I remember when Topshop landed in Madrid in the early 2000s. I was in my early twenties and curiously peeked into that Puerta del Sol store that felt as if it had arrived straight from Oxford Street. For my generation, it was a breath of fresh air: different shop windows, daring clothes, and the feeling of being connected to a more global fashion scene. However, the brand closed in Spain in 2017, leaving behind a mix of nostalgia and the sense that it never fully clicked with the local consumer.

The new relaunch: digital, multi-brand, and collaborations

In 2025, Topshop’s comeback looks very different. The brand has recovered its own website and is betting on the multi-brand channel, reducing risks and gaining flexibility. The relaunch has included high-impact gestures: a fashion show in Trafalgar Square featuring see-now, buy-now pieces, and a collaboration with Cara Delevingne (FashionUnited, FashionNetwork).

Own website and multi-brand strategy. Topshop is back without costly flagships, instead opting for wholesale agreements and a strong digital presence. This allows it to test markets like Spain before committing to its own stores.

Nostalgia as strategy: updated messaging and aesthetics

The brand taps into collective memory with messages such as “We missed you too” (Elle). At the same time, it refreshes its aesthetic proposal with more sophisticated cuts, hybrid fabrics, and campaigns that blend the physical with the digital.

Madrid then and now: different business models

In its first stage, the franchise model relied on large stores in prime locations and collections that didn’t always connect with Spanish audiences. In 2025, Topshop comes with less rigidity, a digital-first approach, and a greater ability to listen to the consumer.

Challenges and opportunities in the Spanish market

The challenge will be to balance nostalgia and competitiveness: fair pricing against Inditex or H&M, agile logistics, and cultural sensitivity. If it succeeds, Topshop will not just be a nostalgic revival, but an example of how to reinvent a retail icon in the 21st century.

All of this, however, happens under the looming shadow of SHEIN, which continues to gain ground internationally.

This analysis is part of my personal perspective as a creative specializing in retail and visual culture. On joseluisledesma.com I continue to explore how brands engage with collective memory and the challenges of the digital era. The Topshop case is a clear example of how yesterday’s visual merchandising and today’s omnichannel strategies come together in a single narrative.

Sources: FashionUnited – Relaunch fashion show at Trafalgar Square. FashionNetwork – Collaboration with Cara Delevingne and retail comeback. Elle México – Communication strategy based on nostalgia. Modaes – Multi-brand distribution strategy. Modaes – History and closure of Topshop in Spain. El Español – Information on openings in Madrid and Barcelona. Joseluisledesma.com

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Recuerdo cuando Topshop aterrizó en Madrid a principios de los 2000. Yo tenía poco más de veinte años y me asomaba con curiosidad a aquella tienda de Puerta del Sol que parecía llegada directamente de Oxford Street. Para mi generación fue un soplo de aire fresco: escaparates distintos, ropa atrevida y la sensación de estar conectados con una moda más global. Sin embargo, la marca cerró en 2017 en España, dejando tras de sí una mezcla de nostalgia y la percepción de que no terminó de encajar con el consumidor local.

El nuevo relanzamiento: digital, multimarca y colaboraciones

En 2025 el regreso de Topshop se plantea de forma muy diferente. La firma recupera web propia y apuesta por el canal multimarca, reduciendo riesgos y ganando flexibilidad. El relanzamiento ha incluido gestos de alto impacto: un desfile en Trafalgar Square con prendas see-now, buy-now y una colaboración con Cara Delevingne (FashionUnited, FashionNetwork).

Web propia y canal multimarca. Topshop regresa sin flagships costosos, sino con acuerdos wholesale y fuerte presencia digital, lo que le permite testar mercados como España antes de comprometerse con tiendas propias.

Nostalgia como estrategia: mensajes y estética actual

La marca explota la memoria colectiva con mensajes como “También te extrañamos” (Elle). Al mismo tiempo, actualiza su propuesta estética con cortes más sofisticados, tejidos híbridos y campañas que combinan lo físico con lo digital.

Madrid entonces y ahora: diferencias de modelo

En su primera etapa, el modelo de franquicia dependía de tiendas grandes en ubicaciones prime y colecciones que no siempre conectaban con el público español. En 2025, Topshop llega con menos rigidez, un enfoque digital-first y mayor capacidad de escucha al consumidor.

Retos y oportunidades en el mercado español

El reto será equilibrar nostalgia y competitividad: precios justos frente a Inditex o H&M, logística ágil y sensibilidad cultural. Si acierta, Topshop no quedará en un revival nostálgico, sino en un ejemplo de cómo reinventar un icono del retail contemporáneo en pleno siglo XXI. Todo eso sí, con la sombra de SHEIN ganando mercado.

Este análisis forma parte de mi mirada personal como creativo especializado en retail y cultura visual. En joseluisledesma.com sigo explorando cómo las marcas dialogan con la memoria colectiva y con los retos de la era digital. El caso Topshop es un buen ejemplo de cómo el escaparatismo visual de ayer y la omnicanalidad de hoy se encuentran en un mismo relato.

Fuentes. FashionUnited – Desfile de relanzamiento en Trafalgar Square. FashionNetwork – Colaboración con Cara Delevingne y regreso al retail. Elle México – Estrategia de comunicación basada en nostalgia. Modaes – Estrategia de distribución multimarca. Modaes – Historia y cierre de Topshop en España. El Español – Información sobre las aperturas en Madrid y Barcelona. Joseluisledesma.com

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La importancia histórica de la moda asiática

La moda asiática tiene una historia rica y diversa que se remonta a miles de años atrás. Desde los exquisitos tejidos de seda de China hasta los intrincados kimonos de Japón, la moda asiática siempre ha sido reconocida por su atención al detalle y su artesanía impecable. Durante siglos, Asia ha sido una fuente de inspiración para diseñadores de todo el mundo, quienes han incorporado elementos de la moda asiática en sus colecciones. Sin embargo, en los últimos años, la moda asiática ha dejado de ser solo una fuente de inspiración y se ha convertido en un fenómeno por derecho propio.

Tendencias de moda en China: elementos tradicionales en diseños modernos

China ha sido durante mucho tiempo un faro de la moda asiática. Con una rica historia y una cultura vibrante, no es de extrañar que la moda china esté en auge. En los últimos años, los diseñadores chinos han sabido combinar elementos tradicionales con diseños modernos, creando así una estética única y contemporánea. La moda china ha abrazado su patrimonio cultural incorporando elementos tradicionales, bordados y colores vibrantes en sus diseños. Estas tendencias han traspasado las fronteras y ahora se pueden ver en pasarelas internacionales y revistas de moda de todo el mundo, con una sociedad joven que sabe disfrutar vistiendo tendencias de moda muy puntera.

La fusión del streetwear y la alta moda coreana

Otra influencia asiática destacada en el mundo de la moda podemos encontrarla en Corea del Sur. La moda coreana se ha ganado una reputación por su fusión única de streetwear y alta moda. Los diseñadores coreanos han logrado capturar la atención de la industria con su enfoque innovador y vanguardista. La moda coreana se caracteriza por su estilo de calle urbana, con prendas cómodas y casuales combinadas con elementos de alta costura. Esta fusión de estilos ha resonado en todo el mundo y ha llevado a que la moda coreana sea reconocida como una fuerza a tener en cuenta. Especialmente con el gran protagonismo K-POP y el impacto visual que ejercen, tan merecidamente.

La vibrante y colorida escena de la moda en Tailandia

Tailandia es otro país asiático que ha dejado su huella en la industria de la moda. Con su rica historia y su vibrante cultura, la moda tailandesa es conocida por su uso audaz del color y sus estampados llamativos. Los diseñadores tailandeses han sabido combinar elementos tradicionales con diseños contemporáneos, creando así una estética única y reconocible. La moda tailandesa ha ganado popularidad en todo el mundo, y sus diseños se pueden ver en pasarelas internacionales y revistas de moda de renombre.

Los estilos de moda únicos de Filipinas

Filipinas también ha dejado una marca en la industria de la moda con sus estilos únicos y diversos. Desde los tejidos tradicionales de Mindanao hasta los modernos ternos de barong, la moda filipina es una mezcla de tradición y modernidad. Los diseñadores filipinos han sabido capturar la esencia de la cultura filipina en sus diseños, utilizando materiales locales y técnicas artesanales. La moda filipina ha sido elogiada por su originalidad y su enfoque en la sostenibilidad, y ha ganado reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional.

Diseñadores de moda asiáticos que están marcando tendencia en la industria

La influencia asiática en la moda no se limita solo a los países mencionados anteriormente. En toda Asia, hay una gran cantidad de talentosos diseñadores que están dejando su huella en la industria. Desde los renombrados diseñadores chinos como Guo Pei hasta la aclamada diseñadora tailandesa Disaya Sorakraikitikul, los diseñadores asiáticos están llevando la moda a nuevos horizontes. Estos diseñadores han logrado combinar la rica historia y la cultura de Asia con una estética moderna y contemporánea, creando así colecciones únicas y atemporales.

La moda inspirada en Asia en las pasarelas internacionales y revistas de moda

La influencia asiática en la moda también se puede ver en las pasarelas internacionales y revistas de moda más importantes del mundo. Diseñadores de todo el mundo han incorporado elementos y estilos asiáticos en sus colecciones, creando así una fusión de culturas y estilos.

La influencia asiática en el mundo de la moda es innegable. Desde China hasta Filipinas, Asia ha dejado una huella duradera en la industria de la moda. La moda asiática se caracteriza por su rica historia, sus tradiciones únicas y su enfoque innovador. Los diseñadores asiáticos están marcando tendencia en la industria y llevando la moda a nuevos horizontes. Es importante reconocer y apreciar la belleza y la creatividad de la influencia asiática en la moda, y seguir abrazando la diversidad y la representación en esta industria tan vibrante.

Fuentes: prestigeonline.com: guopei.com; joseluisledesma.com; disaya.com; nymag.com; traveler.es; cosmopolitan.com; vogue.es; fashionunited.es

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During festivities such as Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu holidays, fashion takes on a special meaning as it becomes a way of connecting different cultures and celebrating diversity.

The influence of the Christmas season

Christmas is a holiday widely celebrated around the world and has a significant impact on the fashion industry. During this time of year, traditional colours such as red, green and gold dominate the catwalks and fashion boutiques. Reindeer, snowflake and Christmas tree prints also become popular. In addition, Christmas jumpers with festive designs have become a much-loved trend during this festive season.

Chinese New Year

Chinese New Year is another celebration that has a great influence on fashion. This holiday, which is celebrated in January or February, is full of traditions and symbolism that are reflected in Chinese fashion. The colours red and gold are especially significant during Chinese New Year, as they represent good luck and prosperity.

In the retail industry, Chinese New Year has become an opportunity for brands to launch special collections inspired by Chinese culture. Prints of dragons, cherry blossoms and other Chinese symbols can be seen on clothing and accessories during this season. In addition, fashion shows held in China during the New Year are a showcase for local designers and a way to celebrate China’s rich culture.

Each year, the Chinese calendar features a different animal, and this becomes a popular motif for fashion designers. For example, when the Chinese year is the year of the mouse, mouse prints and mouse-related details become popular in clothing and accessories. In addition, the colour red, which is considered lucky in Chinese culture, is widely used in fashion collections during this season.

The influence of Ramadan

Ramadan is a holy month for Muslims, during which they fast daily from dawn to dusk. During this period, fashion also plays an important role. Many fashion brands launch special collections for Ramadan, which include more modest clothing suitable for this religious holiday.

Clothes during this holiday are characterized by the use of soft colours and light fabrics that allow people to stay cool and comfortable during the fast. Designs are often elegant and sophisticated, with details such as lace, embroidery and floral prints. In addition, Ramadan fashion is also inspired by the cultural traditions of different Muslim countries, making each collection unique and representative of the diversity within this community.

Hindu festivals and their influence

Hindu festivals, such as Diwali and Holi, also have a significant impact on fashion. During Diwali, the festival of lights, bright colours such as red, orange and gold are especially popular. Many people choose to dress in saris or traditional Indian costumes, which are decorated with elaborate embroidery and intricate detailing.

During Holi, the festival of colours, fashion is filled with bright and colourful garments. Designers take inspiration from these festivals to create unique and vibrant garments that reflect the joy and energy of the festivities.

Coexistence and collaboration

In an increasingly globalized world, fashion has become a platform for coexistence and collaboration between different cultures. The retail industry has opened its doors to designers from all over the world, allowing ideas and cultural traditions to mix and enrich each other.

During the holiday season, many brands organize special events and collaborations with local designers and artists to celebrate cultural diversity. These events not only present holiday-inspired collections, but also provide an opportunity for emerging designers to showcase their work.

Collaboration between designers from different countries and cultures has resulted in unique collections that celebrate diversity and foster cultural understanding. These collaborations allow designers to share their vision of fashion and create garments that fuse different styles and traditions.

Cultural appropriation versus cultural appreciation

As fashion becomes more diverse and multicultural, it is important to address the issue of cultural appropriation versus cultural appreciation. While cultural appreciation involves recognizing and valuing the traditions of other cultural groups, cultural appropriation involves borrowing cultural elements without due respect and understanding.

It is essential that the retail industry promotes cultural appreciation rather than appropriation. This means giving credit to sources of inspiration, collaborating with designers from different cultures, and respecting cultural traditions and symbols. It is essential that designers and fashion brands are aware of this and ensure that their holiday inspiration is done in a respectful and sensitive manner.

A bridge for cultural understanding

Fashion has the power to bring people together and promote cultural understanding. Through it, we can learn about different cultures, traditions and ways of life. By wearing clothes inspired by other cultures, we can show respect and appreciation for global diversity. It can also be a way to start conversations and promote education about different cultures and cultural understanding.

Designers, brands and consumers can use fashion as a platform to share stories and experiences, thus fostering mutual understanding and respect.

In conclusion, fashion is a language of celebration that reflects people’s cultural identity and the festivities that mark their lives. Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu festivities are just a few examples of how celebrations influence fashion.

However, it is important to do so in a respectful and sensitive manner, avoiding cultural appropriation and encouraging cultural appreciation. By embracing diversity and inclusion, fashion brands can play a significant role in building bridges between different cultures and promoting global harmony.

Sources: culturasdemoda.com; modaes.com; vogue.es; cincodias.elpais.com, joseluisledesma.com

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Durante las festividades como la Navidad, el Año Nuevo chino, el Ramadán y las festividades hindúes, la moda adquiere un significado especial, ya que se convierte en una forma de conectar diferentes culturas y celebrar la diversidad.

La influencia de la Navidad

La Navidad es una festividad ampliamente celebrada en todo el mundo y tiene un impacto significativo en la industria de la moda. Durante esta época del año, los colores tradicionales como el rojo, el verde y el dorado dominan las pasarelas y las tiendas de moda. Los estampados de renos, copos de nieve y árboles de Navidad también se vuelven populares. Además, los suéteres navideños con diseños festivos se han convertido en una tendencia muy querida durante estas fiestas.

El Año Nuevo chino en la industria del fashion

El Año Nuevo Chino es otra celebración que tiene una gran influencia en la moda. Esta festividad, que se celebra en enero o febrero, está llena de tradiciones y simbolismos que se reflejan en la moda china. Los colores rojo y dorado son especialmente significativos durante el Año Nuevo Chino, ya que representan la buena suerte y la prosperidad.

En la industria de la moda, el Año Nuevo Chino se ha convertido en una oportunidad para que las marcas lancen colecciones especiales inspiradas en la cultura china. Los estampados de dragones, flores de cerezo y otros símbolos chinos se pueden ver en prendas de vestir y accesorios durante esta temporada. Además, los desfiles de moda que se llevan a cabo en China durante el Año Nuevo son un escaparate para los diseñadores locales y una forma de celebrar la rica cultura china.

Cada año, el calendario chino presenta un animal diferente y este se convierte en un motivo popular para los diseñadores de moda. Por ejemplo, cuando el año chino es el año del ratón, los estampados de ratón y los detalles relacionados con los ratones se vuelven populares en la ropa y los accesorios. Además, el color rojo, que se considera afortunado en la cultura china, es ampliamente utilizado en las colecciones de moda durante esta temporada.

La conexión entre la moda y el Ramadán

El Ramadán es un mes sagrado para los musulmanes, en el que se lleva a cabo el ayuno diario desde el amanecer hasta el anochecer. Durante este período, la moda también juega un papel importante. Muchas marcas de moda lanzan colecciones especiales para el Ramadán, que incluyen prendas más modestas y adecuadas para esta festividad religiosa.

Las prendas durante esta festividad se caracterizan por el uso de colores suaves y tejidos ligeros que permiten a las personas mantenerse frescas y cómodas durante el ayuno. Los diseños suelen ser elegantes y sofisticados, con detalles como encajes, bordados y estampados florales. Además, la moda del Ramadán también se inspira en las tradiciones culturales de diferentes países musulmanes, lo que hace que cada colección sea única y representativa de la diversidad dentro de la comunidad musulmana.

Festividades hindúes y su influencia

Las festividades hindúes, como Diwali y Holi, también tienen un impacto significativo en la moda. Durante Diwali, la festividad de las luces, los colores brillantes como el rojo, el naranja y el dorado son especialmente populares. Muchas personas eligen vestirse con saris o trajes tradicionales indios, que están decorados con bordados elaborados y detalles intrincados.

Durante Holi, el festival de los colores, la moda se llena de prendas brillantes y coloridas. Los diseñadores se inspiran en estos festivales para crear prendas únicas y vibrantes que reflejan la alegría y la energía de las festividades.

Convivencia y colaboración en la moda

En un mundo cada vez más globalizado, la moda se ha convertido en una plataforma para la convivencia y la colaboración entre diferentes culturas. La industria de la moda ha abierto sus puertas a diseñadores de todo el mundo, permitiendo que ideas y tradiciones culturales se mezclen y se enriquezcan mutuamente.

Durante la temporada de festividades, muchas marcas de moda organizan eventos especiales y colaboraciones con diseñadores y artistas locales para celebrar la diversidad cultural. Estos eventos no solo presentan colecciones inspiradas en las festividades, sino que también ofrecen una oportunidad para que los diseñadores emergentes muestren su trabajo. 

La colaboración entre diseñadores de diferentes países y culturas ha dado lugar a colecciones únicas que celebran la diversidad y fomentan la comprensión cultural. Estas colaboraciones permiten a los diseñadores compartir su visión de la moda y crear prendas que fusionan diferentes estilos y tradiciones.

Apropiación cultural versus aprecio cultural

A medida que la moda se vuelve más diversa y multicultural, es importante abordar el tema de la apropiación cultural versus el aprecio cultural. Mientras que el aprecio cultural implica reconocer y valorar las tradiciones de otros grupos culturales, la apropiación cultural implica tomar prestados elementos culturales sin el debido respeto y comprensión.

Es fundamental que la industria de la moda promueva el aprecio cultural en lugar de la apropiación. Esto implica dar crédito a las fuentes de inspiración, colaborar con diseñadores de diferentes culturas y respetar las tradiciones y símbolos culturales. Es esencial que los diseñadores y las marcas de moda sean conscientes de esto y se aseguren de que su inspiración en las festividades se haga de manera respetuosa y sensible.

Un puente para la comprensión cultural

La moda tiene el poder de unir a las personas y promover la comprensión cultural. A través de ella, podemos aprender sobre diferentes culturas, tradiciones y formas de vida. Al vestir prendas inspiradas en otras culturas, podemos mostrar respeto y aprecio por la diversidad global. Además, puede ser una forma de iniciar conversaciones y promover la educación sobre diferentes culturas y la comprensión cultural.

Los diseñadores, las marcas y los consumidores pueden utilizar la moda como una plataforma para compartir historias y experiencias, fomentando así la comprensión y el respeto mutuo.

En conclusión, la moda es un lenguaje de celebración que refleja la identidad cultural de las personas y las festividades que marcan sus vidas. La Navidad, el Año Nuevo Chino, el Ramadán y las festividades hindúes son solo algunos ejemplos de cómo las celebraciones influyen en la moda.

Sin embargo, es importante hacerlo de manera respetuosa y sensible, evitando la apropiación cultural y fomentando la apreciación cultural. Al abrazar la diversidad y la inclusión, las marcas de moda pueden desempeñar un papel significativo en la construcción de puentes entre diferentes culturas y en la promoción de la armonía global.

Fuentes: culturasdemoda.com; modaes.com; vogue.es; cincodias.elpais.com, joseluisledesma.com

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Kusama gained recognition for her work in the 1950s and 1960s, when she was part of the avant-garde art scene in New York. She has continued to create works throughout her career, and her works have been exhibited in many major museums and galleries around the world, making her one of the most influential and iconic Japanese artists of the 21st century.

The collaboration between Yayoi Kusama and Louis Vuitton

In 2012, Yayoi Kusama and Louis Vuitton began their journey together. The collaboration was a great success, and resulted in the launch of a special collection featuring Kusama’s art. The collection included clothing, accessories and home décor items, all decorated with her iconic polka dots. The collaboration received much attention and praise, and has become one of the most successful collaborations between an artist and a fashion house.

The success of the collaboration between Kusama and Louis Vuitton has helped bring the artist’s works to a wider audience, and her works have become an integral part of the house’s collections and campaigns.

Today, 10 years after their first collaboration, the worlds of fashion and art merge once again in the brand’s Cruise 2023 collection, with the infinite and timeless vision that is so characteristic of the artist.

The Collection

The launch of the new collection is celebrated with a campaign starring international models such as Gisele Bundchen, Bella Hadid, Karlie Kloss, Natalia Vodianova, Malick Bodian, Anok Yai, Fei Fei and many more, who were part of the new designs inspired by the art of “The Polka Dot Princess”.

With a pop style, each of the pieces in this collection features a design pattern with dots of different colors and sizes.

To create them, an innovative silkscreen printing technique was used that reproduces the artist’s brushstrokes, giving a realistic effect, as if they were hand-painted. The main pieces of the collection are a variety of Louis Vuitton bags with Yayoi Kusama’s signature twist, as if they were canvases with splashes of monochromatic paint. The future of the collaboration certainly looks promising.

The impact of Yayoi Kusama’s art on fashion trends

Kusama’s art has also inspired several fashion designers. Her signature polka dots have become an integral part of many designers’ collections.

In addition to influencing fashion trends, Kusama’s art has also had a major influence on the world of visual merchandising. Her works have been used to create captivating, eye-catching displays and immersive experiences.

The collaboration with the French firm has helped to create a bridge between art and fashion, and has helped to remind us of the importance of art in this world, helping to inspire a new generation of artists.

Sources: louisvuitton.com ; vogue.es ; moda.es; highsnobiety.com ; neo2.com ; Instagram.com

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Kusama obtuvo reconocimiento por su obra en las décadas de 1950 y 1960, cuando formaba parte de la escena artística de vanguardia de Nueva York. Ha seguido creando obras a lo largo de su carrera, y sus trabajos se han expuesto en muchos museos y galerías importantes de todo el mundo convirtiéndola en una de las artistas japonesas más influyentes e icónicas del siglo XXI.

La colaboración entre Yayoi Kusama y Louis Vuitton

En 2012, Yayoi Kusama y Louis Vuitton iniciaron su viaje juntos. La colaboración fue un gran éxito, y se tradujo en el lanzamiento de una colección especial con el arte de Kusama. La colección incluía ropa, accesorios y artículos de decoración para el hogar, todos ellos decorados con sus icónicos lunares. La colaboración recibió mucha atención y elogios, y se ha convertido en una de las más exitosas entre un artista y una casa de moda.

El éxito de la colaboración entre Kusama y Louis Vuitton ha contribuido a acercar las obras de la artista a un público más amplio y sus obras se han convertido en parte integrante de las colecciones y campañas de la casa.

Hoy, después 10 años desde su primera colaboración, los mundos de la moda y el arte se vuelven a fusionar en la colección Cruise 2023 de la firma, con la visión infinita y eterna que tanto caracteriza a la artista.

La colección 

El lanzamiento de la nueva colección se celebra con una campaña protagonizada por modelos internacional, como Gisele Bundchen, Bella Hadid, Karlie Kloss, Natalia Vodianova, Malick Bodian, Anok Yai, Fei Fei y muchas más, quienes formaron parte de los nuevos diseños inspirados en el arte de “La princesa de los lunares”.  

Con un estilo pop, cada una de las piezas de esta colección presenta un patrón de diseño con puntos de diferentes colores y tamaños.

Para crearlas, se utilizó una innovadora técnica de serigrafía que reproduce las pinceladas de la artista, dando un efecto realista, como si estuvieran pintadas a mano. Las piezas principales de la colección son una variedad de bolsos Louis Vuitton con el giro característico de Yayoi Kusama, como si estás fueran lienzos con salpicaduras de pintura monocromáticas. El futuro de la colaboración sin duda parece prometedor.

El impacto del arte de Yayoi Kusama en las tendencias de la moda

El arte de Kusama también ha inspirado a varios diseñadores de moda. Sus característicos lunares se han convertido en parte integrante de las colecciones de muchos diseñadores. 

Además de influir en las tendencias de la moda, el arte de Kusama también ha ejercido una gran influencia en el mundo del visual merchandising. Sus obras se han utilizado para crear expositores cautivadores, llamativos y experiencias inmersivas.

La colaboración con la firma francesa ha ayudado a crear un puente entre el arte y la moda, y ha contribuido a recordar la importancia del arte en este mundo, ayudando a inspirar a una nueva generación de artistas.

Fuentes: louisvuitton.com ; vogue.es ; moda.es; highsnobiety.com ; neo2.com; linkedin.com; Instagram.com

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Despite the increasing degree of digitalisation of retail, the sector has returned in 2022 to bet on physical sales, with stores as meeting points to offer brand experiences to customers and maintain the personal touch. 

In fact, as Adyen reports in its Adyen Retail 2021 Report, it reveals that seven out of ten consumers surveyed prefer to shop in physical stores. 

Consumers are looking for an experience that can only be achieved in the retail space and, in addition, they are concerned about the sustainability of the product they buy and are interested in supporting local commerce and proximity goods.

These are some of the conclusions of the Adyen report that provides a snapshot of consumer preferences according to the autonomous communities of residence.

Five reasons why consumers choose to shop in retail spaces

Despite the facility of shopping online, a study by Axis Communication highlights that 34% of Spanish people prefer to make their purchases in physical stores. Let’s take a look at the main reasons:

1. Direct contact with the products: undoubtedly, this option puts the product in the hands of the customer and that is “a value that most are not willing to give up, at least for now”. 
2. Human relationship with the sales assistant: in its Axis report it indicates “80% of shoppers value having a person who advises, guides them on the products they have in the store and even offers advice”. The importance of direct contact and the experience offered to customers in retail spaces is key to brand loyalty and reputation.
3. Simplicity in exchanges or returns: buying online makes this process slower and often not very sustainable.
4. Shopping: enjoying an afternoon of shopping is both an attractive way to get physical exercise and have a good time outside the home. 
5. More payment security: security is an essential point when it comes shopping, so it is another factor in favor of commercial spaces. Although online transactions are becoming increasingly secure, there is always the fear of what might happen to our data.

After the “boom” of online commerce, what we desire is to go out for a walk, eat, have a coffee and go shopping in physical retail spaces.

Thanks to this trend for the Retail sector, the range of shopping possibilities and competitiveness is opening up. For this reason, having an expert in the Direction of Visual Merchandising and Projects is an essential advantage for this new era.

Sources: businessinsider.es, ecommerce-news.es, distribucionactualidad.com, adyen.com, joseluisledesma.com.

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Pese al cada vez mayor grado de digitalización del retail, el sector ha vuelto en 2022 a apostar por la venta física, con las tiendas como puntos de encuentro para ofrecer experiencias de marca a los clientes y mantener el trato personal. 

De hecho, tal y cómo recoge Adyen en su Informe sobre el Retail 2021, desvela que siete de cada diez consumidores encuestados prefiere realizar sus compras en tiendas físicas. 

El consumidor busca tener una experiencia que solo se consigue en el espacio comercial y, además, se muestra preocupado por la sostenibilidad del producto que compra e interesado en apoyar el comercio local y bienes de proximidad.

Estas son algunas de las conclusiones del informe Adyen sobre Retail 2021, realizado en octubre de 2021 y que proporciona una fotografía de las preferencias de los consumidores en función de las comunidades autónomas de residencia.

Cinco motivos por los que el consumidor elige comprar en los espacios comerciales

No obstante la facilidad de comprar por Internet, un estudio de Axis Communication destaca que el 34% de los españoles prefiere hacer sus compras en tiendas físicas. Vamos a ver los principales motivos:

1. Contacto directo con el producto. Esta opción pone el producto en las manos del cliente y eso es “un valor al que la mayoría no está dispuesta a renunciar, al menos por ahora”. 
2. Relación humana con el dependiente: en su informe Axis señala que “un 80% de los compradores valora contar con una persona que asesora, que orienta sobre los productos con los que cuentan en la tienda e incluso ofrece consejo sobre cuál es mejor y siempre con una sonrisa en la cara”. 
3. Sencillez en cambios o devoluciones. Comprar por internet hace que este proceso sea más lento y muchas veces no muy sostenible.
4. Salir: disfrutar de una tarde de compras es, a la vez, una forma atractiva de hacer ejercicio físico y pasar un buen momento fuera de casa. 
5. Más seguridad de pago: la seguridad es un punto esencial a la hora de realizar compras, por lo que es otro factor a favor de los espacios comerciales. A pesar de que las transacciones online son cada vez más seguras, siempre existe el miedo de qué puede pasar con nuestros datos.

Después del “boom” del comercio online, lo que nos apetece es salir a la calle a pasear, comer, tomar cafe e irnos de compras en los espacios físicos comerciales.

Gracias a esta tendencia para el sector de Retail se abre el abanico de posibilidades de compra y competitividad. Por ello contar con un experto la Dirección Visual Merchandising y Proyectos es una ventaja esencial para esta nueva era.

Fuentes: businessinsider.es, ecommerce-news.es, distribucionactualidad.com, adyen.com, joseluisledesma.com.

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While on the fashion catwalks around the world designers present revolutionary collections, we in the day to day, we are still conditioned when it comes to dress, thinking about what they will think or say about us.

Undoubtedly, clothes, style or color are elements capable of communicating our personality and from the point of view of psychology a lot of information has been obtained from different studies, collected in Psychology Today.

Business Insider recently reviewed several studies related to first impression. Among these, there were some that related the quality and cut of clothing not only to status, but also to intelligence level.

This, is one of the examples, where the influence of the judgment of others, especially in formal circumstances, conditions us when choosing our style.

Classic fashion: the first impression

One of the most recurring questions among fashion lovers is what to wear one season, but consumers usually opt for those classic garments that never go out of style. 

Why is classic style so important?

Classic style carefully preserves the unique look, constancy, severity and restraint. Classic clothes are synonymous with elegance. Such clothes bring us harmony, grace and stability. Classic style is pacification and a sense of proportion in everything: in shapes, volumes and shades of color. A classic is never surprising because it has reliability and quality, without bright and flashy decorative elements.

But this does not mean that the classic style is monotonous and unattractive.

There are no right ways to dress, the important thing is that it is in line with our way of thinking and makes us feel comfortable with ourselves, we should not worry about what others think about how we dress.

The most innovative fashion trends

Clothes can bring a great deal of self-confidence, which has repercussions both in the workplace and socially.

For this reason, we must also learn to lose our fear of the first impression and break the rules of style to break the monotony, to play and have fun or simply to be disconcerting. Whatever the reason, the important thing is to feel comfortable.

The modern wardrobe owes its development not just to fashion designers in Paris or Milan but also to gangs and movements brought together by a shared appreciation of music, sport or a particular underground culture, and a certain style that defines membership. These styles have rocked establishments, created stereotypes, expressed social division as much as they have united people, entered the language, spread around the world, and, above all, transformed dress for a wider public.

100 Ideas that Changed Street Style

Everything that seems normal to us today was once something very innovative. These changes have been signed by people who, of course, have left their mark on the fashion world without the fear of the first impression. Here is a list of the most innovative designers in the fashion world to pay tribute to the revolutionary and pioneering minds that changed the rules of the game by being able to see the future and make it a reality:

• Paco Rabanne (1934) has been one of the pioneers of futuristic fashion. Together with Cardin and Courrèges, he used the latest high-tech synthetic sports fabrics to revitalize French haute couture with his space-focused fashion. In addition, Paco Rabanne surprised with the “Do It Yourself” dress, which was sold in a do-it-yourself box.

• Yves Saint-Laurent (1936-2008) was responsible for bringing a certain masculinity to women with his American suit. In the 1960s – although inspired by Melanie Dietrich in the 1930s – the Parisian designer created the suit for women, emphasizing the lapels and the front pleat of the pants, managing to maintain some femininity also with the darts on the waistband of the jacket and the close-fitting vest underneath.

• Rei Kawakubo (1942) arrived in Paris with Comme des Garçons in the early 1980s, presenting on the 1981 catwalk a new vision of fashion, which the press would call “Hiroshima chic” or “post-nuclear chic”. He also made black the characteristic color of avant-garde fashion, bringing minimalism, austerity with a post-modern approach to fashion. She questioned the feminine silhouettes, betting on a revolutionary fashion that would free women from sterotipulated garments.

• Elsa Schiaparelli (1890-1973) – became famous for using trompe l’oeil in her knitwear. She was also the main exponent of surrealist fashion and brought the world of dresses and costumes closer to the world of painting and art in general. Her collaborations with Dalí and Jean Cocteau are historical. 

• Miguel Adrover is one of the most international self-taught Spanish designers today, who based his collections on the people and culture of New York and his travels around the world. He was born in a small town in Mallorca called Calonge in 1965 and from there he jumped to London, where he came into contact with the most underground scene of the city: the universe of the neo-punks and the new romantics.

• Vivienne Westwood began her career pushing boundaries. She opened her own boutique in London, appropriately named SEX. The designer defined a new generation of punk style, designing and dressing some of the most iconic punk rockers, such as the Sex Pistols. Westwood and Malcolm McLaren created one of the most provocative pieces of punk rock style: the bondage suit. Inspired by the standard military pants McLaren brought back from the United States, Westwood used black satin from British railway workers’ vests and added bondage straps to achieve the sadomasochistic look.

Would you be able to express yourself through the way you dress in your day to day life without feeling conditioned?

Sources: i-d.vice.com ; businessinsider.es ; lofficielmexico.com ; bbc.com ; lavanguardia.com ; itfashion.com ; vogue.es

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Mientras en las pasarelas de moda de todo el mundo los diseñadores presentan colecciones revolucionarias, nosotros, en el día a día, seguimos condicionados a la hora de vestirnos, pensando sobre qué pensarán o dirán de nosotros.

Sin duda, la ropa, el estilo o el color son elementos capaces de comunicar nuestra personalidad y desde el punto de la psicología se ha obtenido mucha información a partir de diferentes estudios, recogidos en Psychology Today.

Business Insider revisó recientemente varios estudios relacionados con la primera impresión. Entre estos, había algunos que relacionaban la calidad y el corte de la ropa no solo con el status, sino también con el nivel de inteligencia.

Esto es uno de los ejemplos, donde la influencia del juicio de los demás, sobre todo en circunstancias formales, nos condiciona a la hora de elegir nuestro estilo, derivando a una sociedad de color gris.

La moda clásica

Una de las preguntas más recurrentes entre los amantes de la moda es la de qué se lleva una temporada, pero, los consumidores, por lo general, optan por hacerse con aquellas prendas clásicas que nunca pasan de moda. 

¿Por qué el estilo clásico es tan importante?

El estilo clásico conserva cuidadosamente el aspecto único, la constancia, la severidad y la moderación. La ropa clásica es sinónimo de elegancia. Tales prendas nos aportan armonía, gracia y estabilidad. El estilo clásico es la pacificación y un sentido de proporción en todo: en formas, volúmenes y tonos de color. Un clásico nunca es sorprendente porque tiene confiabilidad y calidad, sin elementos decorativos brillantes y llamativos.

Pero no por eso hay que pensar que el estilo clásico es monótono y poco atractivo.

No hay formas de vestir correctas, lo importante es que esté acorde con nuestra forma de pensar y nos haga sentir cómodos con nosotros mismos, no debemos preocuparnos por lo que los demás opinen sobre cómo vestimos.

Las tendencias más innovadoras de la moda: más allá de la primera impresión

La ropa puede aportar grandes dosis de confianza en uno mismo, lo que repercute tanto en el ámbito laboral como en el social.

Por eso, también hay que aprender a perder el miedo al juicio de la primera impresión y romper las reglas de estilo para quebrar la monotonía, para jugar y divertirnos o simplemente para desconcertar. Por el motivo que sea, lo importante es sentirnos cómodos.

“The modern wardrobe owes its development not just to fashion designers in Paris or Milan but also to gangs and movements brought together by a shared appreciation of music, sport or a particular underground culture, and a certain style that defines membership.These styles have rocked establishments, created stereotypes, expressed social division as much as they have united people, entered the language, spread around the world, and, above all, transformed dress for a wider public.

100 Ideas that Changed Street Style
Josh Sims

Todo lo que hoy nos parece normal, en su día fue algo muy innovador. Estos cambios lo han firmado personas que, desde luego, han dejado huella en el mundo de la moda. A continuación, un listado de los diseñadores más innovadores del mundo de la moda para rendir homenaje a las mentes revolucionarias y pioneras que cambiaron las reglas del juego al ser capaces de ver el futuro y hacerlo realidad:

• Paco Rabanne (1934) ha sido uno de los pioneros de la moda futurista. Junto con Cardin y Courrèges, utilizó las últimas telas deportivas sintéticas de alta tecnología para revitalizar la alta costura francesa con su moda enfocada al espacio. Además, Paco Rabanne sorprendió con el vestido «Do It Yourself», que se vendía en una caja para que lo hicieras tú mismo.

• Yves Saint-Laurent (1936-2008) fue el encargado de traer cierta masculinidad a la mujer con su traje americana. En la década de los 60 -aunque inspirado en Melanie Dietrich en los 30- el diseñador parisino creó el traje para la mujer, enfatizando las solapas y el pliegue delantero del pantalón, consiguiendo mantener algo de feminidad también con las pinzas del talle de la chaqueta y el chaleco ceñido debajo.

• Rei Kawakubo (1942) llegaba a París con Comme des Garçons a comienzos de los años 80, presentando sobre la pasarela de 1981 una nueva visión de la moda, que la prensa bautizaría como «Hiroshima chic» o «post-nuclear chic». También hizo del negro el color característico de la moda de vanguardia, aportando minimalismo, austeridad con un enfoque posmoderno de la moda. Se cuestionó las siluetas femeninas, apostando a una moda revolucionaria que liberara a la mujer de prendas estereotipadas.

• Elsa Schiaparelli (1890-1973) – se hizo famosa por utilizar el trampantojo en sus prendas de punto. Además, fue la principal exponente de la moda surrealista y acercó el mundo de los vestidos y trajes al de la pintura y el arte en general. Históricas son sus colaboraciones con Dalí y con Jean Cocteau. 

• Miguel Adrover, es uno de los diseñadores españoles autodidactas más internacionales en la actualidad, que basó sus colecciones en la gente y cultura neoyorquina y en sus viajes alrededor del mundo. Nació en un pequeño pueblo de Mallorca llamado Calonge en el año 1965 y de allí saltó a Londres, donde entró en contacto con la escena más underground de la ciudad: el universo de los neopunks y de los new romantics.

• Vivienne Westwood comenzó su carrera empujando límites. Abrió su propia boutique en Londres, apropiadamente llamada SEX. La diseñadora definió a una nueva generación de estilo punk, diseñando y vistiendo a algunos de los rockeros punk más icónicos, como los Sex Pistols. 

¿Serias capaz de expresarte a través de tu forma de vestir en tu día a día sin sentirte condicionad@?

Fuentes: i-d.vice.com ; businessinsider.es ; lofficielmexico.com ; bbc.com ; lavanguardia.com ; itfashion.com ; vogue.es

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El término Visual Storytelling se refiere al arte de contar historias de una marca con imágenes y medios visuales.

Y sí pensamos a la efectividad de las imágenes como elementos que facilitan la creación de recuerdos persistentes en el tiempo, entenderemos todo el potencial de esta técnica.

¿Cómo funciona el  visual storytelling?

El Visual Storytelling genera un gran impacto en la percepción de los negocios; ya que los ayuda a conectarse con sus clientes y al mismo tiempo impulsa las ventas.

En ese sentido, la narración de estos contenidos se puede adaptar de muchas maneras; sin embargo, existen algunos conceptos básicos que debemos tomar en cuenta para crear una buena estrategia. A continuación repasaremos algunos de los pasos fundamentales para contar una historia exitosa:

• Estructura: la mayoría de las historias están organizadas de una forma muy simple: problema, solución y resolución.
• Simplicidad: menos es más. Muchas veces perdemos de vista el poder de lo simple. Una historia visual que apele a lo básico proyectará un mensaje fuerte y claro, sin confundir a nuestro público sobre lo que queremos transmitir.
• Diseño: no hay necesidad de llenar una historia con muchos elementos visuales, un buen diseño es suficiente para llegar con éxito al consumidor. 

¿Dónde podemos utilizar el Visual Storytelling?

Esta técnica, por ejemplo, nos permite producir contenidos extraordinarios para redes sociales. Además, el auge de plataformas más visuales como Instagram las convierte en idóneas para el visual storytelling.

El visual storytelling también es muy valioso para los e-commerce. A la hora de presentar los productos de una tienda online existen diferentes tipos de imágenes y cada marca debe escoger la opción que mejor se adapte a su identidad y a la idea que quiere transmitir a su público. 

El mundo del Retail

El consumidor evoluciona con los tiempos, y hoy más que nunca los clientes no solo quieren sentirse identificados con la marca, sino que quieren vivir experiencias auténticas y acercarse a marcas que sean fieles a su visión.  Por lo tanto, podemos destacar tres pasos imprescindibles para un visual storytelling efectivo en el sector de la moda:

• Ser fiel y constante con la visión brand

El visual storytelling en el mundo de la moda funciona cuando la marca es constante y auténtica a lo largo del tiempo, con un mensaje que refleja una visión completa del brand. 

• Adaptarse a los tiempos 

Es vital ser relevantes al para lograr un visual storytelling eficaz. Podemos tomar como ejemplo a la directora creativa de Dior, María Grazia Chiuri, quien generó un impacto mediático increíble en 2019 con el lanzamiento de su colección otoño/invierno 2020 done los modelos llevaban camisetas con la frase ‘We Should All Be Feminists’, respondiendo al resurgimiento de la preocupación por la igualdad y los derechos de la mujer.

Chiuri logró ser fiel a la visión de Christian Dior dando voz a la ‘celebración de la mujer’ y respondiendo a una problemática social.

• Poner el foco en el consumidor

El tercer paso esencial para conseguir una gran estrategia visual storytelling, es poner el foco en el consumidor. Antes de diseñar una estrategia, hay que preguntarse ¿Qué es lo que quiero que sienta el consumidor y cómo puedo conseguir que se sienta así?

Los escaparates

Los beneficios del visual storytelling en los escaparates son varios y muy importantes. Entre ellos encontramos:

• Crear empatía 
• Suscitar emociones
• Conectar con el público
• Humanizar la marca

El escaparate, siendo el punto de conexión física los clientes, es el escenario perfecto para contar una historia clara, concisa y fiel a la marca con la cual podemos lograr muchos beneficios. 

En conclusión, esta técnica puede ser empleada en diferentes áreas del Retail y del mundo de la Moda.

Con una buena estrategia para contar historias, el Visual Storytelling se convertirá en una de las técnicas más vitales para tu empresa. No dudes en contactar con experto en Retail y Visual Merchandising para que pueda asesorarte.

Fuentes: fashionunited.es; mkparadise.com; launchmetrics.com; marketinginsiderreview.com; joseluisledesma.com

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But, what is the purpose of a Pop-Up Store?

The goal of Pop Up Stores is to be located in places of great affluence with the intention to surprise, inspire and generate a great impact on potential customers. It can also be of great help to test new sales lines, give exclusivity to certain products or cover specific seasonal periods.

These temporary spaces allow brands to create a unique environment that engages their customers and allows them to generate feelings of relevance and interactivity.

Pop Up Stores around the world

There are many brands that have adopted this format, which despite its ephemeral nature is able to generate a great impact in the long term. Below, we will review some of the most memorable Pop Up Stores from around the world:

• Adidas: the sports brand in 2013 with the aim of promoting the Stan Smith sneakers made a very surprising presentation in London: a pop-up store in the form of a shoebox in giant size.

• Hermès: the luxury brand created in 2016 Hermèsmatic: temporary stores in cities such as Milan, Barcelona and Madrid where you could customize vintage scarves through a free dyeing process. Creating a whole experience based on silk.

• Lacoste: in 2012 the French brand bet to create a pop-up store in one of the most famous festivals in the world: Coachella. The space designed by the Aruliden studio (New York) was made from redesigned metal containers.

What are the benefits of Pop Up Stores?

The versatility of pop up stores can help us create unique spaces and unforgettable experiences. A well-structured pop up store can bring great benefits, among the most relevant we can find:

• Uniqueness: the space is unique and unrepeatable, so customers who visit the Pop-Up Store must live an impressive experience.

• Location: one of the main characteristics of a Pop-Up Store is to be located in the most popular areas of the city, which ensures a high influx. If it is an online business, a physical store can be opened temporarily to reach customers offline as well, covering both sides of the market, as in the case of AliExpress or Amazon.

• Branding: an ideal action to transmit or reinforce the image and positioning of the brand.

• Viral Content: a creative space will make the media talk about it. The spreading of the news of the opening can help us to improve the brand image, to reach a new type of public or to present a certain new product.

• Experience: thanks to the exclusivity and originality of the event, combined with all the sensory marketing tools, Pop-Up Stores can offer an experience that consumers will not forget.

Pop Up Stores have been able to fundamentally change the retail sector by breaking away from the routine of stores and commercial establishments, and from the usual brand positioning strategies, to create a superior impact on the minds and emotions of consumers.

Success and Pop Up Stores

Brands that decide to opt for this commercial strategy must take into account a series of factors that will be the key to their final success:

• The space in which the Pop Up Store will be developed must offer a unique experience in accordance with the type of products to be marketed. Emblematic places in big cities, museums or industrial warehouses are perfect places to organize ephemeral spaces.

• Having a solid communication strategy, in addition to having an expert in the creation of commercial spaces such as a Window Display Designer & Visual Merchandising Manager is essential to get the right audience and create an efficient and attractive space.

The success of a Pop Up Store is knowing how to create unique experiences, offer exclusive products and a personalized treatment for each of the people who come to the space.

Sources: revistavanityfair.es; aruliden.com; designboom.com; arquitecturaydiseno.es

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In this way we can explain and study the behaviour of consumers during their purchase process.

Its origins date back to 2002, when Dutch Marketing Professor Ale Smidts (Nobel Prize in Economics) introduced the term “neuromarketing”.

According to the author, neuromarketing consists of the research techniques of brain mechanisms in the mind, that is, the consumer’s subconscious, to discover how brands can improve their marketing strategies.

Thanks to this discipline we can find out which stimuli people pay more attention to and which do not to, in order to consolidate sales strategies and marketing actions more focused on our audience.

Types of neuromarketing

There are a different type of neuromarketing:

• Auditory: is the one that focuses on the sense of hearing to achieve its objectives. It’s mainly used in sound resources such as music.
• Visual: is the one that is based on the sense of sight and studies how a consumer reacts to seeing a product.
• Kinesthetic: it is based on touch, taste and smell. It has incredibly high potential, as it can increase consumer desire by receiving some encouragement.

Neuromarketing and fashion

The possibilities that neuromarketing offers to the fashion and retail sector are almost unlimited. 

When a consumer enters a store, all of their senses, from taste to touch, are activated, and have an impact on how they behave.

Constantly analysing techniques to optimize the conversion of a brand’s products based on customer behaviour in the purchasing process is also essential to ensure a satisfactory experience.

One of the most applied neuromarketing techniques in the physical store is aromatization: the power of aromas. This technique consists of using a pleasant and recognizable scent throughout the sales space that increases the emotional levels of customers.

It’s about activating all the senses of the clients generating stimuli capable of providing emotional anchors that benefit the business.

Another key tool for creating subliminal sensations is lighting. A cold light is recommended to illuminate bright items. Instead, warm light invites you to step in.

The tones and vibrations of the music can also cause emotions such as euphoria or tranquillity and condition the way the consumer behaves in the store. In the first case, it serves to motivate the purchase by impulse; in the second, it is used to extend the time of stay in the store.

In the fashion industry, the colours of visual merchandising are very important, because they interact with the colours of the products on display. It’s recommended, for example, to use neutral colours that do not affect the perception of the tones of the garments and cause a feeling of tranquillity that invites you to walk around the store and spend more time in it.

Neuromarketing is not only a powerful tool for the physical space but also for the offline sale. We can, in fact, measure the impact on the customer of e-commerce by analysing their experience, and the information that motivates them.

Having a greater knowledge of the stimuli that affect people and how they affect them, is a continuous bet for many companies.

That deeper knowledge will ensure the creation of tailor-made products and experiences for customers.

Having a professional with experience in the sector and the ability to apply these concepts in your market strategy will be fundamental to achieve great results and loyalty consumers.

Sources: aenene.org, www.nmsba.com, moda.es

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De esta manera podemos explicar y estudiar el comportamiento de los consumidores durante su proceso de compra.

Sus origines remontan al año 2002, cuando el profesor holandés de Marketing, Ale Smidts (Premio Nobel en Economía) introdujo el término “neuromarketing”.

Según el autor, el neuromarketing consiste en las técnicas de investigación de los mecanismos cerebrales en la mente, es decir, el subconsciente del consumidor, para descubrir cómo las marcas pueden  mejorar sus estrategias de marketing.

Gracias a esta disciplina podemos averiguar a qué estímulos las personas prestan más atención y a cuáles no para consolidar estrategias de ventas y acciones de marketing más enfocadas a nuestro público.

Tipos de neuromarketing

Existen diferentes tipologias de neuromarketing:

• Auditivo: es el que se centra en el sentido del oído para conseguir sus objetivos. Se usa sobre todo en recursos sonoros como la música.
• Visual: es el que se basa en el sentido de la vista y estudia cómo reacciona un consumidor al ver un producto.
• Kinestésico: es el que se basa en el tacto, gusto y el olfato. Tiene un potencial increíblemente alto, ya que puede llegar a aumentar el deseo del consumidor al recibir cierto estímulo.

Neuromarketing y moda

Las posibilidades que el neuromarketing aplicado ofrece al sector de la moda y del retail son casi ilimitadas. 

Cuando un consumidor entra en una tienda, todos sus sentidos, desde el gusto hasta el tacto, se activan, y tienen un impacto sobre cómo se comporta. 

Analizar constantemente las técnicas para optimizar la conversión de los productos de una marca basados sobre el comportamiento del cliente en el proceso de compra es fundamental también para garantizar una experiencia satisfactoria. 

Una de las técnicas más aplicadas de neuromarketing en las tiendas física es la aromatización: el poder de los olores. Esta técnica consiste en utilizar un olor agradable y reconocible en todo el espacio de venta que incrementa los niveles emocionales de los clientes.

Se trata de activar todos los sentidos de los clientes generando estímulos capaces de aportar anclajes emocionales que beneficien al negocio.

Otra de las herramientas clave para crear sensaciones de manera subliminal es la iluminación. Una luz fría se recomienda para iluminar artículos brillantes. En cambio, la luz cálida invita a pasar.

Los tonos y las vibraciones de la música también pueden causar emociones como euforia o tranquilidad y condicionar la manera en la que el consumidor se comporta en la tienda. En el primer caso, sirve para motivar la compra por impulso; en el segundo, se utiliza para alargar el tiempo de permanencia en la tienda.

En el sector de la moda, los colores del visual merchandising son fundamentales, porque interactúan con los colores de los propios productos expuestos. Se recomienda, por ejemplo, utilizar colores neutros que no afecta a la percepción de los tonos de las prendas y causan una sensación de tranquilidad que invita a pasear por la tienda y pasar más tiempo en ella.

El neuromarketing no es solo una herramienta poderosa para el espacio físico sino también para el punto de venta offline. Podemos, de hecho, medir el impacto en el cliente del punto de venta online analizando su experiencia y la información que le motiva.

Tener un mayor conocimiento de los estímulos que afectan a las personas y cómo los afectan, es una apuesta continua para muchas empresas. Ese conocimiento más profundo garantizará la creación de productos y experiencias hechos a medida para los clientes.

Tener un profesional con experiencia y las capacidades para aplicar estos conceptos en tu estrategia de mercado será fundamental para lograr gran resultados y fidelizar los consumidores.

Fuentes: aenene.org, www.nmsba.com, moda.es

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It is important to pay attention and understand the meaning of each color, what represents and what effect would have in the commercial statement that we want to deliver.

Colors can convey feelings, emotions and messages to us, using them consciously is the key to a winning design.

The psychology of color has to be studied and analysed in every design strategy. Many important firms and companies already use the psychology of colour to reinforce the message of their campaigns, their products or to effectively reach the profile of the customer they are targeting.

Colours are essential to define the composition of any shop window, to create balance, manipulate the perception of objects and the sensations we want to transmit to the customer.

The way in which the color is applied in the design of a shop window will completely alter the final result, so colour is a truly important.

There are some accepted and shared concepts regarding colour, applied in both sides West and East. Understanding their meanings will allows us to be accurate in the application of color and its psychology. For this reason, it is essential to study its history and live its culture.

Do colours have gender?

As we have commented previously, there are many social conventions at a global level around certain colours, but at the same time, there are many subjective aspects in the psychology of color that will cause the same colour to have many interpretations and meanings in different cultures, historical times or parts of the world.

There are colours that are used today differently if we compare them with the use they had in the past, such is the case of pink and blue.

Currently, we are used to associating the color blue with the masculine and the pink with the feminine, but this has not always been the case.

The use of pink for girls and blue for boys is a relatively new concept if we compare it with time ago framed in each historical context. In fact, traditionally, blue symbolized for many centuries, the feminine, linking water and the sea. The opposite of this element is fire, red being assigned to the masculine.

What about pink?

“Reformist fashion”

Pink color is associated today with the feminine world, however, until 1920s, was a masculine color. Before this decade, the indicated colour for girls was white or blue. For this reason, as Eva Heller explains, in her book “The Psychology of Color”, we can see male children of the aristocracy or the Child Jesus dressed in pink in ancient paintings. Among many other very interesting references centuries ago.

In fact pink, is in the range of the color red, it was denominated by the old Babylonians “like blood”. It is a more intense and stronger color for this reason and since it’s related to the color red it looked more suitable for male children. While blue, which is more gentle, was associated with girls.

During the 60s, in the retail world, baby clothes remained in neutral tones until the 80s, when genderless garments disappeared to recover the idea of ​​boys in blue and girls in pink.

Today, the color pink continues to have different connotations and interpretations around the world. In Japan, for example, it serves as a nostalgic symbol of the slain samurai, perceived as a masculine and gloomy color. In Korea, it is interpreted as a sign of trust and in Germany it has a character of tenderness, pacifism and sweetness.

Another masculine color par excellence is red, the color of strength and activity that is associated with fire and blood. But there is also a typically feminine red in religions close to nature: dark red, a color symbolizing the state of fertility in women.

Red is the color of happiness in China. For example, red eggs are a typical gift related to births and are a symbol of happiness in life. As well red envelopes with lucky money for the New Year.

There is much more to read about the power of colour and single colour psychology. It is clearly a way of expressing oneself, through art and culture, which are constantly changing along with society and its historical context. As a result, using all the necessary data of a determining color in our designs, we can convey very important and effective messages.

For this reason, the knowledge of the Director of Window Display Design and Visual Merchandising department has to be rigorous and go much further than what is shown at first glance to be able to play with the symbolism of decoration and the psychology of colors, in order to have more impact on the work, which is essential for the success of each project of each company.

Sources: The Psychology of Color de Eva Heller. www.pinkisforboys.org, artsy.net.

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Es importante prestar atención y conocer el significado que representa cada color y que impacto pueda generar en el mensaje que queremos aportar. Esto no sería posible, sino estudiamos la Historia de cada país a la que va dirigido el diseño de los escaparates.

Los colores nos transmiten sensaciones, emociones y mensajes, usarlos de forma consciente es la clave para un diseño vencedor. Y a lo largo de la Historia se han utilizado con significados diferentes.

La psicología del color tiene que ser estudiada y analizada en cada estrategia de diseño. Hay muchas grandes firmas que ya utilizan la psicología del color para reforzar el mensaje de sus campañas, de sus productos o para impactar el perfil del cliente al que se dirigen. 

Los colores son esenciales para definir la composición de cualquier escaparate, para crear un equilibrio, dirigir la percepción de los objetos y las sensaciones que transmite al cliente.

El tipo de uso que se le dé al color en el diseño de un escaparate modificará por completo el resultado final por lo que el color es una parte importantísima.

Hay conceptos aceptados y compartidos respecto al color, aplicados tanto en Occidente como en Oriente. Conocer sus significados nos permite acertar en la aplicación del color y de su psicología. Para ello es fundamental estudiar su Historia y vivir su cultura.

¿Los colores tienen género? 

Tal como hemos comentado anteriormente, existen muchas convenciones sociales a nivel global alrededor de ciertos colores, pero al mismo tiempo, existen muchos aspectos subjetivos en la psicología del color que provocan que un mismo color tenga variaciones en la interpretación y el significado en distintas culturas, épocas históricas o partes del mundo.

Hay colores que se usan hoy en día de forma diferente que en pasado, tal es el caso de los colores rosa y azul.

Actualmente estamos acostumbrados a asociar el color azul a lo masculino y el color rosa a lo femenino, pero no siempre ha sido así.

La utilización del color rosa para niñas y el color azul para niños, es un concepto relativamente nuevo si lo comparamos con tiempo atrás enmarcado en cada contexto histórico. De hecho por ejemplo, tradicionalmente, el azul simbolizó durante muchos siglos, lo femenino vinculando al agua y el mar. Siendo lo opuesto a este elemento el fuego, siendo el rojo asignado a lo masculino.

¿Y el rosa? “Moda reformista”

El color rosa asociado, a día de hoy con el mundo femenino, fue hasta la década 1920, un color masculino. Anteriormente a esta fecha, el color indicado para las niñas era el blanco o el azul. Por esta razón, como bien explica, Eva Heller, en su libro la “Psicología del color“, podemos ver en los cuadros antiguos niños varones de la aristocracia o el Niño Jesús vestidos de rosa. Entre otras muchas otras referencias interesantísimas siglos atrás.

El rosa, siendo de la gama del color rojo y denominado por los antiguos babilonios “como sangre”. Es un color más intenso y fuerte por esa misma relación del rojo, se veía más adecuado para los niños. Mientras que el azul, que es más apacible, se asociaba para las niñas.

Durante la década de los 60, en el mundo retail, la ropa de bebés se mantuvo en tonos neutrales hasta los años 80, cuando las prendas sin género desaparecieron para recuperar la idea de niños de azul y niñas de rosa.

Hoy en día, el color rosa, sigue teniendo diferentes connotaciones e interpretaciones en todo el mundo. En Japón, por ejemplo, sirve como símbolo nostálgico del samurai asesinado, percibiéndose como un color masculino y lúgubre. En Corea se interpreta como un signo de confianza y en Alemania tiene un carácter de ternura, pacifismo y dulzura.

Otro color masculino por excelencia, es el rojo, color de la fuerza y actividad que se asocia con el fuego y la sangre. Pero también hay también un rojo típicamente femenino en las religiones próximas a la naturaleza: el rojo oscuro, un color simbolizaba el estado de fertilidad en la mujer.

El rojo es el color de la felicidad en China. Por ejemplo, los huevos de color rojo, es un regalo típico relacionado con los nacimientos es un símbolo de felicidad en la vida y los sobres con dinero de la suerte en Año Nuevo.

Hay mucho más que leer sobre el poder del color y de la psicología de un solo color. Es claramente una forma de expresarse, a través del arte y la cultura, que van constantemente cambiando junto a la sociedad y su contexto histórico. Como resultado, utilizando todos los datos necesarios de un determinando color en nuestros diseños, podremos vehicular mensajes muy importantes y efectivos.

Por esta razón el conocimiento del Director del departamento de Diseño de Escaparates y Visual Merchandising tiene que ser riguroso e ir mucho más allá de lo que se muestra a primera vista, para poder jugar con la simbología de la decoración y la psicología de los colores, con el fin de obtener más repercusión en el trabajo, lo cual es fundamental para el éxito de cada proyecto de cada empresa.

Fuentes: Psicología del Color de Eva Heller. www.pinkisforboys.org, artsy.net.

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Seasonal marketing consists in creating campaigns, according to current events, for example, holidays or special days.

In the world of Fashion and Window Display, nowadays, we can’t talk exclusively of two seasons spring-summer and autumn-winter. Today, shops can change its collections and its windows displays every two weeks.

The visual saturation and the need of creating impact on the consumer affect directly the way we consume, generating almost an obligation imposed by the speed at which the fashion industry moves and to which more and more brands are joining.

Trends in Window Display Design and Visual Merchandising sector today, require fastest changes, flexibility, high creativity is the most time accompanied by a tight budget.

This need has resulted in increasingly ephemeral campaigns. For brands it’s important take advantage of every opportunity, even for a limited time.

To create an effective seasonal campaign is essential have professionals who know how to react quickly, according to the evolution of trends, needs of the client and also guide you in the design and strategy of visual windows.

This type of seasonal campaigns has important advantages, among them, the increase in store visits, where customers come to see the latest collections. This model can generate fast gains and the capacity to respond to customer needs. This allows to locate products quickly, more accessible price to the pocket and reach a wider public.

Don’t forget that each new season must have a new story and the obligation to set a new scenario.

However, on the other hand, teaches us that consumption through seasonal campaigns and fast fashion is growing rapidly raising great difficulties for the resources of our planet, so many firms are taking care about this matter minimizing waste and pollution in order to produce fashion without damaging the environment.

Finally, if you are thinking about launching a seasonal campaign for your brand, remember that the most important thing is understanding your customer, propose a collection that explain current trends and make a team with Retail and Visual Merchandising professionals who can help you develop an appropriate strategy in order to achieve the desired goals.

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El marketing de temporada consiste en crear campañas acorde a los eventos del momento, por ejemplo, vacaciones o días especiales.

En el mundo de la moda y del Escaparatismo ya no podemos hablar exclusivamente de dos temporadas primavera-verano y otoño-invierno. Hoy, una misma firma puede cambiar sus colecciones y escaparates cada dos semanas.

La saturación de imágenes que nos acompaña diariamente y la necesidad de generar impacto en el consumidor repercute directamente la manera de consumir, generando casi una obligación impuesta por la velocidad a la que la industria de la moda se mueve y a la que cada vez más marcas se han sumado.

Las tendencias en el sector del Escaparatismo y del Visual Merchanding, al día de hoy, exigen cambios rápidos, flexibilidad, alta creatividad y la mayoría de las veces acompañado de un presupuesto apretado.

Esta necesidad se ha traducido en campañas cada vez más efímeras. Para las marcas es importante aprovechar cada oportunidad, aunque sea por un tiempo limitado.

Para crear una campaña de temporada eficaz es fundamental contar con profesionales del sector que sepan reaccionar rápidamente y ir acorde a la evolución de las tendencias, a las necesidades del cliente y que puedan guiar el diseño de los escaparates y su estrategia.

Este tipo de campañas de temporada conllevan ventajas importantes, entre ellas cabe mencionar, el aumento de visitas en las tiendas, donde los cliente acuden para ver las ultimas novedades. Este tipo de modelo, puede generar ganancias instantáneas y la capacidad de respuesta a las necesidades del cliente.  Todo esto permite, ubicar los productos con mayor rapidez, un precio más asequible al bolsillo y llegar a un público más amplio.

No hay que olvidar que cada nueva temporada tiene una nueva historia y la obligación de generar un nuevo escenario.

Sin duda, la otra cara de la moneda, nos enseña que el ritmo del consumo a través de las campañas de temporadas y del “fast fashion” está creciendo rápidamente poniendo en dificultad los recursos de nuestro planeta, por ello, muchas firmas se están preocupando por reducir al mínimo el desperdicio y la contaminación con el fin de producir moda sin dañar el medio ambiente.

Finalmente, si estas pensando en lanzar una campaña de temporada para tu marca, recuerda que lo más importante es entender a tu público, proponer una colección que se adapte a las tendencias del momento y contar con profesionales del Retail y Visual Merchandising que puedan ayudarte a planear una estrategia adecuada y lograr el impacto deseado.

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