underground culture, a term that since 1953 has designated countercultural movements that are considered alternative or parallel to the dominant culture.

The identification of different urban tribes in the metro reflects the cultural diversity of the modern city. Groups are distinguished by specific characteristics, including:

• Particular lifestyle and way of dressing
• Niche musical and cultural preferences

The evolution of these alternative styles has undergone a significant transformation since the 1950s, when early movements such as the mods and teddy boys emerged. New technologies have played a key role in redefining these cultural identities, creating connections between corporeal expression and digital networks.

The underground as a meeting point for diverse aesthetics

The underground space functions as a point of convergence where different urban scenes intertwine, constituting what experts call ‘a momentary and dynamic agglutination of individuals around a corpus of signs in movement’. This definition encompasses not only clothing and accessories, but also:

• Artistic and activist expressions
• Musical manifestations
• Spontaneous cultural interventions

The presence of these subcultures in the metro has evolved into a phenomenon that transcends the simple categorization of ‘alternative’. Urban cultures are born independent and self-existent, defining their collectivity in the underground space, while new configurations of youth fashions are increasingly defined through neo-technologies, from net-writing to new forms of street-art.

The influence of climate and functionality

Adapting clothing to the public transport environment has become a practical necessity that transcends passing trends. Studies show that 48% of women change their clothing when using public transport, highlighting the importance of functionality in contemporary urban fashion.

In metropolitan areas, clothing choices are influenced by multiple environmental factors.

The trend towards adaptive clothing has gained prominence, with designs that prioritize comfort without sacrificing style. Functionality has become a crucial element in clothing selection. Roll-up backpacks with central zips have positioned themselves as indispensable accessories, offering features such as waterproofing and dedicated spaces for electronic devices.The trend towards adaptive clothing has gained prominence, with designs that prioritize comfort without sacrificing style.

Designers are responding to this demand with collections that incorporate discreet technical elements. Modern public transport garments include features such as hidden pockets for valuables and materials that retain their shape over long periods of wear.

Innovation in the textile sector has enabled the development of garments that serve multiple functions. New smart fabrics offer protection against temperature variations in underground cars, while maintaining a sleek and contemporary look.

The concept of versatility has become a fundamental pillar of today’s urban fashion. Transformable garments, such as convertible trousers and modular jackets, allow users to adapt their wardrobe to different situations throughout the day.

The transformation of the metro into a space where fashion, culture and functionality converge represents a unique social phenomenon that defines our urban era. The carriages and platforms have evolved beyond mere places of transit, becoming scenarios where the democratization of fashion, the expression of subcultures and practical needs create a dynamic style ecosystem.

This fashion-urban phenomenon transcends passing trends, establishing new paradigms in the way society interacts with fashion in public spaces.

The convergence of functionality and personal style has generated significant innovations in the design of garments and accessories, while the diversity of cultural expressions in the metro continues to enrich the urban fashion landscape. Underground spaces have established themselves as dynamic laboratories where trends are born, evolve and transform, reflecting the constant adaptation of modern society to its everyday environments.

Sources: moda.es, thenewbarcelonapost.com; neo2.com; cultura.gob.es; vantatis.elconfidencial.com; expansion.com

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Este espacio público representa un punto de encuentro único donde las tendencias se materializan de forma espontánea, reflejando la diversidad y creatividad de la sociedad moderna.

La evolución de este fenómeno social abarca desde el consumo consciente hasta la adopción de tejidos orgánicos, demostrando un cambio significativo en la forma de vestir de los habitantes de las grandes ciudades. Los espacios subterráneos de estas no solo facilitan el movimiento de personas, sino que también sirven como escenario para la expresión de diferentes estilos, donde la atemporalidad y la funcionalidad se encuentran con las últimas tendencias.

La democratización de la moda en el metro

La democratización de la moda encuentra su máxima expresión en los vagones y andenes del metro, donde el 82% de los consumidores españoles considera que la diversidad y la inclusión influyen en sus decisiones de compra. Este fenómeno refleja una transformación fundamental en cómo la sociedad interactúa con la moda urbana.

El metro como espacio de expresión personal

El transporte público se ha convertido en una pasarela democrática donde el street style cobra vida propia. Los mensajes y símbolos en la vestimenta actúan como elementos de autoexpresión y conexión comunitaria. La ropa se ha transformado en una plataforma de comunicación personal, donde cada elección de estilo cuenta una historia sobre la identidad del individuo.

El fenómeno del street style demuestra que la moda es una forma de arte accesible para todos, trascendiendo las barreras culturales y lingüísticas. Los usuarios del metro han convertido este espacio en un escenario donde la moda sostenible y el consumo responsable coexisten, con un creciente interés por las prendas de segunda mano como puerta de entrada a la moda sostenible.

Subculturas

Las estaciones y vagones del metro se han convertido en un escenario privilegiado para la manifestación de la cultura underground, término que desde 1953 ha designado los movimientos contraculturales que se consideran alternativos o paralelos a la cultura dominante.

La identificación de diferentes tribus urbanas en el metro refleja la diversidad cultural de la ciudad moderna. Los grupos se distinguen por características específicas que incluyen:

La evolución de estos estilos alternativos ha experimentado una transformación significativa desde los años 50, cuando emergieron los primeros movimientos como los mods y teddy boys. Las nuevas tecnologías han jugado un papel fundamental en la redefinición de estas identidades culturales, creando conexiones entre la expresión corpórea y las redes digitales.

El metro como punto de encuentro de diversas estéticas

El espacio subterráneo funciona como un punto de convergencia donde las diferentes escenas urbanas se entrelazan, constituyendo lo que los expertos denominan “momentánea y dinámica aglutinación de individuos en torno a un corpus de signos en movimiento”. Esta definición abarca no solo la ropa y accesorios, sino también:

La presencia de estas subculturas en el metro ha evolucionado hasta convertirse en un fenómeno que trasciende la simple categorización de “alternativo”. Las culturas urbanas nacen independientes y auto-existentes, definiendo su colectividad en el espacio subterráneo, mientras que las nuevas configuraciones de modas juveniles se definen cada vez más a través de las neo tecnologías, desde la escritura en red hasta las nuevas formas de street-art.

La influencia del clima y la funcionalidad

La adaptación del vestuario al entorno del transporte público se ha convertido en una necesidad práctica que trasciende las tendencias pasajeras. Los estudios revelan que el 48% de las mujeres modifican su forma de vestir cuando utilizan el transporte público, evidenciando la importancia de la funcionalidad en la moda urbana contemporánea.

En áreas metropolitanas, la elección de la indumentaria responde a múltiples factores ambientales.

La funcionalidad se ha convertido en un elemento crucial en la selección de prendas. Las mochilas enrollables con cierre central se han posicionado como accesorios indispensables, ofreciendo características como impermeabilidad y espacios específicos para dispositivos electrónicos.

La tendencia hacia la ropa adaptativa ha ganado relevancia, con diseños que priorizan la comodidad sin sacrificar el estilo.

Los diseñadores están respondiendo a esta demanda con colecciones que incorporan elementos técnicos discretos. Las prendas modernas para el transporte público incluyen características como bolsillos ocultos para objetos de valor y materiales que mantienen su forma durante largos períodos de uso.

La innovación en el sector textil ha permitido el desarrollo de prendas que cumplen múltiples funciones. Los nuevos tejidos inteligentes ofrecen protección contra las variaciones de temperatura en los vagones del metro, mientras mantienen una apariencia elegante y contemporánea.

El concepto de versatilidad se ha convertido en un pilar fundamental de la moda urbana actual. Las prendas transformables, como pantalones convertibles y chaquetas modulares, permiten a los usuarios adaptar su vestuario a diferentes situaciones durante el día.

La transformación del metro en un espacio donde confluyen moda, cultura y funcionalidad representa un fenómeno social único que define nuestra era urbana. Los vagones y andenes han evolucionado más allá de simples lugares de tránsito, convirtiéndose en escenarios donde la democratización de la moda, la expresión de subculturas y las necesidades prácticas crean un ecosistema de estilo dinámico.

Este fenómeno fashion-urbano trasciende las tendencias pasajeras, estableciendo nuevos paradigmas en la forma en que la sociedad interactúa con la moda en espacios públicos.

La convergencia entre funcionalidad y estilo personal ha generado innovaciones significativas en el diseño de prendas y accesorios, mientras que la diversidad de expresiones culturales en el metro continúa enriqueciendo el panorama de la moda urbana. Los espacios subterráneos se han consolidado como laboratorios dinámicos donde las tendencias nacen, evolucionan y se transforman, reflejando la constante adaptación de la sociedad moderna a sus entornos cotidianos.

Fuentes: moda.es, thenewbarcelonapost.com; neo2.com; cultura.gob.es; vantatis.elconfidencial.com; expansion.com

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Impact of AI on fashion design

Fashion design is a field where creativity and innovation are paramount. With the introduction of AI, designers can experiment with new shapes, textures and patterns at unprecedented speed and with unprecedented accuracy.

Generative AI algorithms are opening new doors for designers, allowing them to create unique designs and realize multiple variations in minutes. This technology not only facilitates innovation, but also becomes a creative extension of the designer, empowering their capabilities and allowing them to explore previously unimaginable limits.

Advantages in Creativity

AI can analyse past and current trends to predict which styles will resonate best with consumers in the future. This not only boosts creativity, but also reduces the time to market for new collections. In addition, AI is democratizing fashion design, as AI-based platforms allow emerging designers and small brands to access tools that were previously reserved for large fashion houses. This encourages greater diversity in the industry and gives consumers a wider range of choices.

‘AI will not only boost creativity, but also make the realization of projects of higher quality, in record time.

AI image developers must do much better than current results.

’ José Luis.

Brands and Initiatives

Personalization is perhaps one of the most exciting applications of AI in fashion. Brands around the world are using AI to create products that not only fit customers’ measurements, but offer a truly personalised shopping experience. For example, Stradivarius was one of the first brands to launch a collection and campaign reinterpreted using artificial intelligence, showing how AI can reinvent fashion with special colours, flowers and fabrics. Similarly, G-Star Raw has produced an entirely AI-generated fashion design called ‘AI Denim Cape’, while Levi’s has announced that it will use AI-generated models in its online shops to give users a more personalized feel.

AI improvements in Marketing and Advertising

Artificial intelligence (AI) is revolutionising fashion marketing and advertising, enabling brands to segment audiences more precisely, personalize advertising messages and optimize the performance of online advertising campaigns. Thanks to AI’s ability to handle unstructured data such as text, images and video, it can generate a wide range of marketing content, from full scripts to 3D designs and realistic virtual models.

AI plays a crucial role in the efficient processing and analysis of large volumes of data, providing marketers with better insights to improve segmentation and targeting. In addition, AI makes it possible to identify and predict trends from unstructured data, such as consumer sentiment, in-store behaviour and omni-channel data. Consumer segmentation is automated at scale, making it easier to personalize marketing initiatives.

AI and digital modelling

Digital models are at the centre of virtual fashion shows and advertising campaigns. Prestigious brands use these avatars to showcase their new collections and offer viewers an immersive and futuristic experience. The use of digital models can contribute to a more sustainable fashion industry by reducing the need for physical events, travel and large-scale production, thus minimizing the carbon footprint associated with these activities.

Imagine walking into an online shop where a digital model with your measurements and features shows you how each garment would look on you. This is the promise of digital models: a more interactive, personal and realistic online shopping experience. Brands are leveraging these AI tools to enhance the customer experience and increase their opportunities to connect with consumers and, consequently, their revenues.

Production optimizing and sustainability

Supply chain efficiency is vital for success in the fashion industry. AI is optimizing this by forecasting demand, improving inventory management and speeding up production. By anticipating trends and quickly adjusting stock levels, brands can avoid overproduction and reduce environmental impact.

AI is also present in fashion manufacturing. Intelligent robots, with the ability to cut fabrics and sew with pinpoint accuracy, are enabling faster and more customized production. This not only improves garment quality, but also allows for greater flexibility in small batch production, which is especially beneficial for sustainable and niche brands.

Through real-time analytics and augmented reality (AR), robotic automation in warehouses is optimized, improving inventory management and operations. AI supports supplier negotiations by gathering relevant research and providing accurate information. Product return offers can be tailored to the preferences and needs of individual consumers, thanks to AI.

Responsible consumption and sustainability

Integrating new technologies such as artificial intelligence into production processes can make a difference in reducing material consumption and limiting the risk of accumulating unsold stock. Materials represent, for most production models, 90% of the CO2 emissions generated during the life cycle of a garment and around 30% of all garments manufactured worldwide are never sold, according to the Australian Circulated Clothing Association (ACTA).

To be sustainable, it is important for brands to save every millimetre of fabric possible, making only what is necessary. Thanks to the AI they incorporate, software such as Lectra’s Fashion on Demand automates tasks, manages orders to manufacture in minutes and projects an accurate picture of the company’s production capacity. This improves the sustainability of manufacturing by enabling production on demand only, which results in reduced energy consumption and minimized waste.

AI is playing a crucial role in making the fashion industry more sustainable. By optimizing supply chains and demand-driven production, material waste is significantly reduced. AI is contributing to sustainability in fashion through innovations in textile recycling. Emerging technologies are able to identify and classify fabrics, facilitating the process of recycling and reusing materials. This opens up new avenues for circular fashion, where end-of-life clothing can be transformed into new products, reducing the need for virgin raw materials and lowering the industry’s carbon footprint.

AI and improving the shopping experience

AI is redefining consumer shopping preferences and expectations. A remarkable 66% of European customers express enthusiasm for an AI-powered shopping experience, showing a willingness to spend more in shops that employ these technologies to personalize products and enhance the online shopping experience.

1. Virtual assistants and personalized recommendations: AI has been integrated into a variety of touchpoints in the customer journey, from personalized recommendations to augmented reality experiences for virtual product testing. Tools such as Google Lens allow consumers to search for products based on their actual appearance.
2. Advanced personalization: Generative AI is enabling brands to offer a level of service comparable to that of luxury physical shops, even in the digital realm. Italy’s Benetton, for example, has managed to increase average customer spending and triple the time spent on its website through Recommendations AI.
3. Immersive experiences: Virtual reality and augmented reality will play a key role in the development of social shopping, offering more immersive shopping experiences and increasing consumer interaction. The future of retail includes innovative options such as AI-based voice commerce, online fitting rooms and immersive events, where users actively participate in the creation and selection of products.

AI is revolutionizing the fashion shopping experience, providing improved customer service, personalized recommendations, virtual product trials and intelligent virtual assistants. This not only improves consumer confidence, but is also a powerful marketing tool for brands.

Technical and financial challenges

Although artificial intelligence (AI) is transforming the fashion industry, there are still technical and financial challenges that need to be addressed. Diego G. Carpintero, 3D designer and master’s lecturer at the Instituto Europeo di Design in Madrid (IED), predicts that ‘AI is here to stay in the fashion world and, far from being a fad, it is a very new technology that has only just begun’. However, he warns that ‘transforming the virtual into the physical will be a challenge for brands’.

The adoption of AI in the fashion industry requires significant investments in hardware, software and staff training. Many companies, especially small and medium-sized ones, may find it difficult to justify these upfront costs. In addition, integrating AI into existing processes can be technically challenging, as it requires careful planning and execution.

Artificial intelligence is transforming the fashion industry in profound and radical ways. From design and production to marketing and customer experience, AI is optimising processes, driving innovation and fostering sustainability. Brands that embrace these technologies will have a significant competitive advantage, being able to deliver highly personalised products and exceptional customer experiences at scale.

Si bien aún existen desafíos técnicos y financieros, las posibilidades futuras de la IA en la moda son prometedoras. A medida que la tecnología avance, veremos desarrollos que van desde la creación de materiales innovadores hasta la implementación de prácticas sostenibles impulsadas por IA. Las empresas que entiendan las capacidades actuales de la IA, exploren la personalización masiva y utilicen estas herramientas para mejorar la sostenibilidad, estarán mejor preparadas para aprovechar el potencial de esta revolución en la moda.

Fuentes: joseluisledesma.com; g-star.com; fashionunited.es; thefashionglobe.com; neuralfashion.ai; linkedin.com; thinkwithgoogle.com, cdetech.org; elle.com; modaes.com; 

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Impacto de la IA en el diseño de moda

El diseño de moda es un campo donde la creatividad y la innovación son primordiales. Con la introducción de la IA, los diseñadores pueden experimentar con nuevas formas, texturas y patrones a una velocidad y con una precisión sin precedentes.

Los algoritmos de IA generativa están abriendo nuevas puertas para los diseñadores, permitiéndoles crear diseños únicos y realizar múltiples variaciones en minutos. Esta tecnología no solo facilita la innovación, sino que también se convierte en una extensión creativa del diseñador, potenciando sus capacidades y permitiéndoles explorar límites antes inimaginables.

Ventajas en la creatividad

La IA puede analizar tendencias pasadas y actuales para predecir qué estilos resonarán mejor con los consumidores en el futuro. Esto no solo impulsa la creatividad, sino que también reduce el tiempo de comercialización de nuevas colecciones. Además, la IA está democratizando el diseño de moda, ya que plataformas basadas en IA permiten a diseñadores emergentes y pequeñas marcas acceder a herramientas que anteriormente estaban reservadas para grandes casas de moda. Esto fomenta una mayor diversidad en la industria y brinda a los consumidores una gama más amplia de opciones.

“La IA no solo, potenciara la creatividad, sino que también, hará que la materialización de los proyectos sean de mayor calidad, en tiempo récord. Los desarrolladores de imagen IA deben de mejorar mucho en los resultados actuales” José Luis.

Marcas e iniciativas

La personalización es quizás una de las aplicaciones más emocionantes de la IA en la moda. Marcas de todo el mundo están utilizando IA para crear productos que no solo se ajustan a las medidas de los clientes, sino que ofrecen una experiencia de compra verdaderamente personalizada. Por ejemplo, Stradivarius ha sido una de las primeras marcas en lanzar una colección y campaña reinterpretada usando la inteligencia artificial, mostrando cómo la IA puede reinventar la moda con colores, flores y tejidos especiales. Asimismo, G-Star Raw ha realizado un diseño de moda generado totalmente con IA llamado “AI Denim Cape”, mientras que Levi’s ha anunciado que utilizará modelos generados por IA en sus tiendas online para que los usuarios se sientan más identificados.

IA en el Marketing y publicidad de moda

La inteligencia artificial (IA) está revolucionando el marketing y la publicidad de la moda, permitiendo a las marcas segmentar audiencias de manera más precisa, personalizar mensajes publicitarios y optimizar el rendimiento de las campañas publicitarias en línea. Gracias a la capacidad de la IA para manejar datos no estructurados como texto, imágenes y video, puede generar una amplia gama de contenido de marketing, desde guiones completos hasta diseños en 3D y modelos virtuales realistas.

La IA desempeña un papel crucial en el procesamiento y análisis eficiente de grandes volúmenes de datos, proporcionando a los profesionales del marketing mejores conocimientos para mejorar la segmentación y el targeting. Además, la IA permite identificar y predecir tendencias a partir de datos no estructurados, como el sentimiento del consumidor, el comportamiento en tiendas y los datos omnicanal. La segmentación del consumidor se automatiza a gran escala, lo que facilita la personalización de las iniciativas de marketing. 

IA y Modelos Digitales

Los modelos digitales están en el centro de los desfiles de moda virtuales y las campañas publicitarias. Las marcas de prestigio utilizan estos avatares para mostrar sus nuevas colecciones y ofrecer a los espectadores una experiencia inmersiva y futurista. El uso de modelos digitales puede contribuir a una industria de la moda más sostenible, al reducir la necesidad de eventos físicos, viajes y producción a gran escala, minimizando así la huella de carbono asociada a estas actividades.

Imagine entrar en una tienda virtual donde un modelo digital con sus medidas y características le muestra cómo le quedaría cada prenda. Esta es la promesa de los modelos digitales: una experiencia de compra en línea más interactiva, personal y realista. Las marcas están aprovechando estas herramientas de IA para mejorar la experiencia del cliente y aumentar sus oportunidades de conectar con los consumidores y, en consecuencia, sus ingresos.

Optimización de la producción y sostenibilidad

La eficiencia de la cadena de suministro es vital para el éxito en la industria de la moda. La IA está optimizando este aspecto al prever la demanda, mejorar la gestión de inventario y acelerar la producción. Al anticipar las tendencias y ajustar rápidamente los niveles de stock, las marcas pueden evitar el exceso de producción y reducir el impacto ambiental.

La IA también está presente en la fabricación de moda. Los robots inteligentes, con la capacidad de cortar telas y coser con precisión milimétrica, están permitiendo una producción más rápida y personalizada. Esto no solo mejora la calidad de las prendas, sino que también permite una mayor flexibilidad en la producción de pequeños lotes, lo que es especialmente beneficioso para marcas sostenibles y de nicho.

Mediante análisis en tiempo real y realidad aumentada (RA), la automatización robótica en los almacenes se optimiza, mejorando la gestión de inventario y operaciones. La IA apoya las negociaciones con proveedores al recopilar investigaciones relevantes y brindar información precisa. Las ofertas de devolución de productos pueden ser adaptadas a las preferencias y necesidades de cada consumidor, gracias a la IA.

Consumo responsable y sostenibilidad

Integrar nuevas tecnologías como la inteligencia artificial en los procesos productivos puede ser diferencial para reducir el consumo de materiales y limitar el riesgo de acumular stock sin vender. Los materiales representan, para la mayoría de los modelos de producción, un 90% de las emisiones de CO2 generadas durante el ciclo de vida de una prenda y alrededor de un 30% de todas las prendas fabricadas en todo el mundo nunca son vendidas, según la Asociación Australiana de Textil Circulas (ACTA).

Para ser sostenibles, es importante que las marcas ahorren cada milímetro de tela posible, fabricando tan solo lo que es necesario. Gracias a la IA que incorporan, softwares como Fashion on Demand, de Lectra, automatizan tareas, gestionan pedidos para manufacturar en minutos y proyectan una imagen precisa sobre la capacidad de producción de la empresa. Esto mejora la sostenibilidad de la fabricación, ya que permite producir únicamente bajo demanda, lo que se traduce en la reducción del consumo energético y la minimización de los residuos.

La IA está desempeñando un papel crucial en hacer que la industria de la moda sea más sostenible. Mediante la optimización de las cadenas de suministro y la producción basada en la demanda, se reduce significativamente el desperdicio de materiales. La IA está contribuyendo a la sostenibilidad en la moda a través de innovaciones en el reciclaje de textiles. Tecnologías emergentes son capaces de identificar y clasificar tejidos, facilitando el proceso de reciclaje y reutilización de materiales. Esto abre nuevas vías para la moda circular, donde la ropa al final de su vida útil puede ser transformada en nuevos productos, reduciendo la necesidad de materias primas vírgenes y disminuyendo la huella de carbono de la industria.

IA y la mejora en la experiencia de compra

La IA está redefiniendo las preferencias de compra y expectativas de los consumidores. Un notable 66% de los clientes europeos expresa entusiasmo por una experiencia de compra impulsada por la IA, mostrando disposición a gastar más en tiendas que emplean estas tecnologías para personalizar productos y mejorar la experiencia de compra en línea.

1. Asistentes virtuales y recomendaciones personalizadas: La IA se ha integrado en diversos puntos de contacto en la jornada del cliente, desde recomendaciones personalizadas hasta experiencias de realidad aumentada para probar productos virtualmente. Herramientas como Google Lens permiten a los consumidores buscar productos basándose en su apariencia real.
2. Personalización avanzada: La IA generativa está permitiendo a las marcas ofrecer un nivel de servicio comparable al de las tiendas físicas lujosas, incluso en el ámbito digital. La firma italiana Benetton, por ejemplo, ha logrado aumentar el gasto promedio de los clientes y triplicar el tiempo que pasan en su sitio web mediante Recommendations AI.
3. Experiencias inmersivas: La realidad virtual y la realidad aumentada jugarán un papel fundamental en el desarrollo del social shopping, ofreciendo experiencias de compra más inmersivas y aumentando la interacción con el consumidor. El futuro del comercio incluye opciones innovadoras como el comercio por voz basado en IA, probadores online y eventos inmersivos, donde los usuarios participan activamente en la creación y selección de productos.

La IA está revolucionando la experiencia de compra en la moda, brindando un servicio al cliente mejorado, recomendaciones personalizadas, pruebas virtuales de productos y asistentes virtuales inteligentes. Esto no solo mejora la confianza del consumidor, sino que también es una poderosa herramienta de marketing para las marcas.

Desafíos técnicos y financieros

Aunque la inteligencia artificial (IA) está transformando la industria de la moda, aún existen desafíos técnicos y financieros que deben abordarse. Diego G. Carpintero, diseñador 3D y docente de máster en el Instituto Europeo di Design de Madrid (IED), augura que “la IA ha llegado al mundo de la moda para quedarse y que, lejos de ser una moda pasajera, es una tecnología muy nueva que no ha hecho más que empezar”. Sin embargo, advierte que “transformar lo virtual a lo físico será un reto para las marcas”.

La adopción de la IA en la industria de la moda requiere inversiones significativas en hardware, software y capacitación del personal. Muchas empresas, especialmente las pequeñas y medianas, pueden encontrar difícil justificar estos costos iniciales. Además, la integración de la IA en los procesos existentes puede ser un desafío técnico, ya que requiere una cuidadosa planificación y ejecución.

La inteligencia artificial está transformando la industria de la moda de manera profunda y radical. Desde el diseño y la producción hasta el marketing y la experiencia del cliente, la IA está optimizando procesos, impulsando la innovación y fomentando la sostenibilidad. Las marcas que adopten estas tecnologías tendrán una ventaja competitiva significativa, pudiendo ofrecer productos altamente personalizados y experiencias de cliente excepcionales a escala.

Si bien aún existen desafíos técnicos y financieros, las posibilidades futuras de la IA en la moda son prometedoras. A medida que la tecnología avance, veremos desarrollos que van desde la creación de materiales innovadores hasta la implementación de prácticas sostenibles impulsadas por IA. Las empresas que entiendan las capacidades actuales de la IA, exploren la personalización masiva y utilicen estas herramientas para mejorar la sostenibilidad, estarán mejor preparadas para aprovechar el potencial de esta revolución en la moda.

Fuentes: joseluisledesma.com; g-star.com; fashionunited.es; thefashionglobe.com; neuralfashion.ai; linkedin.com; thinkwithgoogle.com, cdetech.org; elle.com; modaes.com; 

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Introduction to the power of self-care

Self-care is a keystone in building a balanced and fulfilling life. This practice is a critical component of robust mental health. By taking care of ourselves, we not only attend to our physical needs, but also honour our emotional and psychological needs, creating a safe haven for our self-esteem and overall well-being. The power of self-care lies in its ability to act as a shield against life’s adversities. By cultivating habits of self-care, individuals can improve their resilience, reduce stress and foster a more compassionate and loving relationship with themselves. Styling, although often perceived as limited to fashion and appearance, is a tangible expression of self-care. Through styling, people can communicate their identity, improve their self-confidence and nurture their mental health.

The connection between style and self-care

The relationship between self-care and mental health is bidirectional; the more we take care of ourselves, the better our mental health, and in turn, good mental health makes it easier for us to practice self-care. This synergy creates a positive cycle, where emotional and physical well-being enhance each other.

Self-care not only alleviates the symptoms of existing mental health problems, but also acts as a form of prevention. By devoting time and effort to our own needs, we can avoid the emotional and physical toll that comes from personal neglect. In this context, styling becomes a valuable tool to strengthen our mental health through self-expression and self-care.

The way we choose to present ourselves to the world has a significant impact on how we feel about ourselves. A style that genuinely reflects our personality and values can strengthen our self-esteem and promote a positive attitude towards life. The act of selecting clothes, accessories and hairstyle is not merely superficial, it is a form of self-care that allows us to take control over our image and, by extension, how we perceive and value ourselves. This control is empowering, offering a source of confidence and personal satisfaction.

In addition, styling can be a meditative and creative act, providing a space for reflection and self-expression. By devoting time to this practice, we are not only taking care of our appearance, but also nurturing our mind, fostering a sense of identity and belonging that is essential for mental health.

How good styling can boost self-confidence

Self-confidence is a pillar of mental health; when we are confident in ourselves, we are better equipped to face life’s challenges. Styling, as a form of self-care, has the power to elevate our self-confidence through self-acceptance and affirmation of our identity.

Dressing in a way that reflects our personal preferences and makes us feel comfortable and confident can transform our attitude and behaviour. This change is not only noticeable to ourselves, but also to others, generating positive feedback that further strengthens our self-esteem.

The confidence that comes from feeling good about our appearance is a powerful tool in managing social anxiety and other insecurities. By prioritizing styling as an extension of self-care, we can cultivate a more confident and assertive presence, opening doors to new opportunities and experiences.

Personal style is much more than just a fashion choice; it is an expression of our inner self that has a profound psychological impact. Through styling, we can communicate our values, moods and aspirations. This capacity for self-expression is liberating, allowing us to assert our individuality and authenticity. Consistency between how we feel inside and how we present ourselves to the world contributes to a sense of integrity and congruence. This alignment strengthens our identity and promotes emotional well-being by reducing the dissonance between our self-image and our projected image.

In addition, the process of creating and maintaining a personal style can be a source of pleasure and satisfaction. The joy derived from selecting clothes that represent us and make us feel good is a valuable form of self-care, which nurtures our mental health by providing a sense of control and creativity in our lives.

The role of self-expression in mental health

Self-expression plays a crucial role in mental health, acting as a channel to explore, understand and accept our identity. Styling, as a form of self-expression, allows people to explore different facets of themselves in creative and tangible ways. This expression of individuality can be enormously liberating, especially for those who struggle to find their voice in other aspects of life. By asserting our identity through styling, we strengthen our self-esteem and foster a more positive relationship with ourselves.

In addition, self-expression through styling can facilitate connection with others. By sharing aspects of our identity in a visible way, we can attract people with similar interests and values, creating a sense of community and belonging that is vital to our mental health.

Embracing the power of self-care through styling

Styling, as a form of self-care, has the power to transform not only our appearance, but also our mental health and emotional well-being. By integrating styling into our self-care practices, we can foster greater self-esteem, confidence and personal satisfaction. Embracing the power of self-care through styling requires recognising that we deserve to invest in ourselves, both inside and out. In doing so, we not only improve our own lives, but also inspire others to do the same, creating a ripple effect of wellness and positivity.

The power of self-care through styling lies in its ability to remind us that, at the end of the day, the deepest form of self-respect and self-love is to allow ourselves to be authentically ourselves, in all aspects of our lives.

Sources: hola.com; vogue.es; revistagq.com; telva.com

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El autocuidado es una piedra angular en la construcción de una vida equilibrada y satisfactoria. Esta práctica es un componente crítico de una salud mental robusta. Al cuidarnos, no solo atendemos nuestras necesidades físicas, sino que también honramos nuestras necesidades emocionales y psicológicas, creando un refugio seguro para nuestra autoestima y bienestar general. El poder del autocuidado radica en su capacidad para actuar como un escudo contra las adversidades de la vida. Al cultivar hábitos de autocuidado, las personas pueden mejorar su resiliencia, reducir el estrés y fomentar una relación más compasiva y amorosa consigo mismas. El estilismo, aunque a menudo se percibe limitado a la moda y la apariencia, es una expresión tangible de autocuidado. A través del estilismo, las personas pueden comunicar su identidad, mejorar su autoconfianza y nutrir su salud mental.

La conexión entre el estilo y el autocuidado

La relación entre el autocuidado y la salud mental es bidireccional; mientras más nos cuidamos, mejor es nuestra salud mental, y a su vez, una buena salud mental nos facilita la práctica del autocuidado. Esta sinergia crea un ciclo positivo, donde el bienestar emocional y físico se potencian mutuamente. El autocuidado no solo alivia los síntomas de problemas de salud mental existentes, sino que también actúa como una forma de prevención. Al dedicar tiempo y esfuerzo a nuestras propias necesidades, podemos evitar el desgaste emocional y físico que surge de la negligencia personal. En este contexto, el estilismo se convierte en una herramienta valiosa para reforzar nuestra salud mental a través de la autoexpresión y el autocuidado.

La forma en que elegimos presentarnos al mundo tiene un impacto significativo en cómo nos sentimos con nosotros mismos. Un estilo que refleja genuinamente nuestra personalidad y valores puede fortalecer nuestra autoestima y promover una actitud positiva hacia la vida.El acto de seleccionar la ropa, los accesorios y el peinado no es meramente superficial, es una forma de autocuidado que nos permite tomar control sobre nuestra imagen y, por extensión, sobre cómo nos percibimos y valoramos.

Este control es empoderador, ofreciendo una fuente de confianza y satisfacción personal. Además, el estilismo puede ser un acto meditativo y creativo, proporcionando un espacio para la reflexión y la autoexpresión. Al dedicar tiempo a esta práctica, no solo estamos cuidando nuestra apariencia, sino también nutriendo nuestra mente, fomentando un sentido de identidad y pertenencia que es esencial para la salud mental.

Cómo el buen estilismo puede impulsar la autoconfianza

La autoconfianza es un pilar de la salud mental; cuando confiamos en nosotros mismos, estamos mejor equipados para enfrentar los desafíos de la vida. El estilismo, como forma de autocuidado, tiene el poder de elevar nuestra autoconfianza a través de la autoaceptación y la afirmación de nuestra identidad. Vestirse de manera que refleje nuestras preferencias personales y que nos haga sentir cómodos y seguros, puede transformar nuestra actitud y comportamiento. Este cambio no solo es perceptible para nosotros mismos sino también para los demás, generando una retroalimentación positiva que refuerza aún más nuestra autoestima. La confianza que se deriva de sentirse bien con nuestra apariencia es una herramienta poderosa en el manejo de la ansiedad social y otras inseguridades. Al priorizar el estilismo como una extensión del autocuidado, podemos cultivar una presencia más segura y asertiva, abriendo puertas a nuevas oportunidades y experiencias. El estilo personal es mucho más que una simple elección de moda; es una expresión de nuestro ser interior que tiene un profundo impacto psicológico.

A través del estilismo, podemos comunicar nuestros valores, estado de ánimo y aspiraciones. Esta capacidad de autoexpresión es liberadora, permitiéndonos afirmar nuestra individualidad y autenticidad. La coherencia entre cómo nos sentimos por dentro y cómo nos presentamos al mundo contribuye a una sensación de integridad y congruencia. Este alineamiento fortalece nuestra identidad y promueve un bienestar emocional, al reducir la disonancia entre nuestra autoimagen y la imagen proyectada. Además, el proceso de crear y mantener un estilo personal puede ser una fuente de placer y satisfacción. La alegría derivada de la selección de prendas que nos representan y nos hacen sentir bien es una forma valiosa de autocuidado, que nutre nuestra salud mental al proporcionar un sentido de control y creatividad en nuestras vidas.

El papel de la autoexpresión en la salud mental

La autoexpresión juega un papel crucial en la salud mental, actuando como un canal para explorar, entender y aceptar nuestra identidad. El estilismo, como una forma de autoexpresión, permite a las personas explorar diferentes facetas de sí mismas de manera creativa y tangible. Esta expresión de la individualidad puede ser enormemente liberadora, especialmente para aquellos que luchan por encontrar su voz en otros aspectos de la vida. Al afirmar nuestra identidad a través del estilismo, reforzamos nuestra autoestima y fomentamos una relación más positiva con nosotros mismos. Además, la autoexpresión a través del estilismo puede facilitar la conexión con otros. Al compartir aspectos de nuestra identidad de manera visible, podemos atraer a personas con intereses y valores similares, creando un sentido de comunidad y pertenencia que es vital para nuestra salud mental.

Abrazando el poder del autocuidado a través del estilismo

El estilismo, como forma de autocuidado, tiene el poder de transformar no solo nuestra apariencia, sino también nuestra salud mental y bienestar emocional. Al integrar el estilismo en nuestras prácticas de autocuidado, podemos fomentar una mayor autoestima, confianza y satisfacción personal. Abrazar el poder del autocuidado a través del estilismo requiere reconocer que merecemos invertir en nosotros mismos, tanto por dentro como por fuera. Al hacerlo, no solo mejoramos nuestra propia vida, sino que también inspiramos a otros a hacer lo mismo, creando un efecto dominó de bienestar y positividad.El poder del autocuidado a través del estilismo radica en su capacidad para recordarnos que, al final del día, la forma más profunda de respeto y amor propio es permitirnos ser auténticamente nosotros mismos, en todos los aspectos de nuestra vida.

Fuentes: hola.com; vogue.es; revistagq.com; telva.com

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Fashion as a cultural expression

Fashion in Hispanic and Latin America goes beyond mere trends; it is a unique form of cultural expression.
A key aspect of Hispanic and Latin American fashion is creativity. Designers in the region are characterized by their originality and ability to fuse traditional elements with contemporary trends. Creativity manifests itself in the choice of materials, in the combination of colours and prints, and in the way traditional garments are reinterpreted to adapt them to current trends.
Each country in the region has its own style and traditions, which are reflected in fashion. This cultural diversity has been an endless source of inspiration and creativity for designers in the region.
In addition, numerous Hispanic and Latin American designers have made their mark on the global fashion industry. Names such as Paco Rabanne, Manolo Blahnik, Adolfo Dominguez, Cristóbal Balenciaga from Spain, Carolina Herrera from Venezuela, Óscar de la Renta from the Dominican Republic and Mario Testino from Peru are just some of the designers who have achieved international recognition. These talented artists have combined their cultural roots with a unique creative vision, creating garments and collections that transcend borders and captivate the world.

Its influence in the world

Hispanic and Latin American fashion has had a significant impact on the global industry. Brands and designers from the region have managed to cross borders and gain recognition in international markets. The creativity and originality of their designs have captured the attention of consumers and fashion experts around the world.
In addition, numerous collaborations between Hispanic and Latin American designers with international brands have given visibility to the region’s fashion. These collaborations have not only enriched the industry, but have also opened doors for more designers, giving them the opportunity to showcase their talent and creativity to a global audience.

Trends and creativity

Fashion in Latin America is constantly evolving, adapting to current trends while remaining true to its cultural roots. At present, trends such as sustainable fashion, which prioritizes the use of environmentally responsible materials and processes, stand out. This trend reflects a growing awareness of the importance of preserving and valuing the natural environment, and has led to the creation of innovative designs that combine creativity with sustainability.
Another trend that has gained momentum is the incorporation of traditional elements and ethnic prints into designs. Garments such as huipiles and polleras are examples of how Hispanic and Latin American fashion is enriched by creativity and the reinterpretation of cultural elements. These designs not only highlight the identity of the region, but also promote and value cultural diversity.

Fashion is not only an artistic manifestation, but also a means to promote identity, inclusion and social change. Fashion allows us to tell stories and value our traditions.

Traditions: a fascinating story that connects with our roots

Fashion has been a fundamental part of the history of Spanish and Latin America. Native peoples have used creativity to create garments that reflect their identity and traditions. These garments, such as traditional costumes and handcrafted textiles, have been recognized both nationally and internationally for their beauty, significance and cultural richness.
Indigenous fashion continues to be a source of inspiration for Hispanic and Latin American designers. Creativity is manifested in the incorporation of traditional elements and techniques into contemporary designs. This not only preserves and values indigenous culture, but also promotes inclusion and recognition of the creativity of native peoples.

Social and creative engine

Hispanic and Latin American culture and fashion are not only a manifestation of creativity, but also an economic and social engine in the region. On the one hand, the fashion industry generates employment and contributes to the economic growth of Hispanic and Latin American countries. On the other hand, fashion has also become a tool for empowerment and equity, through social initiatives and ventures that use fashion as a means to generate positive changes in society.

These initiatives include training projects, artisan cooperatives and brands that promote inclusion and social justice. Creativity and innovation in Hispanic and Latin American fashion have enabled the industry to become an agent of change, creating opportunities and promoting gender equality, cultural diversity and respect for human rights.

Hispanic and Latin American fashion is an inexhaustible source of creativity and cultural expression, and its cultural legacy has conquered the world. The diversity of styles, influences and traditions enrich the fashion industry, and have allowed their designers to stand out globally.

It is important to recognize and value Hispanic and Latin American fashion as part of our cultural heritage and as a source of inspiration and creativity. In doing so, we contribute to keeping our culture alive and making a positive impact on our society. Let us celebrate their legacy and their influence on the fashion world.

Sources: culturasdemoda.com; modaes.com; historiadelarte.uniandes.edu.co; elpais.com; vogue.mx; forbes.es

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La moda como expresión cultural

La moda en Hispanoamérica y Latinoamérica va más allá de las simples tendencias; es una forma de expresión cultural única.
Un aspecto clave de la moda hispana y latinoamericana es la creatividad. Los diseñadores de la región se caracterizan por su originalidad y por la habilidad de fusionar elementos tradicionales con las tendencias contemporáneas. La creatividad se manifiesta en la elección de materiales, en la combinación de colores y estampados, y en la forma en que se reinterpretan las prendas tradicionales para adaptarlas a las tendencias actuales.
Cada país de la región tiene su propio estilo y tradiciones, que se ven reflejados en la moda. Esta diversidad cultural ha sido una fuente inagotable de inspiración y creatividad para los diseñadores de la región.
Además, numerosos diseñadores hispanos y latinoamericanos han logrado destacarse a nivel mundial, dejando su huella en la industria de la moda. Nombres como Paco Rabanne, Manolo Blahnik, Adolfo Dominguez, Cristóbal Balenciaga de España, Carolina Herrera de Venezuela, Óscar de la Renta de República Dominicana y Mario Testino de Perú son solo algunos de los diseñadores que han alcanzado reconocimiento internacional. Estos talentosos artistas han sabido combinar sus raíces culturales con una visión creativa única, creando prendas y colecciones que trascienden las fronteras y cautivan al mundo.

Su influencia en el mundo

La moda hispana y latinoamericana ha tenido un impacto significativo en la industria global. Marcas y diseñadores de la región han logrado traspasar fronteras y ganar reconocimiento en mercados internacionales. La creatividad y originalidad de sus diseños han capturado la atención de consumidores y expertos de la moda en todo el mundo.
Además, numerosas colaboraciones entre diseñadores hispanos y latinoamericanos con marcas internacionales han dado visibilidad a la moda de la región. Estas colaboraciones no solo han enriquecido la industria, sino que también han abierto puertas para más diseñadores hispanos y latinoamericanos, brindándoles la oportunidad de mostrar su talento y creatividad a una audiencia global.

Tendencias y creatividad

La moda en Hispanoamérica y Latinoamérica se encuentra en constante evolución, adaptándose a las tendencias actuales mientras se mantiene fiel a sus raíces culturales. En la actualidad, destacan tendencias como la moda sostenible, en la cual se prioriza el uso de materiales y procesos responsables con el medio ambiente. Esta tendencia refleja la conciencia creciente sobre la importancia de preservar y valorar el entorno natural, y ha llevado a la creación de diseños innovadores que combinan la creatividad con la sostenibilidad.
Otra tendencia que ha cobrado fuerza es la incorporación de elementos tradicionales y estampados étnicos en los diseños. Prendas como los huipiles y las polleras son ejemplos de cómo la moda hispana y latinoamericana se enriquece con la creatividad y la reinterpretación de elementos culturales. Estos diseños no solo resaltan la identidad de la región, sino que también promueven y valoran la diversidad cultural.

La moda no solo es una manifestación artística, sino también un medio para promover la identidad, la inclusión y el cambio social. La moda nos permite contar historias y valorar nuestras tradiciones.

Moda y tradiciones: una fascinante historia que conecta con nuestras raíces

La moda ha sido parte fundamental de la historia de Hispanoamérica y Latinoamérica. Los pueblos indígenas han utilizado la creatividad para crear prendas que reflejan su identidad y tradiciones. Estas prendas, como los trajes típicos y los textiles artesanales, han sido reconocidas tanto a nivel nacional como internacional por su belleza, significado y riqueza cultural.
La moda indígena sigue siendo una fuente de inspiración para los diseñadores hispanos y latinoamericanos. La creatividad se manifiesta en la incorporación de elementos y técnicas tradicionales en diseños contemporáneos. Esto no solo permite preservar y valorar la cultura indígena, sino que también promueve la inclusión y el reconocimiento de la creatividad de los pueblos originarios.

Motor creativo y social

La cultura y la moda hispana y latinoamericana no solo son una manifestación de creatividad, sino también un motor económico y social en la región. Por un lado, la industria de la moda genera empleo y contribuye al crecimiento económico de los países hispanos y latinoamericanos. Por otro lado, la moda también se ha convertido en una herramienta de empoderamiento y equidad, a través de iniciativas sociales y emprendimientos que utilizan la moda como medio para generar cambios positivos en la sociedad.

Estas iniciativas incluyen proyectos de capacitación, cooperativas de artesanos y marcas que promueven la inclusión y la justicia social. La creatividad y la innovación en la moda hispana y latinoamericana han permitido que la industria se convierta en un agente de cambio, creando oportunidades y fomentando la igualdad de género, la diversidad cultural y el respeto por los derechos humanos.
La moda hispana y latinoamericana es una fuente inagotable de creatividad y expresión cultural y su legado cultural ha conquistado el mundo. La diversidad de estilos, las influencias y tradiciones enriquecen la industria de la moda, y han permitido que diseñadores hispanos y latinoamericanos destaquen a nivel mundial.

Es importante reconocer y valorar la moda hispana y latinoamericana como parte de nuestro patrimonio cultural y como una fuente de inspiración y creatividad. Al hacerlo, contribuimos a mantener viva nuestra cultura y a generar un impacto positivo en nuestra sociedad. Celebremos su legado y su influencia en el mundo de la moda.

Fuentes: culturasdemoda.com; modaes.com; historiadelarte.uniandes.edu.co; elpais.com; vogue.mx; forbes.es

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The historical importance of Asian fashion

Asian fashion has a rich and diverse history dating back thousands of years. From the exquisite silk fabrics of China to the intricate kimonos of Japan, Asian fashion has always been renowned for its attention to detail and impeccable craftsmanship. For centuries, Asia has been a source of inspiration for designers around the world, who have incorporated elements of Asian fashion into their collections. In recent years, however, Asian fashion has moved beyond being just a source of inspiration and has become a phenomenon in its own right.

Fashion trends in China: traditional elements in modern designs

China has long been a beacon of Asian fashion. With a rich history and vibrant culture, it is no wonder that Chinese fashion is booming. In recent years, Chinese designers have been able to combine traditional elements with modern designs, creating a unique and contemporary aesthetic. Chinese fashion has embraced its cultural heritage by incorporating traditional elements, embroidery and vibrant colours into its designs. These trends have crossed borders and can now be seen on international catwalks and in fashion magazines around the world, with a young society that enjoys wearing cutting-edge fashion trends.

The fusion of streetwear and Korean haute couture

Another prominent Asian influence in the fashion world can be found in South Korea. Korean fashion has earned a reputation for its unique fusion of streetwear and high fashion. Korean designers have managed to capture the industry’s attention with their innovative and avant-garde approach. Korean fashion is characterized by its urban street style, with comfortable and casual garments combined with high fashion elements. This fusion of styles has resonated around the world and has led to Korean fashion being recognized as a force to be reckoned with. Especially with the high profile of K-POP and the visual impact they make, so deservedly so.

Thailand’s vibrant and colourful fashion scene

Thailand is another Asian country that has made its mark on the fashion industry. With its rich history and vibrant culture, Thai fashion is known for its bold use of colour and eye-catching prints. Thai designers have successfully combined traditional elements with contemporary designs, creating a unique and recognizable aesthetic. Thai fashion has gained popularity around the world, and its designs can be seen on international catwalks and in renowned fashion magazines.

The unique fashion styles of the Philippines

The Philippines has also left a mark on the fashion industry with its unique and diverse styles. From traditional Mindanao weaves to modern barong suits, Philippine fashion is a blend of tradition and modernity. Filipino designers have been able to capture the essence of Philippine culture in their designs, using local materials and artisanal techniques. Filipino fashion has been praised for its originality and focus on sustainability, and has gained recognition both nationally and internationally.

Asian fashion designers who are setting trends in the industry

Asian influence in fashion is not limited to just the countries mentioned above. Across Asia, there are a host of talented designers who are making their mark in the industry. From renowned Chinese designers such as Guo Pei to acclaimed Thai designer Disaya Sorakraikitikul, Asian designers are taking fashion to new heights. These designers have managed to combine the rich history and culture of Asia with a modern and contemporary aesthetic, creating unique and timeless collections.

Sources: prestigeonline.com: guopei.com; joseluisledesma.com; disaya.com; nymag.com; traveler.es; cosmopolitan.com; vogue.es; fashionunited.es; guopei.com

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La importancia histórica de la moda asiática

La moda asiática tiene una historia rica y diversa que se remonta a miles de años atrás. Desde los exquisitos tejidos de seda de China hasta los intrincados kimonos de Japón, la moda asiática siempre ha sido reconocida por su atención al detalle y su artesanía impecable. Durante siglos, Asia ha sido una fuente de inspiración para diseñadores de todo el mundo, quienes han incorporado elementos de la moda asiática en sus colecciones. Sin embargo, en los últimos años, la moda asiática ha dejado de ser solo una fuente de inspiración y se ha convertido en un fenómeno por derecho propio.

Tendencias de moda en China: elementos tradicionales en diseños modernos

China ha sido durante mucho tiempo un faro de la moda asiática. Con una rica historia y una cultura vibrante, no es de extrañar que la moda china esté en auge. En los últimos años, los diseñadores chinos han sabido combinar elementos tradicionales con diseños modernos, creando así una estética única y contemporánea. La moda china ha abrazado su patrimonio cultural incorporando elementos tradicionales, bordados y colores vibrantes en sus diseños. Estas tendencias han traspasado las fronteras y ahora se pueden ver en pasarelas internacionales y revistas de moda de todo el mundo, con una sociedad joven que sabe disfrutar vistiendo tendencias de moda muy puntera.

La fusión del streetwear y la alta moda coreana

Otra influencia asiática destacada en el mundo de la moda podemos encontrarla en Corea del Sur. La moda coreana se ha ganado una reputación por su fusión única de streetwear y alta moda. Los diseñadores coreanos han logrado capturar la atención de la industria con su enfoque innovador y vanguardista. La moda coreana se caracteriza por su estilo de calle urbana, con prendas cómodas y casuales combinadas con elementos de alta costura. Esta fusión de estilos ha resonado en todo el mundo y ha llevado a que la moda coreana sea reconocida como una fuerza a tener en cuenta. Especialmente con el gran protagonismo K-POP y el impacto visual que ejercen, tan merecidamente.

La vibrante y colorida escena de la moda en Tailandia

Tailandia es otro país asiático que ha dejado su huella en la industria de la moda. Con su rica historia y su vibrante cultura, la moda tailandesa es conocida por su uso audaz del color y sus estampados llamativos. Los diseñadores tailandeses han sabido combinar elementos tradicionales con diseños contemporáneos, creando así una estética única y reconocible. La moda tailandesa ha ganado popularidad en todo el mundo, y sus diseños se pueden ver en pasarelas internacionales y revistas de moda de renombre.

Los estilos de moda únicos de Filipinas

Filipinas también ha dejado una marca en la industria de la moda con sus estilos únicos y diversos. Desde los tejidos tradicionales de Mindanao hasta los modernos ternos de barong, la moda filipina es una mezcla de tradición y modernidad. Los diseñadores filipinos han sabido capturar la esencia de la cultura filipina en sus diseños, utilizando materiales locales y técnicas artesanales. La moda filipina ha sido elogiada por su originalidad y su enfoque en la sostenibilidad, y ha ganado reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional.

Diseñadores de moda asiáticos que están marcando tendencia en la industria

La influencia asiática en la moda no se limita solo a los países mencionados anteriormente. En toda Asia, hay una gran cantidad de talentosos diseñadores que están dejando su huella en la industria. Desde los renombrados diseñadores chinos como Guo Pei hasta la aclamada diseñadora tailandesa Disaya Sorakraikitikul, los diseñadores asiáticos están llevando la moda a nuevos horizontes. Estos diseñadores han logrado combinar la rica historia y la cultura de Asia con una estética moderna y contemporánea, creando así colecciones únicas y atemporales.

La moda inspirada en Asia en las pasarelas internacionales y revistas de moda

La influencia asiática en la moda también se puede ver en las pasarelas internacionales y revistas de moda más importantes del mundo. Diseñadores de todo el mundo han incorporado elementos y estilos asiáticos en sus colecciones, creando así una fusión de culturas y estilos.

La influencia asiática en el mundo de la moda es innegable. Desde China hasta Filipinas, Asia ha dejado una huella duradera en la industria de la moda. La moda asiática se caracteriza por su rica historia, sus tradiciones únicas y su enfoque innovador. Los diseñadores asiáticos están marcando tendencia en la industria y llevando la moda a nuevos horizontes. Es importante reconocer y apreciar la belleza y la creatividad de la influencia asiática en la moda, y seguir abrazando la diversidad y la representación en esta industria tan vibrante.

Fuentes: prestigeonline.com: guopei.com; joseluisledesma.com; disaya.com; nymag.com; traveler.es; cosmopolitan.com; vogue.es; fashionunited.es

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During festivities such as Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu holidays, fashion takes on a special meaning as it becomes a way of connecting different cultures and celebrating diversity.

The influence of the Christmas season

Christmas is a holiday widely celebrated around the world and has a significant impact on the fashion industry. During this time of year, traditional colours such as red, green and gold dominate the catwalks and fashion boutiques. Reindeer, snowflake and Christmas tree prints also become popular. In addition, Christmas jumpers with festive designs have become a much-loved trend during this festive season.

Chinese New Year

Chinese New Year is another celebration that has a great influence on fashion. This holiday, which is celebrated in January or February, is full of traditions and symbolism that are reflected in Chinese fashion. The colours red and gold are especially significant during Chinese New Year, as they represent good luck and prosperity.

In the retail industry, Chinese New Year has become an opportunity for brands to launch special collections inspired by Chinese culture. Prints of dragons, cherry blossoms and other Chinese symbols can be seen on clothing and accessories during this season. In addition, fashion shows held in China during the New Year are a showcase for local designers and a way to celebrate China’s rich culture.

Each year, the Chinese calendar features a different animal, and this becomes a popular motif for fashion designers. For example, when the Chinese year is the year of the mouse, mouse prints and mouse-related details become popular in clothing and accessories. In addition, the colour red, which is considered lucky in Chinese culture, is widely used in fashion collections during this season.

The influence of Ramadan

Ramadan is a holy month for Muslims, during which they fast daily from dawn to dusk. During this period, fashion also plays an important role. Many fashion brands launch special collections for Ramadan, which include more modest clothing suitable for this religious holiday.

Clothes during this holiday are characterized by the use of soft colours and light fabrics that allow people to stay cool and comfortable during the fast. Designs are often elegant and sophisticated, with details such as lace, embroidery and floral prints. In addition, Ramadan fashion is also inspired by the cultural traditions of different Muslim countries, making each collection unique and representative of the diversity within this community.

Hindu festivals and their influence

Hindu festivals, such as Diwali and Holi, also have a significant impact on fashion. During Diwali, the festival of lights, bright colours such as red, orange and gold are especially popular. Many people choose to dress in saris or traditional Indian costumes, which are decorated with elaborate embroidery and intricate detailing.

During Holi, the festival of colours, fashion is filled with bright and colourful garments. Designers take inspiration from these festivals to create unique and vibrant garments that reflect the joy and energy of the festivities.

Coexistence and collaboration

In an increasingly globalized world, fashion has become a platform for coexistence and collaboration between different cultures. The retail industry has opened its doors to designers from all over the world, allowing ideas and cultural traditions to mix and enrich each other.

During the holiday season, many brands organize special events and collaborations with local designers and artists to celebrate cultural diversity. These events not only present holiday-inspired collections, but also provide an opportunity for emerging designers to showcase their work.

Collaboration between designers from different countries and cultures has resulted in unique collections that celebrate diversity and foster cultural understanding. These collaborations allow designers to share their vision of fashion and create garments that fuse different styles and traditions.

Cultural appropriation versus cultural appreciation

As fashion becomes more diverse and multicultural, it is important to address the issue of cultural appropriation versus cultural appreciation. While cultural appreciation involves recognizing and valuing the traditions of other cultural groups, cultural appropriation involves borrowing cultural elements without due respect and understanding.

It is essential that the retail industry promotes cultural appreciation rather than appropriation. This means giving credit to sources of inspiration, collaborating with designers from different cultures, and respecting cultural traditions and symbols. It is essential that designers and fashion brands are aware of this and ensure that their holiday inspiration is done in a respectful and sensitive manner.

A bridge for cultural understanding

Fashion has the power to bring people together and promote cultural understanding. Through it, we can learn about different cultures, traditions and ways of life. By wearing clothes inspired by other cultures, we can show respect and appreciation for global diversity. It can also be a way to start conversations and promote education about different cultures and cultural understanding.

Designers, brands and consumers can use fashion as a platform to share stories and experiences, thus fostering mutual understanding and respect.

In conclusion, fashion is a language of celebration that reflects people’s cultural identity and the festivities that mark their lives. Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu festivities are just a few examples of how celebrations influence fashion.

However, it is important to do so in a respectful and sensitive manner, avoiding cultural appropriation and encouraging cultural appreciation. By embracing diversity and inclusion, fashion brands can play a significant role in building bridges between different cultures and promoting global harmony.

Sources: culturasdemoda.com; modaes.com; vogue.es; cincodias.elpais.com, joseluisledesma.com

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Durante las festividades como la Navidad, el Año Nuevo chino, el Ramadán y las festividades hindúes, la moda adquiere un significado especial, ya que se convierte en una forma de conectar diferentes culturas y celebrar la diversidad.

La influencia de la Navidad

La Navidad es una festividad ampliamente celebrada en todo el mundo y tiene un impacto significativo en la industria de la moda. Durante esta época del año, los colores tradicionales como el rojo, el verde y el dorado dominan las pasarelas y las tiendas de moda. Los estampados de renos, copos de nieve y árboles de Navidad también se vuelven populares. Además, los suéteres navideños con diseños festivos se han convertido en una tendencia muy querida durante estas fiestas.

El Año Nuevo chino en la industria del fashion

El Año Nuevo Chino es otra celebración que tiene una gran influencia en la moda. Esta festividad, que se celebra en enero o febrero, está llena de tradiciones y simbolismos que se reflejan en la moda china. Los colores rojo y dorado son especialmente significativos durante el Año Nuevo Chino, ya que representan la buena suerte y la prosperidad.

En la industria de la moda, el Año Nuevo Chino se ha convertido en una oportunidad para que las marcas lancen colecciones especiales inspiradas en la cultura china. Los estampados de dragones, flores de cerezo y otros símbolos chinos se pueden ver en prendas de vestir y accesorios durante esta temporada. Además, los desfiles de moda que se llevan a cabo en China durante el Año Nuevo son un escaparate para los diseñadores locales y una forma de celebrar la rica cultura china.

Cada año, el calendario chino presenta un animal diferente y este se convierte en un motivo popular para los diseñadores de moda. Por ejemplo, cuando el año chino es el año del ratón, los estampados de ratón y los detalles relacionados con los ratones se vuelven populares en la ropa y los accesorios. Además, el color rojo, que se considera afortunado en la cultura china, es ampliamente utilizado en las colecciones de moda durante esta temporada.

La conexión entre la moda y el Ramadán

El Ramadán es un mes sagrado para los musulmanes, en el que se lleva a cabo el ayuno diario desde el amanecer hasta el anochecer. Durante este período, la moda también juega un papel importante. Muchas marcas de moda lanzan colecciones especiales para el Ramadán, que incluyen prendas más modestas y adecuadas para esta festividad religiosa.

Las prendas durante esta festividad se caracterizan por el uso de colores suaves y tejidos ligeros que permiten a las personas mantenerse frescas y cómodas durante el ayuno. Los diseños suelen ser elegantes y sofisticados, con detalles como encajes, bordados y estampados florales. Además, la moda del Ramadán también se inspira en las tradiciones culturales de diferentes países musulmanes, lo que hace que cada colección sea única y representativa de la diversidad dentro de la comunidad musulmana.

Festividades hindúes y su influencia

Las festividades hindúes, como Diwali y Holi, también tienen un impacto significativo en la moda. Durante Diwali, la festividad de las luces, los colores brillantes como el rojo, el naranja y el dorado son especialmente populares. Muchas personas eligen vestirse con saris o trajes tradicionales indios, que están decorados con bordados elaborados y detalles intrincados.

Durante Holi, el festival de los colores, la moda se llena de prendas brillantes y coloridas. Los diseñadores se inspiran en estos festivales para crear prendas únicas y vibrantes que reflejan la alegría y la energía de las festividades.

Convivencia y colaboración en la moda

En un mundo cada vez más globalizado, la moda se ha convertido en una plataforma para la convivencia y la colaboración entre diferentes culturas. La industria de la moda ha abierto sus puertas a diseñadores de todo el mundo, permitiendo que ideas y tradiciones culturales se mezclen y se enriquezcan mutuamente.

Durante la temporada de festividades, muchas marcas de moda organizan eventos especiales y colaboraciones con diseñadores y artistas locales para celebrar la diversidad cultural. Estos eventos no solo presentan colecciones inspiradas en las festividades, sino que también ofrecen una oportunidad para que los diseñadores emergentes muestren su trabajo. 

La colaboración entre diseñadores de diferentes países y culturas ha dado lugar a colecciones únicas que celebran la diversidad y fomentan la comprensión cultural. Estas colaboraciones permiten a los diseñadores compartir su visión de la moda y crear prendas que fusionan diferentes estilos y tradiciones.

Apropiación cultural versus aprecio cultural

A medida que la moda se vuelve más diversa y multicultural, es importante abordar el tema de la apropiación cultural versus el aprecio cultural. Mientras que el aprecio cultural implica reconocer y valorar las tradiciones de otros grupos culturales, la apropiación cultural implica tomar prestados elementos culturales sin el debido respeto y comprensión.

Es fundamental que la industria de la moda promueva el aprecio cultural en lugar de la apropiación. Esto implica dar crédito a las fuentes de inspiración, colaborar con diseñadores de diferentes culturas y respetar las tradiciones y símbolos culturales. Es esencial que los diseñadores y las marcas de moda sean conscientes de esto y se aseguren de que su inspiración en las festividades se haga de manera respetuosa y sensible.

Un puente para la comprensión cultural

La moda tiene el poder de unir a las personas y promover la comprensión cultural. A través de ella, podemos aprender sobre diferentes culturas, tradiciones y formas de vida. Al vestir prendas inspiradas en otras culturas, podemos mostrar respeto y aprecio por la diversidad global. Además, puede ser una forma de iniciar conversaciones y promover la educación sobre diferentes culturas y la comprensión cultural.

Los diseñadores, las marcas y los consumidores pueden utilizar la moda como una plataforma para compartir historias y experiencias, fomentando así la comprensión y el respeto mutuo.

En conclusión, la moda es un lenguaje de celebración que refleja la identidad cultural de las personas y las festividades que marcan sus vidas. La Navidad, el Año Nuevo Chino, el Ramadán y las festividades hindúes son solo algunos ejemplos de cómo las celebraciones influyen en la moda.

Sin embargo, es importante hacerlo de manera respetuosa y sensible, evitando la apropiación cultural y fomentando la apreciación cultural. Al abrazar la diversidad y la inclusión, las marcas de moda pueden desempeñar un papel significativo en la construcción de puentes entre diferentes culturas y en la promoción de la armonía global.

Fuentes: culturasdemoda.com; modaes.com; vogue.es; cincodias.elpais.com, joseluisledesma.com

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Corporate sustainability

Corporate sustainability is an approach that seeks to preserve the environment, improve people’s quality of life, and at the same time optimize the profitability of a business. It involves implementing strategies and practices that minimize negative impacts on the environment and society, while promoting balanced and sustainable economic growth.

Business sustainability can be defined as the ability of a company to manage its operations in a responsible and ethical manner, taking into account social welfare, the environment and long-term economic profitability. This means that companies must be aware of the effects of their actions on the environment and society, and take measures to minimise them.

Why is it important?

Corporate sustainability is crucial in the world today for a series of reasons as:

1. Environmental and social awareness is on the increase, leading consumers to demand more environmentally and socially responsible products and services.
2. Companies that adopt sustainable practices can improve their image and reputation, which in turn can increase customer loyalty and profitability.
3. Implementing sustainability strategies can help companies to meet evolving regulations and legal standards, thereby reducing operational and legal risks.
4. Business sustainability can also result in greater efficiency and cost reduction through the conscious use of resources and innovation in processes and technologies.

Characteristics of corporate sustainability

Businesses should base their actions on universal principles in areas such as human rights, labour, anti-corruption and the environment. This means aligning their operational processes and internal policies with international standards and responsibilities in these areas, and adopting an ethical and responsible approach in all their decisions and actions. Below, we look at some key concepts of corporate sustainability and their practical contributions:

Social support

A sustainable business must be concerned not only with its own structure and operations, but also with the social issues surrounding it, such as the level of poverty, conflict, resource scarcity and the education of the workforce. Corporate sustainability is also measured through indicators that assess how much a company contributes to community development, such as the social empowerment index.

Embedding sustainability in the corporate DNA

Corporate sustainability should be an integral part of a company’s internal culture and processes, and not simply a series of isolated or reactive actions. This implies that sustainable practices are integrated into senior management decision-making, and that a positive and committed stance on sustainability is promoted among employees.

Publication of annual sustainability reports

Sustainable companies should publish annual reports describing their sustainability strategies and results achieved. These reports are an effective way of demonstrating a company’s commitment and responsibility to society and the environment, and can serve as an incentive for other companies to adopt similar practices.

Integration with local communities

Sustainable organizations should establish positive links with local communities, strengthening civil society and promoting civic and democratic values. This involves contributing to the development and well-being of the community, generating employment, promoting culture and education, and improving the quality of life of the general population.

Steps towards company sustainability

There are undoubtedly a number of essential steps that need to be taken to move towards corporate sustainability:

1. Build and strengthen trust:

Transparency and communication are key to building trust among employees, customers and partners. Companies must be honest and open about their sustainability practices and policies, and show their commitment through concrete actions and measurable results.

2. Focusing on climate and environmental concerns

Companies should prioritize reducing their environmental impact and taking action to combat climate change. This may include adopting renewable energy sources, reducing greenhouse gas emissions, and implementing resource conservation and recycling practices.

3. Integrate innovation into business strategy

Innovation is key to developing sustainable solutions and improving resource efficiency. Companies should explore new technologies and processes that allow them to reduce their environmental footprint and optimize their operations, while adapting to market changes and trends.

Indicators of corporate sustainability

To measure progress in implementing sustainable practices, companies can use key performance indicators (KPIs) in the areas of environmental, social and economic sustainability such as:

• Effective use of natural resources.
• Measuring resource and raw material depletion.
• Minimizing the use of environmentally harmful materials and products.
• Prevention of negative impacts on ecosystems.
• Production and use of environmentally friendly products.
• Percentage of employees who consider that the company acts responsibly.
• Number of full-time employees engaged in social investment projects.
• Funds raised for humanitarian and non-profit organizations.
• Employee salaries, contracts and benefits.
• Customer satisfaction, retention, loyalty.
• Employee satisfaction, competence and commitment.
• Accounting policies.
• Budget evaluation.

Corporate sustainability is not only vital to contribute to the preservation of the environment and the communities in which organizations are inserted, but also to the improvement of employees’ professional lives and the relationship with consumers and users. Implementing sustainable practices can make a significant difference to the success and profitability of a company in today’s world.

Ready to start implementing corporate sustainability in your organization?

Sources: eleconomista.es; ibm.com; safetyculture.com; elpais.com

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La sostenibilidad empresarial

La sostenibilidad empresarial es un enfoque que busca preservar el medio ambiente, mejorar la calidad de vida de las personas y al mismo tiempo optimizar la rentabilidad de un negocio. Esto implica la implementación de estrategias y prácticas que minimicen los impactos negativos en el entorno y la sociedad, al tiempo que se promueve un crecimiento económico equilibrado y sostenible.

La sostenibilidad empresarial se puede definir como la capacidad de una empresa para gestionar sus operaciones de manera responsable y ética, teniendo en cuenta el bienestar social, el medio ambiente y la rentabilidad económica a largo plazo. Esto significa que las empresas deben ser conscientes de los efectos de sus acciones en el entorno y la sociedad, y adoptar medidas para reducirlos al mínimo.

¿Por qué es importante?

La sostenibilidad empresarial es crucial en el mundo actual por varias razones:

1. La conciencia ambiental y social está en aumento, lo que lleva a los consumidores a exigir productos y servicios más responsables y respetuosos con el entorno y la sociedad.
2. Las empresas que adoptan prácticas sostenibles pueden mejorar su imagen y reputación, lo que a su vez puede aumentar la lealtad del cliente y la rentabilidad.
3. La implementación de estrategias de sostenibilidad puede ayudar a las empresas a cumplir con las regulaciones y normas legales en evolución, reduciendo así los riesgos operativos y legales.
4. La sostenibilidad empresarial también puede resultar en una mayor eficiencia y reducción de costos, gracias al uso consciente de los recursos y la innovación en procesos y tecnologías.

Características de la sostenibilidad empresarial

Las empresas deben basar su actuación en principios universales en áreas como derechos humanos, trabajo, lucha contra la corrupción y medio ambiente. Esto implica alinear sus procesos operativos y políticas internas con las normas y responsabilidades internacionales en estas áreas, y adoptar un enfoque ético y responsable en todas sus decisiones y acciones.  A continuación veremos algunos conceptos claves de la sostenibilidad empresarial y sus contribuciones prácticas:

Apoyo social

Una empresa sostenible debe preocuparse no solo por su propia estructura y operaciones, sino también por los aspectos sociales que la rodean, como el nivel de pobreza, los conflictos, la escasez de recursos y la educación de la fuerza laboral. La sostenibilidad empresarial se mide también a través de indicadores que evalúan cuánto contribuye una empresa al desarrollo de la comunidad, como el índice de fortalecimiento de la sociedad.

Inclusión de la sostenibilidad en el ADN corporativo

La sostenibilidad empresarial debe formar parte integral de la cultura y los procesos internos de una empresa, y no ser simplemente una serie de acciones aisladas o reactivas. Esto implica que las prácticas sostenibles se integren en la toma de decisiones de la alta dirección, y que se promueva una postura positiva y comprometida con la sostenibilidad entre los empleados.

Publicación de informes anuales sobre sostenibilidad

Las empresas sostenibles deben publicar informes anuales que describan sus estrategias de sostenibilidad y los resultados obtenidos. Estos informes son una forma eficaz de demostrar el compromiso y la responsabilidad de una empresa con la sociedad y el medio ambiente, y pueden servir como incentivo para que otras empresas adopten prácticas similares.

Integración con las comunidades locales

Las organizaciones sostenibles deben establecer vínculos positivos con las comunidades locales, fortaleciendo la sociedad civil y promoviendo valores cívicos y democráticos. Esto implica contribuir al desarrollo y bienestar de la comunidad, generando empleo, promoviendo la cultura y la educación, y mejorando la calidad de vida de la población en general.

Pasos hacia la sostenibilidad empresarial

Sin duda, para ir hacia la sostenibilidad empresarial hay que tener en cuenta de algunos pasos esenciales:

1. Construir y fortalecer la confianza

La transparencia y la comunicación son fundamentales para generar confianza entre los empleados, clientes y socios. Las empresas deben ser honestas y abiertas acerca de sus prácticas y políticas de sostenibilidad, y mostrar su compromiso a través de acciones concretas y resultados medibles.

2. Enfocarse en las preocupaciones climáticas y ambientales

Las empresas deben priorizar la reducción de su impacto ambiental y tomar medidas para combatir el cambio climático. Esto puede incluir la adopción de fuentes de energía renovable, la reducción de emisiones de gases de efecto invernadero, y la implementación de prácticas de conservación de recursos y reciclaje.

3. Integrar la innovación en la estrategia empresarial

La innovación es clave para desarrollar soluciones sostenibles y mejorar la eficiencia en el uso de recursos. Las empresas deben explorar nuevas tecnologías y procesos que les permitan reducir su huella ambiental y optimizar sus operaciones, al tiempo que se adaptan a los cambios y tendencias del mercado.

Indicadores de sostenibilidad empresarial

Para medir el progreso en la implementación de prácticas sostenibles, las empresas pueden utilizar indicadores clave de desempeño (KPI) en las áreas de sostenibilidad ambiental, social y económica como:

• Utilización efectiva de los recursos naturales.
• Medición del agotamiento de los recursos y materias primas.
• Minimizar el uso de materiales y productos nocivos para el medio ambiente.
• Prevención de impactos negativos en los ecosistemas.
• Producción y uso de productos inocuos para el medio ambiente.
• Porcentaje de empleados que consideran que la empresa actúa de forma responsable.
• Número de empleados a tiempo completo dedicados a proyectos de inversión social.
• Fondos recaudados para organizaciones humanitarias y sin fines de lucro.
• Salarios, contratos y beneficios para empleados.
• Satisfacción, retención, fidelización del cliente.
• Satisfacción, competencia y compromiso de los empleados.
• Políticas de contabilidad.
• Evaluación de presupuesto.

La sostenibilidad empresarial no solo es vital para contribuir a la preservación del medio ambiente y las comunidades donde se insertan las organizaciones, sino también para el mejoramiento de la vida profesional de los empleados y la relación con consumidores y usuarios. Implementar prácticas sostenibles puede marcar una diferencia significativa en el éxito y la rentabilidad de una empresa en el mundo actual.

¿Listo para comenzar a implementar la sostenibilidad empresarial en tu organización?

Fuentes: eleconomista.es; ibm.com; safetyculture.com; elpais.com

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Although Fornasetti is known for his work in interior design and the creation of decorative objects, he began his career in painting. After studying at the Brera Academy of Fine Arts in Milan, Fornasetti began working as an illustrator for magazines and newspapers. It was during this time that he began to develop his unique style, characterized by a combination of surrealist and classical elements.

Fornasetti also began working in interior design during this time, creating furniture and decorative objects for friends and clients. It was his work in interior design that eventually led him to create his iconic porcelain plate design, which became one of his most famous creations.

He was a painter, sculptor, illustrator, printmaker, designer, ceramist, craftsman, interior decorator, art book publisher and even collector. The fact that he ventured into so many artistic fields made him a born and amusing creator of art. He not only focused on making commissioned decorative pieces, but also enjoyed experimenting with new techniques and materials.

His work has marked a milestone in the history of design, becoming an icon, repeated by furniture designers and fashion houses in their collections under the Fornasetti licence.

Today, his son Barnaba Fornasetti continues to design in his name, creating each piece entirely by hand. Each piece is unique and unrepeatable. To recognize the originals, it is only necessary to look for the serial number and year of production.

Fornasetti’s unique style and inspirations

Fornasetti’s design style is unique and easily recognizable. It is characterized by a combination of classical and surrealistic elements, as well as the use of repetitive patterns and graphic designs. Fornasetti’s designs often feature motifs such as the sun, moon and stars, as well as human and animal figures. He was also inspired by classical architecture and Greek and Roman mythology. Some of his most famous collaborators include the architect Gio Ponti and the surrealist artist Salvador Dalí. Of particular note is his most recent collaboration (2021) with the luxury brand Louis Vuitton.

A collaboration initiated by Nicolas Ghesquière, artistic director of Louis Vuitton’s women’s collections, in which the Maison explores the creative world of the Italian atelier. The collection showcases Fornasetti’s iconic handmade drawings that have captivated art and design lovers since the atelier’s founding in 1940.

These designs were selected by Nicolas Ghesquière in conjunction with Barnaba Fornasetti, Piero’s son and artistic director of the Fornasetti atelier.

Lasting appeal

Fornasetti’s work remains very popular today. This is largely due to his ability to create timeless designs and decorative objects that are both functional and aesthetically appealing. In addition, his use of repetitive patterns and graphic designs means that his creations are easily recognizable and can be used in a variety of design contexts.

His strong point has always been imagination: “It’s fundamental. I try to free my inspiration from the everyday. I don’t paint from reality, but from my memories. I don’t copy.

His work in interior design is one of his most enduring legacies. His designs for wallpaper, decorative objects and furniture can be found in homes and commercial spaces around the world.

Some of his most iconic designs are undoubtedly his porcelain plates, which feature a variety of motifs and graphic designs. One of his most famous designs features the face of Italian actress and singer Lina Cavalieri.

Fornasetti was leafing through a magazine when he suddenly discovered Lina’s face. He was so fascinated that he described her as “[…] the true archetype: the quintessence of an image of classical beauty, like a Greek statue, enigmatic like the Mona Lisa”.

A face with enigmatic features defined by Gabriele D’Annunzio, the most emblematic exponent of Italian decadentism, as “the highest testimony of Venus on Earth”, a timeless physiognomy destined to become an icon.

Fornasetti, without even knowing her, turned Lina Cavalieri into an eternal female icon, transforming and reworking her face, which appears masked, torn, tattooed, reflected in a mirror, cut, inserted into geometric figures, smiling, crying, mischievous, furious in the artist’s works. Perhaps Fornasetti’s Lina can be considered, to all intents and purposes, a twentieth-century Mona Lisa, a precursor of Warhol’s Marilyn.

Fornasetti’s influence on contemporary design

The design is still evident today. His unique style and his ability to create timeless and functional designs have inspired many contemporary designers. In addition, his focus on combining classical and surreal elements has influenced interior design and decorative objects.

A Fornasetti drawing has the power to change the vibe of a place, not because it is beautiful, but because it takes you to a different dimension, that of dreams. Philippe Starck

Throughout his career, Piero Fornasetti left a lasting impact on the world of design. His unique style and his ability to create timeless and functional designs have inspired many contemporary designers.

Sources: revistaad.es; es.louisvuitton.com; nuvomagazine.com; elledecor.com; fornasetti.com; 

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Aunque Fornasetti es conocido por su trabajo en el diseño de interiores y la creación de objetos decorativos, comenzó su carrera en la pintura. Después de estudiar en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, Fornasetti comenzó a trabajar como ilustrador para revistas y periódicos. Fue durante este tiempo que comenzó a desarrollar su estilo único, que se caracteriza por la combinación de elementos surrealistas y clásicos.

Fornasetti también comenzó a trabajar en el diseño de interiores durante este tiempo, creando muebles y objetos decorativos para amigos y clientes. Fue su trabajo en el diseño de interiores lo que finalmente lo llevó a crear su icónico diseño de plato de porcelana, que se convirtió en una de sus creaciones más famosas.

Fue pintor, escultor, ilustrador, grabador, diseñador, ceramista, artesano, decorador de interiores, editor de libros de arte e incluso, coleccionista. El hecho de que se atreviera con tantos campos artísticos, lo convertía en un creador de arte nato y divertido. No solo se centraba en realizar piezas decorativas por encargo, sino que también, disfrutaba experimentando con nuevas técnicas y materiales.

Su obra ha marcado un hito en la historia del diseño, convirtiéndose en un icono, repetido por diseñadores de mobiliario y firmas de moda en sus colecciones bajo la licencia de Fornasetti.

Actualmente, su hijo, Barnaba Fornasetti sigue diseñando en su nombre y creando cada pieza de forma totalmente artesanal. Cada pieza es única e irrepetible. Para reconocer las originales, tan solo es necesario buscar el número de serie y año de producción.

El estilo único de Fornasetti y sus inspiraciones

El estilo de diseño de Fornasetti es único y fácilmente reconocible. Se caracteriza por la combinación de elementos clásicos y surrealistas, así como por el uso de patrones repetitivos y diseños gráficos. Los diseños de Fornasetti a menudo presentan motivos como el sol, la luna y las estrellas, así como figuras humanas y animales. También se inspiró en la arquitectura clásica y en la mitología griega y romana. Algunos de sus colaboradores más famosos incluyen al arquitecto Gio Ponti y al artista surrealista Salvador Dalí. Cabe destacar su colaboración más reciente (2021) con la marca de lujo Louis Vuitton.

Una colaboración iniciada por Nicolas Ghesquière, director artístico de las colecciones femeninas de Louis Vuitton, en la que la Maison explora el mundo creativo del atelier italiano. La colección muestra los icónicos dibujos hechos a mano de Fornasetti que han cautivado a los amantes del arte y el diseño; desde la fundación del atelier en 1940.

Estos diseños fueron seleccionados por Nicolas Ghesquière en conjunto con Barnaba Fornasetti, hijo de Piero y director artístico del atelier de Fornasetti.

El atractivo duradero

El trabajo de Fornasetti sigue siendo muy popular hoy en día. Esto se debe en gran parte a su capacidad para crear diseños atemporales y objetos decorativos que son tanto funcionales como estéticamente atractivos. Además, su uso de patrones repetitivos y diseños gráficos significa que sus creaciones son fácilmente reconocibles y pueden ser utilizadas en una variedad de contextos de diseño.

Su punto fuerte siempre fue la imaginación: “Es fundamental. Yo procuro liberar mi inspiración de lo cotidiano. No pinto a partir de la realidad, sino de mis recuerdos. No copio”.

Su trabajo en el diseño de interiores es uno de sus legados más duraderos. Sus diseños de papel tapiz, objetos decorativos y muebles se pueden encontrar en hogares y espacios comerciales en todo el mundo. 

Algunos de sus diseños más icónicos, son, sin duda, sus platos de porcelana, que presentan una variedad de motivos y diseños gráficos. Uno de sus diseños más famosos presenta el rostro de la actriz y cantante italiana Lina Cavalieri. 

Fornasetti estaba hojeando una revista cuando, de repente, descubrió el rostro de Lina. Se quedó tan fascinado que la describió como «[…] el verdadero arquetipo: la quintaesencia de una imagen de belleza clásica, como una estatua griega, enigmática como la Mona Lisa».

Un rostro de rasgos enigmáticos definido por Gabriele D’Annunzio, el exponente más emblemático del decadentismo italiano, como «el más alto testimonio de Venus en la Tierra», una fisionomía atemporal destinada a convertirse en un icono.

Fornasetti, sin siquiera conocerla, convirtió a Lina Cavalieri en un icono femenino eterno, transformando y reelaborando su rostro, que aparece enmascarado, desgarrado, tatuado, reflejado en un espejo, cortado, insertado en figuras geométricas, sonriendo, llorando, travieso, furioso en las obras del artista. Quizás la Lina de Fornasetti pueda considerarse, a todos los efectos, una Mona Lisa del siglo XX, precursora de la Marilyn de Warhol.

La influencia de Fornasetti en el diseño contemporáneo

Aunque la carrera de Fornasetti abarcó varias décadas, su influencia en el mundo del diseño sigue siendo evidente hoy en día. Su estilo único y su capacidad para crear diseños atemporales y funcionales han inspirado a muchos diseñadores contemporáneos. Además, su enfoque en la combinación de elementos clásicos y surrealistas ha influido en el diseño de interiores y objetos decorativos.

Un dibujo de Fornasetti tiene el poder de cambiar la vibración de un lugar, no porque sea bonito, sino porque te lleva a una dimensión diferente, la de los sueños.  Philippe Starck

A lo largo de su carrera, Piero Fornasetti dejó un impacto duradero en el mundo del diseño. Su estilo único y su capacidad para crear diseños atemporales y funcionales han inspirado a muchos diseñadores contemporáneos.

Fuentes: revistaad.es; es.louisvuitton.com; nuvomagazine.com; elledecor.com; fornasetti.com; 

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What is mental health, and why is it important?

The term mental health describes our emotional, psychological and social well-being. It is the ability to think, feel and act in order to improve one’s quality of life to be able to face life’s challenges, as well as to interact with others positively.

Mental health is an essential aspect of a person’s overall health and is necessary for the proper functioning of both individuals and organizations.

It is important to recognize and understand the signs and symptoms that can affect our mental health in order to effectively address them. These can range from minor, everyday problems to serious mental illness.

It is therefore very important not to underestimate even the mildest symptoms, because if mental health problems are not treated early, they can have a significant impact on our ability to lead healthy and productive lives.

They can make it difficult to manage day-to-day responsibilities, such as work, studies and family. It can also lead to increased stress, decreased productivity and deteriorate our health.

Therefore, it is vitally important to recognize and raise awareness of mental health problems, especially in the workplace.

Mental health in the workplace

Mental health problems can present with a wide range of signs and symptoms. They can include changes in mood or behaviour, difficulty concentrating, changes in appetite or sleep, feelings of hopelessness or worthlessness, and feelings of overwhelm.

It is important to understand that those problems often manifest differently for each person. It is therefore important to be aware of these differences and be sensitive to the needs of each individual.

Today, more than ever, it is critical to take steps to promote and ensure mental health in the workplace. In a world that is always in a hurry, stress can be something to deal with on a daily basis. It is important to note that more and more employees are not only looking for companies that care about maintaining appropriate working conditions and facilities, but also about their well-being both on and off the job.

Mental health in the workplace is as important to employees as it is to employers. Deteriorating mental health can have a negative impact on productivity, cause higher levels of absenteeism and lead to increased turnover. Not to mention that it can lead to increased levels of stress, burnout and decreased morale.

Therefore, employers have a responsibility to ensure that the workplace is a safe and healthy environment for employees. This means providing a conducive work environment, free from discrimination and harassment, as well as providing resources and support to employees.

Strategies to manage stress and anxiety

As we have mentioned, stress and anxiety can have a negative impact on our mental health. Similarly, it is important to recognize the signs and symptoms of stress and anxiety, such as difficulty sleeping, irritability, difficulty concentrating and restlessness. Even more important is finding healthy ways to manage stress and anxiety.

One of the most effective ways to manage stress and anxiety is relaxation techniques. This can include meditation, yoga, breathing exercises and muscle relaxation. Exercise is also a great way to reduce stress and anxiety, as it helps release endorphins. It is also essential to make time for activities that you enjoy, such as reading, listening to music or spending time with friends and family.

Benefits of a healthy work environment

Prioritizing mental health in the workplace can also lead to increased innovation and creativity, which can improve productivity and overall results. Employees who feel supported and valued are more likely to stay with the company and be more productive.

Creating a healthy work environment starts with a commitment from the top. Employers should create policies and procedures that promote a healthy work environment, such as flexible work schedules and the ability to work from home.

Mental health in the workplace can be improved in a number of ways, but one of the most important is to foster a culture that promotes open dialogue about these issues and encourages healthy habits, such as encouraging employees to take regular breaks, get enough sleep and eat healthy.

Companies have a responsibility to promote and prioritize a work environment that helps protect the mental health of their employees, as well as provide access to resources that can help us improve our well-being.

Sources: who.int/es; elpais.com; consaludmental.es ; .ilo.org ; eleconomista.es ;

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¿Qué es la salud mental y por qué es importante?

Con el término salud mental nos referimos a nuestro bienestar emocional, psicológico y social. Es la capacidad de pensar, sentir y actuar a fin de mejorar la calidad de vida de las personas para poder afrontar los retos de la vida, así como interactuar con los demás de forma positiva. 

La salud mental es un aspecto esencial de la salud general de una persona y es necesaria para el buen funcionamiento tanto de los individuos como de las organizaciones.

Es importante reconocer y comprender los signos y síntomas que pueden afectar nuestra salud mental para poder abordarlos eficazmente. Estos pueden ir desde problemas menores y cotidianos hasta enfermedades mentales graves.

Por eso es muy importante no subestimar incluso los síntomas más leves, ya que si los problemas de salud mental no son tratados a tiempo pueden tener un impacto significativo en nuestra capacidad para llevar una vida sana y productiva. 

Pueden dificultar la gestión de las responsabilidades cotidianas, como el trabajo, los estudios y la familia. También puede provocar un aumento del estrés, una disminución de la productividad y deteriorar nuestra salud.

Por ello, es de vital importancia reconocer y concienciar sobre los problemas de salud mental, sobre todo en el lugar de trabajo.

Salud mental en el entorno de trabajo

Los problemas de salud mental pueden presentar una amplia gama de signos y síntomas. Pueden incluir cambios en el estado de ánimo o el comportamiento, dificultad para concentrarse, cambios en el apetito o el sueño, sentimientos de desesperanza o inutilidad y sensación de agobio.

Es importante comprender que los problemas de salud mental suelen manifestarse de forma diferente en cada persona. Por ello es importante ser consciente de estas diferencias y ser sensible a las necesidades de cada individuo.

Hoy más que nunca es fundamental adoptar medidas para promover y garantizar la salud mental en los lugares de trabajo. En un mundo siempre de prisa, el estrés puede ser algo con el cual lidiar diariamente. Es importante notar que cada vez más empleados no solo buscan empresas que se preocupen por mantener condiciones labórales e instalaciones apropiadas, sino por su bienestar dentro y fuera del trabajo. 

La salud mental en el lugar de trabajo es tan importante para los empleados como para los empresarios. El deterioro de la salud mental puede tener un impacto negativo de la productividad, causar mayores niveles de absentismo y provocar un aumento en la de rotación de personal. Sin mencionar que puede conducir a un aumento de los niveles de estrés, agotamiento y disminución de la moral.

Por ello, los empresarios tienen la responsabilidad de garantizar que el lugar de trabajo sea un entorno seguro y saludable para los empleados. Esto significa proporcionar un entorno de trabajo propicio, libre de discriminación y acoso, así como proporcionar recursos y apoyo a los empleados.

Estrategias para controlar el estrés y la ansiedad

Tal como hemos mencionado, el estrés y la ansiedad pueden tener un impacto negativo en nuestra salud mental. De igual modo, es importante reconocer los signos y síntomas del estrés y la ansiedad, como la dificultad para dormir, la irritabilidad, la dificultad para concentrarse y la inquietud. Aún más importante es encontrar formas saludables de controlar el estrés y la ansiedad.

Una de las formas más eficaces de controlar el estrés y la ansiedad son las técnicas de relajación. Esto puede incluir meditación, yoga, ejercicios de respiración y relajación muscular. El ejercicio también es una forma estupenda de reducir el estrés y la ansiedad, ya que ayuda a liberar endorfinas. Es fundamental, además, tomarse tiempo para realizar actividades que le gusten, como leer, escuchar música o pasar tiempo con amigos y familiares.

Beneficios de un entorno de trabajo saludable

Priorizar la salud mental en el lugar de trabajo también puede conducir a un aumento de la innovación y la creatividad, lo que puede mejorar la productividad y los resultados generales. Los empleados que se sienten apoyados y valorados tienen más probabilidades de permanecer en la empresa y ser más productivos.

La creación de un entorno de trabajo saludable empieza con un compromiso desde arriba. Los empresarios deben crear políticas y procedimientos que promuevan un entorno de trabajo saludable, por ejemplo, horarios de trabajo flexibles y la posibilidad de trabajar desde casa. 

La salud mental en el lugar de trabajo se puede mejorar de varias maneras, pero una de las más importantes es fomentar una cultura que promueva el diálogo abierto sobre estos temas y fomente hábitos saludables, como animar a los empleados a tomarse descansos regulares, dormir lo suficiente y comer sano.

Hay que entender los problemas de salud mental, como una parte de nuestra vida, como una parte de nuestra salud global. La salud mental es un aspecto más del bienestar de cada persona. Algo que tenemos que cuidar, prestar atención y afrontar si pensamos que nos encontramos ante un problema.

Las empresas tienen la responsabilidad de promover y priorizar un ambiente de trabajo que ayude a proteger la salud mental de sus empleados, así como de proporcionar acceso a recursos que nos pueden ayudar a mejorar nuestro bienestar.

Fuentes: who.int/es; elpais.com; consaludmental.es ; .ilo.org ; eleconomista.es ;

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Kusama gained recognition for her work in the 1950s and 1960s, when she was part of the avant-garde art scene in New York. She has continued to create works throughout her career, and her works have been exhibited in many major museums and galleries around the world, making her one of the most influential and iconic Japanese artists of the 21st century.

The collaboration between Yayoi Kusama and Louis Vuitton

In 2012, Yayoi Kusama and Louis Vuitton began their journey together. The collaboration was a great success, and resulted in the launch of a special collection featuring Kusama’s art. The collection included clothing, accessories and home décor items, all decorated with her iconic polka dots. The collaboration received much attention and praise, and has become one of the most successful collaborations between an artist and a fashion house.

The success of the collaboration between Kusama and Louis Vuitton has helped bring the artist’s works to a wider audience, and her works have become an integral part of the house’s collections and campaigns.

Today, 10 years after their first collaboration, the worlds of fashion and art merge once again in the brand’s Cruise 2023 collection, with the infinite and timeless vision that is so characteristic of the artist.

The Collection

The launch of the new collection is celebrated with a campaign starring international models such as Gisele Bundchen, Bella Hadid, Karlie Kloss, Natalia Vodianova, Malick Bodian, Anok Yai, Fei Fei and many more, who were part of the new designs inspired by the art of “The Polka Dot Princess”.

With a pop style, each of the pieces in this collection features a design pattern with dots of different colors and sizes.

To create them, an innovative silkscreen printing technique was used that reproduces the artist’s brushstrokes, giving a realistic effect, as if they were hand-painted. The main pieces of the collection are a variety of Louis Vuitton bags with Yayoi Kusama’s signature twist, as if they were canvases with splashes of monochromatic paint. The future of the collaboration certainly looks promising.

The impact of Yayoi Kusama’s art on fashion trends

Kusama’s art has also inspired several fashion designers. Her signature polka dots have become an integral part of many designers’ collections.

In addition to influencing fashion trends, Kusama’s art has also had a major influence on the world of visual merchandising. Her works have been used to create captivating, eye-catching displays and immersive experiences.

The collaboration with the French firm has helped to create a bridge between art and fashion, and has helped to remind us of the importance of art in this world, helping to inspire a new generation of artists.

Sources: louisvuitton.com ; vogue.es ; moda.es; highsnobiety.com ; neo2.com ; Instagram.com

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Kusama obtuvo reconocimiento por su obra en las décadas de 1950 y 1960, cuando formaba parte de la escena artística de vanguardia de Nueva York. Ha seguido creando obras a lo largo de su carrera, y sus trabajos se han expuesto en muchos museos y galerías importantes de todo el mundo convirtiéndola en una de las artistas japonesas más influyentes e icónicas del siglo XXI.

La colaboración entre Yayoi Kusama y Louis Vuitton

En 2012, Yayoi Kusama y Louis Vuitton iniciaron su viaje juntos. La colaboración fue un gran éxito, y se tradujo en el lanzamiento de una colección especial con el arte de Kusama. La colección incluía ropa, accesorios y artículos de decoración para el hogar, todos ellos decorados con sus icónicos lunares. La colaboración recibió mucha atención y elogios, y se ha convertido en una de las más exitosas entre un artista y una casa de moda.

El éxito de la colaboración entre Kusama y Louis Vuitton ha contribuido a acercar las obras de la artista a un público más amplio y sus obras se han convertido en parte integrante de las colecciones y campañas de la casa.

Hoy, después 10 años desde su primera colaboración, los mundos de la moda y el arte se vuelven a fusionar en la colección Cruise 2023 de la firma, con la visión infinita y eterna que tanto caracteriza a la artista.

La colección 

El lanzamiento de la nueva colección se celebra con una campaña protagonizada por modelos internacional, como Gisele Bundchen, Bella Hadid, Karlie Kloss, Natalia Vodianova, Malick Bodian, Anok Yai, Fei Fei y muchas más, quienes formaron parte de los nuevos diseños inspirados en el arte de “La princesa de los lunares”.  

Con un estilo pop, cada una de las piezas de esta colección presenta un patrón de diseño con puntos de diferentes colores y tamaños.

Para crearlas, se utilizó una innovadora técnica de serigrafía que reproduce las pinceladas de la artista, dando un efecto realista, como si estuvieran pintadas a mano. Las piezas principales de la colección son una variedad de bolsos Louis Vuitton con el giro característico de Yayoi Kusama, como si estás fueran lienzos con salpicaduras de pintura monocromáticas. El futuro de la colaboración sin duda parece prometedor.

El impacto del arte de Yayoi Kusama en las tendencias de la moda

El arte de Kusama también ha inspirado a varios diseñadores de moda. Sus característicos lunares se han convertido en parte integrante de las colecciones de muchos diseñadores. 

Además de influir en las tendencias de la moda, el arte de Kusama también ha ejercido una gran influencia en el mundo del visual merchandising. Sus obras se han utilizado para crear expositores cautivadores, llamativos y experiencias inmersivas.

La colaboración con la firma francesa ha ayudado a crear un puente entre el arte y la moda, y ha contribuido a recordar la importancia del arte en este mundo, ayudando a inspirar a una nueva generación de artistas.

Fuentes: louisvuitton.com ; vogue.es ; moda.es; highsnobiety.com ; neo2.com; linkedin.com; Instagram.com

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Despite the increasing degree of digitalisation of retail, the sector has returned in 2022 to bet on physical sales, with stores as meeting points to offer brand experiences to customers and maintain the personal touch. 

In fact, as Adyen reports in its Adyen Retail 2021 Report, it reveals that seven out of ten consumers surveyed prefer to shop in physical stores. 

Consumers are looking for an experience that can only be achieved in the retail space and, in addition, they are concerned about the sustainability of the product they buy and are interested in supporting local commerce and proximity goods.

These are some of the conclusions of the Adyen report that provides a snapshot of consumer preferences according to the autonomous communities of residence.

Five reasons why consumers choose to shop in retail spaces

Despite the facility of shopping online, a study by Axis Communication highlights that 34% of Spanish people prefer to make their purchases in physical stores. Let’s take a look at the main reasons:

1. Direct contact with the products: undoubtedly, this option puts the product in the hands of the customer and that is “a value that most are not willing to give up, at least for now”. 
2. Human relationship with the sales assistant: in its Axis report it indicates “80% of shoppers value having a person who advises, guides them on the products they have in the store and even offers advice”. The importance of direct contact and the experience offered to customers in retail spaces is key to brand loyalty and reputation.
3. Simplicity in exchanges or returns: buying online makes this process slower and often not very sustainable.
4. Shopping: enjoying an afternoon of shopping is both an attractive way to get physical exercise and have a good time outside the home. 
5. More payment security: security is an essential point when it comes shopping, so it is another factor in favor of commercial spaces. Although online transactions are becoming increasingly secure, there is always the fear of what might happen to our data.

After the “boom” of online commerce, what we desire is to go out for a walk, eat, have a coffee and go shopping in physical retail spaces.

Thanks to this trend for the Retail sector, the range of shopping possibilities and competitiveness is opening up. For this reason, having an expert in the Direction of Visual Merchandising and Projects is an essential advantage for this new era.

Sources: businessinsider.es, ecommerce-news.es, distribucionactualidad.com, adyen.com, joseluisledesma.com.

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Pese al cada vez mayor grado de digitalización del retail, el sector ha vuelto en 2022 a apostar por la venta física, con las tiendas como puntos de encuentro para ofrecer experiencias de marca a los clientes y mantener el trato personal. 

De hecho, tal y cómo recoge Adyen en su Informe sobre el Retail 2021, desvela que siete de cada diez consumidores encuestados prefiere realizar sus compras en tiendas físicas. 

El consumidor busca tener una experiencia que solo se consigue en el espacio comercial y, además, se muestra preocupado por la sostenibilidad del producto que compra e interesado en apoyar el comercio local y bienes de proximidad.

Estas son algunas de las conclusiones del informe Adyen sobre Retail 2021, realizado en octubre de 2021 y que proporciona una fotografía de las preferencias de los consumidores en función de las comunidades autónomas de residencia.

Cinco motivos por los que el consumidor elige comprar en los espacios comerciales

No obstante la facilidad de comprar por Internet, un estudio de Axis Communication destaca que el 34% de los españoles prefiere hacer sus compras en tiendas físicas. Vamos a ver los principales motivos:

1. Contacto directo con el producto. Esta opción pone el producto en las manos del cliente y eso es “un valor al que la mayoría no está dispuesta a renunciar, al menos por ahora”. 
2. Relación humana con el dependiente: en su informe Axis señala que “un 80% de los compradores valora contar con una persona que asesora, que orienta sobre los productos con los que cuentan en la tienda e incluso ofrece consejo sobre cuál es mejor y siempre con una sonrisa en la cara”. 
3. Sencillez en cambios o devoluciones. Comprar por internet hace que este proceso sea más lento y muchas veces no muy sostenible.
4. Salir: disfrutar de una tarde de compras es, a la vez, una forma atractiva de hacer ejercicio físico y pasar un buen momento fuera de casa. 
5. Más seguridad de pago: la seguridad es un punto esencial a la hora de realizar compras, por lo que es otro factor a favor de los espacios comerciales. A pesar de que las transacciones online son cada vez más seguras, siempre existe el miedo de qué puede pasar con nuestros datos.

Después del “boom” del comercio online, lo que nos apetece es salir a la calle a pasear, comer, tomar cafe e irnos de compras en los espacios físicos comerciales.

Gracias a esta tendencia para el sector de Retail se abre el abanico de posibilidades de compra y competitividad. Por ello contar con un experto la Dirección Visual Merchandising y Proyectos es una ventaja esencial para esta nueva era.

Fuentes: businessinsider.es, ecommerce-news.es, distribucionactualidad.com, adyen.com, joseluisledesma.com.

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While on the fashion catwalks around the world designers present revolutionary collections, we in the day to day, we are still conditioned when it comes to dress, thinking about what they will think or say about us.

Undoubtedly, clothes, style or color are elements capable of communicating our personality and from the point of view of psychology a lot of information has been obtained from different studies, collected in Psychology Today.

Business Insider recently reviewed several studies related to first impression. Among these, there were some that related the quality and cut of clothing not only to status, but also to intelligence level.

This, is one of the examples, where the influence of the judgment of others, especially in formal circumstances, conditions us when choosing our style.

Classic fashion: the first impression

One of the most recurring questions among fashion lovers is what to wear one season, but consumers usually opt for those classic garments that never go out of style. 

Why is classic style so important?

Classic style carefully preserves the unique look, constancy, severity and restraint. Classic clothes are synonymous with elegance. Such clothes bring us harmony, grace and stability. Classic style is pacification and a sense of proportion in everything: in shapes, volumes and shades of color. A classic is never surprising because it has reliability and quality, without bright and flashy decorative elements.

But this does not mean that the classic style is monotonous and unattractive.

There are no right ways to dress, the important thing is that it is in line with our way of thinking and makes us feel comfortable with ourselves, we should not worry about what others think about how we dress.

The most innovative fashion trends

Clothes can bring a great deal of self-confidence, which has repercussions both in the workplace and socially.

For this reason, we must also learn to lose our fear of the first impression and break the rules of style to break the monotony, to play and have fun or simply to be disconcerting. Whatever the reason, the important thing is to feel comfortable.

The modern wardrobe owes its development not just to fashion designers in Paris or Milan but also to gangs and movements brought together by a shared appreciation of music, sport or a particular underground culture, and a certain style that defines membership. These styles have rocked establishments, created stereotypes, expressed social division as much as they have united people, entered the language, spread around the world, and, above all, transformed dress for a wider public.

100 Ideas that Changed Street Style

Everything that seems normal to us today was once something very innovative. These changes have been signed by people who, of course, have left their mark on the fashion world without the fear of the first impression. Here is a list of the most innovative designers in the fashion world to pay tribute to the revolutionary and pioneering minds that changed the rules of the game by being able to see the future and make it a reality:

• Paco Rabanne (1934) has been one of the pioneers of futuristic fashion. Together with Cardin and Courrèges, he used the latest high-tech synthetic sports fabrics to revitalize French haute couture with his space-focused fashion. In addition, Paco Rabanne surprised with the “Do It Yourself” dress, which was sold in a do-it-yourself box.

• Yves Saint-Laurent (1936-2008) was responsible for bringing a certain masculinity to women with his American suit. In the 1960s – although inspired by Melanie Dietrich in the 1930s – the Parisian designer created the suit for women, emphasizing the lapels and the front pleat of the pants, managing to maintain some femininity also with the darts on the waistband of the jacket and the close-fitting vest underneath.

• Rei Kawakubo (1942) arrived in Paris with Comme des Garçons in the early 1980s, presenting on the 1981 catwalk a new vision of fashion, which the press would call “Hiroshima chic” or “post-nuclear chic”. He also made black the characteristic color of avant-garde fashion, bringing minimalism, austerity with a post-modern approach to fashion. She questioned the feminine silhouettes, betting on a revolutionary fashion that would free women from sterotipulated garments.

• Elsa Schiaparelli (1890-1973) – became famous for using trompe l’oeil in her knitwear. She was also the main exponent of surrealist fashion and brought the world of dresses and costumes closer to the world of painting and art in general. Her collaborations with Dalí and Jean Cocteau are historical. 

• Miguel Adrover is one of the most international self-taught Spanish designers today, who based his collections on the people and culture of New York and his travels around the world. He was born in a small town in Mallorca called Calonge in 1965 and from there he jumped to London, where he came into contact with the most underground scene of the city: the universe of the neo-punks and the new romantics.

• Vivienne Westwood began her career pushing boundaries. She opened her own boutique in London, appropriately named SEX. The designer defined a new generation of punk style, designing and dressing some of the most iconic punk rockers, such as the Sex Pistols. Westwood and Malcolm McLaren created one of the most provocative pieces of punk rock style: the bondage suit. Inspired by the standard military pants McLaren brought back from the United States, Westwood used black satin from British railway workers’ vests and added bondage straps to achieve the sadomasochistic look.

Would you be able to express yourself through the way you dress in your day to day life without feeling conditioned?

Sources: i-d.vice.com ; businessinsider.es ; lofficielmexico.com ; bbc.com ; lavanguardia.com ; itfashion.com ; vogue.es

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Mientras en las pasarelas de moda de todo el mundo los diseñadores presentan colecciones revolucionarias, nosotros, en el día a día, seguimos condicionados a la hora de vestirnos, pensando sobre qué pensarán o dirán de nosotros.

Sin duda, la ropa, el estilo o el color son elementos capaces de comunicar nuestra personalidad y desde el punto de la psicología se ha obtenido mucha información a partir de diferentes estudios, recogidos en Psychology Today.

Business Insider revisó recientemente varios estudios relacionados con la primera impresión. Entre estos, había algunos que relacionaban la calidad y el corte de la ropa no solo con el status, sino también con el nivel de inteligencia.

Esto es uno de los ejemplos, donde la influencia del juicio de los demás, sobre todo en circunstancias formales, nos condiciona a la hora de elegir nuestro estilo, derivando a una sociedad de color gris.

La moda clásica

Una de las preguntas más recurrentes entre los amantes de la moda es la de qué se lleva una temporada, pero, los consumidores, por lo general, optan por hacerse con aquellas prendas clásicas que nunca pasan de moda. 

¿Por qué el estilo clásico es tan importante?

El estilo clásico conserva cuidadosamente el aspecto único, la constancia, la severidad y la moderación. La ropa clásica es sinónimo de elegancia. Tales prendas nos aportan armonía, gracia y estabilidad. El estilo clásico es la pacificación y un sentido de proporción en todo: en formas, volúmenes y tonos de color. Un clásico nunca es sorprendente porque tiene confiabilidad y calidad, sin elementos decorativos brillantes y llamativos.

Pero no por eso hay que pensar que el estilo clásico es monótono y poco atractivo.

No hay formas de vestir correctas, lo importante es que esté acorde con nuestra forma de pensar y nos haga sentir cómodos con nosotros mismos, no debemos preocuparnos por lo que los demás opinen sobre cómo vestimos.

Las tendencias más innovadoras de la moda: más allá de la primera impresión

La ropa puede aportar grandes dosis de confianza en uno mismo, lo que repercute tanto en el ámbito laboral como en el social.

Por eso, también hay que aprender a perder el miedo al juicio de la primera impresión y romper las reglas de estilo para quebrar la monotonía, para jugar y divertirnos o simplemente para desconcertar. Por el motivo que sea, lo importante es sentirnos cómodos.

“The modern wardrobe owes its development not just to fashion designers in Paris or Milan but also to gangs and movements brought together by a shared appreciation of music, sport or a particular underground culture, and a certain style that defines membership.These styles have rocked establishments, created stereotypes, expressed social division as much as they have united people, entered the language, spread around the world, and, above all, transformed dress for a wider public.

100 Ideas that Changed Street Style
Josh Sims

Todo lo que hoy nos parece normal, en su día fue algo muy innovador. Estos cambios lo han firmado personas que, desde luego, han dejado huella en el mundo de la moda. A continuación, un listado de los diseñadores más innovadores del mundo de la moda para rendir homenaje a las mentes revolucionarias y pioneras que cambiaron las reglas del juego al ser capaces de ver el futuro y hacerlo realidad:

• Paco Rabanne (1934) ha sido uno de los pioneros de la moda futurista. Junto con Cardin y Courrèges, utilizó las últimas telas deportivas sintéticas de alta tecnología para revitalizar la alta costura francesa con su moda enfocada al espacio. Además, Paco Rabanne sorprendió con el vestido «Do It Yourself», que se vendía en una caja para que lo hicieras tú mismo.

• Yves Saint-Laurent (1936-2008) fue el encargado de traer cierta masculinidad a la mujer con su traje americana. En la década de los 60 -aunque inspirado en Melanie Dietrich en los 30- el diseñador parisino creó el traje para la mujer, enfatizando las solapas y el pliegue delantero del pantalón, consiguiendo mantener algo de feminidad también con las pinzas del talle de la chaqueta y el chaleco ceñido debajo.

• Rei Kawakubo (1942) llegaba a París con Comme des Garçons a comienzos de los años 80, presentando sobre la pasarela de 1981 una nueva visión de la moda, que la prensa bautizaría como «Hiroshima chic» o «post-nuclear chic». También hizo del negro el color característico de la moda de vanguardia, aportando minimalismo, austeridad con un enfoque posmoderno de la moda. Se cuestionó las siluetas femeninas, apostando a una moda revolucionaria que liberara a la mujer de prendas estereotipadas.

• Elsa Schiaparelli (1890-1973) – se hizo famosa por utilizar el trampantojo en sus prendas de punto. Además, fue la principal exponente de la moda surrealista y acercó el mundo de los vestidos y trajes al de la pintura y el arte en general. Históricas son sus colaboraciones con Dalí y con Jean Cocteau. 

• Miguel Adrover, es uno de los diseñadores españoles autodidactas más internacionales en la actualidad, que basó sus colecciones en la gente y cultura neoyorquina y en sus viajes alrededor del mundo. Nació en un pequeño pueblo de Mallorca llamado Calonge en el año 1965 y de allí saltó a Londres, donde entró en contacto con la escena más underground de la ciudad: el universo de los neopunks y de los new romantics.

• Vivienne Westwood comenzó su carrera empujando límites. Abrió su propia boutique en Londres, apropiadamente llamada SEX. La diseñadora definió a una nueva generación de estilo punk, diseñando y vistiendo a algunos de los rockeros punk más icónicos, como los Sex Pistols. 

¿Serias capaz de expresarte a través de tu forma de vestir en tu día a día sin sentirte condicionad@?

Fuentes: i-d.vice.com ; businessinsider.es ; lofficielmexico.com ; bbc.com ; lavanguardia.com ; itfashion.com ; vogue.es

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What effect does light have on us?

In short, light has the ability to activate or deactivate certain emotions, and depending on how it is implemented can help us to build different times of permanence in each place inside a store, so it is important to note that if we maintain the same levels of lighting throughout the space, the rhythm of shopping will be monotonous and boring.

But what are illumination levels?

In simple terms, lighting levels can be general or localized.  If we distribute the luminaries correctly, we can create spaces where the general light helps users to move around comfortably, while a localized light helps us to redirect their attention to the spaces or products we want to highlight. 

In addition, today there are a wide variety of devices that allow us to use different colors, tones and temperatures to achieve a variety of effects and to reconfigure the space according to our needs.

What atmosphere do we want to generate in our store?

The most important thing before choosing the lighting is to know what atmosphere we want to generate in our commercial space.

Foremost, we have to be clear about our corporate image, since the lights have to be in accordance with it.

-The lighting of our projects has to be well planned. A commercial strategy supported by a well-executed lighting plan increases the chances of sales.

José Luis.

Lighting is another attribute that describes the personality of a brand. If we want to invite our customers to enter inside our space, we have to make sure that the store is correctly visualized from the outside. Lighting is closely related to two fundamental aspects:

• The product we sell
• What we want to convey to consumers

The lighting serves as a way to attract the customer to our shop window or to highlight an article with respect to the rest. For example, a dark shop window or one with many reflections will make it difficult for the consumer to see the product clearly.
Also, don’t forget that lighting is a great opportunity to create an original design for the decoration of your space.

Cold or warm lighting?

To choose the tones of the lighting of the space we have to know the psychology of colors and these always have to be in accordance with the different elements of the space and with the personality of the brand.

Lighting can be cold or warm, depending on the color temperature. Using one or the other will depend on the areas to be illuminated. 

For example, we will use a warm light in those areas where the customer has to spend more time. And a cold light in areas where we need more clarity, as in the cashier areas. 
We can take advantage of lighting to change the look of the space when there are new trends. In this way, we can dynamize and adapt our store without having to make large-scale reforms.

How to choose the lighting for stores?

It is important to choose the general luminosity of the store, depending on the atmosphere we want to produce, it will be more or less luminous. In the exhibition areas, the luminosity has to be adequate, so that the customer is not dazzled when looking at the product. 

LED lighting systems are undoubtedly the present and the future, mainly because of their efficiency and performance. Nowadays, it is the type of light that allows a low consumption at the same time that a high efficiency. 

When choosing types of lamps, it is necessary to take into account the color rendering offered and the ability to faithfully reproduce the colors of the products. It is a fundamental aspect to respect the attributes of the products, since if the client buys an article in the store and when it arrives at home it is of a different color, he could feel deceived.

Another aspect to take into account when illuminating the space is that light creates shadows and the more lamps we have, the more shadows we generate. 
The more punctual the light source is, the sharper the shadow will be, and the opposite with diffuse light sources. 
Normally, general lighting is diffuse and when we highlight we usually use a point light. Another option is to have backlit displays to eliminate shadows and also highlight the products.

For each space its own lighting 

In every store there are different spaces, from fitting rooms to cashiers to displays.
All these areas must be taken into account when thinking about a lighting design, since each area needs its own light depending on its purpose.

-“…creating spaces is beautiful and sometimes necessary, but it avoids illuminating nothingness”.

José Luis.

• Showcase: it is the first point of contact with the customer. In shop windows the most common is to use spotlights and spotlight rails to highlight the shape and texture of the products on display. Dimmers are used to create different atmospheres.

• Shelves: once in the store, it is of vital importance to direct the customer’s attention to the products on the shelves. Therefore, it is one of the areas of the store where lighting is most relevant and must be of high quality. 

• Fitting rooms: it is a decisive space for the purchase, so the light must be flattering. For this purpose, lights are used on the sides of the mirrors. This type of light helps to reduce shadows caused by overhead spotlights. It is also recommended that it be a warm light, more comfortable. And, if we want to save energy, motion sensors can be applied so that the light only turns on when someone is inside the fitting room.

• Checkouts: dynamic lighting is recommended to make the wait more pleasant. 

In short, in-store lighting has a very strategic functionality and goes beyond simply illuminating the exterior and interior of the store. If you are thinking about a new lighting strategy for your commercial space, do not hesitate to contact a professional in the sector who can advise you.

Sources: lighting.philips.es; caad-design.com; marcelaseggiaro.com; heca-group.com; studioescaparatismo.es; joseluisledesma.com

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La luz, naturalmente, nos atrae y cuando estamos en un ambiente con poca luz, nuestro sistema de alerta tiende a desactivarse, lo cual ayuda a nuestro cuerpo a relajarse.

Por el contrario, en un ambiente con altos niveles de luz nos activamos y ponemos en movimiento. 

¿Qué efecto nos produce la luz?

En pocas palabras la luz tiene la capacidad de activar o desactivar ciertas emociones, y dependiendo de como esté implementada puede ayudarnos a construir distintos tiempos de permanencia en cada lugar al interior de una tienda, por ello es importante tener en cuenta que si mantenemos los mismos niveles de iluminación en todo el espacio, el ritmo de compra será monótono y aburrido.

¿Pero qué son los niveles de iluminación?

En términos sencillos, los niveles de iluminación pueden ser generales o puntuales.  Si distribuimos las luminarias correctamente, podemos crear espacios donde la luz general ayude a los usuarios a desplazarse cómodamente, mientras una luz puntual o localizada nos ayuda a redirigir su atención hacia los espacios o productos que queremos destacar. 

Además, al día de hoy existen una gran variedad de dispositivos que nos permiten usar distintos colores, tonos y temperaturas para lograr una gran variedad de efectos y poder reconfigurar el espacio según nuestras necesidades.

¿Qué ambiente queremos generar en nuestra tienda?

Lo más importante antes de elegir la iluminación es conocer qué ambiente queremos generar en nuestro espacio comercial.

Tenemos que, ante todo, tener clara nuestra imagen corporativa, ya que las luces tienen que ir acorde a ella. La iluminación es otro atributo que describe la personalidad de una marca.

-“La iluminación de nuestros proyectos tiene que estar bien planificada. Una estrategia comercial apoyado con un plan de iluminación bien ejecutado, aumenta las posibilidades de venta.”-

José Luis.

Si queremos invitar nuestros clientes a entrar al interior de nuestro espacio, tenemos que asegurarnos que la tienda se visualice correctamente desde fuera. La iluminación está muy relacionada con dos aspectos fundamentales:

1. El producto que vendemos
2. Lo que queremos transmitir a los consumidores
   

La iluminación nos sirve como reclamo para atraer al cliente a nuestro escaparate o para destacar un artículo respecto al resto. Por ejemplo, un escaparate oscuro o con muchos reflejos dificultará que el consumidor pueda ver con claridad el producto.

Además, no olvides que la iluminación es una gran oportunidad para crear un diseño original para la decoración de tu espacio.

¿Iluminación fría o cálida?

Para elegir los tonos de la iluminación del espacio tenemos que conocer la psicología de los colores y estos siempre han de ir acorde con los diferentes elementos del espacio y con la personalidad de la marca.

La iluminación puede ser fría o cálida, en función de la temperatura de color. Utilizar una u otra dependerá de las zonas a iluminar. 

Por ejemplo, emplearemos una luz cálida en aquellas zonas donde el cliente tenga que pasar más tiempo. Y una luz fría en zonas donde necesitemos más claridad, como en las zonas de caja. 

Podemos aprovechar la iluminación para cambiar de aspecto al espacio cuando haya nuevas tendencias. Así dinamizamos y adaptamos nuestra tienda sin tener que hacer reformas de gran dimensión.

¿Cómo elegir la iluminación para tiendas?

Es importante elegir la luminosidad general de la tienda, según el ambiente que queramos producir será más o menos luminoso. En las zonas de exposición la luminosidad tiene que ser adecuada, para que el cliente no se deslumbre al mirar el producto. 

Los sistemas de iluminación LED son sin duda, el presente, el futuro, principalmente por su eficacia y rendimiento. Hoy en día es el tipo de luz que permite un bajo consumo a la vez que una alta eficiencia. 

A la hora de escoger los tipos de lámparas hay que tener en cuenta la reproducción cromática que ofrece, es decir, la capacidad que tiene de reproducir fielmente los colores de los productos. Es un aspecto fundamental respetar los atributos de los productos, ya que si el cliente compra un artículo en la tienda y cuando llega a casa es de un color diferente podría llegar a sentirse engañado.

Otro aspecto a tener en cuenta en el momento de iluminar el espacio, es que la luz crea sombras y cuantas más lámparas tengamos, más sombras generamos. 

Cuanto más puntual sea la fuente de luz, más nítida será la sombra y al contrario con las fuentes de luz difusas. 

Normalmente, la iluminación general es difusa y cuando resaltamos se suele utilizar una luz puntual. Otra opción es tener expositores retroiluminados para eliminar las sombras y resaltar también los productos.

Para cada espacio su iluminación 

En cada tienda existen diferentes espacios, desde los probadores hasta las cajas o los expositores.

-“…crear espacios es bonito y a veces necesario, pero evita iluminar la nada.“-

José Luis.

Todas estas áreas hay que tenerlas en cuentas a la hora de pensar en un diseño de iluminación, ya que cada zona necesita su propia luz en función del su objetivo.

Escaparate
Es el primer punto de contacto con el cliente. En los escaparates lo más habitual es usar focos y carriles de focos para destacar la forma y textura de los productos expuestos. Para crear diferentes atmósferas se emplean reguladores de intensidad.

Especialmente destacar la comparación de maniquíes vestidos con una iluminación que realce el estilismo y que facilite la rápida atención del cliente. A unos maniquíes, en la misma circunstancia, cuya iluminación no este equilibrada, sea excesiva o en su defecto, una iluminación ausente.

Estanterías
Una vez en tienda, es de vital importancia dirigir la atención del cliente a los productos de las estanterías. Por lo tanto, es una de las zonas de tienda donde la iluminación es más relevante y debe ser de gran calidad. 

Probadores
Es un espacio decisivo para la compra, por lo que la luz debe ser favorecedora. Para ello, se utilizan luces en los laterales de los espejos. Este tipo de luz ayuda a reducir las sombras que provocan los focos superiores. También se recomienda que sea una luz cálida, más cómoda. Y, si queremos ahorrar energía, se pueden aplicar sensores de movimiento para que la luz solo se encienda cuando alguien esté en el interior del probador.

Cajas
Se recomienda una iluminación dinámica para hacer más agradable la espera. 

En definitiva, la iluminación en tienda tiene una funcionalidad muy estratégica y va más allá de simplemente iluminar el exterior y el interior del establecimiento. Si estás pensando en una nueva estrategia de iluminación para tu espacio comercial, no dudes contactar con un profesional del sector para que pueda asesorarte. 

Fuentes: lighting.philips.es; caad-design.com; marcelaseggiaro.com; heca-group.com; studioescaparatismo.es; joseluisledesma.com;

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From art to architecture, cinema to fashion, there are many areas that use geometric shapes as the basis for their creations. 

Particularly in interior design and retail decoration, symmetry and geometry play a key role in creating proportionate and harmonious spaces.

“Seeing the world through geometry is not only essential for composing, but it’s also downright fun”. – Jose Luis.

Geometric elements are a great eye-catcher. That is why it is important to find the right balance with the rest of the decorations.

The connection that exists between the design and distribution of the different elements that compose a space to make it harmonious is indisputable. Geometry means order, and because of this, things as simple as straight lines can be transformed into figures that we can perceive as visual harmonies.

Geometry and decoration

Geometric patterns allow us to play with different visual effects, so that we can give any space a more modern and innovative look. 

Geometric design can be adapted to the decoration of practically any place, and by making the right use of this resource we can modify the proportions and dimensions of a given space. 

Knowing the meaning of these geometric shapes is fundamental when designing our space.

The meaning of the shapes

When we refer to the design of spaces, the geometric shapes that have the most presence are the circle, the square, the triangle and the rectangle.

Thanks to these shapes, it is possible to create infinite possibilities to achieve a sense of harmony at the point of sale.

Symmetry, modularity and repetition can also be implemented to stimulate a variety of sensations and feelings for consumers. In fact, geometric shapes are a fantastic tool for visual merchandising since consumers are familiar with their shapes.

Understanding the meaning of each shape will give us a key perspective when designing our Visual Merchandising strategy and our retail space.

Square

The square is the basis of all geometry, this shape is associated with stability, firmness and trajectory.

This modulation allows a design to be configured in an orderly manner. If you also add colour or textures to the design, you get an endless number of solutions, all equally effective.

When drawing, you feel the straight lines and right angles of the square, and you feel a strong tension. This tension is often used for minimalist design structures.

All geometric shapes or figures that are based on horizontal and vertical lines belong, by their character, to the family of the square.

Triangle

The fundamental character of the triangle comes from the three diagonals that intersect at the angles. Its acute angles offer an aggressive and combative aspect.

The triangle generates direction, dynamism, is unstable and transmits energy.
The triangle family includes all diagonal shapes such as the rhombus, the trapezoid, the zigzag and the shapes derived from it.

The triangle symbolizes the thinking and is recommended for children’s exhibitions that aim to break structures or represent movement.

A figure as simple as a triangle manages to order the space. By combining inverted triangles, we can make rhombuses, which placed randomly on a wall create a visual mural.

Circle

The circle is considered the mother of all shapes and is therefore associated with the idea of movement, perfection and freedom. Its constantly curved perimeter creates a sensation of displacement, making it a good choice for conveying a message of velocity.

A circle is born when a point moves while maintaining a constant distance from another point. In contrast to the rough and tense impression produced by the outline of a square, the circle produces a feeling of relaxation and perpetual movement.

It symbolizes the spirit that moves in its unity and means: warmth, protection and creativity.
To the circle family belong all curved geometric shapes, such as the ellipse, the ovoid, the parabola and its derivative shapes.

There is no direction in this shape, and the feeling of looking at a circle is that of moving continuously, as if it were an infinite reading path.

Rectangle

The rectangle offers different stable options than a square, thanked to its equal sides two by two. It is the most common geometric shape in design. It’s represents honesty, solidity and stability. The combination of rectangles of different sizes is interesting and attractive.

Hexagons

This apparently simple shape can be found in everyday life. In the field of design and retail, this geometric figure makes it possible to create structures that lie between a polygon and a circle thanks to its degree of roundness. It is a powerful and fascinating way to convey balance and conviction.

The basic geometric figures and colours are the primitive forms of expression, and the main elements for transmitting sensations and emotion in the composition of an exhibition.

Do not hesitate to count on a Visual Merchandising professional to help you with your strategy and the design of your retail space.

Sources: teresagalan.es; semrush.com; designshack.net; blog.ida.cl; uxdesign.cc; joseluislededesma.com.

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Desde el arte hasta el mundo de la arquitectura, pasando por el cine y la moda, son muchas las áreas que usan las formas geométricas como base de sus creaciones. 

Sobre todo en el diseño de interiores y en la decoración de espacios de ventas, la simetría y la geometría juegan un papel fundamental para la creación de proporcionados y armoniosos.

Los elementos de geometría son un gran foco de atención para atraer miradas. Por eso es importante encontrar el equilibrio adecuado con el resto de las decoraciones.

Es indiscutible la conexión que existe entre el diseño y distribución de los diferentes elementos que componen un espacio para que este resulte armónico. La geometría implica orden, y gracias a esta cosas tan simples como líneas rectas pueden transformarse en figuras que podemos percibir como armonías visuales.

Geometría y decoración 

Los patrones geométricos nos permiten jugar con diferentes efectos visuales, de manera que podemos darle a cualquier espacio una apariencia más moderna e innovadora. 

El diseño geométrico se adapta prácticamente a la decoración de cualquier lugar y sabiendo utilizar adecuadamente este recurso podemos modificar las proporciones y las dimensiones de un determinado espacio. 

Conocer el significado de estas formas geométricas es fundamental a la hora de diseñar nuestro espacio.

El significado de las formas

Cuando nos referimos al diseño de espacios, las formas geométricas que más presencia tienen son el círculo, el cuadrado, el triángulo y el rectángulo. 

Gracias a estas figuras es posible crear infinitas posibilidades para lograr una sensación de armonía en el punto de venta. 

La simetría, la modularidad y la repetición también se pueden implementar para estimular una variedad de sensaciones y sentimientos para los consumidores. De hecho, las formas geométricas son una fantástica herramienta para el visual merchandising, ya que los consumidores están familiarizados con sus formas.

Comprender el significado de cada forma nos dará una perspectiva clave a la hora de diseñar nuestra estrategia de Visual Merchandising y nuestro espacio comercial.

Cuadrado

El cuadrado es la base toda la geometría, de la razón y la construcción.  Esta forma se asocia a estabilidad, firmeza y a la trayectoria.

Esta modulación permite configurar un diseño de manera ordenada. Si además el diseño suma el color o las texturas, consigue un sinfín de soluciones, todas igual de efectivas.

Cuando, al dibujar, se sienten las líneas rectas y los ángulos rectos del cuadrado, uno siente una fuerte tensión. Esta tensión suele usarse para estructuras de diseño minimalista.

Todas las formas o figuras geométricas que se fundamentan en líneas horizontales y verticales pertenecen, por su carácter, a la familia del cuadrado.

Triángulo

El carácter fundamental del triángulo proviene de las tres diagonales que se cortan en los ángulos. Sus ángulos agudos ofrecen un aspecto agresivo y combativo.

El triángulo genera dirección, dinamismo, es inestable y transmite energía.

A la familia del triángulo pertenecen todas las formas de carácter diagonal, como el rombo, el trapecio, el zigzag y las formas que se derivan.

El triángulo simboliza el pensamiento y resulta recomendado para exhibiciones infantiles o juveniles que buscan romper estructuras o representar movimiento.

Una figura tan sencilla como un triángulo consigue ordenar el espacio. Combinando triángulos invertidos conseguimos hacer rombos, que colocados de forma aleatoria en una pared constituyen un mural visual.

Círculo

El círculo es considerado como la madre de todas las formas, por lo tanto, se asocia a la idea de movimiento, de perfección y de libertad. Su perímetro constantemente curvado crea una sensación de desplazamiento, por lo que es una buena opción para transmitir un mensaje de velocidad.

Un círculo nace cuando un punto se desplaza manteniendo una distancia constante de otro punto. Frente a la impresión ruda y tensa que produce el trazado de un cuadrado, el círculo produce un sentimiento de relajación y de movimiento perpetuo.

Simboliza el espíritu que se mueve en su unidad y significa: calidez, protección y creatividad.

A la familia del círculo pertenecen todas las formas geometrías curvas, como la elipse, el ovoide, la parábola y sus formas derivadas.

No existe la dirección en esta forma y la sensación de mirar un círculo es la de movernos continuamente, como si fuera un camino de lectura infinito.

Rectángulo

El rectángulo ofrece opciones estables diferentes a los de un cuadrado gracias a sus lados iguales dos a dos. Es la forma geométrica más común en diseño y representa honestidad, solidez y estabilidad. La combinación de rectángulos de tamaños diferentes resultas interesante y atractiva.

Hexágono

Esta forma aparentemente simple se puede encontrar en la vida cotidiana. En el ámbito del diseño y del Retail, esta figura geométrica permite crear estructuras que se encuentran entre un polígono y un círculo gracias a su grado de redondez. Es una manera poderosa y fascinante que trasmite equilibrio y convicción.

Las figuras geométricas básicas y los colores son las expresiones primitivas de la expresión, y los principales elementos para transmitir sensaciones y emoción en la composición de una exposición.

No dudes contar con un profesional del Visual Merchandising para que te pueda asesorar en tu estrategia y en el diseño de tu espacio comercial.

Fuentes: teresagalan.es; semrush.com; designshack.net; blog.ida.cl; uxdesign.cc; joseluisledesma.com.

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In Retail, as in many other sectors, consumer habits are changing and especially with the rise of e-commerce have been transforming, so it is very important to always keep innovating and looking for a way to stay connected with our audience.

Each company, depending on its objectives, has to reflect on what values it can bring to the consumer and how to differentiate itself.

Shopping experience

Commercial spaces are configured by factors that stimulate the customer’s senses and are transmitted through materials, textures, lighting, etc.

As architect Juhani Pallasmaa says: “We contemplate, touch, listen and measure the world with our entire physical existence. We are in constant dialogue and interaction with the environment.

What is the customer interaction?

Customer interaction refers to all the ways in which customers interact, both physically and online.

Ideally, these interactions should create a positive reaction and build a customer-brand bond.

Companies that focus on customer engagement will focus on value creation rather than revenue creation. In this way, they provide people with something meaningful, beyond a sales pitch. Such as an experience, customer service or real-time interaction that, when executed correctly, will foster loyalty and sales growth.

Why customer participation is important

Today, there are more and more ways to interact with customers.

To drive consumer interaction, brands must actively work to connect with customers at every opportunity. Whatever engagement strategy is employed, it is important to be consistent in crafting messages that are brand-related and appropriate for the target audience. Deliver a consistent experience, in pursuit of trust and engagement.

Create an excellent customer experience

In order to create a superior experience, you must first look at all the ways in which you interact with your customers, whether in a physical shop or digital medium.

It is not only about making the user experience smooth and efficient, but it is also very important that the brand has a unique personality, which invites customers to get to know it and interact with it.

This is where brand awareness comes into play. For some brands, this might mean, for example, sourcing materials from suppliers that support their values and ethics. For others, it might come from the brand’s historical origins. Whatever it is, it is essential to find ways to highlight that authentic character, because before engaging with a brand, the customer needs to be aware that it exists and that it has something relevant to offer.

Monsieur Rose by Philippe Katerine

Le Bon Marché Rive Gauche and

@Coco_Mode_Stephanemoula

What are the ways to build interaction in our shop?

Here are some practical examples of how to create interaction in a commercial space:

• Immersive art: Using artists, designers, architects or sculptors to create immersive and impactful installations. 

• Gamification: The idea of proposing “games” allowing the audience to win prizes or discounts, for example, is a very dynamic and fun way to create interaction.

• Surprising spaces: Deconstructed spaces, innovative furniture, mirrors on the floor, designer chairs with very original shapes. Curious furniture will be an interesting way to surprise customers.

These are just a few examples of interaction that we can give to our commercial space and with a touch of creativity to give it originality and innovation through interactivity. The goal is: to create an unforgettable brand experience. Don’t hesitate to contact an expert who can advise you on your commercial strategy.

Sources: archdaily.com; outbrain.com; modaes.es; caad-design.com; digitalavmagazine.com; youtube.com; joseluisledesma.com

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En el Retail, como en muchos otros sectores, los hábitos del consumidor son cambiantes y sobre todo con el auge del comercio electrónico han ido transformándose, por eso es muy importante seguir siempre innovando y buscando una forma para seguir conectados con nuestro público.

Cada empresa, en función de sus objetivos, tiene que reflexionar sobre qué valores puede aportar al consumidor y cómo diferenciarse.

Experiencia de compra

Los espacios comerciales están configurados por factores que estimulan los sentidos del cliente y se transmiten a través de los materiales, texturas, la iluminación, etc.

Como dice el arquitecto Juhani Pallasmaa: «contemplamos, tocamos, escuchamos y medimos el mundo con toda nuestra existencia física. Estamos en constante diálogo e interacción con el medio ambiente».

¿Qué es la interacción con el cliente?

La interacción con cliente se refiere a todas las formas en las que los clientes se relacionan, ya sea de forma física como online.

Desde un punto de vista ideal, estas interacciones deberían crear una reacción positiva y construir un vínculo entre clientes-marca.

Las empresas que se centran en la participación del cliente, lo harán en la creación de valor y no en la creación de ingresos. De esta manera brindan a las personas algo significativo, más allá de un argumento de venta. Como por ejemplo: una experiencia, atención al cliente o interacción en tiempo real que, cuándo se ejecuta correctamente, fomentará la lealtad y el crecimiento de las ventas.

Por qué es importante la participación del cliente

Hoy en día, cada vez hay más formas de interactuar con los clientes.

Para impulsar la interacción con el consumidor, las marcas deben trabajar activamente para conectar con los clientes en cada oportunidad. Sea cual sea la estrategia de participación que se emplee, es importante ser coherente elaborando mensajes que estén relacionados con la marca y adecuados para el público objetivo. Brindar una experiencia consistente, en búsqueda de su confianza y compromiso.

Crea una excelente experiencia para los clientes

Para lograr crear una experiencia superior, en primer lugar, se deben analizar todas las formas en las que se interactúa con los clientes, ya sea en una tienda física o medio digital.

No se trata solo de hacer que la experiencia del usuario sea fluida y eficiente, sino también, es muy importante que la marca tenga una personalidad singular, que invite a los clientes, conocerla e interactuar con ella.

En este punto, es donde entra en juego el conocimiento de la marca. Para algunas marcas, esto podría significar, por ejemplo, obtener materiales de proveedores que respalden sus valores y su ética. Para otros, podría provenir de los orígenes históricos de la marca. Sea lo que sea, es fundamental buscar la forma de destacar ese carácter auténtico, ya que antes de comprometerse con una marca, el cliente debe ser consciente de que existe y que tiene algo relevante que ofrecer.

Monsieur Rose by Philippe Katerine

Le Bon Marché Rive Gauche.

¿Cuáles son las maneras de crear interacción en nuestra tienda?

A continuación abordaremos algunos ejemplos prácticos de como crear interacción en un espacio comercial:

• Arte inmersivo: Recurrir a artistas, diseñadores, arquitectos o escultores para crear instalaciones inmersivas e impactantes. 

• Gamification: La idea de proponer “juegos” permitiendo al público de ganar premios o descuentos, por ejemplos, es una manera muy dinámica y divertida de crear una interacción.

• Espacios sorprendentes: Espacios deconstruidos, mobiliarios innovadores, espejos en el suelo, sillas de diseño con formas muy originales. Contar con mobiliario curioso será una manera interesante de sorprender a los clientes.

Estos son solo algunos ejemplos de interacción que podemos darle a nuestro espacio comercial y con un toque de creatividad para darle originalidad e innovación mediante la interactividad. El objetivo es: crear una experiencia de marca inolvidable. Y no dudes en contactar con un experto para que pueda asesorarte en tu estrategia comercial.

Fuentes: archdaily.com; outbrain.com; modaes.es; caad-design.com; digitalavmagazine.com;; youtube.com; joseluisledesma.com

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The term Visual Storytelling refers to the art of telling brand stories with images and visual media.

And if we think of the effectiveness of images as elements that facilitate the creation of persistent memories over time, we will understand the full potential of this approach.

How visual storytelling works?

Visual Storytelling has a huge impact on the perception of businesses; it helps them connect with their customers and at the same time drives sales.

In that sense, the storytelling of these contents can be adapted in many ways; however, there are some basic concepts that we must take into account to create a good strategy. Below, we will review some fundamental steps to tell a successful story:

• Structure: most stories are organized in a very simple way: problem, solution and resolution.
• Simplicity: less is more. We often lose sight of the power of simplicity. A visual story that appeals to the basics will project a strong and clear message, without confusing our audience about what we want to convey.
• Design: there is no need to fill a story with a lot of visual elements, a good design is enough to successfully reach the consumer. 

Where can we use Visual Storytelling?

This technique, for example, allows us to produce extraordinary content for social networks. In addition, the popularity of the most visual platforms, such as Instagram, makes them ideal for visual storytelling.

Visual storytelling is also very powerful for e-commerce. When presenting the products of an online shop, there are different types of images, and each brand must choose the option that best suits its identity and the idea it wants to convey to its audience. 

The Retail world

Consumers evolve with the times, and today more than ever, customers not only want to feel identified with the brand, but they also want to live authentic experiences and get closer to brands that are true to their vision.  Therefore, we can highlight three essential steps for effective visual storytelling in the fashion sector:

• To be loyal and consistent with the brand’s vision

Visual storytelling in fashion works when the brand is consistent and authentic over time, with a message that reflects a complete vision of the brand. 

• Adapting to changing times

It is vital to be relevant in order to achieve effective visual storytelling. Take the example of Dior creative director Maria Grazia Chiuri, who generated incredible media impact in 2019 with the launch of her autumn/winter 2020 collection where models wore T-shirts with the phrase ‘We Should All Be Feminists’, responding to the resurgence of concern for women’s equality and women’s rights.

• Focusing on the consumer

Chiuri managed to be faithful to Christian Dior’s vision by giving voice to the ‘celebration of women’ and responding to a social issue.

The third essential step to a great visual storytelling strategy is to focus on the consumer. Before designing a strategy, ask yourself: What do I want the consumer to feel, and how can I make them feel that way?

The window displays

The benefits of visual storytelling in window displays are several and very important. Among them, we can find:

• Creating empathy 
• Creating emotions
• Connect with the audience
• Humanize the brand

The window display, being the point of physical connection with customers, is the perfect scenario to share a clear, concise and consistent story that is faithful to the brand and with which we can achieve many benefits. 

In conclusion, this technique can be used in different areas of the retail and fashion world.

With a strong storytelling strategy, Visual Storytelling will become one of the most vital techniques for your company. Don’t hesitate to contact a Retail and Visual Merchandising for a professional consultancy.

Sources: fashionunited.es; mkparadise.com; launchmetrics.com; marketinginsiderreview.com; joseluisledesma.com

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El término Visual Storytelling se refiere al arte de contar historias de una marca con imágenes y medios visuales.

Y sí pensamos a la efectividad de las imágenes como elementos que facilitan la creación de recuerdos persistentes en el tiempo, entenderemos todo el potencial de esta técnica.

¿Cómo funciona el  visual storytelling?

El Visual Storytelling genera un gran impacto en la percepción de los negocios; ya que los ayuda a conectarse con sus clientes y al mismo tiempo impulsa las ventas.

En ese sentido, la narración de estos contenidos se puede adaptar de muchas maneras; sin embargo, existen algunos conceptos básicos que debemos tomar en cuenta para crear una buena estrategia. A continuación repasaremos algunos de los pasos fundamentales para contar una historia exitosa:

• Estructura: la mayoría de las historias están organizadas de una forma muy simple: problema, solución y resolución.
• Simplicidad: menos es más. Muchas veces perdemos de vista el poder de lo simple. Una historia visual que apele a lo básico proyectará un mensaje fuerte y claro, sin confundir a nuestro público sobre lo que queremos transmitir.
• Diseño: no hay necesidad de llenar una historia con muchos elementos visuales, un buen diseño es suficiente para llegar con éxito al consumidor. 

¿Dónde podemos utilizar el Visual Storytelling?

Esta técnica, por ejemplo, nos permite producir contenidos extraordinarios para redes sociales. Además, el auge de plataformas más visuales como Instagram las convierte en idóneas para el visual storytelling.

El visual storytelling también es muy valioso para los e-commerce. A la hora de presentar los productos de una tienda online existen diferentes tipos de imágenes y cada marca debe escoger la opción que mejor se adapte a su identidad y a la idea que quiere transmitir a su público. 

El mundo del Retail

El consumidor evoluciona con los tiempos, y hoy más que nunca los clientes no solo quieren sentirse identificados con la marca, sino que quieren vivir experiencias auténticas y acercarse a marcas que sean fieles a su visión.  Por lo tanto, podemos destacar tres pasos imprescindibles para un visual storytelling efectivo en el sector de la moda:

• Ser fiel y constante con la visión brand

El visual storytelling en el mundo de la moda funciona cuando la marca es constante y auténtica a lo largo del tiempo, con un mensaje que refleja una visión completa del brand. 

• Adaptarse a los tiempos 

Es vital ser relevantes al para lograr un visual storytelling eficaz. Podemos tomar como ejemplo a la directora creativa de Dior, María Grazia Chiuri, quien generó un impacto mediático increíble en 2019 con el lanzamiento de su colección otoño/invierno 2020 done los modelos llevaban camisetas con la frase ‘We Should All Be Feminists’, respondiendo al resurgimiento de la preocupación por la igualdad y los derechos de la mujer.

Chiuri logró ser fiel a la visión de Christian Dior dando voz a la ‘celebración de la mujer’ y respondiendo a una problemática social.

• Poner el foco en el consumidor

El tercer paso esencial para conseguir una gran estrategia visual storytelling, es poner el foco en el consumidor. Antes de diseñar una estrategia, hay que preguntarse ¿Qué es lo que quiero que sienta el consumidor y cómo puedo conseguir que se sienta así?

Los escaparates

Los beneficios del visual storytelling en los escaparates son varios y muy importantes. Entre ellos encontramos:

• Crear empatía 
• Suscitar emociones
• Conectar con el público
• Humanizar la marca

El escaparate, siendo el punto de conexión física los clientes, es el escenario perfecto para contar una historia clara, concisa y fiel a la marca con la cual podemos lograr muchos beneficios. 

En conclusión, esta técnica puede ser empleada en diferentes áreas del Retail y del mundo de la Moda.

Con una buena estrategia para contar historias, el Visual Storytelling se convertirá en una de las técnicas más vitales para tu empresa. No dudes en contactar con experto en Retail y Visual Merchandising para que pueda asesorarte.

Fuentes: fashionunited.es; mkparadise.com; launchmetrics.com; marketinginsiderreview.com; joseluisledesma.com

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We know that the textile industry is one of the most polluting industries, as it generates a large amount of waste.

Sustainable fashion is a very old topic of debate. There are advances, but we have to do better, proposing projects that help achieve profitable sustainability, that encourage investors.

The fashion industry is a sector with numerous processes that have a negative impact on the environment. Among many others, from manufacturing, distribution, marketing, to the management of surpluses.

Did you know that recycling, in many cases, also involves processes that affect the environment? Or that there are products that cannot be recycled due to the mix of materials at source?

And one of the keys to reducing the impact on the environment is undoubtedly to adopt new techniques to optimize and reduce the carbon footprint.

Although in reality, all processes must be reviewed and provided with economic resources, in order to achieve sustainable fashion itself. It is proven that sustainability has a much higher return on investment than other industry models, which are not.

But what is this new trend?

Upcycling is a recent term used to describe techniques that involve the transformation of waste or scrap into new objects of value. It can be used for the creation of: furniture, clothing, textiles, decorative objects, etc. 

This term was coined in 1994, when Reiner Piltz mentioned it in an article by Thorton Kay of Salvo. Also called supra-recycling or creative recycling, it means reusing and improving what you already have.

 Currently, this trend is very popular in the fashion industry, although it is also present in other areas.

Upcycling should not be confused with recycling, since the former has a more artistic and functional function. In any case, the objective is the same: to reuse a material and give it a new life.

In synthesis, the upcycling tries to reuse old or stock garments to give them a second life and to take advantage of the energy spent in their manufacture.

In this approach, no new raw materials are needed and nothing that has already been created is thrown away, which is an important step towards the circular economy and to reduce the environmental impact.

Upcycling and fashion brands

Every year around 70 million tons of clothing are consumed worldwide and in Spain alone, according to the Iberian Textile Recycling Association, around 800,000 tons of textile waste are generated annually. 

If these garments were reused, a large amount of water and resources would be saved and CO2 emissions would be considerably reduced.

Upcycling also proves that sustainability is not incompatible with design, and many companies are adopting this type of trend.

Companies like Nike, which through the Move to Zero project is committed to reducing waste to zero, have managed to turn their own waste into real objects of desire. Like the futuristic Space Hippie sneakers, inspired by life on Mars and, consequently, by the scarcity of resources.

Among other brands dedicated to this trend, we can find:

• BODE. A Woolmark Award finalist, Emily Adams Bode is one of the industry’s up-and-comers, her agender shows at New York Men’s Fashion Week declare a firm commitment to sustainability with collections made from already used fabrics.

• RAVE REVIEW. Josephine Bergqvist and Livia Schück are other pioneers in this field, scouring flea markets, thrift stores or sales to rescue garments and reinvent them. In their atelier in Sweden, they use already depreciated fabrics to design dresses or coats.

• HÔTEL is another great example. When the Ritz in Paris closed its doors for renovation, kilos of curtains, tablecloths and bedspreads were left homeless. Alexandra Hartmann got hold of many of those pieces and uses them as the basis for her collections.

Upcycling is a new way of creating fashion that aims to put an end to the mass production of disposable garments. The concept of upcycling bets for a different and unique fashion, and we hope that this trend is here to stay.

Sources: vogues.es; smoda.elpais; itfashion.com; nike.com, joseluisledesma.com

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Sabemos que la industria textil es una de las más contaminantes, ya que genera una gran cantidad de residuos.

La moda sostenible es un debate muy antiguo. Hay avances, pero tenemos que hacerlo mejor, proponiendo proyectos que ayuden alcanzar una sostenibilidad rentable, que animen a los inversores.

La industria de la moda es un sector con numerosísimos procesos que impactan negativamente al medio ambiente. Entre muchos otros, desde la manufacturación, distribución, comercialización, hasta la gestión de los excedentes.

¿Sabías que durante el reciclaje, en muchos casos, también tiene procesos que afectan al medio ambiente? o ¿qué hay productos que por la mezcla de materiales en origen, no se pueden reciclar?

Y una de las claves para reducir el impacto sobre el medio ambiente es, sin duda, adoptar nuevas técnicas que permitan optimizar y reducir la huella de carbón.

Aunque en realidad, todos los procesos deben ser revisados y dotados de recursos económicos, para así poder conseguir una moda sostenible propiamente dicha. Es demostrado, que la sostenibilidad tiene un retorno de la inversión muy superior a otros modelos de industria, que no lo son.

¿Pero, qué es esta nueva tendencia?

Upcycling es un término reciente utilizado para describir técnicas que incluyen la transformación de residuos o deshechos para la fabricación de nuevos objetos de valor. Se puede usar para la creación de: muebles, prendas de vestir, textiles, objetos decorativos, etc. 

Este término fue acuñado en 1994, cuando Reiner Piltz lo mencionó en un artículo de Thorton Kay de Salvo. También llamado supra-reciclaje o reciclaje creativo, significa reutilizar y mejorar aquello que ya se tiene. 

En la actualidad, esta tendencia es muy popular en el sector de la moda, a pesar de que también está presente en otros ámbitos.

No hay que confundir upcycling con el reciclaje, ya que el primero tiene una función más artística y funcional. En cualquier caso, el objetivo es el mismo: reutilizar un material y darle una nueva vida.

En síntesis el upcycling trata de reutilizar las prendas viejas o de stock para darles una segunda vida y aprovechar la energía gastada en su confección.

En esta corriente no se necesitan nuevas materias primas ni se tira nada de lo que ya está creado, lo que supone un importante paso hacia la economía circular y para disminuir el impacto ambiental.

Upcycling en la moda

Cada año se consumen en el mundo cerca de 70 millones de toneladas de ropa y tan sólo en España, según la Asociación Ibérica de Reciclaje Textil, se generan cerca de 800.000 toneladas de residuos textiles anuales. 

Si se reutilizasen estas prendas, se ahorrarían gran cantidad de agua, recursos y ayudaría a reducir considerablemente emisiones de CO2.

El upcycling demuestra además que la sostenibilidad no está reñida con el diseño y son muchas las firmas que están adoptando este tipo de tendencia.

Firmas como Nike, que mediante el proyecto Move to Zero se ha comprometido a reducir a cero los desperdicios, han logrado convertir sus propios deshechos en auténticos objetos de deseo. Como las zapatillas futuristas Space Hippie, inspiradas en la vida en Marte y en consecuencia, en la escasez de recursos.

Entre otros brands a destacar que se dedican a esta tendencia podemos encontrar:

• BODE. Finalista del premio Woolmark, Emily Adams Bode es una de las promesas de la industria, sus desfiles agender, en la Semana de la Moda masculina de Nueva York, declaran un firme compromiso con la sostenibilidad con colecciones confeccionadas a partir de tejidos ya usados.

• RAVE REVIEW. Josephine Bergqvist y Livia Schück son otros pioneros en este ámbito, recorriendo mercadillos, tiendas de segunda mano o ventas para así rescatar prendas y reinventarlas. En su atelier en Suecia utilizan telas ya amortizadas y con ellas diseñan vestidos o abrigos.

• HÔTEL es otro gran ejemplo, ya que, cuando el Ritz de París cerró sus puertas para la remodelación, kilos de cortinas, manteles y colchas quedaron sin hogar. Alexandra Hartmann se hizo con muchas de aquellas piezas y las utiliza de base para sus colecciones.

El upcycling es una nueva forma de crear moda que pretende acabar con la producción masiva de usar y tirar prendas. El concepto upcycling apuesta por una moda diferente, única y esperamos que esta tendencia ha llegado para quedarse.

Fuentes: vogues.es; smoda.elpais; itfashion.com; nike.com, joseluisledesma.com

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The creation of sensory experiences through smell determines the future of sensory marketing. But what exactly is Sensory Marketing?

Sensory Marketing

In today’s demanding times, one of the main challenges for brands is to create and maintain relevance. 

Scent marketing is part of sensory marketing. The definition of sensory marketing is based on those commercial actions whose main strategies appeal to the simplest and most basic functions of people. 

The current innovation offered by sensory marketing is focused on enriching experiences, on capturing information through the different senses.

Scent marketing is a modern science that consists of using specific scents and perfumes in the retail space in order to evoke emotions, to influence consumer behaviour and the mood of employees.

The strategy aims to alter one of the most sensitive senses of the human being: the sense of smell, which can be the one that remains in the memory for the longest time. 

Of all our senses, the most primitive and deeply rooted is smell. When we smell something, the receptors in the nose connect directly with a part of the brain called the limbic brain, which controls emotions, memories and feelings of well-being.

According to research conducted by psychologist Eric Spangenberg, a vanilla scent in a feminine products store led to a doubling of sales compared to another store with the same characteristics but without any scent. 

Benefits of Scent Marketing

There is no specific type of company or sector to implement this type of marketing in products and establishments.

It is certain that food businesses “are the ones that have started to use this tool the earliest, either through smells such as freshly brewed coffee or baked bread” (Wakefield and Baker, 1998).

Although this tool is not new, in fact street vendors were already using the technique hundreds of years ago by lighting incense to attract the attention of their customers, scent marketing is gaining importance and entering a boom period in recent years.

This type of technique undoubtedly has many advantages when it comes to improving revenue and customer loyalty, but what else can it do?

Let’s take a look at its main advantages:

• Not Intrusive
• Associates brand values related to the scent
• Connect with your customers
• Increase sales
• Stand out from the competition
• Strengthen brand image
• Enhance branding
• Awaken emotions and evoke memories in customers
• Increase employee concentration

Scent marketing trends in the fashion industry

Some of the latest trends used in scent marketing linked to the fashion industry are: cotton candy, strawberry or vanilla for the children’s textile industry, fresh and citrus scents for young fashion and wood or leather scents for new shoes, among others.
The olfactory techniques of sensory marketing have been growing to become one of the most interesting tools for your business.

The key to a successful strategy is to make it memorable. This way we can have a deeper impact on our customers and build customer loyalty, because in an increasingly digital world the importance of ensuring sensory experiences at the point of sale is essential.

Sources: elpublicista; marketingactual.es; semrush.com; languageofaroma.com; joseluisledesma.com

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La creación de experiencias sensoriales a través del olfato determina el futuro del marketing sensorial. ¿Pero qué es exactamente el Marketing Sensorial?

Marketing sensorial

En tiempos tan exigentes como los actuales, uno de los principales desafíos para las marcas es crear y mantener relevancia. 

El marketing olfativo se enmarca dentro del marketing sensorial. La definición de marketing sensorial, se basa en aquellas acciones comerciales cuyas estrategias principales apelan a las funciones más sencillas y básicas de las personas. 

La innovación actual que ofrece el Marketing sensorial se centra en enriquecer experiencias, en captar la información a través de los diferentes sentidos.

El marketing olfativo es una ciencia moderna que consiste en utilizar aromas y perfumes específicos en el espacio de venta con el fin de despertar emociones, influir sobre los comportamientos del consumidor y el ánimo de los empleados. 

La estrategia pretende alterar uno de los sentidos más sensibles que tiene el ser humano: el olfato, aquel que más tiempo permanece en la memoria. 

Cuando olemos algo, los receptores de la nariz conectan directamente con una parte del cerebro llamado cerebro límbico, el cual controla las emociones, los recuerdos y la sensación de bienestar.

Según la investigación realizada por el psicólogo Eric Spangenberg, un aroma de vainilla en una tienda de productos femeninos hizo que se doblaran las ventas respecto a otro establecimiento de las mismas características pero sin ningún tipo de esencia. 

Ventajas del Marketing Olfativo

No existe un tipo específico de empresa o sector para implementar este tipo de marketing en productos y establecimientos. 

Es cierto que los negocios de comida “son los que más pronto han empezado a utilizar esta herramienta, ya sea a través de olores como el café recién hecho o el pan horneado” (Wakefield y Baker, 1998).

Aunque esta herramienta no es novedad, de hecho los vendedores ambulantes ya utilizaban la técnica hace cientos de años al encender incienso para llamar la atención de sus clientes, el marketing olfativo está ganando importancia y entrando en un periodo de auge en los últimos años.

Este tipo de técnica tiene sin duda muchas ventajas a la hora de mejorar los ingresos y fidelizar a los clientes. ¿Pero qué más puede aportar?

Vamos a ver sus principales ventajas:

• No es Intrusivo
• Asociar valores de la marca relacionados con el aroma
• Conectar con tus clientes
• Incrementar las ventas
• Destacar sobre la competencia
• Fortalecer la imagen de la marca
• Mejorar el Branding
• Despertar emociones y evocar recuerdos en los clientes
• Aumentar la concentración de los empleados

Tendencias en el sector moda

Algunas de las últimas tendencias utilizadas en el marketing olfativo vinculado al sector de la moda son: el algodón de azúcar, fresa o vainilla para el sector textil infantil, olores frescos y cítricos para moda joven y olores a madera o piel, para zapatos nuevos, entre otros.

Las técnicas olfativas del marketing sensorial han ido creciendo para convertirse en una de las herramientas más interesantes para tu negocio. 

La clave para que tu estrategia sea exitosa es de hacerla memorable. De esta forma podremos tener un impacto más profundo en nuestros clientes y fidelizarlos, ya que en un mundo cada vez más digital la importancia de garantizar experiencias sensoriales en el lugar de venta es fundamental.

Fuentes: elpublicista; marketingactual.es; semrush.com; thearomatrace.com; languageofaroma.com; joseluisledesma.com

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When fashion meets art

Art has always been a faithful partner of window displays. Cities dress up with shop windows that identify a style, an era, recreating scenes and experiences.

Luxury firms and designers who have a direct relationship with art know this very well, since they do not make Prêt-à-porter but “pieces of art that dress” with an essence of lasting value over time.

A necessary partnership that feeds back into both the one and the other.

Specifically, the design of window design has an association with ephemeral art with a vision and access for all, with a strong connection to the culture of the environment and of the moment.

Window design is not just a couple of randomly placed objects, but the fusion of the aforementioned with what is inside the point of sale.

The history of 19th century art is full of great painters who exhibited their works in stores of various kinds.

Goya presented his Caprichos for sale in a drugstore in Madrid, Hogarth sold his works in his brother’s store, Turner found his first customers in his father’s barbershop, Thomas Cole‘s landscapes were discovered by the historian William Dunlap in a window of a New York street while Monet became known in the window of a store in Le Havre. (Lorente, 2000).

Display windows as we know them today in Spain have evolved since the seventies, when commercial and artistic techniques converged with the aim of creating brand image. But it was only in the eighties when the process began in which products were treated as works of art in a museum, turning stores into art galleries.

The contemporary artist Banksy, for example, often uses the streets and stores to show his work.

In 2008 he opened his first exhibition (not dedicated to the world of graffiti) in a pet store, The Pet Store and Chacoal Grill in New York. The artist’s goal was to promote a critique of modern society and denounce animal abuse in different industries.

Also, the art of Keith Haring, known for combining art and fashion, has been featured in Stella McCartney’s transparent tattooed mannequins.

Nowadays, in Spain, art and window display are becoming more and more relevant: the international contemporary art fair ARCO has been focusing on it for years. For example, in 2014 it transformed all the windows display of El Corte Inglés in Preciados street by filling them with works by various artists.

Louis Vuitton

If there is a brand that is deeply connected to art, it is undoubtedly Louis Vuitton. Collaborations with artists such as Stephen Sprouse, Takashi Murakami or Yayoi Kusama have created unique experiences and collections.

Vuitton was always a visionary and lover of beauty. One of his diverse and multiple interests was the conception and creation of window displays, which are the closest thing to an art gallery.

Thanks to its strong interest in art, its window displays have seen works by Frank Gehry, Peter Marino, Daniel Buren, Takashi Murakami or Yayoi Kusama recreating true magical worlds in which golden dinosaurs, aerostatic balloons or colorful universes have given us an unforgettable experience.

Such is the importance the brand places on window displays that in 2016 the Assouline publishing house published Louis Vuitton Windows, a book celebrating the brand’s most original window displays.

Loewe

Loewe is one of the pioneering brands in contributing to visual and aesthetic education.

Their window displays can be considered small museum pieces and their love for art has been kept alive since the brand’s origin.

The ultimate expression of this interest in the artistic world was the creation of the Loewe Foundation, which since 1988 has been promoting creativity and educational projects in various fields: dance, design, poetry, photography and crafts.

It was in 1939 when Enrique Loewe Knapped opened in Gran Vía (Madrid) one of its most emblematic stores, becoming one of the first to adopt semicircular shop windows.

Since the beginning, these window displays have become great fashion references that, season after season, have generated a strong impact thanks to the creation of sophisticated scenes full of magic.

For the first time, the window displays gave a glimpse of the luxury inside the stores, and José Pérez de Rozas, Loewe’s creative director for 33 years, was responsible for it.

In love with animal sculptures, Pérez de Rozas brought a touch of Hollywood glamour and a taste for the most exclusive luxury through his creations.

Since then, Loewe has been committed to creativity and its strong relationship with art, collaborating with different national and international artists for the creation of its window displays and collections.

This industry lives not only of fashion, but also of art, of visual and aesthetic richness with which to educate the eye. Loewe knows it well, claims its good taste and values in each of its campaigns and we have the privilege of enriching ourselves just walking through the streets of our city.

The history of fashion teaches us that window displays are not only a tool to showcase products but a stage where fashion and art can merge to create unique experiences and magical places.

Sources: joseluisledesma.com; vogue.es; hmvm.co.uk ; revistaad.es ; exitmail.net; revistadearte.com ; lofficiel.es

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Cuando la moda encuentra el arte

El arte siempre ha sido un fiel compañero del escaparatismo.  Las ciudades se visten con escaparates que identifican un estilo, una época recreando así escenas y experiencias.

Los saben muy bien las firmas y los diseñadores de lujo que tienen una relación directa con el arte, puesto que ellos no hacen Prêt-à-porter sino “piezas de arte que visten” con una esencia de valor duradera en el tiempo. 

Una asociación necesaria que retro-alimenta tanto a uno como el otro. 

En concreto, el diseño de los escaparates tiene una asociación con el arte efímero con una visión y acceso para todos, con una fuerte conexión con la cultura del entorno y del momento. 

El escaparatismo no son un vulgar par de objetos colocados al azar, sino la fusión de lo anteriormente dicho junto con lo que hay en el interior del punto de venta.

La historia del arte del siglo XIX está llena de grandes pintores que depositaban sus obras en tiendas de varios tipos.

Goya puso a la venta sus Caprichos en una droguería madrileña, Hogarth vendía sus obras en la tienda de su hermano, Turner encontró sus primeros clientes en la barbería de su padre, los paisajes de Thomas Cole fueron descubiertos por el historiador William Dunlap en un escaparate de una calle neoyorquina mientras Monet se dio a conocer en la vitrina de un comercio en El Havre. (Lorente, 2000).

Los escaparates como los conocemos hoy en España han evolucionado desde los años setenta, cuando convergen las técnicas comerciales y artísticas con el objetivo de crear imagen de marca. Pero, será solo en los ochenta cuando empieza el proceso en el que los productos se tratan como obras de arte en un museo, convirtiendo las tiendas en galerías de arte.

Por ejemplo, el artista contemporáneo Banksy, utiliza a menudo las calles y las tiendas para mostrar su obra.

En 2008 inauguró su primera exposición (no dedicada al mundo del graffiti) en una tienda de mascotas The Pet Store and Chacoal Grill en New York. El objetivo del artista era promover una crítica a la sociedad moderna y denunciar el maltrato animal existente en diferentes industrias.

También el arte de Keith Haring, conocido por combinar arte y moda, ha sido protagonista en los maniquíes tatuados transparentes de Stella McCartney.

Al día de hoy, en España, el arte y el escaparatismo están cobrando siempre más relevancia: ya hace años que la feria internacional de arte contemporáneo ARCO ha puesto su objetivo en ello. Por ejemplo, en 2014 transformo todos los escaparates de El Corte Inglés de calle Preciados llenándolos con obras de varios artistas.

Louis Vuitton

Si hay una firma que está profundamente relacionada con el arte, esta es, sin duda, Louis Vuitton. Las colaboraciones con artistas como Stephen Sprouse, Takashi Murakami o Yayoi Kusama han dado lugar a experiencias y colecciones únicas.

Vuitton siempre fue un visionario y amante de la belleza. Uno de sus diversos y múltiples intereses era la concepción y creación de escaparates, que son lo más parecido a una galería de arte.

Gracias a su fuerte interés por el arte, sus vitrinas han visto trabajos de Frank Gehry, Peter Marino, Daniel Buren, Takashi Murakami o Yayoi Kusama recreando verdaderos mundos mágicos en los que dinosaurios dorados, balones aerostáticos o universos de color nos han regalado una experiencia inolvidable.

Tal es la importancia que la firma le da a los escaparates que la editorial Assouline publicó en 2016 Louis Vuitton Windows, un libro que celebra los escaparates más originales de la firma.

Loewe

Loewe es una de las marcas pioneras en contribuir a la educación visual y estética.

Sus escaparates pueden ser considerados como pequeñas piezas de museo y su amor por el arte se ha mantenido vivo desde el origen de la marca.

Su máxima expresión de este interés por el mundo artístico fue la creación de la Fundación Loewe, que desde el año 1988 promueve la creatividad y los proyectos educativos en varios ámbitos: danza, diseño, poesía, fotografía y artesanía.

Fue en 1939 cuando Enrique Loewe Knapped abrió en plena Gran Vía (Madrid) uno de sus locales más emblemáticos convirtiéndose en uno de los primeros en adoptar escaparates semicirculares. 

Desde su comienzo, estos escaparates se convirtieron en grandes referentes de la moda que, temporada tras temporada, han generado un fuerte impacto gracias a la creación de escenas sofisticadas llenas de magia.

Por primera vez, los escaparates dejaban adivinar cómo era el lujo dentro de las tiendas, y su responsable fue José Pérez de Rozas, director creativo de Loewe durante 33 años.

Enamorado de las esculturas animales, Pérez de Rozas acercó el toque glamour de Hollywood y el gusto por el lujo más exclusivo a través de sus creaciones.

Desde entonces, Loewe ha apostado por la creatividad y por su sólida relación con el arte, colaborando con diferentes artistas nacionales e internacionales para la creación de sus escaparates y colecciones.

No solo de moda vive esta industria, también de arte, de riqueza visual y estética con la que educar la mirada. Loewe lo sabe bien, reivindica su buen gusto y sus valores en cada una de sus campañas y nosotros tenemos el privilegio de enriquecernos simplemente paseando por las calles de nuestra ciudad.

La historia de la moda nos enseña, que los escaparates no solo son una herramienta para mostrar productos sino un escenario donde moda y arte pueden fundirse para crear experiencias únicas y lugares mágicos.

Fuentes: joseluisledesma.com; vogue.es; hmvm.co.uk ; revistaad.es ; exitmail.net; revistadearte.com ; lofficiel.es

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Big Data is a process that analyses and interprets large volumes of data, both structured and unstructured. This remotely stored information can be used by companies as a basis for their business decisions.

Opportunities and challenges

The characteristics of the Fashion and Retail sector make it an ideal field for the use of Big Data, which combined with analysis techniques can generate great opportunities.

The correct use of Big Data allows us to process information to know our customers, understand their behaviour and consequently decide how to build sales strategies.

With good management and analysis we can, for example, create suggestions based on the purchase history of our customers or generate customized orders.

Some of the most important information we can analyse in the Retail sector are:

• Customer abandonment or cart abandonment prediction
• Hours of peak sales
• Increased customer Lifetime Value
• Store performance
• Demand prediction
• Conversion rates
• Stock control
• Increased customer loyalty
• Product insights
• Shopping cart analysis: cross-selling and up-selling
• Product information

In addition to collecting them, it is very important to know how to analyse and interpret them. It is necessary to have an orderly and prioritized structure to present the data in an accessible and visual way.

In this way we will be able to reach effective conclusions in order to implement effective strategies.

Big Data and competitors

A report by McKinsey states that companies that use consumer data information are able to outperform competitors by 85% in sales growth.

This is because they use the Big Data process and analysis in the right way, with which they can gain market knowledge and also product insights.

According to The Guardian, the fashion brand ASOS, for example, achieved a 33% increase in sales using the Big Data analytics services of EDITD: a British start-up, specializing in fashion companies that also works for companies such as TopShop, M&S, Banana Republic and Abercrombie & Fitch.

The company helped the ASOS sales team to determine the most appropriate products and pricing to increase sales without losing profitability.

In conclusion, the strategic use of data will allow to optimize from sales management to the logistics of a company as well as its commercial image, thus increasing its profits and improving the shopping experience of its customers.

Sources:

mckinsey.com; oracle.com; the guardian.com; zendesk.com; ecommerce-news.es; joseluisledesma.com.

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El Big Data consiste en un proceso que analiza e interpreta grandes volúmenes de datos, tanto estructurados como no estructurado. Estos datos almacenados de forma remota puedan ser utilizados por las empresas como base para su toma de decisiones.

Big data: oportunidades y retos

Las características del sector de la Moda y del Retail hacen que sea un terreno ideal para el uso del Big Data, que combinado con técnicas de análisis puede generar grandes oportunidades.

El uso correcto del Big Data permite procesar datos para conocer a nuestros los clientes, entender su comportamiento y de consecuencia decidir de qué manera construir estrategias de ventas.

Con una buena gestión y análisis de datos podemos, por ejemplo, crear sugerencias basadas en el historial de compra de nuestros clientes o generar pedidos personalizados.

Algunos de los datos más importantes que podemos analizar en el sector del Retail son:

• Predicción del abandono de clientes o abandono del carrito
• Horarios de mayor ventas 
• Aumento del Lifetime Value del cliente
• Rendimiento de las tiendas
• Predicción de la demanda
• Tasas de conversión
• Control de stocks
• Aumento de la fidelización del cliente 
• Información de productos
• Análisis de la cesta de la compra: cross-selling y up-selling
• Información de productos

Aparte de recolectar datos es muy importante saber como analizarlos e interpretarlos. Hay que contar con una estructura ordenada y jerarquizada para presentar los datos de forma accesible y visual.

De esta forma podremos alcanzar conclusiones efectivas para poder implementar estrategias efectivas.

Big Data y competencia

Un informe realizado por McKinsey, establece que las empresas que usan la información de los datos de sus consumidores, son capaces de superar a los competidores en un 85% en el crecimiento en las ventas.

Esto es porque usan de forma correcta el proceso y el análisis del Big Data, con el que pueden obtener conocimiento del mercado y también de los productos.

Según The Guardian, la marca de moda ASOS, por ejemplo, consiguió aumentar sus ventas un 33% usando los servicios de análisis de Big Data de EDITD: una start-up británica, especializada en análisis de Big Data para empresas de moda que también trabaja para firmas como TopShop, M&S, Banana Republic y Abercrombie & Fitch.

La empresa ayudó al equipo comercial de ASOS a determinar cuáles eran los productos más adecuados y el precio idóneo para conseguir aumentar las ventas sin perder la rentabilidad. 

En el mundo del Retail, cada día es más importante garantizar un servicio personalizado a los clientes y en este sentido el Big Data tiene como objetivo ayudar a las empresas en este reto.

En conclusión, el uso estratégico del Big Data permitirá optimizar desde la gestión de las ventas hasta la logística de una empresa como también la imagen su comercial, aumentando así sus beneficios y mejora la experiencia de compra de sus clientes.

Fuentes:

mckinsey.com ; oracle.com ; the guardian.com ; zendesk.com; ecommerce-news.es; joseluisledesma.com.

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But, what is the purpose of a Pop-Up Store?

The goal of Pop Up Stores is to be located in places of great affluence with the intention to surprise, inspire and generate a great impact on potential customers. It can also be of great help to test new sales lines, give exclusivity to certain products or cover specific seasonal periods.

These temporary spaces allow brands to create a unique environment that engages their customers and allows them to generate feelings of relevance and interactivity.

Pop Up Stores around the world

There are many brands that have adopted this format, which despite its ephemeral nature is able to generate a great impact in the long term. Below, we will review some of the most memorable Pop Up Stores from around the world:

• Adidas: the sports brand in 2013 with the aim of promoting the Stan Smith sneakers made a very surprising presentation in London: a pop-up store in the form of a shoebox in giant size.

• Hermès: the luxury brand created in 2016 Hermèsmatic: temporary stores in cities such as Milan, Barcelona and Madrid where you could customize vintage scarves through a free dyeing process. Creating a whole experience based on silk.

• Lacoste: in 2012 the French brand bet to create a pop-up store in one of the most famous festivals in the world: Coachella. The space designed by the Aruliden studio (New York) was made from redesigned metal containers.

What are the benefits of Pop Up Stores?

The versatility of pop up stores can help us create unique spaces and unforgettable experiences. A well-structured pop up store can bring great benefits, among the most relevant we can find:

• Uniqueness: the space is unique and unrepeatable, so customers who visit the Pop-Up Store must live an impressive experience.

• Location: one of the main characteristics of a Pop-Up Store is to be located in the most popular areas of the city, which ensures a high influx. If it is an online business, a physical store can be opened temporarily to reach customers offline as well, covering both sides of the market, as in the case of AliExpress or Amazon.

• Branding: an ideal action to transmit or reinforce the image and positioning of the brand.

• Viral Content: a creative space will make the media talk about it. The spreading of the news of the opening can help us to improve the brand image, to reach a new type of public or to present a certain new product.

• Experience: thanks to the exclusivity and originality of the event, combined with all the sensory marketing tools, Pop-Up Stores can offer an experience that consumers will not forget.

Pop Up Stores have been able to fundamentally change the retail sector by breaking away from the routine of stores and commercial establishments, and from the usual brand positioning strategies, to create a superior impact on the minds and emotions of consumers.

Success and Pop Up Stores

Brands that decide to opt for this commercial strategy must take into account a series of factors that will be the key to their final success:

• The space in which the Pop Up Store will be developed must offer a unique experience in accordance with the type of products to be marketed. Emblematic places in big cities, museums or industrial warehouses are perfect places to organize ephemeral spaces.

• Having a solid communication strategy, in addition to having an expert in the creation of commercial spaces such as a Window Display Designer & Visual Merchandising Manager is essential to get the right audience and create an efficient and attractive space.

The success of a Pop Up Store is knowing how to create unique experiences, offer exclusive products and a personalized treatment for each of the people who come to the space.

Sources: revistavanityfair.es; aruliden.com; designboom.com; arquitecturaydiseno.es

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Pero, ¿cuál es el objetivo de una Pop Up Store?

El objetivo de las Pop Up Stores es situarse en lugares de gran afluencia con la intención de sorprender, emocionar y generar un gran impacto a los posibles clientes. También puede ser de gran ayuda para probar nuevas líneas de venta, dar exclusividad a determinados productos o cubrir periodos estacionales en concreto.

Estos espacios temporales permiten a las marcas crear un ambiente único que involucra a sus clientes y permiten generar sensaciones de relevancia e interactividad.

Pop Up Stores en el mundo

Son muchas las marcas que han adoptado esta modalidad, que a pesar de su naturaleza efímera logra generar un gran impacto a largo plazo. A continuación revisaremos algunas de las Pop Up Stores más memorables al rededor del mundo:

• Adidas: la marca deportiva en 2013 con la intención de promocionar las zapatillas Stan Smith realizó una puesta en escena muy sorprendente en Londres: una pop up store en forma de caja de zapatos en tamaño gigante.

• Hermès: la firma de lujo creó en 2016 Hermèsmatic: tiendas temporales en ciudades como Milán, Barcelona y Madrid donde se podía personalizar bufandas vintage mediante un procedimiento de teñido gratuito. Creando toda una experiencia basada sobre la seda.

• Lacoste: en 2012 la marca francesa apostó para crear una pop up store en uno de los festivales más célebres al mundo: el Coachella. El espacio diseñado por el estudio Aruliden (New York) fue realizado a partir de contenedores metálicos rediseñados. 

¿Cuáles son los beneficios de las Pop Up Store?

La versatilidad de las pop up stores nos puede ayudar a crear espacios únicos y experiencias inolvidables. Una pop up store bien estructurada puede traer grandes beneficios, entre los más relevantes podemos encontrar: 

• Unicidad: el espacio es único e irrepetible, por lo que los clientes que visiten la Pop Up Store deben vivir una experiencia impactante.

• Ubicación: una de las características principales de una Pop-Up Store es estar situada en las zonas más concurridas de la ciudad, lo que asegura una alta afluencia. Si se trata de un negocio online se puede abrir temporalmente una tienda física para llegar a clientes también de forma offline, cubriendo ambas partes del mercado, como en el caso de Aliexpress o Amazon.

• Branding: una acción ideal para transmitir o reforzar la imagen y el posicionamiento de la marca.

• Contenido Viral: un espacio creativo hará que los medios de comunicación hablen de ello. La viralización de la noticia de una apertura de una Pop Up Store nos puede ayudar a mejorar la imagen de marca, a llegar a un nuevo tipo de público o a presentar un determinado producto nuevo.

• Experiencia: gracias a la exclusividad y a la originalidad del evento, combinado con todas las herramientas de marketing sensorial, las Pop-Up Stores pueden ofrecer una experiencia que los consumidores no olvidaran.

Con las Pop Up Stores se ha logrado darle fundamental un cambio al sector Retail saliendo de la rutina de las tiendas y establecimientos comerciales, y de las estrategias habituales de posicionamiento de marca, para crear un impacto superior en la mente y en las emociones de los consumidores.

Éxito y Pop Up Stores 

Las marcas que deciden optar por esta estrategia comercial deben tener en cuenta una series de factores que serán la clave del éxito final:

• El espacio en el que se desarrollará la Pop Up Store debe ofrecer una experiencia única y acorde con el tipo de productos que se van a comercializar. Lugares emblemáticos de las grandes ciudades, museos o naves industriales habilitadas son lugares perfectos para organizar espacios efímeros.

• Disponer de una sólida estrategia de comunicación, además de contar con un experto en creación de espacios comerciales como es un Window Display Designer & Visual Merchandising Manager es fundamental para conseguir atraer el público adecuado y crear un espacio eficiente y atractivo.

El éxito de una Pop Up Store es saber crear experiencias únicas, ofrecer productos exclusivos y un trato personalizado para cada una de las personas que se acerquen al espacio.

Fuentes: revistavanityfair.es; aruliden.com; designboom.com; arquitecturaydiseno.es

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But what exactly is Vintage?

Vintage is an English word derived from the French “vendenge” which translates as “old wine” that translated to the fashion world could be interpreted as “love for the past” and represents fashion trends through unique garments and elements from previous eras.

Today, it consists precisely in recovering the pieces of the past to create a contemporary and sustainable style.

The cyclical nature of fashion has always fostered a sense of nostalgia, but beyond reinvention, there are other sentiments that are motivating this look back, such as sustainability.

In some countries, such as the United States, buying and wearing vintage clothing is a trend that has been around for decades, while in Europe it is a relatively new habit that is growing steadily, in fact it is a moving market that is gaining more and more space and followers.

It is important to highlight the benefits that this type of consumption brings to the environment. For example, vintage clothing, apart from reducing the amount of raw materials used by the fashion industry, also helps to reduce the carbon footprint generated by its commercialization and distribution.

According to the Ellen MacArthur Foundation, we use a garment 7 to 10 times before discarding it, and 80 billion items are purchased worldwide each year. Given this situation, promoting a sustainable model applied to fashion seems essential.

If you are interested in the vintage world: here you can find a small guide with a selection of physical and online stores where you can find unique garments.

• Vestiaire Collective: this platform, pioneer of second-hand luxury, with offices in New York, London, Berlin, Milan and Paris, is a community to buy and sell unique second-hand products in the best conditions. It has a permanent catalogue of more than 600,000 products that are joined weekly by thousands of options that previously pass an exhaustive quality and authenticity control by a team of experts.

• Depop: is a 2.0 flea market very appreciated by the Z generation that offers its users the opportunity to buy and sell vintage clothing. It currently has 13 million users in more than 147 countries, including Spain.

• Vintalogy: has different physical stores in Madrid in addition to its online store. They offer a selection of casual style garments as well as some of the most iconic sneakers in history.

• Flamingo Vintage Kilo: is the first boutique in Spain specialized in the sale of unique vintage pieces of North American origin that are sold by weight. In addition to an online store, it has several physical spaces in different cities in Spain.

• Blow by Le Swing: is one of the reference stores of luxury vintage in Barcelona.

• Rokit: is one of the best stores in London to find vintage and retro clothing. It has different physical spaces around the capital, as well as an online store.

• Amore Vintage: in this famous Tokyo store there are about 6,000 products: from iconic collections to limited version pieces. Amore Vintage has consolidated its position as the best destination to find luxury vintage garments from brands such as Chanel, Hermès, Louis Vuitton, Gucci, Fendi, Dior, Prada, Ferragamo and Celine.

• Humana Vintage: is one of the reference of second-hand clothing stores related to the foundation Pueblo para Pueblo, which works with cooperation projects in countries in Africa, South America and Asia. They have different stores in Barcelona, Madrid, Granada, Milan and Turin. They have recently opened a new ‘vintage’ space, with a selection of clothing and accessories from past decades.

Undoubtedly, the Fashion and Retail industry has to look to the past to build a responsible and sustainable future.

Have you decided to try yet a vintage store?

Sources: joseluisledesma.com, ellenmacarthurfoundation.org, lavanguardia.com, telva.com, elle.com, marie-claire.es, vogue.es

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Pero, exactamente ¿qué significa Vintage?

Vintage es una palabra en inglés derivada del francés “vendenge” que se traduce como “vino añejo” que trasladado al mundo de la moda podría interpretarse como “amor por el pasado” y representa las tendencias de moda a través de prendas y elementos únicos de épocas anteriores.

Hoy en día, consiste precisamente en recuperar las piezas del pasado creando un estilo contemporáneo y sostenible.

La naturaleza cíclica de la moda siempre ha fomentado un sentido de nostalgia, pero más allá de la reinvención, hay otros sentimientos que están motivando esta mirada hacia atrás, como la sostenibilidad.

En algunos países, como en Estados Unidos, comprar y utilizar ropa vintage es una tendencia que existe desde ya hace varias décadas mientras en Europa es un hábito relativamente nuevo que no para de crecer, de hecho es un mercado en movimiento que está ganando siempre más espacio y seguidores.

Es importante remarcar los beneficios que aportan al ambiente esta modalidad de consumo. Por ejemplo, la ropa vintage aparte reducir la cantidad de materias primas usadas por la industria de moda también ayuda a disminuir la huella de carbón generada por su comercialización y distribución.

Según la Ellen MacArthur Foundation, utilizamos de 7 a 10 veces una prenda antes de deshacernos de ella y cada año se compran en el mundo 80.000 millones de artículos. Ante esta situación promover un modelo sostenible aplicado a la moda parece imprescindible. 

Si estás interesado en el mundo del vintage: aquí podrás encontrar una pequeña guía con una selección de tiendas físicas y online donde buscar prendas únicas.

• Vestiaire Collective: esta plataforma, pionera del lujo de segunda mano, tiene oficinas en Nueva York, Londres, Berlín, Milán y París es una comunidad para comprar y vender productos únicos de segunda mano en las mejores condiciones. Cuenta con un catálogo permanente de más de 600.000 productos al que se unen semanalmente miles de opciones que previamente pasan un exhaustivo control de calidad y autenticidad por un equipo de expertos. 

• Depop: es un mercadillo 2.0 muy apreciado por la generación Z que ofrece a sus usuarios la oportunidad de comprar y vender ropa vintage. Actualmente cuenta con 13 millones de usuarios en más de 147 países, entre ellos España.

• Vintalogy: cuenta con diferentes tiendas físicas en Madrid además de su tienda online. Ofrecen una selección de prendas de estilo casual además de algunas de las zapatillas de deporte más icónicas de la historia.

• Flamingo Vintage Kilo: es la primera boutique de España especializada en la venta de piezas únicas vintage de origen norteamericano que se venden al peso. Tiene además de una tienda online varios espacios físicos en diferentes ciudades de España.

• Blow by Le Swing: es una de las tiendas referentes del vintage de lujo de la ciudad condal.

• Rokit: es una de las mejores tiendas de Londres para encontrar ropa vintage y retro. Cuenta con diferentes espacios físicos por la capital además de una tienda online.

• Amore Vintage: en esta célebre tienda de Tokio hay alrededor de 6.000 productos: desde colecciones icónicas hasta piezas de versión limitada. Amore Vintage ha consolidado su posición como el mejor destino para encontrar prendas vintage de lujo de marcas como: Chanel, Hermès, Louis Vuitton, Gucci, Fendi, Dior, Prada, Ferragamo y Celine.

• Humana Vintage: es una de las cadenas de referencia de ropa de segunda mano vinculada a la fundación Pueblo para Pueblo que trabaja con proyectos de cooperación en países de África, Sudamérica y Asia. Cuentan con diferentes tiendas en Barcelona, Madrid, Granada, Milan y Turín. Recientemente han abierto un nuevo espacio ‘vintage’, con selección de ropa y accesorios de décadas pasadas.

Sin duda, la industria de la Moda y del Retail tiene que mirar hacia el pasado para construir un futuro responsable y sostenible.

¿Te has animado a probar alguna tienda vintage? 

Fuentes: joseluisledesma.com, ellenmacarthurfoundation.org, lavanguardia.com, telva.com, elle.com, marie-claire.es, vogue.es

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Origins of mannequins

The word mannequin comes from the Dutch “manneken” and means “little man”. Its origin goes back to Ancient Egypt where there was the ‘Mannequin of Tutankhamun’ a figure that is part of the grave goods of the tomb of the pharaoh Tutankhamun and was discovered in 1922.
The mannequin was found by archaeologist Howard Carter in the only Egyptian royal tomb found intact and depicts the face of the pharaoh who reigned from 1336/5 to 1327/5 BC. This figure is believed to have been used to try Tutankhamun’s clothes, since the tailors of the pharaoh could not touch his sacred body.

The first mannequins

The first mannequin was invented in France in the 16th century. For this reason, they were originally called French mannequins and were usually intended for sewing schools.
Although the first mannequins present in shop windows as we know them today appeared only with the industrial revolution when shopping became important and necessary.
In the beginning they were mainly made of wax, while the feet were made of iron and the extremities of wood, which made them very heavy.

Evolution of the figure

Clearly these wax figures had their disadvantages, it was then, when the French company, Siegel & Stockman, found the solution by inventing the mannequin made of papier-mâché, which weighed much less than its predecessor and did not melt during the summer.

Thus, it was that the new mannequin became a much flatter and more stylized figure.
As the materials allowed providing greater realism to the mannequins, the figures were transformed over the years following the trends of each era.

For example, in the 50s and 60s the figure of Marilyn Monroe with its forms inspired the structure of the new mannequins of the time. While during the 70s the mannequins became more abstract and lost most of their facial features. On the other hand, from the 90s stylized mannequins with figures inspired by Kate Moss became widespread.

Current trends

In recent years, the trend is to use less and less realistic mannequins in neutral colours, so that they do not condition the garments too much, although 3D printing is slightly changing this. However, a pending issue would be to know the impact of its production on the environment.

On the other hand, it has increased the diversification of postures or, for example, the use of groups of mannequins that interact with each other to give more dynamism.
When choosing a mannequin, the first thing to consider is what we want to transmit, where and how the figure will be placed. 

Depending on the changes to be made to the showcase and its design, it will be necessary to choose a more or less light material and a more or less articulated mannequin. 
It is important above all to count on brands that have top quality materials, as is the case of Atrezzo or Hans Boodt.

If you are looking for the most suitable mannequin for your business, do not hesitate to consult a Global Window Display Designer or Visual Merchandising Manager to study the solution and the most suitable design for the objectives of your project.

Sources: modaes.es, fashionunited.es, hopesandfears.com, joseluisledesma.com

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Pero ¿cuál es el su origen?

Origines de los maniquíes

La palabra maniquí procede del holandés manneken y significa “hombre pequeño”. Su origen remonta al antiguo Egipto donde existía el ‘Maniquí de Tutankamón’ una figura que forma parte del ajuar funerario de la tumba del faraón Tutankamón y que fue descubierta en 1922.

El maniquí fue hallado por el arqueólogo Howard Carter en la única tumba real egipcia encontrada intacta y representa el rostro del faraón que reinó de 1336/5  a 1327/5 a.C. Esta figura se cree que era usada para probar y sostener los vestidos de Tutankamón, ya que los sastres del no podían tocar su sagrado cuerpo.

Los primeros maniquíes

El primero maniquí se inventó en Francia en el siglo XVI. Por este motivo, en su origen se llamaban maniquíes franceses y solían estar destinados a las escuelas de costura.

Aunque los primeros maniquíes presentes en los escaparates como los conocemos hoy en día aparecieron solo con la revolución industrial cuando las compras empezaron a ser algo importante y necesario.

En sus inicios se elaboraban principalmente con cera, mientras los pies eran de hierro y las extremidades de madera, lo que elevaba mucho su peso.

Evolución de la figura

Claramente estas figuras de cera tenían sus desventajas, fue entonces, cuando la compañía francesa, Siegel & Stockman, encontró la solución inventando el maniquí hecho de papel maché, el cual pesaba mucho menos que su antecesor y no se derretía durante el verano. Así fue que el nuevo maniquí se convirtió en una figura mucho más plana y estilizada.

A medida que los materiales permitían proporcionar un mayor realismo a los maniquíes las figuras fueron transformándose a lo largo de los años siguiendo las tendencias de cada época.

Por ejemplo en los 50’s y 60’s la figura de Marilyn Monroe con sus formas inspiró la estructura de los nuevos maniquíes del momento.

Mientras durante los 70’s los maniquís se convirtieron en algo más abstracto y perdieron la mayoría de sus rasgos faciales. En cambio a partir de los 90’s se difundieron los maniquíes estilizados con figuras inspiradas a Kate Moss.

Tendencias actuales

En los últimos años, la tendencia es utilizar maniquís cada vez menos realistas y en colores neutros, de manera que no condicionen demasiado las prendas, aunque la impresión 3D esta ligeramente cambiando esto. Sin embargo un tema pendiente sería saber el impacto de su producción al medio ambiente.

En cambio, si ha aumentado la diversificación de posturas o, por ejemplo, el uso de grupos de maniquíes que interactúan entre ellos para garantizar al escaparate más dinamismo.

A la hora de elegir un maniquí, lo primero a tener en cuenta es qué queremos trasmitir, dónde y cómo se va a ubicar la figura. 

En función a los cambios de escaparate que se realice y a su diseño será necesario elegir a un material más o menos ligero y a un maniquí articulado en mayor o menor medida. 

Es importante sobre todo contar con marcas que cuenten con materiales de primera calidad, como es el caso de Atrezzo o Hans Boodt.

Si estás buscando el maniquí más apto a tu negocio no dudes asesorarte con un Global Window Display Designer o Visual Merchandising Manager para estudiar la solución y el diseño más indicado para los objetivos de tu proyecto.

Fuentes: modaes.es, fashionunited.es, hopesandfears.com , joseluisledesma.com

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By studying the commercial space we have at our disposal, among many others, we can apply the most appropriate window dressing techniques both in the showcases and in the interior and guarantee an enriching experience to our customers and curious people who will not only enter our store, but will stay longer in it.

Today more than ever, stores must become experience centres where to create a relationship with the brand where the main protagonist is the customer.

In fact, brands are increasingly betting on the in-store experience by using minimalist visual merchandising, with less furniture and elements, leaving the product as the exclusive protagonist and conveying a sense of higher quality.

On the other hand, other brands are opting to personalize their points of sale through striking decoration, which varies as their creative line changes.

The shop windows together with the decoration, have to tell an attractive story to our customers and to do so we need to capture all their attention and invite them to the interior of the commercial space, where Visual Merchandising is essential.

To achieve these objectives the importance of materials in Visual Merchandising and Window Dressing is fundamental.

Sometimes it may go unnoticed, but the material we use in the decoration of our store is essential for an excellent result. We must take into account basic aspects of the choice, such as, for example, that it is aligned with the DNA of the brand, as well as more technical aspects about its handling, qualities and behaviour to external variants.

What are the most used materials in Visual Merchandising and Window Dressing?

Undoubtedly among the most used materials we find wood: one of the oldest resources and also one of the most versatile. This material provides a feeling of warmth and can be combined with many elements.
It can also be used untreated to convey a more rustic look.

Paper is another of the materials widely used for shop window and store interior decorations. It is an economical, creative and easily recyclable material.

On the other hand we find more natural elements such as stone that is gaining importance and is often used to leave the product as the main protagonist of the store.
Metal is also gaining prominence and is usually combined in the walls and furniture.
Meanwhile, the use of overly ornate upholstery on the walls is becoming less common.

In the case of materials such as natural stone, glass or carpets, they are increasingly present not only in high-end stores but also in large-scale distribution establishments.

The floor

Flooring is another key element of the store. The use of carpets and rugs is not very common nowadays, especially in large retail stores, although they continue to be used in high-end establishments.

When opting for a “bare floor”, a recurring option is marble, a material that offers great strength, durability and style. However, most stores choose to combine this material with another type of flooring for fitting rooms where the touch with bare feet is warmer.

Carpets are an alternative when the product requires direct contact with the feet, as in the case of shoe stores, and are also easy to clean or replace

An avant-garde alternative are environmentally friendly woven vinyl floors, made from materials containing plasticizers, made from renewable raw materials of organic origin.

It’s very important to study and analyse which are the most appropriate materials to convey a message consistent with the value of your brand and to offer the best experience to your customers, without losing sight of the importance of sustainability and to generate a minimum impact on the environment.

In order to meet this goal, don’t hesitate to count on the experience of a Visual Merchandising professional who can advise you on your strategy and help you achieve these goals.

Sources: Moda.es, Casadecor.es and joseluisledesma.com

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Estudiando el espacio comercial que tenemos a disposición, entre muchas otras, podemos aplicar las técnicas del escaparatismo más adecuadas tanto en las vitrinas como en el interior y garantizar una experiencia enriquecedora a nuestros clientes y curios@s que no solo entrarán en nuestra tienda, sino que permanecerán más tiempo en ella.

Hoy más que nunca las tiendas deben convertirse en centros de experiencias donde crear una relación con la marca donde el principal protagonista es el cliente.

De hecho, las marcas están apostando cada vez más por la experiencia en tienda utilizando un visual merchandising minimalista, con menos mobiliario y elementos, dejando al producto como protagonista exclusivo y transmitiendo una sensación de mayor calidad. Por otra parte, otras marcas optan por personalizar sus puntos de venta a través de una decoración impactante, que va variando según cambia su línea creativa.

Los escaparates junto con la decoración, tienen que contar una historia atractiva a nuestros clientes y para hacerlo necesitamos captar toda su atención e invitarles a el interior del espacio comercial, donde el Visual Merchandising es imprescindible.

Para lograr estos objetivos la importancia de los materiales en el Visual Merchandising y el Escaparatismo es fundamental.

A veces puede pasar desaparecido, pero el material que utilizamos en la decoración de nuestra tienda es esencial para un excelente resultado. Se ha de tener en cuenta aspectos básicos de la elección, como por ejemplo, que este alineado con el ADN de la marca, cómo también aspectos más técnicos sobre su manipulación, cualidades y comportamiento a las variantes externas. 

¿Cuáles son los materiales más utilizados en el Visual Merchandising y Escaparatismo?

Sin duda entre los materiales más utilizados encontramos la madera: uno de los recursos más antiguos y también uno de los más versátiles. Este material aporta una sensación de calidez y se puede combinar con muchos elementos diferentes.

También se puede utilizar sin tratar para transmitir un aspecto más rústico.

El papel es otro de los materiales muy utilizados para las decoraciones de escaparates e interior de las tiendas. Es un material económico, creativo y fácilmente reciclable.

Por otro lado encontramos elementos más naturales como la piedra que está ganando importancia y suele ser utilizada para dejar el producto como máximo protagonista de la tienda.

También el metal está ganando protagonismo y suele combinarse en las paredes y el mobiliario.

Mientras, cada vez es menos común el uso de tapicería demasiado recargada en las paredes.

En el caso de los materiales como la piedra natural, el cristal o las alfombras, cada vez están más presente no solamente en las tiendas de alta gama sino también en los establecimientos de gran distribución.

Los suelos

El suelo es otro de los elementos clave de la tienda. Actualmente no es muy común el uso de moquetas y alfombras, especialmente en las tiendas de gran distribución, aunque sí continúan utilizándose en los establecimientos de gama alta.

A la hora de optar por un “suelo desnudo”, una opción recurrente, es el mármol, un material que ofrece una gran resistencia, durabilidad y estilo. 

Sin embargo, la mayoría de las tiendas opta por combinar este material con otro tipo de pavimento para los probadores donde el tacto con los pies descalzos sea más cálido.

Las alfombras son una alternativa cuando el producto requiere un contacto directo con los pies, como en el caso de las zapaterías, son además fáciles de limpiar o remplazar.

Una alternativa de vanguardia son los suelos de vinilo tejido que cuidan el medio ambiente, fabricados a partir de materiales que contienen plastificantes, realizados a partir de materias primas renovables de origen orgánico.

Es muy importante estudiar y analizar cuáles son los materiales más adecuados para trasmitir un mensaje coherente con el valor de tu marca y lograr ofrecer la mejor experiencia a tu clientela, sin perder de vista la importancia de la sostenibilidad y de generar un impacto mínimo para el medio ambiente.

Para hacerlo no dudes contar con la experiencia de un profesional del Visual Merchandising y el Escaparatismo, que pueda asesorarte en tu estrategia y ayudarte a lograr estos objetivos.

Fuentes: Moda.es, Casadecor.es y elaboración propia de joseluisledesma.com

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