We often see brands investing in visually striking window displays or store concepts. However, without consistency and clear storytelling, these efforts lose impact over time. Creativity alone is not enough, it needs to be sustained, aligned and executed across the entire customer journey.

“Visual merchandising is not just what customers see, but what drives them to act.”

As Pietro Beccari recently explained, “the future of retail is retailtainment” . A combination of product, experience and culture.

This idea reinforces a key shift: stores are no longer just spaces to sell, but platforms to create emotion, connection and memorable experiences. At the same time, Beccari also highlighted that customers today come not only to buy, but “to hear good stories” in Vogue Arabia, 2025..

Experiential retail at its highest level is captured in this New York flagship tour, where architecture, display and customer flow merge into luxury experience.

From my perspective, this is where visual merchandising plays a critical role. It is the point where creativity meets execution, and where brand identity becomes tangible for the customer.

The real challenge is not designing a beautiful space, but maintaining a coherent and engaging experience over time. That consistency is what builds trust, strengthens brand perception and ultimately drives measurable results.

Interior walkthrough captures how visual storytelling, space flow and sensory design elevate a flagship into an immersive environment.

I strongly believe that visual merchandising is not only about what customers see, but about what drives them to act. Because in the end, retail spaces should not only inspire: they should perform.

Sources: joseluisledesma, vogue, youtube.

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A menudo vemos marcas invirtiendo en escaparates visualmente impactantes o en conceptos de tienda innovadores. Sin embargo, sin consistencia y un storytelling claro, estos esfuerzos pierden efecto con el tiempo. La creatividad por sí sola no basta: debe mantenerse, estar alineada y ejecutarse a lo largo de todo el recorrido del cliente.

El visual merchandising no es sólo lo que los clientes ven, sino lo que los impulsa a actuar.

Como explicó recientemente Pietro Beccari: “el futuro del retail es el retailtainment”, una combinación de producto, experiencia y cultura.

Esta idea refuerza un cambio clave: las tiendas ya no son solo espacios para vender, sino plataformas para generar emoción, conexión y experiencias memorables. Al mismo tiempo, Beccari destacó que los clientes de hoy acuden no solo a comprar, sino “a escuchar buenas historias”, Vogue Arabia, 2025.

El retail experiencial en su nivel más alto se refleja en este recorrido por un flagship en Nueva York, donde arquitectura, diseño y flujo de clientes se fusionan en una experiencia de lujo.

Desde mi perspectiva, aquí es donde el visual merchandising juega un papel crítico: es el punto donde la creatividad se encuentra con la ejecución y donde la identidad de marca se vuelve tangible para el cliente.

El verdadero desafío no es diseñar un espacio bonito, sino mantener una experiencia coherente y atractiva a lo largo del tiempo. Esa consistencia es la que genera confianza, refuerza la percepción de la marca y, en última instancia, impulsa resultados medibles.

El recorrido interior del video muestra cómo el storytelling visual, el flujo del espacio y el diseño sensorial elevan un flagship a un entorno inversivo.

Creo firmemente que el visual merchandising no se trata solo de lo que los clientes ven, sino de lo que los impulsa a actuar. Porque, al final, los espacios retail no solo deben inspirar: deben rendir resultados.

Fuentes: joseluisledesma, vogue, youtube.

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Europa: artesanía, narrativa y phygital

En Europa, el retail se consolida como experiencia híbrida, donde lo físico y lo digital se integran sin fricciones. Las tiendas dejan de ser puntos de venta para convertirse en centros culturales y sociales: pop-ups efímeros, eventos locales y experiencias inmersivas que refuerzan el vínculo con la comunidad.

En moda, tanto pasarelas como street style apuestan por estéticas más expresivas: manipulación de estampados, tejidos emocionales y volúmenes con carácter. Paralelamente, el quiet luxury gana terreno: menos logotipos, más calidad, más relato y más tiempo.

Asia: velocidad, tecnología y nuevos códigos

En Asia, la creatividad se mueve a otra velocidad. Innovación, digitalización extrema y viralidad marcan el ritmo. Las micro-tendencias nacen en plataformas sociales y se expanden globalmente en semanas. Aquí, la IA generativa y la personalización avanzada ya forman parte del ADN creativo y comercial.

España: potencial creativo con límites estructurales

España cuenta con una identidad cultural potente, pero el reto sigue siendo convertir creatividad en retail sostenible más allá de Madrid y Barcelona. La oportunidad está en activar talento local, conectar moda con cultura y descentralizar la experiencia comercial.

En paralelo, crecen con fuerza marcas de precio ultra-bajo que construyen universos de lifestyle reconocibles. En países mediterráneos, donde las rentas son ajustadas, estas propuestas alivian la presión económica, aunque abren un debate necesario sobre valor y futuro creativo.

¿La gran amenaza para 2026?

La hiperpersonalización y la IA prometen eficiencia, pero también traen riesgos: saturación creativa, copia constante y pérdida de identidad. Paradójicamente, mientras hablamos de diferenciación, muchos espacios de retail empiezan a parecerse demasiado entre sí.

En 2026, las marcas que destaquen no venderán productos: contarán historias, crearán comunidad y defenderán una identidad propia y reconocible.

Fuentes: Spring Fair – Fashion & Retail Trends. The Storefront – Global Retail Trends. Business of Fashion (BoF). Vogue Business. McKinsey – State of Fashion. WGSN – Consumer & Retail Forecasting. TikTok Creative Center (Asia trends). Editorial y reflexión: José Luis Ledesma

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Art that materializes in a window display, in a visual atmosphere, in a staging that—even if ephemeral—has the power to touch deep emotions in those who experience it.

Creatives, designers, window dressers, visual merchandisers and artists working in this ecosystem know that our work cannot be evaluated solely through ROI or conversions. Human creativity is a language that resonates beyond what can be quantified. A color composition can make someone stop. A single light can provoke a gesture. A scene can connect directly with the soul.

And yet, many times this work fades quietly. It is dismantled, stored away, replaced by the next campaign. What was once magical disappears. But its true impact remains, because emotional value does not obey metrics.

Today we live in an era where brands seek to monetize every creative action, justifying everything through data. And although that need exists and is legitimate, it cannot become a prison that restricts the essence of art. What is human cannot be precisely measured, and therein lies its beauty.

“When art is born from essence rather than from the obsession with money, its spirit expands: it attracts more eyes, more souls, and more truth than anything calculated.” — Jose Luis

A window display is not just a point of sale: it is a stage. A temporary work that transforms a street, a glance, a memory. It is a way of creating worlds.

Those of us who work behind these experiences are builders of atmospheres, stories, and sensations. Our work exists to move, to inspire, to make people dream. And that is precisely what attracts audiences the most: authenticity.

International houses like Bergdorf Goodman, Louis Vuitton or collaborations in Asia such as those with SKP Beijing and Dior Shanghai demonstrate that the art of window display is global, but its emotion is profoundly human.

Because true creativity is not born from the obsession with money, but from a sensitivity capable of imagining beyond the immediate. When a brand embraces this vision, it grows in spirit, in character, in connection.

Profit arrives.

But emotion comes first.

And that is the key.

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Los creativos, diseñadores, escaparatistas, visual merchandisers y artistas que trabajamos en este ecosistema sabemos que nuestra labor no se puede medir únicamente en ROI o conversiones. Porque la creatividad humana es un lenguaje que resuena más allá de lo cuantificable. Una composición de color puede detener el paso. Una luz puede provocar un gesto. Una escena puede conectar directamente con el alma.

Y, sin embargo, muchas veces ese trabajo se desvanece en silencio. Se desmonta, se guarda, se sustituye por la siguiente campaña. Lo que fue mágico, desaparece. Pero su impacto real permanece, porque el valor emocional no entiende de métricas.

Hoy, vivimos una era donde las marcas buscan monetizar cada acción creativa, justificándolo todo a través de datos. Y aunque esa necesidad existe y es legítima, no puede convertirse en una prisión que limite la esencia del arte. Lo humano no es medible con precisión, y ahí reside su belleza.

Cuando el arte nace desde la esencia y no desde la obsesión por el dinero, su espíritu se expande: atrae más miradas, más almas y más verdad que cualquier obra calculada. Jose Luis

Un escaparate no es solo un punto de venta: es un escenario. Una obra temporal que transforma una calle, una mirada, un recuerdo. Es una forma de crear mundos.

Los artistas que trabajamos detrás de estas experiencias somos constructores de atmósferas, de historias, de sensaciones. Nuestro trabajo nace para emocionar, para inspirar, para hacer soñar. Y eso, precisamente, es lo que más atrae al público: la autenticidad.

Casas internacionales como Bergdorf Goodman, Louis Vuitton o colaboraciones en Asia como las de SKP Beijing y Dior Shanghai están demostrando que el arte del escaparate es global, pero su emoción es profundamente humana.

Porque la creatividad verdadera no nace de la obsesión por el dinero, sino de una sensibilidad que se atreve a imaginar más allá de lo inmediato. Cuando una marca abraza esa visión, crece en espíritu, en carácter, en conexión.

La rentabilidad llega.

Pero primero llega la emoción.

Y ahí está la clave.

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Sober and aspirational luxury

The appeal of that conscious sobriety lies in noble materials, neutral colors, and garments that feel exquisite, even if they don’t appear so at first glance (The Hawk News, ClassicsTrend). Houses like The Row, Loro Piana, and Khaite lead that narrative which favors refined tactility over visible labels (Financial Times).

Pieces that speak without saying

This is no recent invention: magazines like Who What Wear already showcase autumn 2025 essentials such as suede shoes, structured coats, and handbags that transmit more than they display (Who What Wear). Does it help you imagine that luxury can be something that does not demand attention, yet fully deserves it?

At joseluisledesma.com, the silent dialogue with you, our readers, has always been a priority, as well as the paused reflection you feel when discovering a vintage or handcrafted piece. Perhaps it is that same stillness that lends soul to minimalism.

And here I throw you the game: what pieces in your wardrobe or your home speak without saying so? Does the vintage —that inherited coat or ceramic piece that would never pass an Instagram filter— feel richer than any shiny novelty?

Sources: The Business of Fashion (BoF), Financial Times , Vogue Business, Architectural Digest, joseluisledesma.com

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Impact of AI on fashion design

Fashion design is a field where creativity and innovation are paramount. With the introduction of AI, designers can experiment with new shapes, textures and patterns at unprecedented speed and with unprecedented accuracy.

Generative AI algorithms are opening new doors for designers, allowing them to create unique designs and realize multiple variations in minutes. This technology not only facilitates innovation, but also becomes a creative extension of the designer, empowering their capabilities and allowing them to explore previously unimaginable limits.

Advantages in Creativity

AI can analyse past and current trends to predict which styles will resonate best with consumers in the future. This not only boosts creativity, but also reduces the time to market for new collections. In addition, AI is democratizing fashion design, as AI-based platforms allow emerging designers and small brands to access tools that were previously reserved for large fashion houses. This encourages greater diversity in the industry and gives consumers a wider range of choices.

‘AI will not only boost creativity, but also make the realization of projects of higher quality, in record time.

AI image developers must do much better than current results.

’ José Luis.

Brands and Initiatives

Personalization is perhaps one of the most exciting applications of AI in fashion. Brands around the world are using AI to create products that not only fit customers’ measurements, but offer a truly personalised shopping experience. For example, Stradivarius was one of the first brands to launch a collection and campaign reinterpreted using artificial intelligence, showing how AI can reinvent fashion with special colours, flowers and fabrics. Similarly, G-Star Raw has produced an entirely AI-generated fashion design called ‘AI Denim Cape’, while Levi’s has announced that it will use AI-generated models in its online shops to give users a more personalized feel.

AI improvements in Marketing and Advertising

Artificial intelligence (AI) is revolutionising fashion marketing and advertising, enabling brands to segment audiences more precisely, personalize advertising messages and optimize the performance of online advertising campaigns. Thanks to AI’s ability to handle unstructured data such as text, images and video, it can generate a wide range of marketing content, from full scripts to 3D designs and realistic virtual models.

AI plays a crucial role in the efficient processing and analysis of large volumes of data, providing marketers with better insights to improve segmentation and targeting. In addition, AI makes it possible to identify and predict trends from unstructured data, such as consumer sentiment, in-store behaviour and omni-channel data. Consumer segmentation is automated at scale, making it easier to personalize marketing initiatives.

AI and digital modelling

Digital models are at the centre of virtual fashion shows and advertising campaigns. Prestigious brands use these avatars to showcase their new collections and offer viewers an immersive and futuristic experience. The use of digital models can contribute to a more sustainable fashion industry by reducing the need for physical events, travel and large-scale production, thus minimizing the carbon footprint associated with these activities.

Imagine walking into an online shop where a digital model with your measurements and features shows you how each garment would look on you. This is the promise of digital models: a more interactive, personal and realistic online shopping experience. Brands are leveraging these AI tools to enhance the customer experience and increase their opportunities to connect with consumers and, consequently, their revenues.

Production optimizing and sustainability

Supply chain efficiency is vital for success in the fashion industry. AI is optimizing this by forecasting demand, improving inventory management and speeding up production. By anticipating trends and quickly adjusting stock levels, brands can avoid overproduction and reduce environmental impact.

AI is also present in fashion manufacturing. Intelligent robots, with the ability to cut fabrics and sew with pinpoint accuracy, are enabling faster and more customized production. This not only improves garment quality, but also allows for greater flexibility in small batch production, which is especially beneficial for sustainable and niche brands.

Through real-time analytics and augmented reality (AR), robotic automation in warehouses is optimized, improving inventory management and operations. AI supports supplier negotiations by gathering relevant research and providing accurate information. Product return offers can be tailored to the preferences and needs of individual consumers, thanks to AI.

Responsible consumption and sustainability

Integrating new technologies such as artificial intelligence into production processes can make a difference in reducing material consumption and limiting the risk of accumulating unsold stock. Materials represent, for most production models, 90% of the CO2 emissions generated during the life cycle of a garment and around 30% of all garments manufactured worldwide are never sold, according to the Australian Circulated Clothing Association (ACTA).

To be sustainable, it is important for brands to save every millimetre of fabric possible, making only what is necessary. Thanks to the AI they incorporate, software such as Lectra’s Fashion on Demand automates tasks, manages orders to manufacture in minutes and projects an accurate picture of the company’s production capacity. This improves the sustainability of manufacturing by enabling production on demand only, which results in reduced energy consumption and minimized waste.

AI is playing a crucial role in making the fashion industry more sustainable. By optimizing supply chains and demand-driven production, material waste is significantly reduced. AI is contributing to sustainability in fashion through innovations in textile recycling. Emerging technologies are able to identify and classify fabrics, facilitating the process of recycling and reusing materials. This opens up new avenues for circular fashion, where end-of-life clothing can be transformed into new products, reducing the need for virgin raw materials and lowering the industry’s carbon footprint.

AI and improving the shopping experience

AI is redefining consumer shopping preferences and expectations. A remarkable 66% of European customers express enthusiasm for an AI-powered shopping experience, showing a willingness to spend more in shops that employ these technologies to personalize products and enhance the online shopping experience.

1. Virtual assistants and personalized recommendations: AI has been integrated into a variety of touchpoints in the customer journey, from personalized recommendations to augmented reality experiences for virtual product testing. Tools such as Google Lens allow consumers to search for products based on their actual appearance.
2. Advanced personalization: Generative AI is enabling brands to offer a level of service comparable to that of luxury physical shops, even in the digital realm. Italy’s Benetton, for example, has managed to increase average customer spending and triple the time spent on its website through Recommendations AI.
3. Immersive experiences: Virtual reality and augmented reality will play a key role in the development of social shopping, offering more immersive shopping experiences and increasing consumer interaction. The future of retail includes innovative options such as AI-based voice commerce, online fitting rooms and immersive events, where users actively participate in the creation and selection of products.

AI is revolutionizing the fashion shopping experience, providing improved customer service, personalized recommendations, virtual product trials and intelligent virtual assistants. This not only improves consumer confidence, but is also a powerful marketing tool for brands.

Technical and financial challenges

Although artificial intelligence (AI) is transforming the fashion industry, there are still technical and financial challenges that need to be addressed. Diego G. Carpintero, 3D designer and master’s lecturer at the Instituto Europeo di Design in Madrid (IED), predicts that ‘AI is here to stay in the fashion world and, far from being a fad, it is a very new technology that has only just begun’. However, he warns that ‘transforming the virtual into the physical will be a challenge for brands’.

The adoption of AI in the fashion industry requires significant investments in hardware, software and staff training. Many companies, especially small and medium-sized ones, may find it difficult to justify these upfront costs. In addition, integrating AI into existing processes can be technically challenging, as it requires careful planning and execution.

Artificial intelligence is transforming the fashion industry in profound and radical ways. From design and production to marketing and customer experience, AI is optimising processes, driving innovation and fostering sustainability. Brands that embrace these technologies will have a significant competitive advantage, being able to deliver highly personalised products and exceptional customer experiences at scale.

Si bien aún existen desafíos técnicos y financieros, las posibilidades futuras de la IA en la moda son prometedoras. A medida que la tecnología avance, veremos desarrollos que van desde la creación de materiales innovadores hasta la implementación de prácticas sostenibles impulsadas por IA. Las empresas que entiendan las capacidades actuales de la IA, exploren la personalización masiva y utilicen estas herramientas para mejorar la sostenibilidad, estarán mejor preparadas para aprovechar el potencial de esta revolución en la moda.

Fuentes: joseluisledesma.com; g-star.com; fashionunited.es; thefashionglobe.com; neuralfashion.ai; linkedin.com; thinkwithgoogle.com, cdetech.org; elle.com; modaes.com; 

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Impacto de la IA en el diseño de moda

El diseño de moda es un campo donde la creatividad y la innovación son primordiales. Con la introducción de la IA, los diseñadores pueden experimentar con nuevas formas, texturas y patrones a una velocidad y con una precisión sin precedentes.

Los algoritmos de IA generativa están abriendo nuevas puertas para los diseñadores, permitiéndoles crear diseños únicos y realizar múltiples variaciones en minutos. Esta tecnología no solo facilita la innovación, sino que también se convierte en una extensión creativa del diseñador, potenciando sus capacidades y permitiéndoles explorar límites antes inimaginables.

Ventajas en la creatividad

La IA puede analizar tendencias pasadas y actuales para predecir qué estilos resonarán mejor con los consumidores en el futuro. Esto no solo impulsa la creatividad, sino que también reduce el tiempo de comercialización de nuevas colecciones. Además, la IA está democratizando el diseño de moda, ya que plataformas basadas en IA permiten a diseñadores emergentes y pequeñas marcas acceder a herramientas que anteriormente estaban reservadas para grandes casas de moda. Esto fomenta una mayor diversidad en la industria y brinda a los consumidores una gama más amplia de opciones.

“La IA no solo, potenciara la creatividad, sino que también, hará que la materialización de los proyectos sean de mayor calidad, en tiempo récord. Los desarrolladores de imagen IA deben de mejorar mucho en los resultados actuales” José Luis.

Marcas e iniciativas

La personalización es quizás una de las aplicaciones más emocionantes de la IA en la moda. Marcas de todo el mundo están utilizando IA para crear productos que no solo se ajustan a las medidas de los clientes, sino que ofrecen una experiencia de compra verdaderamente personalizada. Por ejemplo, Stradivarius ha sido una de las primeras marcas en lanzar una colección y campaña reinterpretada usando la inteligencia artificial, mostrando cómo la IA puede reinventar la moda con colores, flores y tejidos especiales. Asimismo, G-Star Raw ha realizado un diseño de moda generado totalmente con IA llamado “AI Denim Cape”, mientras que Levi’s ha anunciado que utilizará modelos generados por IA en sus tiendas online para que los usuarios se sientan más identificados.

IA en el Marketing y publicidad de moda

La inteligencia artificial (IA) está revolucionando el marketing y la publicidad de la moda, permitiendo a las marcas segmentar audiencias de manera más precisa, personalizar mensajes publicitarios y optimizar el rendimiento de las campañas publicitarias en línea. Gracias a la capacidad de la IA para manejar datos no estructurados como texto, imágenes y video, puede generar una amplia gama de contenido de marketing, desde guiones completos hasta diseños en 3D y modelos virtuales realistas.

La IA desempeña un papel crucial en el procesamiento y análisis eficiente de grandes volúmenes de datos, proporcionando a los profesionales del marketing mejores conocimientos para mejorar la segmentación y el targeting. Además, la IA permite identificar y predecir tendencias a partir de datos no estructurados, como el sentimiento del consumidor, el comportamiento en tiendas y los datos omnicanal. La segmentación del consumidor se automatiza a gran escala, lo que facilita la personalización de las iniciativas de marketing. 

IA y Modelos Digitales

Los modelos digitales están en el centro de los desfiles de moda virtuales y las campañas publicitarias. Las marcas de prestigio utilizan estos avatares para mostrar sus nuevas colecciones y ofrecer a los espectadores una experiencia inmersiva y futurista. El uso de modelos digitales puede contribuir a una industria de la moda más sostenible, al reducir la necesidad de eventos físicos, viajes y producción a gran escala, minimizando así la huella de carbono asociada a estas actividades.

Imagine entrar en una tienda virtual donde un modelo digital con sus medidas y características le muestra cómo le quedaría cada prenda. Esta es la promesa de los modelos digitales: una experiencia de compra en línea más interactiva, personal y realista. Las marcas están aprovechando estas herramientas de IA para mejorar la experiencia del cliente y aumentar sus oportunidades de conectar con los consumidores y, en consecuencia, sus ingresos.

Optimización de la producción y sostenibilidad

La eficiencia de la cadena de suministro es vital para el éxito en la industria de la moda. La IA está optimizando este aspecto al prever la demanda, mejorar la gestión de inventario y acelerar la producción. Al anticipar las tendencias y ajustar rápidamente los niveles de stock, las marcas pueden evitar el exceso de producción y reducir el impacto ambiental.

La IA también está presente en la fabricación de moda. Los robots inteligentes, con la capacidad de cortar telas y coser con precisión milimétrica, están permitiendo una producción más rápida y personalizada. Esto no solo mejora la calidad de las prendas, sino que también permite una mayor flexibilidad en la producción de pequeños lotes, lo que es especialmente beneficioso para marcas sostenibles y de nicho.

Mediante análisis en tiempo real y realidad aumentada (RA), la automatización robótica en los almacenes se optimiza, mejorando la gestión de inventario y operaciones. La IA apoya las negociaciones con proveedores al recopilar investigaciones relevantes y brindar información precisa. Las ofertas de devolución de productos pueden ser adaptadas a las preferencias y necesidades de cada consumidor, gracias a la IA.

Consumo responsable y sostenibilidad

Integrar nuevas tecnologías como la inteligencia artificial en los procesos productivos puede ser diferencial para reducir el consumo de materiales y limitar el riesgo de acumular stock sin vender. Los materiales representan, para la mayoría de los modelos de producción, un 90% de las emisiones de CO2 generadas durante el ciclo de vida de una prenda y alrededor de un 30% de todas las prendas fabricadas en todo el mundo nunca son vendidas, según la Asociación Australiana de Textil Circulas (ACTA).

Para ser sostenibles, es importante que las marcas ahorren cada milímetro de tela posible, fabricando tan solo lo que es necesario. Gracias a la IA que incorporan, softwares como Fashion on Demand, de Lectra, automatizan tareas, gestionan pedidos para manufacturar en minutos y proyectan una imagen precisa sobre la capacidad de producción de la empresa. Esto mejora la sostenibilidad de la fabricación, ya que permite producir únicamente bajo demanda, lo que se traduce en la reducción del consumo energético y la minimización de los residuos.

La IA está desempeñando un papel crucial en hacer que la industria de la moda sea más sostenible. Mediante la optimización de las cadenas de suministro y la producción basada en la demanda, se reduce significativamente el desperdicio de materiales. La IA está contribuyendo a la sostenibilidad en la moda a través de innovaciones en el reciclaje de textiles. Tecnologías emergentes son capaces de identificar y clasificar tejidos, facilitando el proceso de reciclaje y reutilización de materiales. Esto abre nuevas vías para la moda circular, donde la ropa al final de su vida útil puede ser transformada en nuevos productos, reduciendo la necesidad de materias primas vírgenes y disminuyendo la huella de carbono de la industria.

IA y la mejora en la experiencia de compra

La IA está redefiniendo las preferencias de compra y expectativas de los consumidores. Un notable 66% de los clientes europeos expresa entusiasmo por una experiencia de compra impulsada por la IA, mostrando disposición a gastar más en tiendas que emplean estas tecnologías para personalizar productos y mejorar la experiencia de compra en línea.

1. Asistentes virtuales y recomendaciones personalizadas: La IA se ha integrado en diversos puntos de contacto en la jornada del cliente, desde recomendaciones personalizadas hasta experiencias de realidad aumentada para probar productos virtualmente. Herramientas como Google Lens permiten a los consumidores buscar productos basándose en su apariencia real.
2. Personalización avanzada: La IA generativa está permitiendo a las marcas ofrecer un nivel de servicio comparable al de las tiendas físicas lujosas, incluso en el ámbito digital. La firma italiana Benetton, por ejemplo, ha logrado aumentar el gasto promedio de los clientes y triplicar el tiempo que pasan en su sitio web mediante Recommendations AI.
3. Experiencias inmersivas: La realidad virtual y la realidad aumentada jugarán un papel fundamental en el desarrollo del social shopping, ofreciendo experiencias de compra más inmersivas y aumentando la interacción con el consumidor. El futuro del comercio incluye opciones innovadoras como el comercio por voz basado en IA, probadores online y eventos inmersivos, donde los usuarios participan activamente en la creación y selección de productos.

La IA está revolucionando la experiencia de compra en la moda, brindando un servicio al cliente mejorado, recomendaciones personalizadas, pruebas virtuales de productos y asistentes virtuales inteligentes. Esto no solo mejora la confianza del consumidor, sino que también es una poderosa herramienta de marketing para las marcas.

Desafíos técnicos y financieros

Aunque la inteligencia artificial (IA) está transformando la industria de la moda, aún existen desafíos técnicos y financieros que deben abordarse. Diego G. Carpintero, diseñador 3D y docente de máster en el Instituto Europeo di Design de Madrid (IED), augura que “la IA ha llegado al mundo de la moda para quedarse y que, lejos de ser una moda pasajera, es una tecnología muy nueva que no ha hecho más que empezar”. Sin embargo, advierte que “transformar lo virtual a lo físico será un reto para las marcas”.

La adopción de la IA en la industria de la moda requiere inversiones significativas en hardware, software y capacitación del personal. Muchas empresas, especialmente las pequeñas y medianas, pueden encontrar difícil justificar estos costos iniciales. Además, la integración de la IA en los procesos existentes puede ser un desafío técnico, ya que requiere una cuidadosa planificación y ejecución.

La inteligencia artificial está transformando la industria de la moda de manera profunda y radical. Desde el diseño y la producción hasta el marketing y la experiencia del cliente, la IA está optimizando procesos, impulsando la innovación y fomentando la sostenibilidad. Las marcas que adopten estas tecnologías tendrán una ventaja competitiva significativa, pudiendo ofrecer productos altamente personalizados y experiencias de cliente excepcionales a escala.

Si bien aún existen desafíos técnicos y financieros, las posibilidades futuras de la IA en la moda son prometedoras. A medida que la tecnología avance, veremos desarrollos que van desde la creación de materiales innovadores hasta la implementación de prácticas sostenibles impulsadas por IA. Las empresas que entiendan las capacidades actuales de la IA, exploren la personalización masiva y utilicen estas herramientas para mejorar la sostenibilidad, estarán mejor preparadas para aprovechar el potencial de esta revolución en la moda.

Fuentes: joseluisledesma.com; g-star.com; fashionunited.es; thefashionglobe.com; neuralfashion.ai; linkedin.com; thinkwithgoogle.com, cdetech.org; elle.com; modaes.com; 

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Fashion as a cultural expression

Fashion in Hispanic and Latin America goes beyond mere trends; it is a unique form of cultural expression.
A key aspect of Hispanic and Latin American fashion is creativity. Designers in the region are characterized by their originality and ability to fuse traditional elements with contemporary trends. Creativity manifests itself in the choice of materials, in the combination of colours and prints, and in the way traditional garments are reinterpreted to adapt them to current trends.
Each country in the region has its own style and traditions, which are reflected in fashion. This cultural diversity has been an endless source of inspiration and creativity for designers in the region.
In addition, numerous Hispanic and Latin American designers have made their mark on the global fashion industry. Names such as Paco Rabanne, Manolo Blahnik, Adolfo Dominguez, Cristóbal Balenciaga from Spain, Carolina Herrera from Venezuela, Óscar de la Renta from the Dominican Republic and Mario Testino from Peru are just some of the designers who have achieved international recognition. These talented artists have combined their cultural roots with a unique creative vision, creating garments and collections that transcend borders and captivate the world.

Its influence in the world

Hispanic and Latin American fashion has had a significant impact on the global industry. Brands and designers from the region have managed to cross borders and gain recognition in international markets. The creativity and originality of their designs have captured the attention of consumers and fashion experts around the world.
In addition, numerous collaborations between Hispanic and Latin American designers with international brands have given visibility to the region’s fashion. These collaborations have not only enriched the industry, but have also opened doors for more designers, giving them the opportunity to showcase their talent and creativity to a global audience.

Trends and creativity

Fashion in Latin America is constantly evolving, adapting to current trends while remaining true to its cultural roots. At present, trends such as sustainable fashion, which prioritizes the use of environmentally responsible materials and processes, stand out. This trend reflects a growing awareness of the importance of preserving and valuing the natural environment, and has led to the creation of innovative designs that combine creativity with sustainability.
Another trend that has gained momentum is the incorporation of traditional elements and ethnic prints into designs. Garments such as huipiles and polleras are examples of how Hispanic and Latin American fashion is enriched by creativity and the reinterpretation of cultural elements. These designs not only highlight the identity of the region, but also promote and value cultural diversity.

Fashion is not only an artistic manifestation, but also a means to promote identity, inclusion and social change. Fashion allows us to tell stories and value our traditions.

Traditions: a fascinating story that connects with our roots

Fashion has been a fundamental part of the history of Spanish and Latin America. Native peoples have used creativity to create garments that reflect their identity and traditions. These garments, such as traditional costumes and handcrafted textiles, have been recognized both nationally and internationally for their beauty, significance and cultural richness.
Indigenous fashion continues to be a source of inspiration for Hispanic and Latin American designers. Creativity is manifested in the incorporation of traditional elements and techniques into contemporary designs. This not only preserves and values indigenous culture, but also promotes inclusion and recognition of the creativity of native peoples.

Social and creative engine

Hispanic and Latin American culture and fashion are not only a manifestation of creativity, but also an economic and social engine in the region. On the one hand, the fashion industry generates employment and contributes to the economic growth of Hispanic and Latin American countries. On the other hand, fashion has also become a tool for empowerment and equity, through social initiatives and ventures that use fashion as a means to generate positive changes in society.

These initiatives include training projects, artisan cooperatives and brands that promote inclusion and social justice. Creativity and innovation in Hispanic and Latin American fashion have enabled the industry to become an agent of change, creating opportunities and promoting gender equality, cultural diversity and respect for human rights.

Hispanic and Latin American fashion is an inexhaustible source of creativity and cultural expression, and its cultural legacy has conquered the world. The diversity of styles, influences and traditions enrich the fashion industry, and have allowed their designers to stand out globally.

It is important to recognize and value Hispanic and Latin American fashion as part of our cultural heritage and as a source of inspiration and creativity. In doing so, we contribute to keeping our culture alive and making a positive impact on our society. Let us celebrate their legacy and their influence on the fashion world.

Sources: culturasdemoda.com; modaes.com; historiadelarte.uniandes.edu.co; elpais.com; vogue.mx; forbes.es

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La moda como expresión cultural

La moda en Hispanoamérica y Latinoamérica va más allá de las simples tendencias; es una forma de expresión cultural única.
Un aspecto clave de la moda hispana y latinoamericana es la creatividad. Los diseñadores de la región se caracterizan por su originalidad y por la habilidad de fusionar elementos tradicionales con las tendencias contemporáneas. La creatividad se manifiesta en la elección de materiales, en la combinación de colores y estampados, y en la forma en que se reinterpretan las prendas tradicionales para adaptarlas a las tendencias actuales.
Cada país de la región tiene su propio estilo y tradiciones, que se ven reflejados en la moda. Esta diversidad cultural ha sido una fuente inagotable de inspiración y creatividad para los diseñadores de la región.
Además, numerosos diseñadores hispanos y latinoamericanos han logrado destacarse a nivel mundial, dejando su huella en la industria de la moda. Nombres como Paco Rabanne, Manolo Blahnik, Adolfo Dominguez, Cristóbal Balenciaga de España, Carolina Herrera de Venezuela, Óscar de la Renta de República Dominicana y Mario Testino de Perú son solo algunos de los diseñadores que han alcanzado reconocimiento internacional. Estos talentosos artistas han sabido combinar sus raíces culturales con una visión creativa única, creando prendas y colecciones que trascienden las fronteras y cautivan al mundo.

Su influencia en el mundo

La moda hispana y latinoamericana ha tenido un impacto significativo en la industria global. Marcas y diseñadores de la región han logrado traspasar fronteras y ganar reconocimiento en mercados internacionales. La creatividad y originalidad de sus diseños han capturado la atención de consumidores y expertos de la moda en todo el mundo.
Además, numerosas colaboraciones entre diseñadores hispanos y latinoamericanos con marcas internacionales han dado visibilidad a la moda de la región. Estas colaboraciones no solo han enriquecido la industria, sino que también han abierto puertas para más diseñadores hispanos y latinoamericanos, brindándoles la oportunidad de mostrar su talento y creatividad a una audiencia global.

Tendencias y creatividad

La moda en Hispanoamérica y Latinoamérica se encuentra en constante evolución, adaptándose a las tendencias actuales mientras se mantiene fiel a sus raíces culturales. En la actualidad, destacan tendencias como la moda sostenible, en la cual se prioriza el uso de materiales y procesos responsables con el medio ambiente. Esta tendencia refleja la conciencia creciente sobre la importancia de preservar y valorar el entorno natural, y ha llevado a la creación de diseños innovadores que combinan la creatividad con la sostenibilidad.
Otra tendencia que ha cobrado fuerza es la incorporación de elementos tradicionales y estampados étnicos en los diseños. Prendas como los huipiles y las polleras son ejemplos de cómo la moda hispana y latinoamericana se enriquece con la creatividad y la reinterpretación de elementos culturales. Estos diseños no solo resaltan la identidad de la región, sino que también promueven y valoran la diversidad cultural.

La moda no solo es una manifestación artística, sino también un medio para promover la identidad, la inclusión y el cambio social. La moda nos permite contar historias y valorar nuestras tradiciones.

Moda y tradiciones: una fascinante historia que conecta con nuestras raíces

La moda ha sido parte fundamental de la historia de Hispanoamérica y Latinoamérica. Los pueblos indígenas han utilizado la creatividad para crear prendas que reflejan su identidad y tradiciones. Estas prendas, como los trajes típicos y los textiles artesanales, han sido reconocidas tanto a nivel nacional como internacional por su belleza, significado y riqueza cultural.
La moda indígena sigue siendo una fuente de inspiración para los diseñadores hispanos y latinoamericanos. La creatividad se manifiesta en la incorporación de elementos y técnicas tradicionales en diseños contemporáneos. Esto no solo permite preservar y valorar la cultura indígena, sino que también promueve la inclusión y el reconocimiento de la creatividad de los pueblos originarios.

Motor creativo y social

La cultura y la moda hispana y latinoamericana no solo son una manifestación de creatividad, sino también un motor económico y social en la región. Por un lado, la industria de la moda genera empleo y contribuye al crecimiento económico de los países hispanos y latinoamericanos. Por otro lado, la moda también se ha convertido en una herramienta de empoderamiento y equidad, a través de iniciativas sociales y emprendimientos que utilizan la moda como medio para generar cambios positivos en la sociedad.

Estas iniciativas incluyen proyectos de capacitación, cooperativas de artesanos y marcas que promueven la inclusión y la justicia social. La creatividad y la innovación en la moda hispana y latinoamericana han permitido que la industria se convierta en un agente de cambio, creando oportunidades y fomentando la igualdad de género, la diversidad cultural y el respeto por los derechos humanos.
La moda hispana y latinoamericana es una fuente inagotable de creatividad y expresión cultural y su legado cultural ha conquistado el mundo. La diversidad de estilos, las influencias y tradiciones enriquecen la industria de la moda, y han permitido que diseñadores hispanos y latinoamericanos destaquen a nivel mundial.

Es importante reconocer y valorar la moda hispana y latinoamericana como parte de nuestro patrimonio cultural y como una fuente de inspiración y creatividad. Al hacerlo, contribuimos a mantener viva nuestra cultura y a generar un impacto positivo en nuestra sociedad. Celebremos su legado y su influencia en el mundo de la moda.

Fuentes: culturasdemoda.com; modaes.com; historiadelarte.uniandes.edu.co; elpais.com; vogue.mx; forbes.es

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La importancia histórica de la moda asiática

La moda asiática tiene una historia rica y diversa que se remonta a miles de años atrás. Desde los exquisitos tejidos de seda de China hasta los intrincados kimonos de Japón, la moda asiática siempre ha sido reconocida por su atención al detalle y su artesanía impecable. Durante siglos, Asia ha sido una fuente de inspiración para diseñadores de todo el mundo, quienes han incorporado elementos de la moda asiática en sus colecciones. Sin embargo, en los últimos años, la moda asiática ha dejado de ser solo una fuente de inspiración y se ha convertido en un fenómeno por derecho propio.

Tendencias de moda en China: elementos tradicionales en diseños modernos

China ha sido durante mucho tiempo un faro de la moda asiática. Con una rica historia y una cultura vibrante, no es de extrañar que la moda china esté en auge. En los últimos años, los diseñadores chinos han sabido combinar elementos tradicionales con diseños modernos, creando así una estética única y contemporánea. La moda china ha abrazado su patrimonio cultural incorporando elementos tradicionales, bordados y colores vibrantes en sus diseños. Estas tendencias han traspasado las fronteras y ahora se pueden ver en pasarelas internacionales y revistas de moda de todo el mundo, con una sociedad joven que sabe disfrutar vistiendo tendencias de moda muy puntera.

La fusión del streetwear y la alta moda coreana

Otra influencia asiática destacada en el mundo de la moda podemos encontrarla en Corea del Sur. La moda coreana se ha ganado una reputación por su fusión única de streetwear y alta moda. Los diseñadores coreanos han logrado capturar la atención de la industria con su enfoque innovador y vanguardista. La moda coreana se caracteriza por su estilo de calle urbana, con prendas cómodas y casuales combinadas con elementos de alta costura. Esta fusión de estilos ha resonado en todo el mundo y ha llevado a que la moda coreana sea reconocida como una fuerza a tener en cuenta. Especialmente con el gran protagonismo K-POP y el impacto visual que ejercen, tan merecidamente.

La vibrante y colorida escena de la moda en Tailandia

Tailandia es otro país asiático que ha dejado su huella en la industria de la moda. Con su rica historia y su vibrante cultura, la moda tailandesa es conocida por su uso audaz del color y sus estampados llamativos. Los diseñadores tailandeses han sabido combinar elementos tradicionales con diseños contemporáneos, creando así una estética única y reconocible. La moda tailandesa ha ganado popularidad en todo el mundo, y sus diseños se pueden ver en pasarelas internacionales y revistas de moda de renombre.

Los estilos de moda únicos de Filipinas

Filipinas también ha dejado una marca en la industria de la moda con sus estilos únicos y diversos. Desde los tejidos tradicionales de Mindanao hasta los modernos ternos de barong, la moda filipina es una mezcla de tradición y modernidad. Los diseñadores filipinos han sabido capturar la esencia de la cultura filipina en sus diseños, utilizando materiales locales y técnicas artesanales. La moda filipina ha sido elogiada por su originalidad y su enfoque en la sostenibilidad, y ha ganado reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional.

Diseñadores de moda asiáticos que están marcando tendencia en la industria

La influencia asiática en la moda no se limita solo a los países mencionados anteriormente. En toda Asia, hay una gran cantidad de talentosos diseñadores que están dejando su huella en la industria. Desde los renombrados diseñadores chinos como Guo Pei hasta la aclamada diseñadora tailandesa Disaya Sorakraikitikul, los diseñadores asiáticos están llevando la moda a nuevos horizontes. Estos diseñadores han logrado combinar la rica historia y la cultura de Asia con una estética moderna y contemporánea, creando así colecciones únicas y atemporales.

La moda inspirada en Asia en las pasarelas internacionales y revistas de moda

La influencia asiática en la moda también se puede ver en las pasarelas internacionales y revistas de moda más importantes del mundo. Diseñadores de todo el mundo han incorporado elementos y estilos asiáticos en sus colecciones, creando así una fusión de culturas y estilos.

La influencia asiática en el mundo de la moda es innegable. Desde China hasta Filipinas, Asia ha dejado una huella duradera en la industria de la moda. La moda asiática se caracteriza por su rica historia, sus tradiciones únicas y su enfoque innovador. Los diseñadores asiáticos están marcando tendencia en la industria y llevando la moda a nuevos horizontes. Es importante reconocer y apreciar la belleza y la creatividad de la influencia asiática en la moda, y seguir abrazando la diversidad y la representación en esta industria tan vibrante.

Fuentes: prestigeonline.com: guopei.com; joseluisledesma.com; disaya.com; nymag.com; traveler.es; cosmopolitan.com; vogue.es; fashionunited.es

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During festivities such as Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu holidays, fashion takes on a special meaning as it becomes a way of connecting different cultures and celebrating diversity.

The influence of the Christmas season

Christmas is a holiday widely celebrated around the world and has a significant impact on the fashion industry. During this time of year, traditional colours such as red, green and gold dominate the catwalks and fashion boutiques. Reindeer, snowflake and Christmas tree prints also become popular. In addition, Christmas jumpers with festive designs have become a much-loved trend during this festive season.

Chinese New Year

Chinese New Year is another celebration that has a great influence on fashion. This holiday, which is celebrated in January or February, is full of traditions and symbolism that are reflected in Chinese fashion. The colours red and gold are especially significant during Chinese New Year, as they represent good luck and prosperity.

In the retail industry, Chinese New Year has become an opportunity for brands to launch special collections inspired by Chinese culture. Prints of dragons, cherry blossoms and other Chinese symbols can be seen on clothing and accessories during this season. In addition, fashion shows held in China during the New Year are a showcase for local designers and a way to celebrate China’s rich culture.

Each year, the Chinese calendar features a different animal, and this becomes a popular motif for fashion designers. For example, when the Chinese year is the year of the mouse, mouse prints and mouse-related details become popular in clothing and accessories. In addition, the colour red, which is considered lucky in Chinese culture, is widely used in fashion collections during this season.

The influence of Ramadan

Ramadan is a holy month for Muslims, during which they fast daily from dawn to dusk. During this period, fashion also plays an important role. Many fashion brands launch special collections for Ramadan, which include more modest clothing suitable for this religious holiday.

Clothes during this holiday are characterized by the use of soft colours and light fabrics that allow people to stay cool and comfortable during the fast. Designs are often elegant and sophisticated, with details such as lace, embroidery and floral prints. In addition, Ramadan fashion is also inspired by the cultural traditions of different Muslim countries, making each collection unique and representative of the diversity within this community.

Hindu festivals and their influence

Hindu festivals, such as Diwali and Holi, also have a significant impact on fashion. During Diwali, the festival of lights, bright colours such as red, orange and gold are especially popular. Many people choose to dress in saris or traditional Indian costumes, which are decorated with elaborate embroidery and intricate detailing.

During Holi, the festival of colours, fashion is filled with bright and colourful garments. Designers take inspiration from these festivals to create unique and vibrant garments that reflect the joy and energy of the festivities.

Coexistence and collaboration

In an increasingly globalized world, fashion has become a platform for coexistence and collaboration between different cultures. The retail industry has opened its doors to designers from all over the world, allowing ideas and cultural traditions to mix and enrich each other.

During the holiday season, many brands organize special events and collaborations with local designers and artists to celebrate cultural diversity. These events not only present holiday-inspired collections, but also provide an opportunity for emerging designers to showcase their work.

Collaboration between designers from different countries and cultures has resulted in unique collections that celebrate diversity and foster cultural understanding. These collaborations allow designers to share their vision of fashion and create garments that fuse different styles and traditions.

Cultural appropriation versus cultural appreciation

As fashion becomes more diverse and multicultural, it is important to address the issue of cultural appropriation versus cultural appreciation. While cultural appreciation involves recognizing and valuing the traditions of other cultural groups, cultural appropriation involves borrowing cultural elements without due respect and understanding.

It is essential that the retail industry promotes cultural appreciation rather than appropriation. This means giving credit to sources of inspiration, collaborating with designers from different cultures, and respecting cultural traditions and symbols. It is essential that designers and fashion brands are aware of this and ensure that their holiday inspiration is done in a respectful and sensitive manner.

A bridge for cultural understanding

Fashion has the power to bring people together and promote cultural understanding. Through it, we can learn about different cultures, traditions and ways of life. By wearing clothes inspired by other cultures, we can show respect and appreciation for global diversity. It can also be a way to start conversations and promote education about different cultures and cultural understanding.

Designers, brands and consumers can use fashion as a platform to share stories and experiences, thus fostering mutual understanding and respect.

In conclusion, fashion is a language of celebration that reflects people’s cultural identity and the festivities that mark their lives. Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu festivities are just a few examples of how celebrations influence fashion.

However, it is important to do so in a respectful and sensitive manner, avoiding cultural appropriation and encouraging cultural appreciation. By embracing diversity and inclusion, fashion brands can play a significant role in building bridges between different cultures and promoting global harmony.

Sources: culturasdemoda.com; modaes.com; vogue.es; cincodias.elpais.com, joseluisledesma.com

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Durante las festividades como la Navidad, el Año Nuevo chino, el Ramadán y las festividades hindúes, la moda adquiere un significado especial, ya que se convierte en una forma de conectar diferentes culturas y celebrar la diversidad.

La influencia de la Navidad

La Navidad es una festividad ampliamente celebrada en todo el mundo y tiene un impacto significativo en la industria de la moda. Durante esta época del año, los colores tradicionales como el rojo, el verde y el dorado dominan las pasarelas y las tiendas de moda. Los estampados de renos, copos de nieve y árboles de Navidad también se vuelven populares. Además, los suéteres navideños con diseños festivos se han convertido en una tendencia muy querida durante estas fiestas.

El Año Nuevo chino en la industria del fashion

El Año Nuevo Chino es otra celebración que tiene una gran influencia en la moda. Esta festividad, que se celebra en enero o febrero, está llena de tradiciones y simbolismos que se reflejan en la moda china. Los colores rojo y dorado son especialmente significativos durante el Año Nuevo Chino, ya que representan la buena suerte y la prosperidad.

En la industria de la moda, el Año Nuevo Chino se ha convertido en una oportunidad para que las marcas lancen colecciones especiales inspiradas en la cultura china. Los estampados de dragones, flores de cerezo y otros símbolos chinos se pueden ver en prendas de vestir y accesorios durante esta temporada. Además, los desfiles de moda que se llevan a cabo en China durante el Año Nuevo son un escaparate para los diseñadores locales y una forma de celebrar la rica cultura china.

Cada año, el calendario chino presenta un animal diferente y este se convierte en un motivo popular para los diseñadores de moda. Por ejemplo, cuando el año chino es el año del ratón, los estampados de ratón y los detalles relacionados con los ratones se vuelven populares en la ropa y los accesorios. Además, el color rojo, que se considera afortunado en la cultura china, es ampliamente utilizado en las colecciones de moda durante esta temporada.

La conexión entre la moda y el Ramadán

El Ramadán es un mes sagrado para los musulmanes, en el que se lleva a cabo el ayuno diario desde el amanecer hasta el anochecer. Durante este período, la moda también juega un papel importante. Muchas marcas de moda lanzan colecciones especiales para el Ramadán, que incluyen prendas más modestas y adecuadas para esta festividad religiosa.

Las prendas durante esta festividad se caracterizan por el uso de colores suaves y tejidos ligeros que permiten a las personas mantenerse frescas y cómodas durante el ayuno. Los diseños suelen ser elegantes y sofisticados, con detalles como encajes, bordados y estampados florales. Además, la moda del Ramadán también se inspira en las tradiciones culturales de diferentes países musulmanes, lo que hace que cada colección sea única y representativa de la diversidad dentro de la comunidad musulmana.

Festividades hindúes y su influencia

Las festividades hindúes, como Diwali y Holi, también tienen un impacto significativo en la moda. Durante Diwali, la festividad de las luces, los colores brillantes como el rojo, el naranja y el dorado son especialmente populares. Muchas personas eligen vestirse con saris o trajes tradicionales indios, que están decorados con bordados elaborados y detalles intrincados.

Durante Holi, el festival de los colores, la moda se llena de prendas brillantes y coloridas. Los diseñadores se inspiran en estos festivales para crear prendas únicas y vibrantes que reflejan la alegría y la energía de las festividades.

Convivencia y colaboración en la moda

En un mundo cada vez más globalizado, la moda se ha convertido en una plataforma para la convivencia y la colaboración entre diferentes culturas. La industria de la moda ha abierto sus puertas a diseñadores de todo el mundo, permitiendo que ideas y tradiciones culturales se mezclen y se enriquezcan mutuamente.

Durante la temporada de festividades, muchas marcas de moda organizan eventos especiales y colaboraciones con diseñadores y artistas locales para celebrar la diversidad cultural. Estos eventos no solo presentan colecciones inspiradas en las festividades, sino que también ofrecen una oportunidad para que los diseñadores emergentes muestren su trabajo. 

La colaboración entre diseñadores de diferentes países y culturas ha dado lugar a colecciones únicas que celebran la diversidad y fomentan la comprensión cultural. Estas colaboraciones permiten a los diseñadores compartir su visión de la moda y crear prendas que fusionan diferentes estilos y tradiciones.

Apropiación cultural versus aprecio cultural

A medida que la moda se vuelve más diversa y multicultural, es importante abordar el tema de la apropiación cultural versus el aprecio cultural. Mientras que el aprecio cultural implica reconocer y valorar las tradiciones de otros grupos culturales, la apropiación cultural implica tomar prestados elementos culturales sin el debido respeto y comprensión.

Es fundamental que la industria de la moda promueva el aprecio cultural en lugar de la apropiación. Esto implica dar crédito a las fuentes de inspiración, colaborar con diseñadores de diferentes culturas y respetar las tradiciones y símbolos culturales. Es esencial que los diseñadores y las marcas de moda sean conscientes de esto y se aseguren de que su inspiración en las festividades se haga de manera respetuosa y sensible.

Un puente para la comprensión cultural

La moda tiene el poder de unir a las personas y promover la comprensión cultural. A través de ella, podemos aprender sobre diferentes culturas, tradiciones y formas de vida. Al vestir prendas inspiradas en otras culturas, podemos mostrar respeto y aprecio por la diversidad global. Además, puede ser una forma de iniciar conversaciones y promover la educación sobre diferentes culturas y la comprensión cultural.

Los diseñadores, las marcas y los consumidores pueden utilizar la moda como una plataforma para compartir historias y experiencias, fomentando así la comprensión y el respeto mutuo.

En conclusión, la moda es un lenguaje de celebración que refleja la identidad cultural de las personas y las festividades que marcan sus vidas. La Navidad, el Año Nuevo Chino, el Ramadán y las festividades hindúes son solo algunos ejemplos de cómo las celebraciones influyen en la moda.

Sin embargo, es importante hacerlo de manera respetuosa y sensible, evitando la apropiación cultural y fomentando la apreciación cultural. Al abrazar la diversidad y la inclusión, las marcas de moda pueden desempeñar un papel significativo en la construcción de puentes entre diferentes culturas y en la promoción de la armonía global.

Fuentes: culturasdemoda.com; modaes.com; vogue.es; cincodias.elpais.com, joseluisledesma.com

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Corporate sustainability

Corporate sustainability is an approach that seeks to preserve the environment, improve people’s quality of life, and at the same time optimize the profitability of a business. It involves implementing strategies and practices that minimize negative impacts on the environment and society, while promoting balanced and sustainable economic growth.

Business sustainability can be defined as the ability of a company to manage its operations in a responsible and ethical manner, taking into account social welfare, the environment and long-term economic profitability. This means that companies must be aware of the effects of their actions on the environment and society, and take measures to minimise them.

Why is it important?

Corporate sustainability is crucial in the world today for a series of reasons as:

1. Environmental and social awareness is on the increase, leading consumers to demand more environmentally and socially responsible products and services.
2. Companies that adopt sustainable practices can improve their image and reputation, which in turn can increase customer loyalty and profitability.
3. Implementing sustainability strategies can help companies to meet evolving regulations and legal standards, thereby reducing operational and legal risks.
4. Business sustainability can also result in greater efficiency and cost reduction through the conscious use of resources and innovation in processes and technologies.

Characteristics of corporate sustainability

Businesses should base their actions on universal principles in areas such as human rights, labour, anti-corruption and the environment. This means aligning their operational processes and internal policies with international standards and responsibilities in these areas, and adopting an ethical and responsible approach in all their decisions and actions. Below, we look at some key concepts of corporate sustainability and their practical contributions:

Social support

A sustainable business must be concerned not only with its own structure and operations, but also with the social issues surrounding it, such as the level of poverty, conflict, resource scarcity and the education of the workforce. Corporate sustainability is also measured through indicators that assess how much a company contributes to community development, such as the social empowerment index.

Embedding sustainability in the corporate DNA

Corporate sustainability should be an integral part of a company’s internal culture and processes, and not simply a series of isolated or reactive actions. This implies that sustainable practices are integrated into senior management decision-making, and that a positive and committed stance on sustainability is promoted among employees.

Publication of annual sustainability reports

Sustainable companies should publish annual reports describing their sustainability strategies and results achieved. These reports are an effective way of demonstrating a company’s commitment and responsibility to society and the environment, and can serve as an incentive for other companies to adopt similar practices.

Integration with local communities

Sustainable organizations should establish positive links with local communities, strengthening civil society and promoting civic and democratic values. This involves contributing to the development and well-being of the community, generating employment, promoting culture and education, and improving the quality of life of the general population.

Steps towards company sustainability

There are undoubtedly a number of essential steps that need to be taken to move towards corporate sustainability:

1. Build and strengthen trust:

Transparency and communication are key to building trust among employees, customers and partners. Companies must be honest and open about their sustainability practices and policies, and show their commitment through concrete actions and measurable results.

2. Focusing on climate and environmental concerns

Companies should prioritize reducing their environmental impact and taking action to combat climate change. This may include adopting renewable energy sources, reducing greenhouse gas emissions, and implementing resource conservation and recycling practices.

3. Integrate innovation into business strategy

Innovation is key to developing sustainable solutions and improving resource efficiency. Companies should explore new technologies and processes that allow them to reduce their environmental footprint and optimize their operations, while adapting to market changes and trends.

Indicators of corporate sustainability

To measure progress in implementing sustainable practices, companies can use key performance indicators (KPIs) in the areas of environmental, social and economic sustainability such as:

• Effective use of natural resources.
• Measuring resource and raw material depletion.
• Minimizing the use of environmentally harmful materials and products.
• Prevention of negative impacts on ecosystems.
• Production and use of environmentally friendly products.
• Percentage of employees who consider that the company acts responsibly.
• Number of full-time employees engaged in social investment projects.
• Funds raised for humanitarian and non-profit organizations.
• Employee salaries, contracts and benefits.
• Customer satisfaction, retention, loyalty.
• Employee satisfaction, competence and commitment.
• Accounting policies.
• Budget evaluation.

Corporate sustainability is not only vital to contribute to the preservation of the environment and the communities in which organizations are inserted, but also to the improvement of employees’ professional lives and the relationship with consumers and users. Implementing sustainable practices can make a significant difference to the success and profitability of a company in today’s world.

Ready to start implementing corporate sustainability in your organization?

Sources: eleconomista.es; ibm.com; safetyculture.com; elpais.com

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La sostenibilidad empresarial

La sostenibilidad empresarial es un enfoque que busca preservar el medio ambiente, mejorar la calidad de vida de las personas y al mismo tiempo optimizar la rentabilidad de un negocio. Esto implica la implementación de estrategias y prácticas que minimicen los impactos negativos en el entorno y la sociedad, al tiempo que se promueve un crecimiento económico equilibrado y sostenible.

La sostenibilidad empresarial se puede definir como la capacidad de una empresa para gestionar sus operaciones de manera responsable y ética, teniendo en cuenta el bienestar social, el medio ambiente y la rentabilidad económica a largo plazo. Esto significa que las empresas deben ser conscientes de los efectos de sus acciones en el entorno y la sociedad, y adoptar medidas para reducirlos al mínimo.

¿Por qué es importante?

La sostenibilidad empresarial es crucial en el mundo actual por varias razones:

1. La conciencia ambiental y social está en aumento, lo que lleva a los consumidores a exigir productos y servicios más responsables y respetuosos con el entorno y la sociedad.
2. Las empresas que adoptan prácticas sostenibles pueden mejorar su imagen y reputación, lo que a su vez puede aumentar la lealtad del cliente y la rentabilidad.
3. La implementación de estrategias de sostenibilidad puede ayudar a las empresas a cumplir con las regulaciones y normas legales en evolución, reduciendo así los riesgos operativos y legales.
4. La sostenibilidad empresarial también puede resultar en una mayor eficiencia y reducción de costos, gracias al uso consciente de los recursos y la innovación en procesos y tecnologías.

Características de la sostenibilidad empresarial

Las empresas deben basar su actuación en principios universales en áreas como derechos humanos, trabajo, lucha contra la corrupción y medio ambiente. Esto implica alinear sus procesos operativos y políticas internas con las normas y responsabilidades internacionales en estas áreas, y adoptar un enfoque ético y responsable en todas sus decisiones y acciones.  A continuación veremos algunos conceptos claves de la sostenibilidad empresarial y sus contribuciones prácticas:

Apoyo social

Una empresa sostenible debe preocuparse no solo por su propia estructura y operaciones, sino también por los aspectos sociales que la rodean, como el nivel de pobreza, los conflictos, la escasez de recursos y la educación de la fuerza laboral. La sostenibilidad empresarial se mide también a través de indicadores que evalúan cuánto contribuye una empresa al desarrollo de la comunidad, como el índice de fortalecimiento de la sociedad.

Inclusión de la sostenibilidad en el ADN corporativo

La sostenibilidad empresarial debe formar parte integral de la cultura y los procesos internos de una empresa, y no ser simplemente una serie de acciones aisladas o reactivas. Esto implica que las prácticas sostenibles se integren en la toma de decisiones de la alta dirección, y que se promueva una postura positiva y comprometida con la sostenibilidad entre los empleados.

Publicación de informes anuales sobre sostenibilidad

Las empresas sostenibles deben publicar informes anuales que describan sus estrategias de sostenibilidad y los resultados obtenidos. Estos informes son una forma eficaz de demostrar el compromiso y la responsabilidad de una empresa con la sociedad y el medio ambiente, y pueden servir como incentivo para que otras empresas adopten prácticas similares.

Integración con las comunidades locales

Las organizaciones sostenibles deben establecer vínculos positivos con las comunidades locales, fortaleciendo la sociedad civil y promoviendo valores cívicos y democráticos. Esto implica contribuir al desarrollo y bienestar de la comunidad, generando empleo, promoviendo la cultura y la educación, y mejorando la calidad de vida de la población en general.

Pasos hacia la sostenibilidad empresarial

Sin duda, para ir hacia la sostenibilidad empresarial hay que tener en cuenta de algunos pasos esenciales:

1. Construir y fortalecer la confianza

La transparencia y la comunicación son fundamentales para generar confianza entre los empleados, clientes y socios. Las empresas deben ser honestas y abiertas acerca de sus prácticas y políticas de sostenibilidad, y mostrar su compromiso a través de acciones concretas y resultados medibles.

2. Enfocarse en las preocupaciones climáticas y ambientales

Las empresas deben priorizar la reducción de su impacto ambiental y tomar medidas para combatir el cambio climático. Esto puede incluir la adopción de fuentes de energía renovable, la reducción de emisiones de gases de efecto invernadero, y la implementación de prácticas de conservación de recursos y reciclaje.

3. Integrar la innovación en la estrategia empresarial

La innovación es clave para desarrollar soluciones sostenibles y mejorar la eficiencia en el uso de recursos. Las empresas deben explorar nuevas tecnologías y procesos que les permitan reducir su huella ambiental y optimizar sus operaciones, al tiempo que se adaptan a los cambios y tendencias del mercado.

Indicadores de sostenibilidad empresarial

Para medir el progreso en la implementación de prácticas sostenibles, las empresas pueden utilizar indicadores clave de desempeño (KPI) en las áreas de sostenibilidad ambiental, social y económica como:

• Utilización efectiva de los recursos naturales.
• Medición del agotamiento de los recursos y materias primas.
• Minimizar el uso de materiales y productos nocivos para el medio ambiente.
• Prevención de impactos negativos en los ecosistemas.
• Producción y uso de productos inocuos para el medio ambiente.
• Porcentaje de empleados que consideran que la empresa actúa de forma responsable.
• Número de empleados a tiempo completo dedicados a proyectos de inversión social.
• Fondos recaudados para organizaciones humanitarias y sin fines de lucro.
• Salarios, contratos y beneficios para empleados.
• Satisfacción, retención, fidelización del cliente.
• Satisfacción, competencia y compromiso de los empleados.
• Políticas de contabilidad.
• Evaluación de presupuesto.

La sostenibilidad empresarial no solo es vital para contribuir a la preservación del medio ambiente y las comunidades donde se insertan las organizaciones, sino también para el mejoramiento de la vida profesional de los empleados y la relación con consumidores y usuarios. Implementar prácticas sostenibles puede marcar una diferencia significativa en el éxito y la rentabilidad de una empresa en el mundo actual.

¿Listo para comenzar a implementar la sostenibilidad empresarial en tu organización?

Fuentes: eleconomista.es; ibm.com; safetyculture.com; elpais.com

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Although Fornasetti is known for his work in interior design and the creation of decorative objects, he began his career in painting. After studying at the Brera Academy of Fine Arts in Milan, Fornasetti began working as an illustrator for magazines and newspapers. It was during this time that he began to develop his unique style, characterized by a combination of surrealist and classical elements.

Fornasetti also began working in interior design during this time, creating furniture and decorative objects for friends and clients. It was his work in interior design that eventually led him to create his iconic porcelain plate design, which became one of his most famous creations.

He was a painter, sculptor, illustrator, printmaker, designer, ceramist, craftsman, interior decorator, art book publisher and even collector. The fact that he ventured into so many artistic fields made him a born and amusing creator of art. He not only focused on making commissioned decorative pieces, but also enjoyed experimenting with new techniques and materials.

His work has marked a milestone in the history of design, becoming an icon, repeated by furniture designers and fashion houses in their collections under the Fornasetti licence.

Today, his son Barnaba Fornasetti continues to design in his name, creating each piece entirely by hand. Each piece is unique and unrepeatable. To recognize the originals, it is only necessary to look for the serial number and year of production.

Fornasetti’s unique style and inspirations

Fornasetti’s design style is unique and easily recognizable. It is characterized by a combination of classical and surrealistic elements, as well as the use of repetitive patterns and graphic designs. Fornasetti’s designs often feature motifs such as the sun, moon and stars, as well as human and animal figures. He was also inspired by classical architecture and Greek and Roman mythology. Some of his most famous collaborators include the architect Gio Ponti and the surrealist artist Salvador Dalí. Of particular note is his most recent collaboration (2021) with the luxury brand Louis Vuitton.

A collaboration initiated by Nicolas Ghesquière, artistic director of Louis Vuitton’s women’s collections, in which the Maison explores the creative world of the Italian atelier. The collection showcases Fornasetti’s iconic handmade drawings that have captivated art and design lovers since the atelier’s founding in 1940.

These designs were selected by Nicolas Ghesquière in conjunction with Barnaba Fornasetti, Piero’s son and artistic director of the Fornasetti atelier.

Lasting appeal

Fornasetti’s work remains very popular today. This is largely due to his ability to create timeless designs and decorative objects that are both functional and aesthetically appealing. In addition, his use of repetitive patterns and graphic designs means that his creations are easily recognizable and can be used in a variety of design contexts.

His strong point has always been imagination: “It’s fundamental. I try to free my inspiration from the everyday. I don’t paint from reality, but from my memories. I don’t copy.

His work in interior design is one of his most enduring legacies. His designs for wallpaper, decorative objects and furniture can be found in homes and commercial spaces around the world.

Some of his most iconic designs are undoubtedly his porcelain plates, which feature a variety of motifs and graphic designs. One of his most famous designs features the face of Italian actress and singer Lina Cavalieri.

Fornasetti was leafing through a magazine when he suddenly discovered Lina’s face. He was so fascinated that he described her as “[…] the true archetype: the quintessence of an image of classical beauty, like a Greek statue, enigmatic like the Mona Lisa”.

A face with enigmatic features defined by Gabriele D’Annunzio, the most emblematic exponent of Italian decadentism, as “the highest testimony of Venus on Earth”, a timeless physiognomy destined to become an icon.

Fornasetti, without even knowing her, turned Lina Cavalieri into an eternal female icon, transforming and reworking her face, which appears masked, torn, tattooed, reflected in a mirror, cut, inserted into geometric figures, smiling, crying, mischievous, furious in the artist’s works. Perhaps Fornasetti’s Lina can be considered, to all intents and purposes, a twentieth-century Mona Lisa, a precursor of Warhol’s Marilyn.

Fornasetti’s influence on contemporary design

The design is still evident today. His unique style and his ability to create timeless and functional designs have inspired many contemporary designers. In addition, his focus on combining classical and surreal elements has influenced interior design and decorative objects.

A Fornasetti drawing has the power to change the vibe of a place, not because it is beautiful, but because it takes you to a different dimension, that of dreams. Philippe Starck

Throughout his career, Piero Fornasetti left a lasting impact on the world of design. His unique style and his ability to create timeless and functional designs have inspired many contemporary designers.

Sources: revistaad.es; es.louisvuitton.com; nuvomagazine.com; elledecor.com; fornasetti.com; 

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Aunque Fornasetti es conocido por su trabajo en el diseño de interiores y la creación de objetos decorativos, comenzó su carrera en la pintura. Después de estudiar en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, Fornasetti comenzó a trabajar como ilustrador para revistas y periódicos. Fue durante este tiempo que comenzó a desarrollar su estilo único, que se caracteriza por la combinación de elementos surrealistas y clásicos.

Fornasetti también comenzó a trabajar en el diseño de interiores durante este tiempo, creando muebles y objetos decorativos para amigos y clientes. Fue su trabajo en el diseño de interiores lo que finalmente lo llevó a crear su icónico diseño de plato de porcelana, que se convirtió en una de sus creaciones más famosas.

Fue pintor, escultor, ilustrador, grabador, diseñador, ceramista, artesano, decorador de interiores, editor de libros de arte e incluso, coleccionista. El hecho de que se atreviera con tantos campos artísticos, lo convertía en un creador de arte nato y divertido. No solo se centraba en realizar piezas decorativas por encargo, sino que también, disfrutaba experimentando con nuevas técnicas y materiales.

Su obra ha marcado un hito en la historia del diseño, convirtiéndose en un icono, repetido por diseñadores de mobiliario y firmas de moda en sus colecciones bajo la licencia de Fornasetti.

Actualmente, su hijo, Barnaba Fornasetti sigue diseñando en su nombre y creando cada pieza de forma totalmente artesanal. Cada pieza es única e irrepetible. Para reconocer las originales, tan solo es necesario buscar el número de serie y año de producción.

El estilo único de Fornasetti y sus inspiraciones

El estilo de diseño de Fornasetti es único y fácilmente reconocible. Se caracteriza por la combinación de elementos clásicos y surrealistas, así como por el uso de patrones repetitivos y diseños gráficos. Los diseños de Fornasetti a menudo presentan motivos como el sol, la luna y las estrellas, así como figuras humanas y animales. También se inspiró en la arquitectura clásica y en la mitología griega y romana. Algunos de sus colaboradores más famosos incluyen al arquitecto Gio Ponti y al artista surrealista Salvador Dalí. Cabe destacar su colaboración más reciente (2021) con la marca de lujo Louis Vuitton.

Una colaboración iniciada por Nicolas Ghesquière, director artístico de las colecciones femeninas de Louis Vuitton, en la que la Maison explora el mundo creativo del atelier italiano. La colección muestra los icónicos dibujos hechos a mano de Fornasetti que han cautivado a los amantes del arte y el diseño; desde la fundación del atelier en 1940.

Estos diseños fueron seleccionados por Nicolas Ghesquière en conjunto con Barnaba Fornasetti, hijo de Piero y director artístico del atelier de Fornasetti.

El atractivo duradero

El trabajo de Fornasetti sigue siendo muy popular hoy en día. Esto se debe en gran parte a su capacidad para crear diseños atemporales y objetos decorativos que son tanto funcionales como estéticamente atractivos. Además, su uso de patrones repetitivos y diseños gráficos significa que sus creaciones son fácilmente reconocibles y pueden ser utilizadas en una variedad de contextos de diseño.

Su punto fuerte siempre fue la imaginación: “Es fundamental. Yo procuro liberar mi inspiración de lo cotidiano. No pinto a partir de la realidad, sino de mis recuerdos. No copio”.

Su trabajo en el diseño de interiores es uno de sus legados más duraderos. Sus diseños de papel tapiz, objetos decorativos y muebles se pueden encontrar en hogares y espacios comerciales en todo el mundo. 

Algunos de sus diseños más icónicos, son, sin duda, sus platos de porcelana, que presentan una variedad de motivos y diseños gráficos. Uno de sus diseños más famosos presenta el rostro de la actriz y cantante italiana Lina Cavalieri. 

Fornasetti estaba hojeando una revista cuando, de repente, descubrió el rostro de Lina. Se quedó tan fascinado que la describió como «[…] el verdadero arquetipo: la quintaesencia de una imagen de belleza clásica, como una estatua griega, enigmática como la Mona Lisa».

Un rostro de rasgos enigmáticos definido por Gabriele D’Annunzio, el exponente más emblemático del decadentismo italiano, como «el más alto testimonio de Venus en la Tierra», una fisionomía atemporal destinada a convertirse en un icono.

Fornasetti, sin siquiera conocerla, convirtió a Lina Cavalieri en un icono femenino eterno, transformando y reelaborando su rostro, que aparece enmascarado, desgarrado, tatuado, reflejado en un espejo, cortado, insertado en figuras geométricas, sonriendo, llorando, travieso, furioso en las obras del artista. Quizás la Lina de Fornasetti pueda considerarse, a todos los efectos, una Mona Lisa del siglo XX, precursora de la Marilyn de Warhol.

La influencia de Fornasetti en el diseño contemporáneo

Aunque la carrera de Fornasetti abarcó varias décadas, su influencia en el mundo del diseño sigue siendo evidente hoy en día. Su estilo único y su capacidad para crear diseños atemporales y funcionales han inspirado a muchos diseñadores contemporáneos. Además, su enfoque en la combinación de elementos clásicos y surrealistas ha influido en el diseño de interiores y objetos decorativos.

Un dibujo de Fornasetti tiene el poder de cambiar la vibración de un lugar, no porque sea bonito, sino porque te lleva a una dimensión diferente, la de los sueños.  Philippe Starck

A lo largo de su carrera, Piero Fornasetti dejó un impacto duradero en el mundo del diseño. Su estilo único y su capacidad para crear diseños atemporales y funcionales han inspirado a muchos diseñadores contemporáneos.

Fuentes: revistaad.es; es.louisvuitton.com; nuvomagazine.com; elledecor.com; fornasetti.com; 

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Kusama gained recognition for her work in the 1950s and 1960s, when she was part of the avant-garde art scene in New York. She has continued to create works throughout her career, and her works have been exhibited in many major museums and galleries around the world, making her one of the most influential and iconic Japanese artists of the 21st century.

The collaboration between Yayoi Kusama and Louis Vuitton

In 2012, Yayoi Kusama and Louis Vuitton began their journey together. The collaboration was a great success, and resulted in the launch of a special collection featuring Kusama’s art. The collection included clothing, accessories and home décor items, all decorated with her iconic polka dots. The collaboration received much attention and praise, and has become one of the most successful collaborations between an artist and a fashion house.

The success of the collaboration between Kusama and Louis Vuitton has helped bring the artist’s works to a wider audience, and her works have become an integral part of the house’s collections and campaigns.

Today, 10 years after their first collaboration, the worlds of fashion and art merge once again in the brand’s Cruise 2023 collection, with the infinite and timeless vision that is so characteristic of the artist.

The Collection

The launch of the new collection is celebrated with a campaign starring international models such as Gisele Bundchen, Bella Hadid, Karlie Kloss, Natalia Vodianova, Malick Bodian, Anok Yai, Fei Fei and many more, who were part of the new designs inspired by the art of “The Polka Dot Princess”.

With a pop style, each of the pieces in this collection features a design pattern with dots of different colors and sizes.

To create them, an innovative silkscreen printing technique was used that reproduces the artist’s brushstrokes, giving a realistic effect, as if they were hand-painted. The main pieces of the collection are a variety of Louis Vuitton bags with Yayoi Kusama’s signature twist, as if they were canvases with splashes of monochromatic paint. The future of the collaboration certainly looks promising.

The impact of Yayoi Kusama’s art on fashion trends

Kusama’s art has also inspired several fashion designers. Her signature polka dots have become an integral part of many designers’ collections.

In addition to influencing fashion trends, Kusama’s art has also had a major influence on the world of visual merchandising. Her works have been used to create captivating, eye-catching displays and immersive experiences.

The collaboration with the French firm has helped to create a bridge between art and fashion, and has helped to remind us of the importance of art in this world, helping to inspire a new generation of artists.

Sources: louisvuitton.com ; vogue.es ; moda.es; highsnobiety.com ; neo2.com ; Instagram.com

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Kusama obtuvo reconocimiento por su obra en las décadas de 1950 y 1960, cuando formaba parte de la escena artística de vanguardia de Nueva York. Ha seguido creando obras a lo largo de su carrera, y sus trabajos se han expuesto en muchos museos y galerías importantes de todo el mundo convirtiéndola en una de las artistas japonesas más influyentes e icónicas del siglo XXI.

La colaboración entre Yayoi Kusama y Louis Vuitton

En 2012, Yayoi Kusama y Louis Vuitton iniciaron su viaje juntos. La colaboración fue un gran éxito, y se tradujo en el lanzamiento de una colección especial con el arte de Kusama. La colección incluía ropa, accesorios y artículos de decoración para el hogar, todos ellos decorados con sus icónicos lunares. La colaboración recibió mucha atención y elogios, y se ha convertido en una de las más exitosas entre un artista y una casa de moda.

El éxito de la colaboración entre Kusama y Louis Vuitton ha contribuido a acercar las obras de la artista a un público más amplio y sus obras se han convertido en parte integrante de las colecciones y campañas de la casa.

Hoy, después 10 años desde su primera colaboración, los mundos de la moda y el arte se vuelven a fusionar en la colección Cruise 2023 de la firma, con la visión infinita y eterna que tanto caracteriza a la artista.

La colección 

El lanzamiento de la nueva colección se celebra con una campaña protagonizada por modelos internacional, como Gisele Bundchen, Bella Hadid, Karlie Kloss, Natalia Vodianova, Malick Bodian, Anok Yai, Fei Fei y muchas más, quienes formaron parte de los nuevos diseños inspirados en el arte de “La princesa de los lunares”.  

Con un estilo pop, cada una de las piezas de esta colección presenta un patrón de diseño con puntos de diferentes colores y tamaños.

Para crearlas, se utilizó una innovadora técnica de serigrafía que reproduce las pinceladas de la artista, dando un efecto realista, como si estuvieran pintadas a mano. Las piezas principales de la colección son una variedad de bolsos Louis Vuitton con el giro característico de Yayoi Kusama, como si estás fueran lienzos con salpicaduras de pintura monocromáticas. El futuro de la colaboración sin duda parece prometedor.

El impacto del arte de Yayoi Kusama en las tendencias de la moda

El arte de Kusama también ha inspirado a varios diseñadores de moda. Sus característicos lunares se han convertido en parte integrante de las colecciones de muchos diseñadores. 

Además de influir en las tendencias de la moda, el arte de Kusama también ha ejercido una gran influencia en el mundo del visual merchandising. Sus obras se han utilizado para crear expositores cautivadores, llamativos y experiencias inmersivas.

La colaboración con la firma francesa ha ayudado a crear un puente entre el arte y la moda, y ha contribuido a recordar la importancia del arte en este mundo, ayudando a inspirar a una nueva generación de artistas.

Fuentes: louisvuitton.com ; vogue.es ; moda.es; highsnobiety.com ; neo2.com; linkedin.com; Instagram.com

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Despite the increasing degree of digitalisation of retail, the sector has returned in 2022 to bet on physical sales, with stores as meeting points to offer brand experiences to customers and maintain the personal touch. 

In fact, as Adyen reports in its Adyen Retail 2021 Report, it reveals that seven out of ten consumers surveyed prefer to shop in physical stores. 

Consumers are looking for an experience that can only be achieved in the retail space and, in addition, they are concerned about the sustainability of the product they buy and are interested in supporting local commerce and proximity goods.

These are some of the conclusions of the Adyen report that provides a snapshot of consumer preferences according to the autonomous communities of residence.

Five reasons why consumers choose to shop in retail spaces

Despite the facility of shopping online, a study by Axis Communication highlights that 34% of Spanish people prefer to make their purchases in physical stores. Let’s take a look at the main reasons:

1. Direct contact with the products: undoubtedly, this option puts the product in the hands of the customer and that is “a value that most are not willing to give up, at least for now”. 
2. Human relationship with the sales assistant: in its Axis report it indicates “80% of shoppers value having a person who advises, guides them on the products they have in the store and even offers advice”. The importance of direct contact and the experience offered to customers in retail spaces is key to brand loyalty and reputation.
3. Simplicity in exchanges or returns: buying online makes this process slower and often not very sustainable.
4. Shopping: enjoying an afternoon of shopping is both an attractive way to get physical exercise and have a good time outside the home. 
5. More payment security: security is an essential point when it comes shopping, so it is another factor in favor of commercial spaces. Although online transactions are becoming increasingly secure, there is always the fear of what might happen to our data.

After the “boom” of online commerce, what we desire is to go out for a walk, eat, have a coffee and go shopping in physical retail spaces.

Thanks to this trend for the Retail sector, the range of shopping possibilities and competitiveness is opening up. For this reason, having an expert in the Direction of Visual Merchandising and Projects is an essential advantage for this new era.

Sources: businessinsider.es, ecommerce-news.es, distribucionactualidad.com, adyen.com, joseluisledesma.com.

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Pese al cada vez mayor grado de digitalización del retail, el sector ha vuelto en 2022 a apostar por la venta física, con las tiendas como puntos de encuentro para ofrecer experiencias de marca a los clientes y mantener el trato personal. 

De hecho, tal y cómo recoge Adyen en su Informe sobre el Retail 2021, desvela que siete de cada diez consumidores encuestados prefiere realizar sus compras en tiendas físicas. 

El consumidor busca tener una experiencia que solo se consigue en el espacio comercial y, además, se muestra preocupado por la sostenibilidad del producto que compra e interesado en apoyar el comercio local y bienes de proximidad.

Estas son algunas de las conclusiones del informe Adyen sobre Retail 2021, realizado en octubre de 2021 y que proporciona una fotografía de las preferencias de los consumidores en función de las comunidades autónomas de residencia.

Cinco motivos por los que el consumidor elige comprar en los espacios comerciales

No obstante la facilidad de comprar por Internet, un estudio de Axis Communication destaca que el 34% de los españoles prefiere hacer sus compras en tiendas físicas. Vamos a ver los principales motivos:

1. Contacto directo con el producto. Esta opción pone el producto en las manos del cliente y eso es “un valor al que la mayoría no está dispuesta a renunciar, al menos por ahora”. 
2. Relación humana con el dependiente: en su informe Axis señala que “un 80% de los compradores valora contar con una persona que asesora, que orienta sobre los productos con los que cuentan en la tienda e incluso ofrece consejo sobre cuál es mejor y siempre con una sonrisa en la cara”. 
3. Sencillez en cambios o devoluciones. Comprar por internet hace que este proceso sea más lento y muchas veces no muy sostenible.
4. Salir: disfrutar de una tarde de compras es, a la vez, una forma atractiva de hacer ejercicio físico y pasar un buen momento fuera de casa. 
5. Más seguridad de pago: la seguridad es un punto esencial a la hora de realizar compras, por lo que es otro factor a favor de los espacios comerciales. A pesar de que las transacciones online son cada vez más seguras, siempre existe el miedo de qué puede pasar con nuestros datos.

Después del “boom” del comercio online, lo que nos apetece es salir a la calle a pasear, comer, tomar cafe e irnos de compras en los espacios físicos comerciales.

Gracias a esta tendencia para el sector de Retail se abre el abanico de posibilidades de compra y competitividad. Por ello contar con un experto la Dirección Visual Merchandising y Proyectos es una ventaja esencial para esta nueva era.

Fuentes: businessinsider.es, ecommerce-news.es, distribucionactualidad.com, adyen.com, joseluisledesma.com.

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What effect does light have on us?

In short, light has the ability to activate or deactivate certain emotions, and depending on how it is implemented can help us to build different times of permanence in each place inside a store, so it is important to note that if we maintain the same levels of lighting throughout the space, the rhythm of shopping will be monotonous and boring.

But what are illumination levels?

In simple terms, lighting levels can be general or localized.  If we distribute the luminaries correctly, we can create spaces where the general light helps users to move around comfortably, while a localized light helps us to redirect their attention to the spaces or products we want to highlight. 

In addition, today there are a wide variety of devices that allow us to use different colors, tones and temperatures to achieve a variety of effects and to reconfigure the space according to our needs.

What atmosphere do we want to generate in our store?

The most important thing before choosing the lighting is to know what atmosphere we want to generate in our commercial space.

Foremost, we have to be clear about our corporate image, since the lights have to be in accordance with it.

-The lighting of our projects has to be well planned. A commercial strategy supported by a well-executed lighting plan increases the chances of sales.

José Luis.

Lighting is another attribute that describes the personality of a brand. If we want to invite our customers to enter inside our space, we have to make sure that the store is correctly visualized from the outside. Lighting is closely related to two fundamental aspects:

• The product we sell
• What we want to convey to consumers

The lighting serves as a way to attract the customer to our shop window or to highlight an article with respect to the rest. For example, a dark shop window or one with many reflections will make it difficult for the consumer to see the product clearly.
Also, don’t forget that lighting is a great opportunity to create an original design for the decoration of your space.

Cold or warm lighting?

To choose the tones of the lighting of the space we have to know the psychology of colors and these always have to be in accordance with the different elements of the space and with the personality of the brand.

Lighting can be cold or warm, depending on the color temperature. Using one or the other will depend on the areas to be illuminated. 

For example, we will use a warm light in those areas where the customer has to spend more time. And a cold light in areas where we need more clarity, as in the cashier areas. 
We can take advantage of lighting to change the look of the space when there are new trends. In this way, we can dynamize and adapt our store without having to make large-scale reforms.

How to choose the lighting for stores?

It is important to choose the general luminosity of the store, depending on the atmosphere we want to produce, it will be more or less luminous. In the exhibition areas, the luminosity has to be adequate, so that the customer is not dazzled when looking at the product. 

LED lighting systems are undoubtedly the present and the future, mainly because of their efficiency and performance. Nowadays, it is the type of light that allows a low consumption at the same time that a high efficiency. 

When choosing types of lamps, it is necessary to take into account the color rendering offered and the ability to faithfully reproduce the colors of the products. It is a fundamental aspect to respect the attributes of the products, since if the client buys an article in the store and when it arrives at home it is of a different color, he could feel deceived.

Another aspect to take into account when illuminating the space is that light creates shadows and the more lamps we have, the more shadows we generate. 
The more punctual the light source is, the sharper the shadow will be, and the opposite with diffuse light sources. 
Normally, general lighting is diffuse and when we highlight we usually use a point light. Another option is to have backlit displays to eliminate shadows and also highlight the products.

For each space its own lighting 

In every store there are different spaces, from fitting rooms to cashiers to displays.
All these areas must be taken into account when thinking about a lighting design, since each area needs its own light depending on its purpose.

-“…creating spaces is beautiful and sometimes necessary, but it avoids illuminating nothingness”.

José Luis.

• Showcase: it is the first point of contact with the customer. In shop windows the most common is to use spotlights and spotlight rails to highlight the shape and texture of the products on display. Dimmers are used to create different atmospheres.

• Shelves: once in the store, it is of vital importance to direct the customer’s attention to the products on the shelves. Therefore, it is one of the areas of the store where lighting is most relevant and must be of high quality. 

• Fitting rooms: it is a decisive space for the purchase, so the light must be flattering. For this purpose, lights are used on the sides of the mirrors. This type of light helps to reduce shadows caused by overhead spotlights. It is also recommended that it be a warm light, more comfortable. And, if we want to save energy, motion sensors can be applied so that the light only turns on when someone is inside the fitting room.

• Checkouts: dynamic lighting is recommended to make the wait more pleasant. 

In short, in-store lighting has a very strategic functionality and goes beyond simply illuminating the exterior and interior of the store. If you are thinking about a new lighting strategy for your commercial space, do not hesitate to contact a professional in the sector who can advise you.

Sources: lighting.philips.es; caad-design.com; marcelaseggiaro.com; heca-group.com; studioescaparatismo.es; joseluisledesma.com

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La luz, naturalmente, nos atrae y cuando estamos en un ambiente con poca luz, nuestro sistema de alerta tiende a desactivarse, lo cual ayuda a nuestro cuerpo a relajarse.

Por el contrario, en un ambiente con altos niveles de luz nos activamos y ponemos en movimiento. 

¿Qué efecto nos produce la luz?

En pocas palabras la luz tiene la capacidad de activar o desactivar ciertas emociones, y dependiendo de como esté implementada puede ayudarnos a construir distintos tiempos de permanencia en cada lugar al interior de una tienda, por ello es importante tener en cuenta que si mantenemos los mismos niveles de iluminación en todo el espacio, el ritmo de compra será monótono y aburrido.

¿Pero qué son los niveles de iluminación?

En términos sencillos, los niveles de iluminación pueden ser generales o puntuales.  Si distribuimos las luminarias correctamente, podemos crear espacios donde la luz general ayude a los usuarios a desplazarse cómodamente, mientras una luz puntual o localizada nos ayuda a redirigir su atención hacia los espacios o productos que queremos destacar. 

Además, al día de hoy existen una gran variedad de dispositivos que nos permiten usar distintos colores, tonos y temperaturas para lograr una gran variedad de efectos y poder reconfigurar el espacio según nuestras necesidades.

¿Qué ambiente queremos generar en nuestra tienda?

Lo más importante antes de elegir la iluminación es conocer qué ambiente queremos generar en nuestro espacio comercial.

Tenemos que, ante todo, tener clara nuestra imagen corporativa, ya que las luces tienen que ir acorde a ella. La iluminación es otro atributo que describe la personalidad de una marca.

-“La iluminación de nuestros proyectos tiene que estar bien planificada. Una estrategia comercial apoyado con un plan de iluminación bien ejecutado, aumenta las posibilidades de venta.”-

José Luis.

Si queremos invitar nuestros clientes a entrar al interior de nuestro espacio, tenemos que asegurarnos que la tienda se visualice correctamente desde fuera. La iluminación está muy relacionada con dos aspectos fundamentales:

1. El producto que vendemos
2. Lo que queremos transmitir a los consumidores
   

La iluminación nos sirve como reclamo para atraer al cliente a nuestro escaparate o para destacar un artículo respecto al resto. Por ejemplo, un escaparate oscuro o con muchos reflejos dificultará que el consumidor pueda ver con claridad el producto.

Además, no olvides que la iluminación es una gran oportunidad para crear un diseño original para la decoración de tu espacio.

¿Iluminación fría o cálida?

Para elegir los tonos de la iluminación del espacio tenemos que conocer la psicología de los colores y estos siempre han de ir acorde con los diferentes elementos del espacio y con la personalidad de la marca.

La iluminación puede ser fría o cálida, en función de la temperatura de color. Utilizar una u otra dependerá de las zonas a iluminar. 

Por ejemplo, emplearemos una luz cálida en aquellas zonas donde el cliente tenga que pasar más tiempo. Y una luz fría en zonas donde necesitemos más claridad, como en las zonas de caja. 

Podemos aprovechar la iluminación para cambiar de aspecto al espacio cuando haya nuevas tendencias. Así dinamizamos y adaptamos nuestra tienda sin tener que hacer reformas de gran dimensión.

¿Cómo elegir la iluminación para tiendas?

Es importante elegir la luminosidad general de la tienda, según el ambiente que queramos producir será más o menos luminoso. En las zonas de exposición la luminosidad tiene que ser adecuada, para que el cliente no se deslumbre al mirar el producto. 

Los sistemas de iluminación LED son sin duda, el presente, el futuro, principalmente por su eficacia y rendimiento. Hoy en día es el tipo de luz que permite un bajo consumo a la vez que una alta eficiencia. 

A la hora de escoger los tipos de lámparas hay que tener en cuenta la reproducción cromática que ofrece, es decir, la capacidad que tiene de reproducir fielmente los colores de los productos. Es un aspecto fundamental respetar los atributos de los productos, ya que si el cliente compra un artículo en la tienda y cuando llega a casa es de un color diferente podría llegar a sentirse engañado.

Otro aspecto a tener en cuenta en el momento de iluminar el espacio, es que la luz crea sombras y cuantas más lámparas tengamos, más sombras generamos. 

Cuanto más puntual sea la fuente de luz, más nítida será la sombra y al contrario con las fuentes de luz difusas. 

Normalmente, la iluminación general es difusa y cuando resaltamos se suele utilizar una luz puntual. Otra opción es tener expositores retroiluminados para eliminar las sombras y resaltar también los productos.

Para cada espacio su iluminación 

En cada tienda existen diferentes espacios, desde los probadores hasta las cajas o los expositores.

-“…crear espacios es bonito y a veces necesario, pero evita iluminar la nada.“-

José Luis.

Todas estas áreas hay que tenerlas en cuentas a la hora de pensar en un diseño de iluminación, ya que cada zona necesita su propia luz en función del su objetivo.

Escaparate
Es el primer punto de contacto con el cliente. En los escaparates lo más habitual es usar focos y carriles de focos para destacar la forma y textura de los productos expuestos. Para crear diferentes atmósferas se emplean reguladores de intensidad.

Especialmente destacar la comparación de maniquíes vestidos con una iluminación que realce el estilismo y que facilite la rápida atención del cliente. A unos maniquíes, en la misma circunstancia, cuya iluminación no este equilibrada, sea excesiva o en su defecto, una iluminación ausente.

Estanterías
Una vez en tienda, es de vital importancia dirigir la atención del cliente a los productos de las estanterías. Por lo tanto, es una de las zonas de tienda donde la iluminación es más relevante y debe ser de gran calidad. 

Probadores
Es un espacio decisivo para la compra, por lo que la luz debe ser favorecedora. Para ello, se utilizan luces en los laterales de los espejos. Este tipo de luz ayuda a reducir las sombras que provocan los focos superiores. También se recomienda que sea una luz cálida, más cómoda. Y, si queremos ahorrar energía, se pueden aplicar sensores de movimiento para que la luz solo se encienda cuando alguien esté en el interior del probador.

Cajas
Se recomienda una iluminación dinámica para hacer más agradable la espera. 

En definitiva, la iluminación en tienda tiene una funcionalidad muy estratégica y va más allá de simplemente iluminar el exterior y el interior del establecimiento. Si estás pensando en una nueva estrategia de iluminación para tu espacio comercial, no dudes contactar con un profesional del sector para que pueda asesorarte. 

Fuentes: lighting.philips.es; caad-design.com; marcelaseggiaro.com; heca-group.com; studioescaparatismo.es; joseluisledesma.com;

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From art to architecture, cinema to fashion, there are many areas that use geometric shapes as the basis for their creations. 

Particularly in interior design and retail decoration, symmetry and geometry play a key role in creating proportionate and harmonious spaces.

“Seeing the world through geometry is not only essential for composing, but it’s also downright fun”. – Jose Luis.

Geometric elements are a great eye-catcher. That is why it is important to find the right balance with the rest of the decorations.

The connection that exists between the design and distribution of the different elements that compose a space to make it harmonious is indisputable. Geometry means order, and because of this, things as simple as straight lines can be transformed into figures that we can perceive as visual harmonies.

Geometry and decoration

Geometric patterns allow us to play with different visual effects, so that we can give any space a more modern and innovative look. 

Geometric design can be adapted to the decoration of practically any place, and by making the right use of this resource we can modify the proportions and dimensions of a given space. 

Knowing the meaning of these geometric shapes is fundamental when designing our space.

The meaning of the shapes

When we refer to the design of spaces, the geometric shapes that have the most presence are the circle, the square, the triangle and the rectangle.

Thanks to these shapes, it is possible to create infinite possibilities to achieve a sense of harmony at the point of sale.

Symmetry, modularity and repetition can also be implemented to stimulate a variety of sensations and feelings for consumers. In fact, geometric shapes are a fantastic tool for visual merchandising since consumers are familiar with their shapes.

Understanding the meaning of each shape will give us a key perspective when designing our Visual Merchandising strategy and our retail space.

Square

The square is the basis of all geometry, this shape is associated with stability, firmness and trajectory.

This modulation allows a design to be configured in an orderly manner. If you also add colour or textures to the design, you get an endless number of solutions, all equally effective.

When drawing, you feel the straight lines and right angles of the square, and you feel a strong tension. This tension is often used for minimalist design structures.

All geometric shapes or figures that are based on horizontal and vertical lines belong, by their character, to the family of the square.

Triangle

The fundamental character of the triangle comes from the three diagonals that intersect at the angles. Its acute angles offer an aggressive and combative aspect.

The triangle generates direction, dynamism, is unstable and transmits energy.
The triangle family includes all diagonal shapes such as the rhombus, the trapezoid, the zigzag and the shapes derived from it.

The triangle symbolizes the thinking and is recommended for children’s exhibitions that aim to break structures or represent movement.

A figure as simple as a triangle manages to order the space. By combining inverted triangles, we can make rhombuses, which placed randomly on a wall create a visual mural.

Circle

The circle is considered the mother of all shapes and is therefore associated with the idea of movement, perfection and freedom. Its constantly curved perimeter creates a sensation of displacement, making it a good choice for conveying a message of velocity.

A circle is born when a point moves while maintaining a constant distance from another point. In contrast to the rough and tense impression produced by the outline of a square, the circle produces a feeling of relaxation and perpetual movement.

It symbolizes the spirit that moves in its unity and means: warmth, protection and creativity.
To the circle family belong all curved geometric shapes, such as the ellipse, the ovoid, the parabola and its derivative shapes.

There is no direction in this shape, and the feeling of looking at a circle is that of moving continuously, as if it were an infinite reading path.

Rectangle

The rectangle offers different stable options than a square, thanked to its equal sides two by two. It is the most common geometric shape in design. It’s represents honesty, solidity and stability. The combination of rectangles of different sizes is interesting and attractive.

Hexagons

This apparently simple shape can be found in everyday life. In the field of design and retail, this geometric figure makes it possible to create structures that lie between a polygon and a circle thanks to its degree of roundness. It is a powerful and fascinating way to convey balance and conviction.

The basic geometric figures and colours are the primitive forms of expression, and the main elements for transmitting sensations and emotion in the composition of an exhibition.

Do not hesitate to count on a Visual Merchandising professional to help you with your strategy and the design of your retail space.

Sources: teresagalan.es; semrush.com; designshack.net; blog.ida.cl; uxdesign.cc; joseluislededesma.com.

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Desde el arte hasta el mundo de la arquitectura, pasando por el cine y la moda, son muchas las áreas que usan las formas geométricas como base de sus creaciones. 

Sobre todo en el diseño de interiores y en la decoración de espacios de ventas, la simetría y la geometría juegan un papel fundamental para la creación de proporcionados y armoniosos.

Los elementos de geometría son un gran foco de atención para atraer miradas. Por eso es importante encontrar el equilibrio adecuado con el resto de las decoraciones.

Es indiscutible la conexión que existe entre el diseño y distribución de los diferentes elementos que componen un espacio para que este resulte armónico. La geometría implica orden, y gracias a esta cosas tan simples como líneas rectas pueden transformarse en figuras que podemos percibir como armonías visuales.

Geometría y decoración 

Los patrones geométricos nos permiten jugar con diferentes efectos visuales, de manera que podemos darle a cualquier espacio una apariencia más moderna e innovadora. 

El diseño geométrico se adapta prácticamente a la decoración de cualquier lugar y sabiendo utilizar adecuadamente este recurso podemos modificar las proporciones y las dimensiones de un determinado espacio. 

Conocer el significado de estas formas geométricas es fundamental a la hora de diseñar nuestro espacio.

El significado de las formas

Cuando nos referimos al diseño de espacios, las formas geométricas que más presencia tienen son el círculo, el cuadrado, el triángulo y el rectángulo. 

Gracias a estas figuras es posible crear infinitas posibilidades para lograr una sensación de armonía en el punto de venta. 

La simetría, la modularidad y la repetición también se pueden implementar para estimular una variedad de sensaciones y sentimientos para los consumidores. De hecho, las formas geométricas son una fantástica herramienta para el visual merchandising, ya que los consumidores están familiarizados con sus formas.

Comprender el significado de cada forma nos dará una perspectiva clave a la hora de diseñar nuestra estrategia de Visual Merchandising y nuestro espacio comercial.

Cuadrado

El cuadrado es la base toda la geometría, de la razón y la construcción.  Esta forma se asocia a estabilidad, firmeza y a la trayectoria.

Esta modulación permite configurar un diseño de manera ordenada. Si además el diseño suma el color o las texturas, consigue un sinfín de soluciones, todas igual de efectivas.

Cuando, al dibujar, se sienten las líneas rectas y los ángulos rectos del cuadrado, uno siente una fuerte tensión. Esta tensión suele usarse para estructuras de diseño minimalista.

Todas las formas o figuras geométricas que se fundamentan en líneas horizontales y verticales pertenecen, por su carácter, a la familia del cuadrado.

Triángulo

El carácter fundamental del triángulo proviene de las tres diagonales que se cortan en los ángulos. Sus ángulos agudos ofrecen un aspecto agresivo y combativo.

El triángulo genera dirección, dinamismo, es inestable y transmite energía.

A la familia del triángulo pertenecen todas las formas de carácter diagonal, como el rombo, el trapecio, el zigzag y las formas que se derivan.

El triángulo simboliza el pensamiento y resulta recomendado para exhibiciones infantiles o juveniles que buscan romper estructuras o representar movimiento.

Una figura tan sencilla como un triángulo consigue ordenar el espacio. Combinando triángulos invertidos conseguimos hacer rombos, que colocados de forma aleatoria en una pared constituyen un mural visual.

Círculo

El círculo es considerado como la madre de todas las formas, por lo tanto, se asocia a la idea de movimiento, de perfección y de libertad. Su perímetro constantemente curvado crea una sensación de desplazamiento, por lo que es una buena opción para transmitir un mensaje de velocidad.

Un círculo nace cuando un punto se desplaza manteniendo una distancia constante de otro punto. Frente a la impresión ruda y tensa que produce el trazado de un cuadrado, el círculo produce un sentimiento de relajación y de movimiento perpetuo.

Simboliza el espíritu que se mueve en su unidad y significa: calidez, protección y creatividad.

A la familia del círculo pertenecen todas las formas geometrías curvas, como la elipse, el ovoide, la parábola y sus formas derivadas.

No existe la dirección en esta forma y la sensación de mirar un círculo es la de movernos continuamente, como si fuera un camino de lectura infinito.

Rectángulo

El rectángulo ofrece opciones estables diferentes a los de un cuadrado gracias a sus lados iguales dos a dos. Es la forma geométrica más común en diseño y representa honestidad, solidez y estabilidad. La combinación de rectángulos de tamaños diferentes resultas interesante y atractiva.

Hexágono

Esta forma aparentemente simple se puede encontrar en la vida cotidiana. En el ámbito del diseño y del Retail, esta figura geométrica permite crear estructuras que se encuentran entre un polígono y un círculo gracias a su grado de redondez. Es una manera poderosa y fascinante que trasmite equilibrio y convicción.

Las figuras geométricas básicas y los colores son las expresiones primitivas de la expresión, y los principales elementos para transmitir sensaciones y emoción en la composición de una exposición.

No dudes contar con un profesional del Visual Merchandising para que te pueda asesorar en tu estrategia y en el diseño de tu espacio comercial.

Fuentes: teresagalan.es; semrush.com; designshack.net; blog.ida.cl; uxdesign.cc; joseluisledesma.com.

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In Retail, as in many other sectors, consumer habits are changing and especially with the rise of e-commerce have been transforming, so it is very important to always keep innovating and looking for a way to stay connected with our audience.

Each company, depending on its objectives, has to reflect on what values it can bring to the consumer and how to differentiate itself.

Shopping experience

Commercial spaces are configured by factors that stimulate the customer’s senses and are transmitted through materials, textures, lighting, etc.

As architect Juhani Pallasmaa says: “We contemplate, touch, listen and measure the world with our entire physical existence. We are in constant dialogue and interaction with the environment.

What is the customer interaction?

Customer interaction refers to all the ways in which customers interact, both physically and online.

Ideally, these interactions should create a positive reaction and build a customer-brand bond.

Companies that focus on customer engagement will focus on value creation rather than revenue creation. In this way, they provide people with something meaningful, beyond a sales pitch. Such as an experience, customer service or real-time interaction that, when executed correctly, will foster loyalty and sales growth.

Why customer participation is important

Today, there are more and more ways to interact with customers.

To drive consumer interaction, brands must actively work to connect with customers at every opportunity. Whatever engagement strategy is employed, it is important to be consistent in crafting messages that are brand-related and appropriate for the target audience. Deliver a consistent experience, in pursuit of trust and engagement.

Create an excellent customer experience

In order to create a superior experience, you must first look at all the ways in which you interact with your customers, whether in a physical shop or digital medium.

It is not only about making the user experience smooth and efficient, but it is also very important that the brand has a unique personality, which invites customers to get to know it and interact with it.

This is where brand awareness comes into play. For some brands, this might mean, for example, sourcing materials from suppliers that support their values and ethics. For others, it might come from the brand’s historical origins. Whatever it is, it is essential to find ways to highlight that authentic character, because before engaging with a brand, the customer needs to be aware that it exists and that it has something relevant to offer.

Monsieur Rose by Philippe Katerine

Le Bon Marché Rive Gauche and

@Coco_Mode_Stephanemoula

What are the ways to build interaction in our shop?

Here are some practical examples of how to create interaction in a commercial space:

• Immersive art: Using artists, designers, architects or sculptors to create immersive and impactful installations. 

• Gamification: The idea of proposing “games” allowing the audience to win prizes or discounts, for example, is a very dynamic and fun way to create interaction.

• Surprising spaces: Deconstructed spaces, innovative furniture, mirrors on the floor, designer chairs with very original shapes. Curious furniture will be an interesting way to surprise customers.

These are just a few examples of interaction that we can give to our commercial space and with a touch of creativity to give it originality and innovation through interactivity. The goal is: to create an unforgettable brand experience. Don’t hesitate to contact an expert who can advise you on your commercial strategy.

Sources: archdaily.com; outbrain.com; modaes.es; caad-design.com; digitalavmagazine.com; youtube.com; joseluisledesma.com

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En el Retail, como en muchos otros sectores, los hábitos del consumidor son cambiantes y sobre todo con el auge del comercio electrónico han ido transformándose, por eso es muy importante seguir siempre innovando y buscando una forma para seguir conectados con nuestro público.

Cada empresa, en función de sus objetivos, tiene que reflexionar sobre qué valores puede aportar al consumidor y cómo diferenciarse.

Experiencia de compra

Los espacios comerciales están configurados por factores que estimulan los sentidos del cliente y se transmiten a través de los materiales, texturas, la iluminación, etc.

Como dice el arquitecto Juhani Pallasmaa: «contemplamos, tocamos, escuchamos y medimos el mundo con toda nuestra existencia física. Estamos en constante diálogo e interacción con el medio ambiente».

¿Qué es la interacción con el cliente?

La interacción con cliente se refiere a todas las formas en las que los clientes se relacionan, ya sea de forma física como online.

Desde un punto de vista ideal, estas interacciones deberían crear una reacción positiva y construir un vínculo entre clientes-marca.

Las empresas que se centran en la participación del cliente, lo harán en la creación de valor y no en la creación de ingresos. De esta manera brindan a las personas algo significativo, más allá de un argumento de venta. Como por ejemplo: una experiencia, atención al cliente o interacción en tiempo real que, cuándo se ejecuta correctamente, fomentará la lealtad y el crecimiento de las ventas.

Por qué es importante la participación del cliente

Hoy en día, cada vez hay más formas de interactuar con los clientes.

Para impulsar la interacción con el consumidor, las marcas deben trabajar activamente para conectar con los clientes en cada oportunidad. Sea cual sea la estrategia de participación que se emplee, es importante ser coherente elaborando mensajes que estén relacionados con la marca y adecuados para el público objetivo. Brindar una experiencia consistente, en búsqueda de su confianza y compromiso.

Crea una excelente experiencia para los clientes

Para lograr crear una experiencia superior, en primer lugar, se deben analizar todas las formas en las que se interactúa con los clientes, ya sea en una tienda física o medio digital.

No se trata solo de hacer que la experiencia del usuario sea fluida y eficiente, sino también, es muy importante que la marca tenga una personalidad singular, que invite a los clientes, conocerla e interactuar con ella.

En este punto, es donde entra en juego el conocimiento de la marca. Para algunas marcas, esto podría significar, por ejemplo, obtener materiales de proveedores que respalden sus valores y su ética. Para otros, podría provenir de los orígenes históricos de la marca. Sea lo que sea, es fundamental buscar la forma de destacar ese carácter auténtico, ya que antes de comprometerse con una marca, el cliente debe ser consciente de que existe y que tiene algo relevante que ofrecer.

Monsieur Rose by Philippe Katerine

Le Bon Marché Rive Gauche.

¿Cuáles son las maneras de crear interacción en nuestra tienda?

A continuación abordaremos algunos ejemplos prácticos de como crear interacción en un espacio comercial:

• Arte inmersivo: Recurrir a artistas, diseñadores, arquitectos o escultores para crear instalaciones inmersivas e impactantes. 

• Gamification: La idea de proponer “juegos” permitiendo al público de ganar premios o descuentos, por ejemplos, es una manera muy dinámica y divertida de crear una interacción.

• Espacios sorprendentes: Espacios deconstruidos, mobiliarios innovadores, espejos en el suelo, sillas de diseño con formas muy originales. Contar con mobiliario curioso será una manera interesante de sorprender a los clientes.

Estos son solo algunos ejemplos de interacción que podemos darle a nuestro espacio comercial y con un toque de creatividad para darle originalidad e innovación mediante la interactividad. El objetivo es: crear una experiencia de marca inolvidable. Y no dudes en contactar con un experto para que pueda asesorarte en tu estrategia comercial.

Fuentes: archdaily.com; outbrain.com; modaes.es; caad-design.com; digitalavmagazine.com;; youtube.com; joseluisledesma.com

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The term Visual Storytelling refers to the art of telling brand stories with images and visual media.

And if we think of the effectiveness of images as elements that facilitate the creation of persistent memories over time, we will understand the full potential of this approach.

How visual storytelling works?

Visual Storytelling has a huge impact on the perception of businesses; it helps them connect with their customers and at the same time drives sales.

In that sense, the storytelling of these contents can be adapted in many ways; however, there are some basic concepts that we must take into account to create a good strategy. Below, we will review some fundamental steps to tell a successful story:

• Structure: most stories are organized in a very simple way: problem, solution and resolution.
• Simplicity: less is more. We often lose sight of the power of simplicity. A visual story that appeals to the basics will project a strong and clear message, without confusing our audience about what we want to convey.
• Design: there is no need to fill a story with a lot of visual elements, a good design is enough to successfully reach the consumer. 

Where can we use Visual Storytelling?

This technique, for example, allows us to produce extraordinary content for social networks. In addition, the popularity of the most visual platforms, such as Instagram, makes them ideal for visual storytelling.

Visual storytelling is also very powerful for e-commerce. When presenting the products of an online shop, there are different types of images, and each brand must choose the option that best suits its identity and the idea it wants to convey to its audience. 

The Retail world

Consumers evolve with the times, and today more than ever, customers not only want to feel identified with the brand, but they also want to live authentic experiences and get closer to brands that are true to their vision.  Therefore, we can highlight three essential steps for effective visual storytelling in the fashion sector:

• To be loyal and consistent with the brand’s vision

Visual storytelling in fashion works when the brand is consistent and authentic over time, with a message that reflects a complete vision of the brand. 

• Adapting to changing times

It is vital to be relevant in order to achieve effective visual storytelling. Take the example of Dior creative director Maria Grazia Chiuri, who generated incredible media impact in 2019 with the launch of her autumn/winter 2020 collection where models wore T-shirts with the phrase ‘We Should All Be Feminists’, responding to the resurgence of concern for women’s equality and women’s rights.

• Focusing on the consumer

Chiuri managed to be faithful to Christian Dior’s vision by giving voice to the ‘celebration of women’ and responding to a social issue.

The third essential step to a great visual storytelling strategy is to focus on the consumer. Before designing a strategy, ask yourself: What do I want the consumer to feel, and how can I make them feel that way?

The window displays

The benefits of visual storytelling in window displays are several and very important. Among them, we can find:

• Creating empathy 
• Creating emotions
• Connect with the audience
• Humanize the brand

The window display, being the point of physical connection with customers, is the perfect scenario to share a clear, concise and consistent story that is faithful to the brand and with which we can achieve many benefits. 

In conclusion, this technique can be used in different areas of the retail and fashion world.

With a strong storytelling strategy, Visual Storytelling will become one of the most vital techniques for your company. Don’t hesitate to contact a Retail and Visual Merchandising for a professional consultancy.

Sources: fashionunited.es; mkparadise.com; launchmetrics.com; marketinginsiderreview.com; joseluisledesma.com

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El término Visual Storytelling se refiere al arte de contar historias de una marca con imágenes y medios visuales.

Y sí pensamos a la efectividad de las imágenes como elementos que facilitan la creación de recuerdos persistentes en el tiempo, entenderemos todo el potencial de esta técnica.

¿Cómo funciona el  visual storytelling?

El Visual Storytelling genera un gran impacto en la percepción de los negocios; ya que los ayuda a conectarse con sus clientes y al mismo tiempo impulsa las ventas.

En ese sentido, la narración de estos contenidos se puede adaptar de muchas maneras; sin embargo, existen algunos conceptos básicos que debemos tomar en cuenta para crear una buena estrategia. A continuación repasaremos algunos de los pasos fundamentales para contar una historia exitosa:

• Estructura: la mayoría de las historias están organizadas de una forma muy simple: problema, solución y resolución.
• Simplicidad: menos es más. Muchas veces perdemos de vista el poder de lo simple. Una historia visual que apele a lo básico proyectará un mensaje fuerte y claro, sin confundir a nuestro público sobre lo que queremos transmitir.
• Diseño: no hay necesidad de llenar una historia con muchos elementos visuales, un buen diseño es suficiente para llegar con éxito al consumidor. 

¿Dónde podemos utilizar el Visual Storytelling?

Esta técnica, por ejemplo, nos permite producir contenidos extraordinarios para redes sociales. Además, el auge de plataformas más visuales como Instagram las convierte en idóneas para el visual storytelling.

El visual storytelling también es muy valioso para los e-commerce. A la hora de presentar los productos de una tienda online existen diferentes tipos de imágenes y cada marca debe escoger la opción que mejor se adapte a su identidad y a la idea que quiere transmitir a su público. 

El mundo del Retail

El consumidor evoluciona con los tiempos, y hoy más que nunca los clientes no solo quieren sentirse identificados con la marca, sino que quieren vivir experiencias auténticas y acercarse a marcas que sean fieles a su visión.  Por lo tanto, podemos destacar tres pasos imprescindibles para un visual storytelling efectivo en el sector de la moda:

• Ser fiel y constante con la visión brand

El visual storytelling en el mundo de la moda funciona cuando la marca es constante y auténtica a lo largo del tiempo, con un mensaje que refleja una visión completa del brand. 

• Adaptarse a los tiempos 

Es vital ser relevantes al para lograr un visual storytelling eficaz. Podemos tomar como ejemplo a la directora creativa de Dior, María Grazia Chiuri, quien generó un impacto mediático increíble en 2019 con el lanzamiento de su colección otoño/invierno 2020 done los modelos llevaban camisetas con la frase ‘We Should All Be Feminists’, respondiendo al resurgimiento de la preocupación por la igualdad y los derechos de la mujer.

Chiuri logró ser fiel a la visión de Christian Dior dando voz a la ‘celebración de la mujer’ y respondiendo a una problemática social.

• Poner el foco en el consumidor

El tercer paso esencial para conseguir una gran estrategia visual storytelling, es poner el foco en el consumidor. Antes de diseñar una estrategia, hay que preguntarse ¿Qué es lo que quiero que sienta el consumidor y cómo puedo conseguir que se sienta así?

Los escaparates

Los beneficios del visual storytelling en los escaparates son varios y muy importantes. Entre ellos encontramos:

• Crear empatía 
• Suscitar emociones
• Conectar con el público
• Humanizar la marca

El escaparate, siendo el punto de conexión física los clientes, es el escenario perfecto para contar una historia clara, concisa y fiel a la marca con la cual podemos lograr muchos beneficios. 

En conclusión, esta técnica puede ser empleada en diferentes áreas del Retail y del mundo de la Moda.

Con una buena estrategia para contar historias, el Visual Storytelling se convertirá en una de las técnicas más vitales para tu empresa. No dudes en contactar con experto en Retail y Visual Merchandising para que pueda asesorarte.

Fuentes: fashionunited.es; mkparadise.com; launchmetrics.com; marketinginsiderreview.com; joseluisledesma.com

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We know that the textile industry is one of the most polluting industries, as it generates a large amount of waste.

Sustainable fashion is a very old topic of debate. There are advances, but we have to do better, proposing projects that help achieve profitable sustainability, that encourage investors.

The fashion industry is a sector with numerous processes that have a negative impact on the environment. Among many others, from manufacturing, distribution, marketing, to the management of surpluses.

Did you know that recycling, in many cases, also involves processes that affect the environment? Or that there are products that cannot be recycled due to the mix of materials at source?

And one of the keys to reducing the impact on the environment is undoubtedly to adopt new techniques to optimize and reduce the carbon footprint.

Although in reality, all processes must be reviewed and provided with economic resources, in order to achieve sustainable fashion itself. It is proven that sustainability has a much higher return on investment than other industry models, which are not.

But what is this new trend?

Upcycling is a recent term used to describe techniques that involve the transformation of waste or scrap into new objects of value. It can be used for the creation of: furniture, clothing, textiles, decorative objects, etc. 

This term was coined in 1994, when Reiner Piltz mentioned it in an article by Thorton Kay of Salvo. Also called supra-recycling or creative recycling, it means reusing and improving what you already have.

 Currently, this trend is very popular in the fashion industry, although it is also present in other areas.

Upcycling should not be confused with recycling, since the former has a more artistic and functional function. In any case, the objective is the same: to reuse a material and give it a new life.

In synthesis, the upcycling tries to reuse old or stock garments to give them a second life and to take advantage of the energy spent in their manufacture.

In this approach, no new raw materials are needed and nothing that has already been created is thrown away, which is an important step towards the circular economy and to reduce the environmental impact.

Upcycling and fashion brands

Every year around 70 million tons of clothing are consumed worldwide and in Spain alone, according to the Iberian Textile Recycling Association, around 800,000 tons of textile waste are generated annually. 

If these garments were reused, a large amount of water and resources would be saved and CO2 emissions would be considerably reduced.

Upcycling also proves that sustainability is not incompatible with design, and many companies are adopting this type of trend.

Companies like Nike, which through the Move to Zero project is committed to reducing waste to zero, have managed to turn their own waste into real objects of desire. Like the futuristic Space Hippie sneakers, inspired by life on Mars and, consequently, by the scarcity of resources.

Among other brands dedicated to this trend, we can find:

• BODE. A Woolmark Award finalist, Emily Adams Bode is one of the industry’s up-and-comers, her agender shows at New York Men’s Fashion Week declare a firm commitment to sustainability with collections made from already used fabrics.

• RAVE REVIEW. Josephine Bergqvist and Livia Schück are other pioneers in this field, scouring flea markets, thrift stores or sales to rescue garments and reinvent them. In their atelier in Sweden, they use already depreciated fabrics to design dresses or coats.

• HÔTEL is another great example. When the Ritz in Paris closed its doors for renovation, kilos of curtains, tablecloths and bedspreads were left homeless. Alexandra Hartmann got hold of many of those pieces and uses them as the basis for her collections.

Upcycling is a new way of creating fashion that aims to put an end to the mass production of disposable garments. The concept of upcycling bets for a different and unique fashion, and we hope that this trend is here to stay.

Sources: vogues.es; smoda.elpais; itfashion.com; nike.com, joseluisledesma.com

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Sabemos que la industria textil es una de las más contaminantes, ya que genera una gran cantidad de residuos.

La moda sostenible es un debate muy antiguo. Hay avances, pero tenemos que hacerlo mejor, proponiendo proyectos que ayuden alcanzar una sostenibilidad rentable, que animen a los inversores.

La industria de la moda es un sector con numerosísimos procesos que impactan negativamente al medio ambiente. Entre muchos otros, desde la manufacturación, distribución, comercialización, hasta la gestión de los excedentes.

¿Sabías que durante el reciclaje, en muchos casos, también tiene procesos que afectan al medio ambiente? o ¿qué hay productos que por la mezcla de materiales en origen, no se pueden reciclar?

Y una de las claves para reducir el impacto sobre el medio ambiente es, sin duda, adoptar nuevas técnicas que permitan optimizar y reducir la huella de carbón.

Aunque en realidad, todos los procesos deben ser revisados y dotados de recursos económicos, para así poder conseguir una moda sostenible propiamente dicha. Es demostrado, que la sostenibilidad tiene un retorno de la inversión muy superior a otros modelos de industria, que no lo son.

¿Pero, qué es esta nueva tendencia?

Upcycling es un término reciente utilizado para describir técnicas que incluyen la transformación de residuos o deshechos para la fabricación de nuevos objetos de valor. Se puede usar para la creación de: muebles, prendas de vestir, textiles, objetos decorativos, etc. 

Este término fue acuñado en 1994, cuando Reiner Piltz lo mencionó en un artículo de Thorton Kay de Salvo. También llamado supra-reciclaje o reciclaje creativo, significa reutilizar y mejorar aquello que ya se tiene. 

En la actualidad, esta tendencia es muy popular en el sector de la moda, a pesar de que también está presente en otros ámbitos.

No hay que confundir upcycling con el reciclaje, ya que el primero tiene una función más artística y funcional. En cualquier caso, el objetivo es el mismo: reutilizar un material y darle una nueva vida.

En síntesis el upcycling trata de reutilizar las prendas viejas o de stock para darles una segunda vida y aprovechar la energía gastada en su confección.

En esta corriente no se necesitan nuevas materias primas ni se tira nada de lo que ya está creado, lo que supone un importante paso hacia la economía circular y para disminuir el impacto ambiental.

Upcycling en la moda

Cada año se consumen en el mundo cerca de 70 millones de toneladas de ropa y tan sólo en España, según la Asociación Ibérica de Reciclaje Textil, se generan cerca de 800.000 toneladas de residuos textiles anuales. 

Si se reutilizasen estas prendas, se ahorrarían gran cantidad de agua, recursos y ayudaría a reducir considerablemente emisiones de CO2.

El upcycling demuestra además que la sostenibilidad no está reñida con el diseño y son muchas las firmas que están adoptando este tipo de tendencia.

Firmas como Nike, que mediante el proyecto Move to Zero se ha comprometido a reducir a cero los desperdicios, han logrado convertir sus propios deshechos en auténticos objetos de deseo. Como las zapatillas futuristas Space Hippie, inspiradas en la vida en Marte y en consecuencia, en la escasez de recursos.

Entre otros brands a destacar que se dedican a esta tendencia podemos encontrar:

• BODE. Finalista del premio Woolmark, Emily Adams Bode es una de las promesas de la industria, sus desfiles agender, en la Semana de la Moda masculina de Nueva York, declaran un firme compromiso con la sostenibilidad con colecciones confeccionadas a partir de tejidos ya usados.

• RAVE REVIEW. Josephine Bergqvist y Livia Schück son otros pioneros en este ámbito, recorriendo mercadillos, tiendas de segunda mano o ventas para así rescatar prendas y reinventarlas. En su atelier en Suecia utilizan telas ya amortizadas y con ellas diseñan vestidos o abrigos.

• HÔTEL es otro gran ejemplo, ya que, cuando el Ritz de París cerró sus puertas para la remodelación, kilos de cortinas, manteles y colchas quedaron sin hogar. Alexandra Hartmann se hizo con muchas de aquellas piezas y las utiliza de base para sus colecciones.

El upcycling es una nueva forma de crear moda que pretende acabar con la producción masiva de usar y tirar prendas. El concepto upcycling apuesta por una moda diferente, única y esperamos que esta tendencia ha llegado para quedarse.

Fuentes: vogues.es; smoda.elpais; itfashion.com; nike.com, joseluisledesma.com

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The creation of sensory experiences through smell determines the future of sensory marketing. But what exactly is Sensory Marketing?

Sensory Marketing

In today’s demanding times, one of the main challenges for brands is to create and maintain relevance. 

Scent marketing is part of sensory marketing. The definition of sensory marketing is based on those commercial actions whose main strategies appeal to the simplest and most basic functions of people. 

The current innovation offered by sensory marketing is focused on enriching experiences, on capturing information through the different senses.

Scent marketing is a modern science that consists of using specific scents and perfumes in the retail space in order to evoke emotions, to influence consumer behaviour and the mood of employees.

The strategy aims to alter one of the most sensitive senses of the human being: the sense of smell, which can be the one that remains in the memory for the longest time. 

Of all our senses, the most primitive and deeply rooted is smell. When we smell something, the receptors in the nose connect directly with a part of the brain called the limbic brain, which controls emotions, memories and feelings of well-being.

According to research conducted by psychologist Eric Spangenberg, a vanilla scent in a feminine products store led to a doubling of sales compared to another store with the same characteristics but without any scent. 

Benefits of Scent Marketing

There is no specific type of company or sector to implement this type of marketing in products and establishments.

It is certain that food businesses “are the ones that have started to use this tool the earliest, either through smells such as freshly brewed coffee or baked bread” (Wakefield and Baker, 1998).

Although this tool is not new, in fact street vendors were already using the technique hundreds of years ago by lighting incense to attract the attention of their customers, scent marketing is gaining importance and entering a boom period in recent years.

This type of technique undoubtedly has many advantages when it comes to improving revenue and customer loyalty, but what else can it do?

Let’s take a look at its main advantages:

• Not Intrusive
• Associates brand values related to the scent
• Connect with your customers
• Increase sales
• Stand out from the competition
• Strengthen brand image
• Enhance branding
• Awaken emotions and evoke memories in customers
• Increase employee concentration

Scent marketing trends in the fashion industry

Some of the latest trends used in scent marketing linked to the fashion industry are: cotton candy, strawberry or vanilla for the children’s textile industry, fresh and citrus scents for young fashion and wood or leather scents for new shoes, among others.
The olfactory techniques of sensory marketing have been growing to become one of the most interesting tools for your business.

The key to a successful strategy is to make it memorable. This way we can have a deeper impact on our customers and build customer loyalty, because in an increasingly digital world the importance of ensuring sensory experiences at the point of sale is essential.

Sources: elpublicista; marketingactual.es; semrush.com; languageofaroma.com; joseluisledesma.com

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La creación de experiencias sensoriales a través del olfato determina el futuro del marketing sensorial. ¿Pero qué es exactamente el Marketing Sensorial?

Marketing sensorial

En tiempos tan exigentes como los actuales, uno de los principales desafíos para las marcas es crear y mantener relevancia. 

El marketing olfativo se enmarca dentro del marketing sensorial. La definición de marketing sensorial, se basa en aquellas acciones comerciales cuyas estrategias principales apelan a las funciones más sencillas y básicas de las personas. 

La innovación actual que ofrece el Marketing sensorial se centra en enriquecer experiencias, en captar la información a través de los diferentes sentidos.

El marketing olfativo es una ciencia moderna que consiste en utilizar aromas y perfumes específicos en el espacio de venta con el fin de despertar emociones, influir sobre los comportamientos del consumidor y el ánimo de los empleados. 

La estrategia pretende alterar uno de los sentidos más sensibles que tiene el ser humano: el olfato, aquel que más tiempo permanece en la memoria. 

Cuando olemos algo, los receptores de la nariz conectan directamente con una parte del cerebro llamado cerebro límbico, el cual controla las emociones, los recuerdos y la sensación de bienestar.

Según la investigación realizada por el psicólogo Eric Spangenberg, un aroma de vainilla en una tienda de productos femeninos hizo que se doblaran las ventas respecto a otro establecimiento de las mismas características pero sin ningún tipo de esencia. 

Ventajas del Marketing Olfativo

No existe un tipo específico de empresa o sector para implementar este tipo de marketing en productos y establecimientos. 

Es cierto que los negocios de comida “son los que más pronto han empezado a utilizar esta herramienta, ya sea a través de olores como el café recién hecho o el pan horneado” (Wakefield y Baker, 1998).

Aunque esta herramienta no es novedad, de hecho los vendedores ambulantes ya utilizaban la técnica hace cientos de años al encender incienso para llamar la atención de sus clientes, el marketing olfativo está ganando importancia y entrando en un periodo de auge en los últimos años.

Este tipo de técnica tiene sin duda muchas ventajas a la hora de mejorar los ingresos y fidelizar a los clientes. ¿Pero qué más puede aportar?

Vamos a ver sus principales ventajas:

• No es Intrusivo
• Asociar valores de la marca relacionados con el aroma
• Conectar con tus clientes
• Incrementar las ventas
• Destacar sobre la competencia
• Fortalecer la imagen de la marca
• Mejorar el Branding
• Despertar emociones y evocar recuerdos en los clientes
• Aumentar la concentración de los empleados

Tendencias en el sector moda

Algunas de las últimas tendencias utilizadas en el marketing olfativo vinculado al sector de la moda son: el algodón de azúcar, fresa o vainilla para el sector textil infantil, olores frescos y cítricos para moda joven y olores a madera o piel, para zapatos nuevos, entre otros.

Las técnicas olfativas del marketing sensorial han ido creciendo para convertirse en una de las herramientas más interesantes para tu negocio. 

La clave para que tu estrategia sea exitosa es de hacerla memorable. De esta forma podremos tener un impacto más profundo en nuestros clientes y fidelizarlos, ya que en un mundo cada vez más digital la importancia de garantizar experiencias sensoriales en el lugar de venta es fundamental.

Fuentes: elpublicista; marketingactual.es; semrush.com; thearomatrace.com; languageofaroma.com; joseluisledesma.com

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When fashion meets art

Art has always been a faithful partner of window displays. Cities dress up with shop windows that identify a style, an era, recreating scenes and experiences.

Luxury firms and designers who have a direct relationship with art know this very well, since they do not make Prêt-à-porter but “pieces of art that dress” with an essence of lasting value over time.

A necessary partnership that feeds back into both the one and the other.

Specifically, the design of window design has an association with ephemeral art with a vision and access for all, with a strong connection to the culture of the environment and of the moment.

Window design is not just a couple of randomly placed objects, but the fusion of the aforementioned with what is inside the point of sale.

The history of 19th century art is full of great painters who exhibited their works in stores of various kinds.

Goya presented his Caprichos for sale in a drugstore in Madrid, Hogarth sold his works in his brother’s store, Turner found his first customers in his father’s barbershop, Thomas Cole‘s landscapes were discovered by the historian William Dunlap in a window of a New York street while Monet became known in the window of a store in Le Havre. (Lorente, 2000).

Display windows as we know them today in Spain have evolved since the seventies, when commercial and artistic techniques converged with the aim of creating brand image. But it was only in the eighties when the process began in which products were treated as works of art in a museum, turning stores into art galleries.

The contemporary artist Banksy, for example, often uses the streets and stores to show his work.

In 2008 he opened his first exhibition (not dedicated to the world of graffiti) in a pet store, The Pet Store and Chacoal Grill in New York. The artist’s goal was to promote a critique of modern society and denounce animal abuse in different industries.

Also, the art of Keith Haring, known for combining art and fashion, has been featured in Stella McCartney’s transparent tattooed mannequins.

Nowadays, in Spain, art and window display are becoming more and more relevant: the international contemporary art fair ARCO has been focusing on it for years. For example, in 2014 it transformed all the windows display of El Corte Inglés in Preciados street by filling them with works by various artists.

Louis Vuitton

If there is a brand that is deeply connected to art, it is undoubtedly Louis Vuitton. Collaborations with artists such as Stephen Sprouse, Takashi Murakami or Yayoi Kusama have created unique experiences and collections.

Vuitton was always a visionary and lover of beauty. One of his diverse and multiple interests was the conception and creation of window displays, which are the closest thing to an art gallery.

Thanks to its strong interest in art, its window displays have seen works by Frank Gehry, Peter Marino, Daniel Buren, Takashi Murakami or Yayoi Kusama recreating true magical worlds in which golden dinosaurs, aerostatic balloons or colorful universes have given us an unforgettable experience.

Such is the importance the brand places on window displays that in 2016 the Assouline publishing house published Louis Vuitton Windows, a book celebrating the brand’s most original window displays.

Loewe

Loewe is one of the pioneering brands in contributing to visual and aesthetic education.

Their window displays can be considered small museum pieces and their love for art has been kept alive since the brand’s origin.

The ultimate expression of this interest in the artistic world was the creation of the Loewe Foundation, which since 1988 has been promoting creativity and educational projects in various fields: dance, design, poetry, photography and crafts.

It was in 1939 when Enrique Loewe Knapped opened in Gran Vía (Madrid) one of its most emblematic stores, becoming one of the first to adopt semicircular shop windows.

Since the beginning, these window displays have become great fashion references that, season after season, have generated a strong impact thanks to the creation of sophisticated scenes full of magic.

For the first time, the window displays gave a glimpse of the luxury inside the stores, and José Pérez de Rozas, Loewe’s creative director for 33 years, was responsible for it.

In love with animal sculptures, Pérez de Rozas brought a touch of Hollywood glamour and a taste for the most exclusive luxury through his creations.

Since then, Loewe has been committed to creativity and its strong relationship with art, collaborating with different national and international artists for the creation of its window displays and collections.

This industry lives not only of fashion, but also of art, of visual and aesthetic richness with which to educate the eye. Loewe knows it well, claims its good taste and values in each of its campaigns and we have the privilege of enriching ourselves just walking through the streets of our city.

The history of fashion teaches us that window displays are not only a tool to showcase products but a stage where fashion and art can merge to create unique experiences and magical places.

Sources: joseluisledesma.com; vogue.es; hmvm.co.uk ; revistaad.es ; exitmail.net; revistadearte.com ; lofficiel.es

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Cuando la moda encuentra el arte

El arte siempre ha sido un fiel compañero del escaparatismo.  Las ciudades se visten con escaparates que identifican un estilo, una época recreando así escenas y experiencias.

Los saben muy bien las firmas y los diseñadores de lujo que tienen una relación directa con el arte, puesto que ellos no hacen Prêt-à-porter sino “piezas de arte que visten” con una esencia de valor duradera en el tiempo. 

Una asociación necesaria que retro-alimenta tanto a uno como el otro. 

En concreto, el diseño de los escaparates tiene una asociación con el arte efímero con una visión y acceso para todos, con una fuerte conexión con la cultura del entorno y del momento. 

El escaparatismo no son un vulgar par de objetos colocados al azar, sino la fusión de lo anteriormente dicho junto con lo que hay en el interior del punto de venta.

La historia del arte del siglo XIX está llena de grandes pintores que depositaban sus obras en tiendas de varios tipos.

Goya puso a la venta sus Caprichos en una droguería madrileña, Hogarth vendía sus obras en la tienda de su hermano, Turner encontró sus primeros clientes en la barbería de su padre, los paisajes de Thomas Cole fueron descubiertos por el historiador William Dunlap en un escaparate de una calle neoyorquina mientras Monet se dio a conocer en la vitrina de un comercio en El Havre. (Lorente, 2000).

Los escaparates como los conocemos hoy en España han evolucionado desde los años setenta, cuando convergen las técnicas comerciales y artísticas con el objetivo de crear imagen de marca. Pero, será solo en los ochenta cuando empieza el proceso en el que los productos se tratan como obras de arte en un museo, convirtiendo las tiendas en galerías de arte.

Por ejemplo, el artista contemporáneo Banksy, utiliza a menudo las calles y las tiendas para mostrar su obra.

En 2008 inauguró su primera exposición (no dedicada al mundo del graffiti) en una tienda de mascotas The Pet Store and Chacoal Grill en New York. El objetivo del artista era promover una crítica a la sociedad moderna y denunciar el maltrato animal existente en diferentes industrias.

También el arte de Keith Haring, conocido por combinar arte y moda, ha sido protagonista en los maniquíes tatuados transparentes de Stella McCartney.

Al día de hoy, en España, el arte y el escaparatismo están cobrando siempre más relevancia: ya hace años que la feria internacional de arte contemporáneo ARCO ha puesto su objetivo en ello. Por ejemplo, en 2014 transformo todos los escaparates de El Corte Inglés de calle Preciados llenándolos con obras de varios artistas.

Louis Vuitton

Si hay una firma que está profundamente relacionada con el arte, esta es, sin duda, Louis Vuitton. Las colaboraciones con artistas como Stephen Sprouse, Takashi Murakami o Yayoi Kusama han dado lugar a experiencias y colecciones únicas.

Vuitton siempre fue un visionario y amante de la belleza. Uno de sus diversos y múltiples intereses era la concepción y creación de escaparates, que son lo más parecido a una galería de arte.

Gracias a su fuerte interés por el arte, sus vitrinas han visto trabajos de Frank Gehry, Peter Marino, Daniel Buren, Takashi Murakami o Yayoi Kusama recreando verdaderos mundos mágicos en los que dinosaurios dorados, balones aerostáticos o universos de color nos han regalado una experiencia inolvidable.

Tal es la importancia que la firma le da a los escaparates que la editorial Assouline publicó en 2016 Louis Vuitton Windows, un libro que celebra los escaparates más originales de la firma.

Loewe

Loewe es una de las marcas pioneras en contribuir a la educación visual y estética.

Sus escaparates pueden ser considerados como pequeñas piezas de museo y su amor por el arte se ha mantenido vivo desde el origen de la marca.

Su máxima expresión de este interés por el mundo artístico fue la creación de la Fundación Loewe, que desde el año 1988 promueve la creatividad y los proyectos educativos en varios ámbitos: danza, diseño, poesía, fotografía y artesanía.

Fue en 1939 cuando Enrique Loewe Knapped abrió en plena Gran Vía (Madrid) uno de sus locales más emblemáticos convirtiéndose en uno de los primeros en adoptar escaparates semicirculares. 

Desde su comienzo, estos escaparates se convirtieron en grandes referentes de la moda que, temporada tras temporada, han generado un fuerte impacto gracias a la creación de escenas sofisticadas llenas de magia.

Por primera vez, los escaparates dejaban adivinar cómo era el lujo dentro de las tiendas, y su responsable fue José Pérez de Rozas, director creativo de Loewe durante 33 años.

Enamorado de las esculturas animales, Pérez de Rozas acercó el toque glamour de Hollywood y el gusto por el lujo más exclusivo a través de sus creaciones.

Desde entonces, Loewe ha apostado por la creatividad y por su sólida relación con el arte, colaborando con diferentes artistas nacionales e internacionales para la creación de sus escaparates y colecciones.

No solo de moda vive esta industria, también de arte, de riqueza visual y estética con la que educar la mirada. Loewe lo sabe bien, reivindica su buen gusto y sus valores en cada una de sus campañas y nosotros tenemos el privilegio de enriquecernos simplemente paseando por las calles de nuestra ciudad.

La historia de la moda nos enseña, que los escaparates no solo son una herramienta para mostrar productos sino un escenario donde moda y arte pueden fundirse para crear experiencias únicas y lugares mágicos.

Fuentes: joseluisledesma.com; vogue.es; hmvm.co.uk ; revistaad.es ; exitmail.net; revistadearte.com ; lofficiel.es

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Big Data is a process that analyses and interprets large volumes of data, both structured and unstructured. This remotely stored information can be used by companies as a basis for their business decisions.

Opportunities and challenges

The characteristics of the Fashion and Retail sector make it an ideal field for the use of Big Data, which combined with analysis techniques can generate great opportunities.

The correct use of Big Data allows us to process information to know our customers, understand their behaviour and consequently decide how to build sales strategies.

With good management and analysis we can, for example, create suggestions based on the purchase history of our customers or generate customized orders.

Some of the most important information we can analyse in the Retail sector are:

• Customer abandonment or cart abandonment prediction
• Hours of peak sales
• Increased customer Lifetime Value
• Store performance
• Demand prediction
• Conversion rates
• Stock control
• Increased customer loyalty
• Product insights
• Shopping cart analysis: cross-selling and up-selling
• Product information

In addition to collecting them, it is very important to know how to analyse and interpret them. It is necessary to have an orderly and prioritized structure to present the data in an accessible and visual way.

In this way we will be able to reach effective conclusions in order to implement effective strategies.

Big Data and competitors

A report by McKinsey states that companies that use consumer data information are able to outperform competitors by 85% in sales growth.

This is because they use the Big Data process and analysis in the right way, with which they can gain market knowledge and also product insights.

According to The Guardian, the fashion brand ASOS, for example, achieved a 33% increase in sales using the Big Data analytics services of EDITD: a British start-up, specializing in fashion companies that also works for companies such as TopShop, M&S, Banana Republic and Abercrombie & Fitch.

The company helped the ASOS sales team to determine the most appropriate products and pricing to increase sales without losing profitability.

In conclusion, the strategic use of data will allow to optimize from sales management to the logistics of a company as well as its commercial image, thus increasing its profits and improving the shopping experience of its customers.

Sources:

mckinsey.com; oracle.com; the guardian.com; zendesk.com; ecommerce-news.es; joseluisledesma.com.

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El Big Data consiste en un proceso que analiza e interpreta grandes volúmenes de datos, tanto estructurados como no estructurado. Estos datos almacenados de forma remota puedan ser utilizados por las empresas como base para su toma de decisiones.

Big data: oportunidades y retos

Las características del sector de la Moda y del Retail hacen que sea un terreno ideal para el uso del Big Data, que combinado con técnicas de análisis puede generar grandes oportunidades.

El uso correcto del Big Data permite procesar datos para conocer a nuestros los clientes, entender su comportamiento y de consecuencia decidir de qué manera construir estrategias de ventas.

Con una buena gestión y análisis de datos podemos, por ejemplo, crear sugerencias basadas en el historial de compra de nuestros clientes o generar pedidos personalizados.

Algunos de los datos más importantes que podemos analizar en el sector del Retail son:

• Predicción del abandono de clientes o abandono del carrito
• Horarios de mayor ventas 
• Aumento del Lifetime Value del cliente
• Rendimiento de las tiendas
• Predicción de la demanda
• Tasas de conversión
• Control de stocks
• Aumento de la fidelización del cliente 
• Información de productos
• Análisis de la cesta de la compra: cross-selling y up-selling
• Información de productos

Aparte de recolectar datos es muy importante saber como analizarlos e interpretarlos. Hay que contar con una estructura ordenada y jerarquizada para presentar los datos de forma accesible y visual.

De esta forma podremos alcanzar conclusiones efectivas para poder implementar estrategias efectivas.

Big Data y competencia

Un informe realizado por McKinsey, establece que las empresas que usan la información de los datos de sus consumidores, son capaces de superar a los competidores en un 85% en el crecimiento en las ventas.

Esto es porque usan de forma correcta el proceso y el análisis del Big Data, con el que pueden obtener conocimiento del mercado y también de los productos.

Según The Guardian, la marca de moda ASOS, por ejemplo, consiguió aumentar sus ventas un 33% usando los servicios de análisis de Big Data de EDITD: una start-up británica, especializada en análisis de Big Data para empresas de moda que también trabaja para firmas como TopShop, M&S, Banana Republic y Abercrombie & Fitch.

La empresa ayudó al equipo comercial de ASOS a determinar cuáles eran los productos más adecuados y el precio idóneo para conseguir aumentar las ventas sin perder la rentabilidad. 

En el mundo del Retail, cada día es más importante garantizar un servicio personalizado a los clientes y en este sentido el Big Data tiene como objetivo ayudar a las empresas en este reto.

En conclusión, el uso estratégico del Big Data permitirá optimizar desde la gestión de las ventas hasta la logística de una empresa como también la imagen su comercial, aumentando así sus beneficios y mejora la experiencia de compra de sus clientes.

Fuentes:

mckinsey.com ; oracle.com ; the guardian.com ; zendesk.com; ecommerce-news.es; joseluisledesma.com.

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But, what is the purpose of a Pop-Up Store?

The goal of Pop Up Stores is to be located in places of great affluence with the intention to surprise, inspire and generate a great impact on potential customers. It can also be of great help to test new sales lines, give exclusivity to certain products or cover specific seasonal periods.

These temporary spaces allow brands to create a unique environment that engages their customers and allows them to generate feelings of relevance and interactivity.

Pop Up Stores around the world

There are many brands that have adopted this format, which despite its ephemeral nature is able to generate a great impact in the long term. Below, we will review some of the most memorable Pop Up Stores from around the world:

• Adidas: the sports brand in 2013 with the aim of promoting the Stan Smith sneakers made a very surprising presentation in London: a pop-up store in the form of a shoebox in giant size.

• Hermès: the luxury brand created in 2016 Hermèsmatic: temporary stores in cities such as Milan, Barcelona and Madrid where you could customize vintage scarves through a free dyeing process. Creating a whole experience based on silk.

• Lacoste: in 2012 the French brand bet to create a pop-up store in one of the most famous festivals in the world: Coachella. The space designed by the Aruliden studio (New York) was made from redesigned metal containers.

What are the benefits of Pop Up Stores?

The versatility of pop up stores can help us create unique spaces and unforgettable experiences. A well-structured pop up store can bring great benefits, among the most relevant we can find:

• Uniqueness: the space is unique and unrepeatable, so customers who visit the Pop-Up Store must live an impressive experience.

• Location: one of the main characteristics of a Pop-Up Store is to be located in the most popular areas of the city, which ensures a high influx. If it is an online business, a physical store can be opened temporarily to reach customers offline as well, covering both sides of the market, as in the case of AliExpress or Amazon.

• Branding: an ideal action to transmit or reinforce the image and positioning of the brand.

• Viral Content: a creative space will make the media talk about it. The spreading of the news of the opening can help us to improve the brand image, to reach a new type of public or to present a certain new product.

• Experience: thanks to the exclusivity and originality of the event, combined with all the sensory marketing tools, Pop-Up Stores can offer an experience that consumers will not forget.

Pop Up Stores have been able to fundamentally change the retail sector by breaking away from the routine of stores and commercial establishments, and from the usual brand positioning strategies, to create a superior impact on the minds and emotions of consumers.

Success and Pop Up Stores

Brands that decide to opt for this commercial strategy must take into account a series of factors that will be the key to their final success:

• The space in which the Pop Up Store will be developed must offer a unique experience in accordance with the type of products to be marketed. Emblematic places in big cities, museums or industrial warehouses are perfect places to organize ephemeral spaces.

• Having a solid communication strategy, in addition to having an expert in the creation of commercial spaces such as a Window Display Designer & Visual Merchandising Manager is essential to get the right audience and create an efficient and attractive space.

The success of a Pop Up Store is knowing how to create unique experiences, offer exclusive products and a personalized treatment for each of the people who come to the space.

Sources: revistavanityfair.es; aruliden.com; designboom.com; arquitecturaydiseno.es

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Pero, ¿cuál es el objetivo de una Pop Up Store?

El objetivo de las Pop Up Stores es situarse en lugares de gran afluencia con la intención de sorprender, emocionar y generar un gran impacto a los posibles clientes. También puede ser de gran ayuda para probar nuevas líneas de venta, dar exclusividad a determinados productos o cubrir periodos estacionales en concreto.

Estos espacios temporales permiten a las marcas crear un ambiente único que involucra a sus clientes y permiten generar sensaciones de relevancia e interactividad.

Pop Up Stores en el mundo

Son muchas las marcas que han adoptado esta modalidad, que a pesar de su naturaleza efímera logra generar un gran impacto a largo plazo. A continuación revisaremos algunas de las Pop Up Stores más memorables al rededor del mundo:

• Adidas: la marca deportiva en 2013 con la intención de promocionar las zapatillas Stan Smith realizó una puesta en escena muy sorprendente en Londres: una pop up store en forma de caja de zapatos en tamaño gigante.

• Hermès: la firma de lujo creó en 2016 Hermèsmatic: tiendas temporales en ciudades como Milán, Barcelona y Madrid donde se podía personalizar bufandas vintage mediante un procedimiento de teñido gratuito. Creando toda una experiencia basada sobre la seda.

• Lacoste: en 2012 la marca francesa apostó para crear una pop up store en uno de los festivales más célebres al mundo: el Coachella. El espacio diseñado por el estudio Aruliden (New York) fue realizado a partir de contenedores metálicos rediseñados. 

¿Cuáles son los beneficios de las Pop Up Store?

La versatilidad de las pop up stores nos puede ayudar a crear espacios únicos y experiencias inolvidables. Una pop up store bien estructurada puede traer grandes beneficios, entre los más relevantes podemos encontrar: 

• Unicidad: el espacio es único e irrepetible, por lo que los clientes que visiten la Pop Up Store deben vivir una experiencia impactante.

• Ubicación: una de las características principales de una Pop-Up Store es estar situada en las zonas más concurridas de la ciudad, lo que asegura una alta afluencia. Si se trata de un negocio online se puede abrir temporalmente una tienda física para llegar a clientes también de forma offline, cubriendo ambas partes del mercado, como en el caso de Aliexpress o Amazon.

• Branding: una acción ideal para transmitir o reforzar la imagen y el posicionamiento de la marca.

• Contenido Viral: un espacio creativo hará que los medios de comunicación hablen de ello. La viralización de la noticia de una apertura de una Pop Up Store nos puede ayudar a mejorar la imagen de marca, a llegar a un nuevo tipo de público o a presentar un determinado producto nuevo.

• Experiencia: gracias a la exclusividad y a la originalidad del evento, combinado con todas las herramientas de marketing sensorial, las Pop-Up Stores pueden ofrecer una experiencia que los consumidores no olvidaran.

Con las Pop Up Stores se ha logrado darle fundamental un cambio al sector Retail saliendo de la rutina de las tiendas y establecimientos comerciales, y de las estrategias habituales de posicionamiento de marca, para crear un impacto superior en la mente y en las emociones de los consumidores.

Éxito y Pop Up Stores 

Las marcas que deciden optar por esta estrategia comercial deben tener en cuenta una series de factores que serán la clave del éxito final:

• El espacio en el que se desarrollará la Pop Up Store debe ofrecer una experiencia única y acorde con el tipo de productos que se van a comercializar. Lugares emblemáticos de las grandes ciudades, museos o naves industriales habilitadas son lugares perfectos para organizar espacios efímeros.

• Disponer de una sólida estrategia de comunicación, además de contar con un experto en creación de espacios comerciales como es un Window Display Designer & Visual Merchandising Manager es fundamental para conseguir atraer el público adecuado y crear un espacio eficiente y atractivo.

El éxito de una Pop Up Store es saber crear experiencias únicas, ofrecer productos exclusivos y un trato personalizado para cada una de las personas que se acerquen al espacio.

Fuentes: revistavanityfair.es; aruliden.com; designboom.com; arquitecturaydiseno.es

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But what exactly is Vintage?

Vintage is an English word derived from the French “vendenge” which translates as “old wine” that translated to the fashion world could be interpreted as “love for the past” and represents fashion trends through unique garments and elements from previous eras.

Today, it consists precisely in recovering the pieces of the past to create a contemporary and sustainable style.

The cyclical nature of fashion has always fostered a sense of nostalgia, but beyond reinvention, there are other sentiments that are motivating this look back, such as sustainability.

In some countries, such as the United States, buying and wearing vintage clothing is a trend that has been around for decades, while in Europe it is a relatively new habit that is growing steadily, in fact it is a moving market that is gaining more and more space and followers.

It is important to highlight the benefits that this type of consumption brings to the environment. For example, vintage clothing, apart from reducing the amount of raw materials used by the fashion industry, also helps to reduce the carbon footprint generated by its commercialization and distribution.

According to the Ellen MacArthur Foundation, we use a garment 7 to 10 times before discarding it, and 80 billion items are purchased worldwide each year. Given this situation, promoting a sustainable model applied to fashion seems essential.

If you are interested in the vintage world: here you can find a small guide with a selection of physical and online stores where you can find unique garments.

• Vestiaire Collective: this platform, pioneer of second-hand luxury, with offices in New York, London, Berlin, Milan and Paris, is a community to buy and sell unique second-hand products in the best conditions. It has a permanent catalogue of more than 600,000 products that are joined weekly by thousands of options that previously pass an exhaustive quality and authenticity control by a team of experts.

• Depop: is a 2.0 flea market very appreciated by the Z generation that offers its users the opportunity to buy and sell vintage clothing. It currently has 13 million users in more than 147 countries, including Spain.

• Vintalogy: has different physical stores in Madrid in addition to its online store. They offer a selection of casual style garments as well as some of the most iconic sneakers in history.

• Flamingo Vintage Kilo: is the first boutique in Spain specialized in the sale of unique vintage pieces of North American origin that are sold by weight. In addition to an online store, it has several physical spaces in different cities in Spain.

• Blow by Le Swing: is one of the reference stores of luxury vintage in Barcelona.

• Rokit: is one of the best stores in London to find vintage and retro clothing. It has different physical spaces around the capital, as well as an online store.

• Amore Vintage: in this famous Tokyo store there are about 6,000 products: from iconic collections to limited version pieces. Amore Vintage has consolidated its position as the best destination to find luxury vintage garments from brands such as Chanel, Hermès, Louis Vuitton, Gucci, Fendi, Dior, Prada, Ferragamo and Celine.

• Humana Vintage: is one of the reference of second-hand clothing stores related to the foundation Pueblo para Pueblo, which works with cooperation projects in countries in Africa, South America and Asia. They have different stores in Barcelona, Madrid, Granada, Milan and Turin. They have recently opened a new ‘vintage’ space, with a selection of clothing and accessories from past decades.

Undoubtedly, the Fashion and Retail industry has to look to the past to build a responsible and sustainable future.

Have you decided to try yet a vintage store?

Sources: joseluisledesma.com, ellenmacarthurfoundation.org, lavanguardia.com, telva.com, elle.com, marie-claire.es, vogue.es

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Pero, exactamente ¿qué significa Vintage?

Vintage es una palabra en inglés derivada del francés “vendenge” que se traduce como “vino añejo” que trasladado al mundo de la moda podría interpretarse como “amor por el pasado” y representa las tendencias de moda a través de prendas y elementos únicos de épocas anteriores.

Hoy en día, consiste precisamente en recuperar las piezas del pasado creando un estilo contemporáneo y sostenible.

La naturaleza cíclica de la moda siempre ha fomentado un sentido de nostalgia, pero más allá de la reinvención, hay otros sentimientos que están motivando esta mirada hacia atrás, como la sostenibilidad.

En algunos países, como en Estados Unidos, comprar y utilizar ropa vintage es una tendencia que existe desde ya hace varias décadas mientras en Europa es un hábito relativamente nuevo que no para de crecer, de hecho es un mercado en movimiento que está ganando siempre más espacio y seguidores.

Es importante remarcar los beneficios que aportan al ambiente esta modalidad de consumo. Por ejemplo, la ropa vintage aparte reducir la cantidad de materias primas usadas por la industria de moda también ayuda a disminuir la huella de carbón generada por su comercialización y distribución.

Según la Ellen MacArthur Foundation, utilizamos de 7 a 10 veces una prenda antes de deshacernos de ella y cada año se compran en el mundo 80.000 millones de artículos. Ante esta situación promover un modelo sostenible aplicado a la moda parece imprescindible. 

Si estás interesado en el mundo del vintage: aquí podrás encontrar una pequeña guía con una selección de tiendas físicas y online donde buscar prendas únicas.

• Vestiaire Collective: esta plataforma, pionera del lujo de segunda mano, tiene oficinas en Nueva York, Londres, Berlín, Milán y París es una comunidad para comprar y vender productos únicos de segunda mano en las mejores condiciones. Cuenta con un catálogo permanente de más de 600.000 productos al que se unen semanalmente miles de opciones que previamente pasan un exhaustivo control de calidad y autenticidad por un equipo de expertos. 

• Depop: es un mercadillo 2.0 muy apreciado por la generación Z que ofrece a sus usuarios la oportunidad de comprar y vender ropa vintage. Actualmente cuenta con 13 millones de usuarios en más de 147 países, entre ellos España.

• Vintalogy: cuenta con diferentes tiendas físicas en Madrid además de su tienda online. Ofrecen una selección de prendas de estilo casual además de algunas de las zapatillas de deporte más icónicas de la historia.

• Flamingo Vintage Kilo: es la primera boutique de España especializada en la venta de piezas únicas vintage de origen norteamericano que se venden al peso. Tiene además de una tienda online varios espacios físicos en diferentes ciudades de España.

• Blow by Le Swing: es una de las tiendas referentes del vintage de lujo de la ciudad condal.

• Rokit: es una de las mejores tiendas de Londres para encontrar ropa vintage y retro. Cuenta con diferentes espacios físicos por la capital además de una tienda online.

• Amore Vintage: en esta célebre tienda de Tokio hay alrededor de 6.000 productos: desde colecciones icónicas hasta piezas de versión limitada. Amore Vintage ha consolidado su posición como el mejor destino para encontrar prendas vintage de lujo de marcas como: Chanel, Hermès, Louis Vuitton, Gucci, Fendi, Dior, Prada, Ferragamo y Celine.

• Humana Vintage: es una de las cadenas de referencia de ropa de segunda mano vinculada a la fundación Pueblo para Pueblo que trabaja con proyectos de cooperación en países de África, Sudamérica y Asia. Cuentan con diferentes tiendas en Barcelona, Madrid, Granada, Milan y Turín. Recientemente han abierto un nuevo espacio ‘vintage’, con selección de ropa y accesorios de décadas pasadas.

Sin duda, la industria de la Moda y del Retail tiene que mirar hacia el pasado para construir un futuro responsable y sostenible.

¿Te has animado a probar alguna tienda vintage? 

Fuentes: joseluisledesma.com, ellenmacarthurfoundation.org, lavanguardia.com, telva.com, elle.com, marie-claire.es, vogue.es

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Origins of mannequins

The word mannequin comes from the Dutch “manneken” and means “little man”. Its origin goes back to Ancient Egypt where there was the ‘Mannequin of Tutankhamun’ a figure that is part of the grave goods of the tomb of the pharaoh Tutankhamun and was discovered in 1922.
The mannequin was found by archaeologist Howard Carter in the only Egyptian royal tomb found intact and depicts the face of the pharaoh who reigned from 1336/5 to 1327/5 BC. This figure is believed to have been used to try Tutankhamun’s clothes, since the tailors of the pharaoh could not touch his sacred body.

The first mannequins

The first mannequin was invented in France in the 16th century. For this reason, they were originally called French mannequins and were usually intended for sewing schools.
Although the first mannequins present in shop windows as we know them today appeared only with the industrial revolution when shopping became important and necessary.
In the beginning they were mainly made of wax, while the feet were made of iron and the extremities of wood, which made them very heavy.

Evolution of the figure

Clearly these wax figures had their disadvantages, it was then, when the French company, Siegel & Stockman, found the solution by inventing the mannequin made of papier-mâché, which weighed much less than its predecessor and did not melt during the summer.

Thus, it was that the new mannequin became a much flatter and more stylized figure.
As the materials allowed providing greater realism to the mannequins, the figures were transformed over the years following the trends of each era.

For example, in the 50s and 60s the figure of Marilyn Monroe with its forms inspired the structure of the new mannequins of the time. While during the 70s the mannequins became more abstract and lost most of their facial features. On the other hand, from the 90s stylized mannequins with figures inspired by Kate Moss became widespread.

Current trends

In recent years, the trend is to use less and less realistic mannequins in neutral colours, so that they do not condition the garments too much, although 3D printing is slightly changing this. However, a pending issue would be to know the impact of its production on the environment.

On the other hand, it has increased the diversification of postures or, for example, the use of groups of mannequins that interact with each other to give more dynamism.
When choosing a mannequin, the first thing to consider is what we want to transmit, where and how the figure will be placed. 

Depending on the changes to be made to the showcase and its design, it will be necessary to choose a more or less light material and a more or less articulated mannequin. 
It is important above all to count on brands that have top quality materials, as is the case of Atrezzo or Hans Boodt.

If you are looking for the most suitable mannequin for your business, do not hesitate to consult a Global Window Display Designer or Visual Merchandising Manager to study the solution and the most suitable design for the objectives of your project.

Sources: modaes.es, fashionunited.es, hopesandfears.com, joseluisledesma.com

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Pero ¿cuál es el su origen?

Origines de los maniquíes

La palabra maniquí procede del holandés manneken y significa “hombre pequeño”. Su origen remonta al antiguo Egipto donde existía el ‘Maniquí de Tutankamón’ una figura que forma parte del ajuar funerario de la tumba del faraón Tutankamón y que fue descubierta en 1922.

El maniquí fue hallado por el arqueólogo Howard Carter en la única tumba real egipcia encontrada intacta y representa el rostro del faraón que reinó de 1336/5  a 1327/5 a.C. Esta figura se cree que era usada para probar y sostener los vestidos de Tutankamón, ya que los sastres del no podían tocar su sagrado cuerpo.

Los primeros maniquíes

El primero maniquí se inventó en Francia en el siglo XVI. Por este motivo, en su origen se llamaban maniquíes franceses y solían estar destinados a las escuelas de costura.

Aunque los primeros maniquíes presentes en los escaparates como los conocemos hoy en día aparecieron solo con la revolución industrial cuando las compras empezaron a ser algo importante y necesario.

En sus inicios se elaboraban principalmente con cera, mientras los pies eran de hierro y las extremidades de madera, lo que elevaba mucho su peso.

Evolución de la figura

Claramente estas figuras de cera tenían sus desventajas, fue entonces, cuando la compañía francesa, Siegel & Stockman, encontró la solución inventando el maniquí hecho de papel maché, el cual pesaba mucho menos que su antecesor y no se derretía durante el verano. Así fue que el nuevo maniquí se convirtió en una figura mucho más plana y estilizada.

A medida que los materiales permitían proporcionar un mayor realismo a los maniquíes las figuras fueron transformándose a lo largo de los años siguiendo las tendencias de cada época.

Por ejemplo en los 50’s y 60’s la figura de Marilyn Monroe con sus formas inspiró la estructura de los nuevos maniquíes del momento.

Mientras durante los 70’s los maniquís se convirtieron en algo más abstracto y perdieron la mayoría de sus rasgos faciales. En cambio a partir de los 90’s se difundieron los maniquíes estilizados con figuras inspiradas a Kate Moss.

Tendencias actuales

En los últimos años, la tendencia es utilizar maniquís cada vez menos realistas y en colores neutros, de manera que no condicionen demasiado las prendas, aunque la impresión 3D esta ligeramente cambiando esto. Sin embargo un tema pendiente sería saber el impacto de su producción al medio ambiente.

En cambio, si ha aumentado la diversificación de posturas o, por ejemplo, el uso de grupos de maniquíes que interactúan entre ellos para garantizar al escaparate más dinamismo.

A la hora de elegir un maniquí, lo primero a tener en cuenta es qué queremos trasmitir, dónde y cómo se va a ubicar la figura. 

En función a los cambios de escaparate que se realice y a su diseño será necesario elegir a un material más o menos ligero y a un maniquí articulado en mayor o menor medida. 

Es importante sobre todo contar con marcas que cuenten con materiales de primera calidad, como es el caso de Atrezzo o Hans Boodt.

Si estás buscando el maniquí más apto a tu negocio no dudes asesorarte con un Global Window Display Designer o Visual Merchandising Manager para estudiar la solución y el diseño más indicado para los objetivos de tu proyecto.

Fuentes: modaes.es, fashionunited.es, hopesandfears.com , joseluisledesma.com

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By studying the commercial space we have at our disposal, among many others, we can apply the most appropriate window dressing techniques both in the showcases and in the interior and guarantee an enriching experience to our customers and curious people who will not only enter our store, but will stay longer in it.

Today more than ever, stores must become experience centres where to create a relationship with the brand where the main protagonist is the customer.

In fact, brands are increasingly betting on the in-store experience by using minimalist visual merchandising, with less furniture and elements, leaving the product as the exclusive protagonist and conveying a sense of higher quality.

On the other hand, other brands are opting to personalize their points of sale through striking decoration, which varies as their creative line changes.

The shop windows together with the decoration, have to tell an attractive story to our customers and to do so we need to capture all their attention and invite them to the interior of the commercial space, where Visual Merchandising is essential.

To achieve these objectives the importance of materials in Visual Merchandising and Window Dressing is fundamental.

Sometimes it may go unnoticed, but the material we use in the decoration of our store is essential for an excellent result. We must take into account basic aspects of the choice, such as, for example, that it is aligned with the DNA of the brand, as well as more technical aspects about its handling, qualities and behaviour to external variants.

What are the most used materials in Visual Merchandising and Window Dressing?

Undoubtedly among the most used materials we find wood: one of the oldest resources and also one of the most versatile. This material provides a feeling of warmth and can be combined with many elements.
It can also be used untreated to convey a more rustic look.

Paper is another of the materials widely used for shop window and store interior decorations. It is an economical, creative and easily recyclable material.

On the other hand we find more natural elements such as stone that is gaining importance and is often used to leave the product as the main protagonist of the store.
Metal is also gaining prominence and is usually combined in the walls and furniture.
Meanwhile, the use of overly ornate upholstery on the walls is becoming less common.

In the case of materials such as natural stone, glass or carpets, they are increasingly present not only in high-end stores but also in large-scale distribution establishments.

The floor

Flooring is another key element of the store. The use of carpets and rugs is not very common nowadays, especially in large retail stores, although they continue to be used in high-end establishments.

When opting for a “bare floor”, a recurring option is marble, a material that offers great strength, durability and style. However, most stores choose to combine this material with another type of flooring for fitting rooms where the touch with bare feet is warmer.

Carpets are an alternative when the product requires direct contact with the feet, as in the case of shoe stores, and are also easy to clean or replace

An avant-garde alternative are environmentally friendly woven vinyl floors, made from materials containing plasticizers, made from renewable raw materials of organic origin.

It’s very important to study and analyse which are the most appropriate materials to convey a message consistent with the value of your brand and to offer the best experience to your customers, without losing sight of the importance of sustainability and to generate a minimum impact on the environment.

In order to meet this goal, don’t hesitate to count on the experience of a Visual Merchandising professional who can advise you on your strategy and help you achieve these goals.

Sources: Moda.es, Casadecor.es and joseluisledesma.com

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Estudiando el espacio comercial que tenemos a disposición, entre muchas otras, podemos aplicar las técnicas del escaparatismo más adecuadas tanto en las vitrinas como en el interior y garantizar una experiencia enriquecedora a nuestros clientes y curios@s que no solo entrarán en nuestra tienda, sino que permanecerán más tiempo en ella.

Hoy más que nunca las tiendas deben convertirse en centros de experiencias donde crear una relación con la marca donde el principal protagonista es el cliente.

De hecho, las marcas están apostando cada vez más por la experiencia en tienda utilizando un visual merchandising minimalista, con menos mobiliario y elementos, dejando al producto como protagonista exclusivo y transmitiendo una sensación de mayor calidad. Por otra parte, otras marcas optan por personalizar sus puntos de venta a través de una decoración impactante, que va variando según cambia su línea creativa.

Los escaparates junto con la decoración, tienen que contar una historia atractiva a nuestros clientes y para hacerlo necesitamos captar toda su atención e invitarles a el interior del espacio comercial, donde el Visual Merchandising es imprescindible.

Para lograr estos objetivos la importancia de los materiales en el Visual Merchandising y el Escaparatismo es fundamental.

A veces puede pasar desaparecido, pero el material que utilizamos en la decoración de nuestra tienda es esencial para un excelente resultado. Se ha de tener en cuenta aspectos básicos de la elección, como por ejemplo, que este alineado con el ADN de la marca, cómo también aspectos más técnicos sobre su manipulación, cualidades y comportamiento a las variantes externas. 

¿Cuáles son los materiales más utilizados en el Visual Merchandising y Escaparatismo?

Sin duda entre los materiales más utilizados encontramos la madera: uno de los recursos más antiguos y también uno de los más versátiles. Este material aporta una sensación de calidez y se puede combinar con muchos elementos diferentes.

También se puede utilizar sin tratar para transmitir un aspecto más rústico.

El papel es otro de los materiales muy utilizados para las decoraciones de escaparates e interior de las tiendas. Es un material económico, creativo y fácilmente reciclable.

Por otro lado encontramos elementos más naturales como la piedra que está ganando importancia y suele ser utilizada para dejar el producto como máximo protagonista de la tienda.

También el metal está ganando protagonismo y suele combinarse en las paredes y el mobiliario.

Mientras, cada vez es menos común el uso de tapicería demasiado recargada en las paredes.

En el caso de los materiales como la piedra natural, el cristal o las alfombras, cada vez están más presente no solamente en las tiendas de alta gama sino también en los establecimientos de gran distribución.

Los suelos

El suelo es otro de los elementos clave de la tienda. Actualmente no es muy común el uso de moquetas y alfombras, especialmente en las tiendas de gran distribución, aunque sí continúan utilizándose en los establecimientos de gama alta.

A la hora de optar por un “suelo desnudo”, una opción recurrente, es el mármol, un material que ofrece una gran resistencia, durabilidad y estilo. 

Sin embargo, la mayoría de las tiendas opta por combinar este material con otro tipo de pavimento para los probadores donde el tacto con los pies descalzos sea más cálido.

Las alfombras son una alternativa cuando el producto requiere un contacto directo con los pies, como en el caso de las zapaterías, son además fáciles de limpiar o remplazar.

Una alternativa de vanguardia son los suelos de vinilo tejido que cuidan el medio ambiente, fabricados a partir de materiales que contienen plastificantes, realizados a partir de materias primas renovables de origen orgánico.

Es muy importante estudiar y analizar cuáles son los materiales más adecuados para trasmitir un mensaje coherente con el valor de tu marca y lograr ofrecer la mejor experiencia a tu clientela, sin perder de vista la importancia de la sostenibilidad y de generar un impacto mínimo para el medio ambiente.

Para hacerlo no dudes contar con la experiencia de un profesional del Visual Merchandising y el Escaparatismo, que pueda asesorarte en tu estrategia y ayudarte a lograr estos objetivos.

Fuentes: Moda.es, Casadecor.es y elaboración propia de joseluisledesma.com

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According to a study conducted by Digital News Report, podcasts in Spain are used by 39% of Spanish Internet users, whose purposes are: to inform (45%), educate (31%) and entertain (34%).

In 2020, according to Listen Note, there were 1.7 million podcasts with more than 82 million episodes in more than 100 languages; English being the main language with 900,000 programs, followed by Spanish with 100,000.

The advantages of podcasts are many: you can listen to them wherever you want, while doing other activities, besides it does not require a large investment for the brands that want to produce them, allowing to communicate and tell stories in a simple and direct way.

It is also a very accessible format, you only need a device with an internet connection to access the applications developed for this purpose. Among the most used are iVoox, Apple Podcast and Spotify.

Certainly, this formula for information and entertainment has come to stay.

In the fashion industry there are already many brands that have opted for podcasts. Here is a list of our personal selection.

• Fash-ON Fash-OFF

This i-D podcast, comes direct from London, is indispensable for all those who are passionate about fashion, style and the latest trends. You can get inspired by listening to talk about the designer’s collections and everything you need to know about fashion. You can find it on Spotify or Apple Podcast.

• THE MEMORY OF… With John Galliano.

This celebrated podcast first launched in 2018 and is still very successful.

It’s a journey inside Galliano’s personal atelier where the designer reveals his way of thinking, understanding fashion and about new ways of defining feminine or masculine. “A story usually heard only by those who belong to the fashion circle.” This is how he describes it. Essential to be inspired and learn from one of the most visionary designers in fashion.

• Gucci Podcast

Gucci Podcast is available on Spotify, Soundcloud and Apple Podcast. The topics are varied and very interesting, with guests such as Massimo Bottura, the three Michelin star chef in charge of Gucci Osteria. Each episode focuses on important topics for the brand, such as feminism and the socio-cultural problems that we are living today. You can’t miss it!

• Dressed: The History Of Fashion

This podcast created and hosted by Cassidy Zachary and April Calahan explores the incredible social and cultural history behind the clothes we wear every day. You can find a new episode every Tuesday and Thursday.

• The Collective Podcast

Although is not a fashion-specific podcast, The Collective Podcast offers bi-weekly episodes of entertaining and informative discussions with creative industry leaders from around the world. Created and hosted by designer and director Ash Thorp, it aims to explore the struggles of work/life balance to share the experiences of influential creatives from all walks of media, including designers, illustrators, visual effects artists, writers, painters and programmers. It’s definitely a must-have podcast for all lovers of creativity.

• La moda dice

This podcast directed by the Argentine Eugenia Maurello, a journalist with a postgraduate degree in Sociology of Design, tells us about fashion and its social role, covering topics such as sustainability and diversity.

• Slow Fashion Life

Slow Fashion Life is a bi-weekly podcast that approaches issues of the fashion world but from a perspective of sustainability. Cristina Aparicio, the host of the podcast, spreads sustainable fashion through interviews and stories of different sustainable brands, women entrepreneurs and their experiences with slow fashion reflecting on topics such as sustainable fabrics, the origin of clothing and fashion scene from an ethical perspective.

• Un Podcast de Moda

Un Podcast de Moda de S Moda (El País) is one of the Spanish-language podcasts on fashion par excellence.

The journalists Clara Ferrero and Carlos Megía, tell us about trends, entertainment, analyzing all the looks of the red carpets and the most important events in the fashion world with their direct and simple way of communicating. 

This is our personal selection of the most interesting podcasts of the moment about fashion and design, without a doubt, there are many more creators in this panorama that offer quality content. What are your essential podcasts?

Sources: Digital News Report, Listen Note, Apple Podcast, SModa

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Según un estudio realizado por Digital News Report, el podcast en España es utilizado por el 39% de los internautas españoles, los cuales tienen los como propósito: informarse (45%), formarse (31%) y entretenerse (34%).

En 2020, según Listen Note, existían 1,7 millones de podcasts con más de 82 millones de episodios en más de 100 idiomas; siendo el inglés el idioma principal con 900.000 programas, seguido por el español con 100.0000.

Las ventajas de los podcasts son muchas: puedes escucharlo donde quieras, mientras haces otras actividades y sobre todo no requiere una gran inversión para las marcas que los quieren producir, permitiendo comunicar y contar historias de forma sencilla y directa.

Además es un formato muy accesible, solo necesitas un dispositivo con conexión a internet para acceder a las aplicaciones desarrolladas a propósito. Entre las más utilizadas tenemos iVoox, Apple Podcast y Spotify.

Sin duda, esta fórmula de informarse y entretenerse ha llegado para quedarse.

En la industria de la moda ya son muchas las marcas que han apostado por los podcasts. A continuación os dejamos un listado de nuestra selección personal de podcast en ingles y español.

• Fash-ON Fash-OFF

Este podcast de i-D, directamente desde Londres, es indispensable para todos los apasionados de moda, estilo y de las últimas tendencias. Puedes inspirarte escuchando hablar sobre las colecciones de los diseñadores y todo lo que necesitas saber sobre moda. Puedes encontrarlo en Spotify o en Apple Podcast.

• THE MEMORY OF… With John Galliano.

Este célebre podcast en inglés lanzado por primera vez en 2018 sigue teniendo mucho éxito.

Es un viaje a dentro el atelier personal de Galliano donde el diseñador revela su manera de pensar, entender la moda y sobre las nuevas maneras de definir lo femenino o masculino. “Una historia usualmente escuchada solo por aquellos que pertenecen al círculo de la moda.” Así lo describe. Imprescindible para dejarse inspirar y aprender de uno de los diseñadores más visionarios de la moda.

• Gucci Podcast

Gucci Podcast está disponible en Spotify, Soundcloud y Apple Podcast. Los temas son variados y muy interesantes, además cuenta con invitados como Massimo Bottura, el chef de tres estrellas Michelin a cargo de Gucci Osteria. Cada episodio aborda temas importantes para la marca como por ejemplo el feminismo y los problemas socioculturales que se viven al día de hoy. ¡No te lo puedes perder!

• Dressed: The History Of Fashion

Este podcast creado y presentado por Cassidy Zachary y April Calahan explora la increíblemente historia social y cultural detrás de la ropa que usamos cada día. Puedes encontrar un nuevo episodio todos los martes y jueves.

• The Collective Podcast

Aunque no se trate de un podcast específico sobre moda, The Collective Podcast ofrece episodios quincenales de debates entretenidos e informativos con líderes de la industria creativa de todo el mundo. Creado y presentado por el diseñador y director Ash Thorp, su objetivo es explorar las luchas del equilibrio trabajo  y vida diaria para compartir las experiencias de creativos influyentes de todos los ámbitos de los medios, incluidos diseñadores, ilustradores, artistas de efectos visuales, escritores, pintores y programadores. Sin duda es un podcast indispensable para todos los amantes de la creatividad y del diseño.

• La moda dice

Este podcast dirigido por la argentina Eugenia Maurello, periodista con Posgrado en Sociología del Diseño nos cuenta sobre la moda y su rol social tocando temas como la sostenibilidad y la diversidad.

• Slow Fashion Life

Slow Fashion Life es un podcast quincenal que aborda los asuntos del mundo de la moda desde una perspectiva de la sostenibilidad. Cristina Aparicio, la host del podcast, difunde la moda sostenible por medio de entrevistas e historias a distintas marcas sostenibles, mujeres emprendedoras reflexionando sobre temas como tejidos sostenibles, el origen de la ropa y la moda vista desde una perspectiva ética.

• Un podcast de moda

Un Podcast de Moda de S Moda (El País) es uno de los podcasts en castellano sobre moda por excelencia. Las periodistas Clara Ferrero y Carlos Megía, nos cuentan sobre tendencias, entretenimiento analizando todos los looks de las alfombras rojas y de los eventos más importantes del mundo de la moda con su manera de comunicar directa y sencilla. 

Este es nuestra selección personal de los podcasts más interesantes del momento sobre moda y diseño, sin duda, hay muchos más creadores en este panorama que ofrecen contenido de calidad. ¿Cuáles son tus podcasts imprescindibles?

Fuentes: Digital News Report, Listen Note, Apple Podcast, SModa

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In this way we can explain and study the behaviour of consumers during their purchase process.

Its origins date back to 2002, when Dutch Marketing Professor Ale Smidts (Nobel Prize in Economics) introduced the term “neuromarketing”.

According to the author, neuromarketing consists of the research techniques of brain mechanisms in the mind, that is, the consumer’s subconscious, to discover how brands can improve their marketing strategies.

Thanks to this discipline we can find out which stimuli people pay more attention to and which do not to, in order to consolidate sales strategies and marketing actions more focused on our audience.

Types of neuromarketing

There are a different type of neuromarketing:

• Auditory: is the one that focuses on the sense of hearing to achieve its objectives. It’s mainly used in sound resources such as music.
• Visual: is the one that is based on the sense of sight and studies how a consumer reacts to seeing a product.
• Kinesthetic: it is based on touch, taste and smell. It has incredibly high potential, as it can increase consumer desire by receiving some encouragement.

Neuromarketing and fashion

The possibilities that neuromarketing offers to the fashion and retail sector are almost unlimited. 

When a consumer enters a store, all of their senses, from taste to touch, are activated, and have an impact on how they behave.

Constantly analysing techniques to optimize the conversion of a brand’s products based on customer behaviour in the purchasing process is also essential to ensure a satisfactory experience.

One of the most applied neuromarketing techniques in the physical store is aromatization: the power of aromas. This technique consists of using a pleasant and recognizable scent throughout the sales space that increases the emotional levels of customers.

It’s about activating all the senses of the clients generating stimuli capable of providing emotional anchors that benefit the business.

Another key tool for creating subliminal sensations is lighting. A cold light is recommended to illuminate bright items. Instead, warm light invites you to step in.

The tones and vibrations of the music can also cause emotions such as euphoria or tranquillity and condition the way the consumer behaves in the store. In the first case, it serves to motivate the purchase by impulse; in the second, it is used to extend the time of stay in the store.

In the fashion industry, the colours of visual merchandising are very important, because they interact with the colours of the products on display. It’s recommended, for example, to use neutral colours that do not affect the perception of the tones of the garments and cause a feeling of tranquillity that invites you to walk around the store and spend more time in it.

Neuromarketing is not only a powerful tool for the physical space but also for the offline sale. We can, in fact, measure the impact on the customer of e-commerce by analysing their experience, and the information that motivates them.

Having a greater knowledge of the stimuli that affect people and how they affect them, is a continuous bet for many companies.

That deeper knowledge will ensure the creation of tailor-made products and experiences for customers.

Having a professional with experience in the sector and the ability to apply these concepts in your market strategy will be fundamental to achieve great results and loyalty consumers.

Sources: aenene.org, www.nmsba.com, moda.es

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De esta manera podemos explicar y estudiar el comportamiento de los consumidores durante su proceso de compra.

Sus origines remontan al año 2002, cuando el profesor holandés de Marketing, Ale Smidts (Premio Nobel en Economía) introdujo el término “neuromarketing”.

Según el autor, el neuromarketing consiste en las técnicas de investigación de los mecanismos cerebrales en la mente, es decir, el subconsciente del consumidor, para descubrir cómo las marcas pueden  mejorar sus estrategias de marketing.

Gracias a esta disciplina podemos averiguar a qué estímulos las personas prestan más atención y a cuáles no para consolidar estrategias de ventas y acciones de marketing más enfocadas a nuestro público.

Tipos de neuromarketing

Existen diferentes tipologias de neuromarketing:

• Auditivo: es el que se centra en el sentido del oído para conseguir sus objetivos. Se usa sobre todo en recursos sonoros como la música.
• Visual: es el que se basa en el sentido de la vista y estudia cómo reacciona un consumidor al ver un producto.
• Kinestésico: es el que se basa en el tacto, gusto y el olfato. Tiene un potencial increíblemente alto, ya que puede llegar a aumentar el deseo del consumidor al recibir cierto estímulo.

Neuromarketing y moda

Las posibilidades que el neuromarketing aplicado ofrece al sector de la moda y del retail son casi ilimitadas. 

Cuando un consumidor entra en una tienda, todos sus sentidos, desde el gusto hasta el tacto, se activan, y tienen un impacto sobre cómo se comporta. 

Analizar constantemente las técnicas para optimizar la conversión de los productos de una marca basados sobre el comportamiento del cliente en el proceso de compra es fundamental también para garantizar una experiencia satisfactoria. 

Una de las técnicas más aplicadas de neuromarketing en las tiendas física es la aromatización: el poder de los olores. Esta técnica consiste en utilizar un olor agradable y reconocible en todo el espacio de venta que incrementa los niveles emocionales de los clientes.

Se trata de activar todos los sentidos de los clientes generando estímulos capaces de aportar anclajes emocionales que beneficien al negocio.

Otra de las herramientas clave para crear sensaciones de manera subliminal es la iluminación. Una luz fría se recomienda para iluminar artículos brillantes. En cambio, la luz cálida invita a pasar.

Los tonos y las vibraciones de la música también pueden causar emociones como euforia o tranquilidad y condicionar la manera en la que el consumidor se comporta en la tienda. En el primer caso, sirve para motivar la compra por impulso; en el segundo, se utiliza para alargar el tiempo de permanencia en la tienda.

En el sector de la moda, los colores del visual merchandising son fundamentales, porque interactúan con los colores de los propios productos expuestos. Se recomienda, por ejemplo, utilizar colores neutros que no afecta a la percepción de los tonos de las prendas y causan una sensación de tranquilidad que invita a pasear por la tienda y pasar más tiempo en ella.

El neuromarketing no es solo una herramienta poderosa para el espacio físico sino también para el punto de venta offline. Podemos, de hecho, medir el impacto en el cliente del punto de venta online analizando su experiencia y la información que le motiva.

Tener un mayor conocimiento de los estímulos que afectan a las personas y cómo los afectan, es una apuesta continua para muchas empresas. Ese conocimiento más profundo garantizará la creación de productos y experiencias hechos a medida para los clientes.

Tener un profesional con experiencia y las capacidades para aplicar estos conceptos en tu estrategia de mercado será fundamental para lograr gran resultados y fidelizar los consumidores.

Fuentes: aenene.org, www.nmsba.com, moda.es

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Involvement in the needs that occur in the fashion industry is an important issue to be able to transform that awareness of the situation, in the effectiveness of each function and performance that each one has in the industry itself.

It is also essential to have the plan risk responses, in order to solve problems that endanger the objectives of the participants in the fashion industry.

It’s clear that within the circumstances that occur in each period, there are factors that favour us and others that do not. Especially circumstances can become harsh without good planning and its management, especially if we speak within a change of Era, as is the case today, with the so-called “Digitisation Era”.

The case of the Retail and Fashion industry

In the Retail industry, in stable circumstances, the online sales activity has had remarkable growth and profitability, with high advantages in the face of the unfortunate closures of physical sales spaces, on the other hand the creation of Retail companies without the need install commercial spaces, solving time problems on the part of the client, etc.

But there are a number of factors that can lead to being a real nuisance with economic consequences, both for entrepreneurs and customers.

As an example of some of the current issues, such as logistics and customer service, there are some points to keep in mind:

• The online sale, transfers physical products to real customers, who expect a positive shopping experience that has to do with the expectation offered by the seller. With which, the logistics system of these companies have the obligation to not only be effective, if not the best. And Amazon knows a lot about that, which recently announced that it has bought eleven Boeing 767-300 aircraft from Delta and WestJet airlines in order to strengthen its air fleet in the face of increasing orders over the Internet.

• Although Inditex has a very powerful logistics system, specifically shop online system, it depends on private external transport companies, which depending on the effectiveness of said transport companies, the reception of the product by the client, can take from 7 to 15 days. With which, there is no immediate effect, feeling of exclusivity, satisfaction, etc., that the physical space does provide.

• In the event that these brands, using national postal services, the purchase may take much longer. If not, you have to go pick it up yourself, it has nothing to do with the experience of buying from a certain brand.

• Retail business need a solid delivery system, door to door, so that what you buy through online sales, arrives in 48 hours maximum at the time of your home, without excuse. With properly trained distribution professionals with a team that guarantees the quality of service and performance of said professional.

• Brands have the obligation to get transport companies that are part of that brand philosophy, transmitting the customer service and shopping experience policies of said brand. Otherwise, the brand loses control over its activity and feedback.

• Other aspects to be greatly improved in almost all the brands are their customer service system, which is still inaccessible, with robotic responses, which has nothing to do with customer needs. As well, an agile response system before possible problems with the product.

What is fundamental is that in all projects, all participants have to be aligned with the interests of the project itself.

It makes no sense for companies to invest resources, if the customer’s final shopping experience is different from the promised intention. To solve it, it is essential to have suitable Director of projects with emotional intelligence skills with appropriate team, to be able to reach the goals.

Within the position of Director of Visual Merchandising, there is a very important design, management, production and logistics work, which it needs to be complemented with the knowledge that project management training provides.

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La involucración en las necesidades que acontecen en la industria de la moda, es un tema importante para poder transformar esa conciencia de la situación, en la efectividad de cada función y desempeño, que cada uno tenga en su propia área.

Es fundamental, además, tener creados los planes correspondientes de contingencia, para poder solventar problemas que pongan en peligro los objetivos de los participantes en la industria de la moda. 

Está claro, que dentro de las circunstancias que ocurren en cada ciclo de vida, hay factores que nos favorecen y otros que no. Especialmente las circunstancias pueden llegar a ser duras sin una buena planificación y su gestión, sobre todo si hablamos dentro de un cambio de Era, como es el caso actual, con la llamada de la “Era de la digitalización”.

El caso de la Industria Retail

En la Industria Retail, en circunstancias estables, la actividad de venta on-line ha tenido un crecimiento y rentabilidad notable, con altas ventajas ante los desafortunados cierres de los espacios físicos de venta, por otro lado la creación de empresas retail sin necesidad de espacios físicos, solventando problemas de tiempo por parte del cliente, etc.

Una serie que factores que pueden llevar a ser un verdadero fastidio con consecuencias económicas, tanto a empresarios como a clientes.

Como ejemplo de unos de los temas en actualidad, como es la logistica y atención al cliente, hay algunos puntos a tener en cuenta: 

• La venta online, traslada productos físicos a clientes de carne y hueso, que esperan una experiencia de compra positiva, que tenga que ver con la expectativa ofrecida por el vendedor. Con lo cual, el sistema logístico de estas empresas tienen la obligatoriedad de, no solo ser efectivo, sino ser el mejor. Y de eso sabe mucho, Amazon que recientemente anunció que ha comprado once aviones Boeing 767-300 a las aerolíneas Delta y WestJet con el fin de reforzar su flota aérea ante el aumento de los pedidos a través de Internet.

• Aunque Inditex tiene un sistema logístico muy potente, en concreto, en venta online, depende de empresas de trasporte externas privadas, que dependiendo de la efectividad de dichas empresas de trasporte, la recepción del producto por parte del cliente, puede demorar de 7 a 15 días. Con lo cual, no hay un efecto de inmediatez, sensación de exclusividad, satisfacción, etc., que sí proporciona el espacio físico.

• En el caso que dichas marcas, utilicen correos nacionales, la compra puede demorarse mucho más. Si no es, que tienes que ir a recogerlo por ti mismo, que nada tiene que ver con la experiencia de comprar a una determinada marca. 

• Se necesita un sistema de entrega a domicilio a prueba de todo, para que lo que compres a través de la venta on-line, llegue en 48 horas máximo a la puerta de tu domicilio, sin excusa. Con profesionales de la distribución formados adecuadamente con un equipo, que garantice la calidad del servicio y desempeño de dicho profesional. 

• Las marcas tienen la obligación de conseguir empresas de trasporte, que sean parte de esa filosofía de marca, transmitiendo las políticas de atención al cliente y experiencia de compra de dicha marca. Ya que en caso contrario, la marca pierde el control sobre su actividad y retroalimentación. 

• Otros aspectos a mejorar muchísimo en la casi totalidad de las marcas, son su sistema de atención al cliente, sigue siendo inaccesible, con respuestas robóticas, que nada tiene que ver con las necesidades del cliente. Como también, un sistema de respuesta ágil, ante los posibles problemas con el producto.

Lo que es fundamental es, que en todos los proyectos, todos los participantes tienen que estar alineados con los intereses del propio proyecto. 

No tiene sentido. que las empresas inviertan recursos, si la experiencia de compra final del cliente es diferente a la intención prometida. Para ello es esencial contar con directores de proyectos adecuados, con formación en inteligencia emocional, equipos y medios, para poder llegar a los objetivos.

Dentro de la posición de dirección del Visual Merchandising, existe un trabajo de diseño, gestión, producción y logística muy importante, que necesita ser complementada con los conocimientos que proporciona la formación en gestión de proyectos.

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The issue is clear, those companies, organizations and even state agencies how doesn’t build a truly and efficient digital platform are going to be left out from the global communication system.

One risk that must be taken into consideration is the lack of cybersecurity will endanger the investment and profit of the digital companies.

Types of cybersecurity threats

We can find cases of:

• Ransomware: a type of malicious software. It is designed to demand money by blocking access to files or the computer system until a ransom is paid.
• Malware: Malware is a type of software designed to gain unauthorized access or damage a computer. There are different types of malware, and they are often spread through an unsolicited email attachment or legitimate-looking download.
• Phishing: the practice of sending fraudulent emails that look like from reputable sources. The goal is to steal sensitive data, such as credit card numbers and login information.

The fashion industry no longer only has the challenge of balance in the development of online and offline sales, but also the cybersecurity of its users and customers.

On the Internet, both companies and individuals are exposed to many dangers that may cause considerable damage. For this reason, the issue of cybersecurity is now more important than ever and not only refers to Internet security, but also to other aspects and sectors of information and communication technologies.

From the logistics process to the production process, the fashion industry is, without a doubt, one of the industries that has accelerated the digitization process the most.

Companies in the fashion industry must have efficient and effective cybersecurity packages in order to protect themselves and its clients.

There are several examples of companies in the retail sector that have successfully developed their digital sector without giving up on enhancing their physical stores:

1. Zara: one of the leaders in digital transformation in retail. The company already has, barcodes on the articles that you can scan to find out where the size of the item you are looking for is, whether in that store or in any, or even to buy it online. In addition, the employees carry a smart device that sends them messages about what items need to be restocked. This allows to save time and improve customer service. All the garments in Zara carry an electronic tag with RFid radio frequency (installed in the alarm), which are loaded with data from the central in Arteixo and in this way they can know the inventory in real time.
2. Mango, like other companies, has opted for the installation of digital mirror. It consists of a touch screen installed in the mirror of the changing rooms and works by scanning the barcode of the products; it allows you to consult information about the garments and to contact the store staff making requests without having to leave the changing room. It is worth to mention the example of Rebecca Minkoff, who has generated a revolution with her smart-mirrors.
3. In the Nikestore, they have equipped the staff with smart devices with card readers, so when the store is crowded and too many people are in line, any employee is able to charge customers, and reduce the wait time.

The great changes of digital transformation have to always take into account the concept of functionality and the customer experience. Ensuring an omnichannel experience is critical.

E-commerce and physical shopping, formerly separate universes, today complement each other taking advantage of both environments and enhancing customer proximity and brand image.

The customer wants to have the same shopping experience that they have enjoyed in the physical store, through different digital channels. 

Within this new sales model, the physical store doesn’t have to disappear. On the contrary, it takes on a special importance as it adapts to the new reality. 

The online shopping experience should be in line with the one in the physical store, maintaining the essence of contact, a good and personalized customer care. To achieve these objectives for your company, it is essential to have the experience and advice of a Director of Visual Merchandising, Window displays and Projects .

Source: Cisco

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La problemática es evidente, ya que todas las empresas, organizaciones y demás, incluyendo los organismos estatales, que no logren una digitalización verdaderamente eficiente y funcional para el uso de las personas, quedará fuera del sistema de la comunicación global.

Un riesgo que se debe tomar en consideración, es que una falta de ciberseguridad y/o una normativa con una plataforma de seguridad global, que actúe de manera inmediata por los intereses de los usuarios llegará a poner en peligro la inversión y/o beneficio de las empresas que digitalicen.

¿Cuáles son los tipos de amenazas a la ciberseguridad?

Podemos encontrar casos de:

• Ransomware: un tipo de software malicioso. Está diseñado para exigir dinero mediante el bloqueo del acceso a los archivos o el sistema informático hasta que se pague un rescate. 

• Malware: El malware es un tipo de software diseñado para obtener acceso no autorizado o causar daños en un ordenador. Hay diferentes tipos de malware y con frecuencia vienen propagados a través de un archivo adjunto, de correo electrónico no solicitado o de una descarga de apariencia legítima.

• Phishing o Suplantación de identidad: es una práctica que consiste en enviar correos electrónicos fraudulentos que se parecen a correos electrónicos de fuentes de buena reputación. El objetivo es robar datos sensibles, como números de tarjetas de crédito e información de inicio de sesión.

La industria de la moda, ya no solo tiene el desafío del equilibrio en el desarrollo de la venta on-line y off-line, sino que también la ciberseguridad de sus usuarios y clientes.

En Internet, tanto las empresas cómo los particulares están expuestos a una gran cantidad de peligros que pueden causar daños considerables. Por esta razón, el tema de la ciberseguridad, es ahora más actual que nunca y no solo hace referencia a la seguridad en Internet, sino también a otros aspectos y sectores de las tecnologías de la información y de la comunicación.

Desde el proceso logístico hasta el proceso productivo la industria de la moda es, sin duda, una de las industrias que más ha acelerado su proceso de digitalización.

Las empresas de la industria de la moda han de disponer de herramientas para protegerse por medio de paquetes de ciberseguridad completos, eficiente y eficaces en proporción a la dependencia tecnológica de las empresas.

Hay varios ejemplos de empresas del sector retail que han desarrollado muy bien su parte digital sin renunciar a potenciar sus espacios físicos de tiendas off-line:

1. Zara: uno de los líderes en transformación digital en retail. La empresa ya cuenta, hace tiempo, con unos códigos de barra en los artículos que puedes escanear para saber dónde está la talla del artículo que buscas, sea en esa tienda o en cualquiera; incluso para comprarla online. Además sus empleados cuentan con un dispositivo inteligente que les notifica sobre qué artículos reponer del almacén y el stock en tiempo real, esto permite ahorrar tiempo y mejorar la atención al cliente. Todas las prendas en Zara llevan una etiqueta electrónica con radiofrecuencia RFid (instaladas en la alarma), que se cargan con datos desde la central en Arteixo y de esta forma pueden conocer el inventario al minuto.
2. Mango, como otras empresas, ha apostado por la instalación de los probadores digitales. Consiste en una pantalla táctil instalada en el espejo de los probadores y funciona al escanear el código de barras de los productos; permite consultar información acerca de las prendas y para contactar con el personal de la tienda realizando peticiones de prendas sin tener que salir del probador. Hay que mencionar el ejemplo de Rebecca Minkoff, que ha generado una revolución con sus smart-mirrors.
3. En los Nikestore, han dotado al personal en línea de caja con dispositivos inteligentes que cuentan con lectores de tarjetas y tpv, para que en un momento de mucha afluencia de personas, un empleado pueda salir de la línea de caja para cobrar a los clientes, y reducir el tiempo de espera.

Los grandes cambios de la transformación digital tienen que tener en cuenta siempre el concepto de funcionalidad, seguridad y experiencia de los clientes. Es fundamental garantizar una experiencia omnicanal. 

El comercio electrónico y la compra offline, antes universos separados, al día de hoy se complementan cada vez más para aprovechar las ventajas de los dos entornos y para potenciar la cercanía al cliente y la imagen de marca.

El cliente desea tener la misma experiencia de compra que ha disfrutado en la tienda física, a través de los diferentes canales digitales.

Dentro de este nuevo modelo de ventas, la tienda física no tiene por qué desaparecer. Por el contrario, cobra una especial importancia, en la medida en que se adapte a la nueva realidad. La tienda, debe asimilarse a la experiencia de compra virtual que ha tenido el cliente, manteniendo la esencia del contacto y la buena atención personal. Para lograr estos objetivos es fundamental contar con la experiencia y la asesoría de un Director de Visual Merchandising, Escaparatismo y Proyectos.

Fuente: Cisco

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It is important to pay attention and understand the meaning of each color, what represents and what effect would have in the commercial statement that we want to deliver.

Colors can convey feelings, emotions and messages to us, using them consciously is the key to a winning design.

The psychology of color has to be studied and analysed in every design strategy. Many important firms and companies already use the psychology of colour to reinforce the message of their campaigns, their products or to effectively reach the profile of the customer they are targeting.

Colours are essential to define the composition of any shop window, to create balance, manipulate the perception of objects and the sensations we want to transmit to the customer.

The way in which the color is applied in the design of a shop window will completely alter the final result, so colour is a truly important.

There are some accepted and shared concepts regarding colour, applied in both sides West and East. Understanding their meanings will allows us to be accurate in the application of color and its psychology. For this reason, it is essential to study its history and live its culture.

Do colours have gender?

As we have commented previously, there are many social conventions at a global level around certain colours, but at the same time, there are many subjective aspects in the psychology of color that will cause the same colour to have many interpretations and meanings in different cultures, historical times or parts of the world.

There are colours that are used today differently if we compare them with the use they had in the past, such is the case of pink and blue.

Currently, we are used to associating the color blue with the masculine and the pink with the feminine, but this has not always been the case.

The use of pink for girls and blue for boys is a relatively new concept if we compare it with time ago framed in each historical context. In fact, traditionally, blue symbolized for many centuries, the feminine, linking water and the sea. The opposite of this element is fire, red being assigned to the masculine.

What about pink?

“Reformist fashion”

Pink color is associated today with the feminine world, however, until 1920s, was a masculine color. Before this decade, the indicated colour for girls was white or blue. For this reason, as Eva Heller explains, in her book “The Psychology of Color”, we can see male children of the aristocracy or the Child Jesus dressed in pink in ancient paintings. Among many other very interesting references centuries ago.

In fact pink, is in the range of the color red, it was denominated by the old Babylonians “like blood”. It is a more intense and stronger color for this reason and since it’s related to the color red it looked more suitable for male children. While blue, which is more gentle, was associated with girls.

During the 60s, in the retail world, baby clothes remained in neutral tones until the 80s, when genderless garments disappeared to recover the idea of ​​boys in blue and girls in pink.

Today, the color pink continues to have different connotations and interpretations around the world. In Japan, for example, it serves as a nostalgic symbol of the slain samurai, perceived as a masculine and gloomy color. In Korea, it is interpreted as a sign of trust and in Germany it has a character of tenderness, pacifism and sweetness.

Another masculine color par excellence is red, the color of strength and activity that is associated with fire and blood. But there is also a typically feminine red in religions close to nature: dark red, a color symbolizing the state of fertility in women.

Red is the color of happiness in China. For example, red eggs are a typical gift related to births and are a symbol of happiness in life. As well red envelopes with lucky money for the New Year.

There is much more to read about the power of colour and single colour psychology. It is clearly a way of expressing oneself, through art and culture, which are constantly changing along with society and its historical context. As a result, using all the necessary data of a determining color in our designs, we can convey very important and effective messages.

For this reason, the knowledge of the Director of Window Display Design and Visual Merchandising department has to be rigorous and go much further than what is shown at first glance to be able to play with the symbolism of decoration and the psychology of colors, in order to have more impact on the work, which is essential for the success of each project of each company.

Sources: The Psychology of Color de Eva Heller. www.pinkisforboys.org, artsy.net.

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Es importante prestar atención y conocer el significado que representa cada color y que impacto pueda generar en el mensaje que queremos aportar. Esto no sería posible, sino estudiamos la Historia de cada país a la que va dirigido el diseño de los escaparates.

Los colores nos transmiten sensaciones, emociones y mensajes, usarlos de forma consciente es la clave para un diseño vencedor. Y a lo largo de la Historia se han utilizado con significados diferentes.

La psicología del color tiene que ser estudiada y analizada en cada estrategia de diseño. Hay muchas grandes firmas que ya utilizan la psicología del color para reforzar el mensaje de sus campañas, de sus productos o para impactar el perfil del cliente al que se dirigen. 

Los colores son esenciales para definir la composición de cualquier escaparate, para crear un equilibrio, dirigir la percepción de los objetos y las sensaciones que transmite al cliente.

El tipo de uso que se le dé al color en el diseño de un escaparate modificará por completo el resultado final por lo que el color es una parte importantísima.

Hay conceptos aceptados y compartidos respecto al color, aplicados tanto en Occidente como en Oriente. Conocer sus significados nos permite acertar en la aplicación del color y de su psicología. Para ello es fundamental estudiar su Historia y vivir su cultura.

¿Los colores tienen género? 

Tal como hemos comentado anteriormente, existen muchas convenciones sociales a nivel global alrededor de ciertos colores, pero al mismo tiempo, existen muchos aspectos subjetivos en la psicología del color que provocan que un mismo color tenga variaciones en la interpretación y el significado en distintas culturas, épocas históricas o partes del mundo.

Hay colores que se usan hoy en día de forma diferente que en pasado, tal es el caso de los colores rosa y azul.

Actualmente estamos acostumbrados a asociar el color azul a lo masculino y el color rosa a lo femenino, pero no siempre ha sido así.

La utilización del color rosa para niñas y el color azul para niños, es un concepto relativamente nuevo si lo comparamos con tiempo atrás enmarcado en cada contexto histórico. De hecho por ejemplo, tradicionalmente, el azul simbolizó durante muchos siglos, lo femenino vinculando al agua y el mar. Siendo lo opuesto a este elemento el fuego, siendo el rojo asignado a lo masculino.

¿Y el rosa? “Moda reformista”

El color rosa asociado, a día de hoy con el mundo femenino, fue hasta la década 1920, un color masculino. Anteriormente a esta fecha, el color indicado para las niñas era el blanco o el azul. Por esta razón, como bien explica, Eva Heller, en su libro la “Psicología del color“, podemos ver en los cuadros antiguos niños varones de la aristocracia o el Niño Jesús vestidos de rosa. Entre otras muchas otras referencias interesantísimas siglos atrás.

El rosa, siendo de la gama del color rojo y denominado por los antiguos babilonios “como sangre”. Es un color más intenso y fuerte por esa misma relación del rojo, se veía más adecuado para los niños. Mientras que el azul, que es más apacible, se asociaba para las niñas.

Durante la década de los 60, en el mundo retail, la ropa de bebés se mantuvo en tonos neutrales hasta los años 80, cuando las prendas sin género desaparecieron para recuperar la idea de niños de azul y niñas de rosa.

Hoy en día, el color rosa, sigue teniendo diferentes connotaciones e interpretaciones en todo el mundo. En Japón, por ejemplo, sirve como símbolo nostálgico del samurai asesinado, percibiéndose como un color masculino y lúgubre. En Corea se interpreta como un signo de confianza y en Alemania tiene un carácter de ternura, pacifismo y dulzura.

Otro color masculino por excelencia, es el rojo, color de la fuerza y actividad que se asocia con el fuego y la sangre. Pero también hay también un rojo típicamente femenino en las religiones próximas a la naturaleza: el rojo oscuro, un color simbolizaba el estado de fertilidad en la mujer.

El rojo es el color de la felicidad en China. Por ejemplo, los huevos de color rojo, es un regalo típico relacionado con los nacimientos es un símbolo de felicidad en la vida y los sobres con dinero de la suerte en Año Nuevo.

Hay mucho más que leer sobre el poder del color y de la psicología de un solo color. Es claramente una forma de expresarse, a través del arte y la cultura, que van constantemente cambiando junto a la sociedad y su contexto histórico. Como resultado, utilizando todos los datos necesarios de un determinando color en nuestros diseños, podremos vehicular mensajes muy importantes y efectivos.

Por esta razón el conocimiento del Director del departamento de Diseño de Escaparates y Visual Merchandising tiene que ser riguroso e ir mucho más allá de lo que se muestra a primera vista, para poder jugar con la simbología de la decoración y la psicología de los colores, con el fin de obtener más repercusión en el trabajo, lo cual es fundamental para el éxito de cada proyecto de cada empresa.

Fuentes: Psicología del Color de Eva Heller. www.pinkisforboys.org, artsy.net.

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All these questions are related to whether or not to repeat consumption in a commercial space.

The fiction of social networks triumphs, due to the mediocrity of reality. Commercial spaces have had a favorable evolution, although shop displays are a pending matter, especially in the range of small and medium-sized companies, while customer service has been abandoned until the non-existence of their standards. Even in online experiences, customer service is poor.

Bad manners, a bad expression, reluctance, contempt, a bad tone, ego, bad appearance or a poor personal hygiene. Commercial spaces with a mediocre image, flaws, a website with technical problems or not very functional. Poor management within the activity, etc. All this, unfortunately, happens much more than we think, in a world flooded by the distorted image of social networks, reality does not invite consumption.

Customer service is an essential part of successfully completing the customer experience, regardless of whether they have consumed. Not only are resources wasted in creating customer service criteria, but there is no efficient monitoring and supervision for a positive evolution.

“When people speak, they listen completely. Most people never listen ” Ernest Hemingway.

All companies know the theory of how the customer is served, but why is there such a difference between customer service and attention between Europe and Asia? Especially in the South Pacific area, the excellence of the level of customer service is a truth in small, medium and large companies.

We can affirm that we are in the era of the experience market where the customer values a positive experience and this value goes far beyond simply buying a product. Today’s consumer is a well-informed consumer, who has new habits and behaviours based on technological advances and, above all, who values the quality of the services and the care received.

To achieve these expectations, companies must understand the importance of having a highly trained, committed team with experience in different sectors.

In the world of fashion, it’s essential that the figure of the Director of Visual Merchandising has training also as a Project Manager, who have the responsibility of commercial value, coordination, guarantee excellent customer service and follow-up on it.

Heroes do not exist, but professionals, committed, respectful and responsible people.

Europe don’t need to make a change to this, it needs to apply, maintain and evolve, what it is currently is just a theory.

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¿Volverías a consumir dónde no has recibido una buena atención al cliente la primera vez? ¿Cómo te gustaría que te tratasen al entrar en cualquier espacio comercial, ya sea offline u online? ¿Qué valor tiene para ti; tu confianza, tiempo y recursos? ¿Qué valor tienes de ti mism@?

Todas estas preguntas están relacionadas a la hora de repetir o no, el consumir en un espacio comercial, independientemente de lo que se trate. 

La ficción de las redes sociales triunfa, por la mediocridad de la realidad. Los espacios comerciales han tenido una evolución favorable, aunque los escaparates son una materia pendiente sobre todo en el rango de pequeño y mediana empresa, mientras que la atención al cliente se ha ido abandonando hasta la inexistencia de sus estándares. Incluso en las experiencias online, la atención al cliente es bochornosa.

La mala educación, una mala expresión, desgana, desprecio, un mal tono, el ego, el mal aspecto o higiene personal. Espacios comerciales con una imagen mediocre, desperfectos, una página web con problemas técnicos o poco funcional. Una mala gestión dentro de la actividad, etc. Todo esto, desafortunadamente ocurre mucho más de lo que nos pensamos, en un mundo inundado por la imagen distorsionada de las redes sociales, la realidad no invita al consumo.

El servicio al cliente es la una parte esencial para poner culminar la experiencia del cliente de manera exitosa, independientemente si ha consumido o no. Ya no solo se desperdicia recursos en la creación de los criterios de la atención al cliente, sino que no existe un seguimiento y supervisión eficiente para la una evolución positiva.

“Cuando la gente habla, escucha completamente. La Mayoría de la gente nunca escucha” Ernest Hemingway.

Todas las empresas saben la teoría de cómo se atiende al cliente, pero ¿Por qué hay tanta diferencia entre la atención y servicio al cliente entre Europa y Asia? Especialmente la zona del Sur del Pacífico, la excelencia del nivel de la atención al cliente es una verdad en pequeñas, medianas y grandes empresas. 

Podemos afirmar que estamos en la era del mercado de la experiencia donde el cliente valora una experiencia positiva y este valor va mucho más allá de comprar simplemente un producto. El consumidor, hoy, es un consumidor bien informado, que tiene nuevos hábitos y comportamientos basados en los avances tecnológicos y, sobre todo, que valora la calidad de los servicios y de la atención recibida.

Para cumplir con estas expectativas las empresas deben comprender la importancia de contar con un equipo altamente formado, comprometido y con experiencia en diferentes sectores.

En el mundo de la moda, es fundamental que la figura del Director de Visual Merchandising tenga, también, una formación como Project Manager, que pueda aportar valor comercial, coordinar, garantizar una excelente atención al cliente y un seguimiento de la misma tanto online como offline.

Los héroes no existen, sino profesionales y personas comprometidas, respetuosas y responsables.

Europa no necesita hacer un cambio ante esto, necesita aplicar, mantener y evolucionar, lo que es actualmente es solo una teoría.

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– “Once they invited me to a party and I decided to make a dress with feathers, sewn one by one, and it attracted so much attention, people asked me so much about it, where it was from, At that moment I thought that I could make a mini-collection”. – That is how Teresa Helbig, relates how she started in the fashion world. She began her path as a visual window display designer for many shops in Barcelona until she found her true vocation as fashion designer.

The firm Helbig was born in 1996, initiated by Teresa and her talented mother, Teresa Blasco, a professional seamstress and dressmaker who, from an early age, encouraged her daughter’s curiosity and passion for this field. Two generations of women who have worked together to create one of the most experienced brands in Spain.

In fact, with more than 24 years of presence in the fashion world, today, the Catalan designer is a benchmark to draw inspiration.

The Helbig Girls

The garments of this firm are recognized for their uniqueness, in fact, all of them are hand made to the last detail and stand out for their beauty and elegance. The Helbig style has been defined as timeless, fresh, romantic, feminine, sophisticated style with a provocative and punk touch.

For that reason, actresses and many national and international personalities, have been lucky to wear a Helbig dress, among them: Olivia Wilde, Úrsula Corberó, Inma Cuesta, Rosalía, Macarena Gómez, Amaia Romero, Taylor Swift, Gwen Stefani, Zendaya, Saoirse Ronan and Halle Berry. Teresa defines the Helbig woman as rebellious, independent, curious and hard-working.

The designer has always shown her great passion for his profession and from the beginning she has been a pioneer in several aspects, for instance, she was one of the first designers to dare with fashion films and from the beginning she has sold her designs just after the runway.

The importance of teamwork

At the head of the business, next to Teresa, along with Teresa Blasco, is also her husband: Chema Paré. The Helbigs have their atelier, studio and showroom in Barcelona, in a modernist building from 1905 located in the Eixample neighborhood. They have an indispensable team of 20 people: dressmakers, pattern designers, assistants, photographers, florists, shoemakers, jewelers, artisans, graphic designers and journalists, among others, together they create ready-to-wear, sewing and bridal collections. Teresa affirms that her atelier is, above all, home.

“All my team is irreplaceable and I don’t know how I would do it if they weren’t a few meters beyond my design table” – Teresa Helbig.

There is no doubt that the success of her brilliant career is due to his creativity, hard work and the love for this profession, however the cornerstone for this and any other project lies in the importance of teamwork.

“Being a fashion designer has never been an easy job. There are all the hours of the world, and with very unromantic parts: production, numbers, logistics, shipping. Sometimes fashion is like an Excel, sometimes you have to make an extra effort so this tedious part take doesn’t take away your passion or energy for the other part, the beautiful one, the creative one, the one to take the fabric and the mannequin and start dreaming “- Teresa Helbig.

Without any doubt, Teresa Helbig will continue to inspire us with many more projects and innovative ideas.

A constant professional who loves his trade, doing it every day with creativity and passion, undoubtedly she has the necessary talent to create successful projects, being consequently a source of inspiration for many other people. In any field, especially in the fashion industry, teamwork, defined leadership, and having specialists in each area who have tools based on emotional intelligence are essential. Also, is crucial that the interests of all people involved must be aligned with the interests of the project, since only in this way, the success of the project will be assured.

Sources:

teresahelbig.com/es

www.marie-claire.es

www.vogue.es/moda/

www.instagram.com/teresahelbig/

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–“Un día me invitaron a una fiesta y decidí hacerme un vestido con plumas, cosidas una a una, y llamó tanto la atención, me preguntaban tanto por él, que de dónde era, que pensé de lanzarme a hacer una minicolección“- así Teresa Helbig, relata como fueron sus inicios en el mundo de la moda. Comenzó su camino como escaparatista en varias tiendas de Barcelona hasta encontrar su vocación en el diseño de moda. 

En el 1996 nació la firma Helbig, de la mano de Teresa y de su talentosa madre, Teresa Blasco, costurera y modista de profesión que desde una temprana edad fomentó la curiosidad y la pasión de la hija por este oficio. Dos generaciones de mujeres que han trabajado juntas hasta crear una de las marcas con más trayectoria en España. 

De hecho, con más de 24 años de presencia en el mundo de la moda, hoy en día, la diseñadora catalana es todo un referente en la cual inspirarse.

Las Helbig Girls

Las prendas de esta firma se reconocen por su singularidad, de hecho, todas ellas están confeccionadas a mano hasta el último detalle y destacan por su belleza y elegancia. El estilo Helbig tiene definido un estilo atemporal, fresco, romántico, femenino, sofisticado con un toque provocador y punk.

Actrices y personalidades, tanto nacionales, como internacionales han tenido la suerte de haber vestido alguna prenda Helbig, entre ellas: Olivia Wilde, Úrsula Corberó, Inma Cuesta, Rosalía, Macarena Gómez, Amaia Romero, Taylor Swift, Gwen Stefani, Zendaya, Saoirse Ronan y Halle Berry. Teresa define la mujer Helbig como rebelde, independiente, curiosa y muy trabajadora. 

La diseñadora ha demostrado siempre una gran pasión en su oficio y desde el principio ha sido pionera en varios aspectos, por ejemplo, fue una de las primeras diseñadoras en atreverse con los ‘fashion films’ y desde sus comienzos ha vendido sus diseños justo después del desfile.

La importancia del trabajo en equipo

A las riendas del negocio, a lado de Teresa, junto a Teresa Blasco, también está su marido: Chema Paré. Los Helbig tienen su atelier, estudio y showroom en Barcelona, en un edifico modernista de 1905 en el barrio del Eixample. Cuentan con un equipo indispensable de 20 personas: modistas, patronistas, asistentes, fotógrafos, floristas, zapateros, joyeros, artesanos, diseñadores gráficos y periodistas, entre otros, crean las colecciones de prêt-à-porter, costura y novia. Teresa afirma que su atelier es, por encima de todo, un hogar.

–“Todo mi equipo es irremplazable y no sé cómo lo haría si no estuvieran unos metros más allá de mi mesa de diseño”- Teresa Helbig.

No cabe duda que el éxito de su brillante carrera se debe a su creatividad, al trabajo duro y al amor por este oficio, sin embargo la piedra angular para este y cualquier otro proyecto yace en la importancia del trabajo en equipo.

–“Ser diseñador de moda nunca ha sido un oficio fácil. Son todas las horas del mundo, y con partes muy poco románticas: producción, números, logística, envíos. La moda es un excel, a veces. Hay que intentar que esa parte pesada no te reste pasión ni energía para la otra parte, la bonita, la creativa, la de coger el tejido y el maniquí y ponerte a soñar”- Teresa Helbig.

Sin duda, Teresa Helbig, seguirá inspirándonos con muchos más proyectos e ideas innovadoras. 

Un profesional constante que ama su oficio, realizándolo cada día con creatividad y pasión, sin duda tiene el talento necesario para crear proyectos exitosos, siendo en consecuencia, una fuente de inspiración para muchas otras personas. En cualquier ámbito, sobre todo en la industria de la moda, es fundamental el trabajo en equipo, un liderazgo definido, contar con especialistas de cada área que cuenten con herramientas basadas en la inteligencia emocional. Siendo vital, que los intereses de todos las personas implicadas estén alineados con los intereses del proyecto, ya que solo así, se asegura el éxito del mismo.

Fuentes:

teresahelbig.com/es

www.marie-claire.es

www.vogue.es/moda/

www.instagram.com/teresahelbig

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