We often see brands investing in visually striking window displays or store concepts. However, without consistency and clear storytelling, these efforts lose impact over time. Creativity alone is not enough, it needs to be sustained, aligned and executed across the entire customer journey.

“Visual merchandising is not just what customers see, but what drives them to act.”

As Pietro Beccari recently explained, “the future of retail is retailtainment” . A combination of product, experience and culture.

This idea reinforces a key shift: stores are no longer just spaces to sell, but platforms to create emotion, connection and memorable experiences. At the same time, Beccari also highlighted that customers today come not only to buy, but “to hear good stories” in Vogue Arabia, 2025..

Experiential retail at its highest level is captured in this New York flagship tour, where architecture, display and customer flow merge into luxury experience.

From my perspective, this is where visual merchandising plays a critical role. It is the point where creativity meets execution, and where brand identity becomes tangible for the customer.

The real challenge is not designing a beautiful space, but maintaining a coherent and engaging experience over time. That consistency is what builds trust, strengthens brand perception and ultimately drives measurable results.

Interior walkthrough captures how visual storytelling, space flow and sensory design elevate a flagship into an immersive environment.

I strongly believe that visual merchandising is not only about what customers see, but about what drives them to act. Because in the end, retail spaces should not only inspire: they should perform.

Sources: joseluisledesma, vogue, youtube.

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A menudo vemos marcas invirtiendo en escaparates visualmente impactantes o en conceptos de tienda innovadores. Sin embargo, sin consistencia y un storytelling claro, estos esfuerzos pierden efecto con el tiempo. La creatividad por sí sola no basta: debe mantenerse, estar alineada y ejecutarse a lo largo de todo el recorrido del cliente.

El visual merchandising no es sólo lo que los clientes ven, sino lo que los impulsa a actuar.

Como explicó recientemente Pietro Beccari: “el futuro del retail es el retailtainment”, una combinación de producto, experiencia y cultura.

Esta idea refuerza un cambio clave: las tiendas ya no son solo espacios para vender, sino plataformas para generar emoción, conexión y experiencias memorables. Al mismo tiempo, Beccari destacó que los clientes de hoy acuden no solo a comprar, sino “a escuchar buenas historias”, Vogue Arabia, 2025.

El retail experiencial en su nivel más alto se refleja en este recorrido por un flagship en Nueva York, donde arquitectura, diseño y flujo de clientes se fusionan en una experiencia de lujo.

Desde mi perspectiva, aquí es donde el visual merchandising juega un papel crítico: es el punto donde la creatividad se encuentra con la ejecución y donde la identidad de marca se vuelve tangible para el cliente.

El verdadero desafío no es diseñar un espacio bonito, sino mantener una experiencia coherente y atractiva a lo largo del tiempo. Esa consistencia es la que genera confianza, refuerza la percepción de la marca y, en última instancia, impulsa resultados medibles.

El recorrido interior del video muestra cómo el storytelling visual, el flujo del espacio y el diseño sensorial elevan un flagship a un entorno inversivo.

Creo firmemente que el visual merchandising no se trata solo de lo que los clientes ven, sino de lo que los impulsa a actuar. Porque, al final, los espacios retail no solo deben inspirar: deben rendir resultados.

Fuentes: joseluisledesma, vogue, youtube.

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Europa: artesanía, narrativa y phygital

En Europa, el retail se consolida como experiencia híbrida, donde lo físico y lo digital se integran sin fricciones. Las tiendas dejan de ser puntos de venta para convertirse en centros culturales y sociales: pop-ups efímeros, eventos locales y experiencias inmersivas que refuerzan el vínculo con la comunidad.

En moda, tanto pasarelas como street style apuestan por estéticas más expresivas: manipulación de estampados, tejidos emocionales y volúmenes con carácter. Paralelamente, el quiet luxury gana terreno: menos logotipos, más calidad, más relato y más tiempo.

Asia: velocidad, tecnología y nuevos códigos

En Asia, la creatividad se mueve a otra velocidad. Innovación, digitalización extrema y viralidad marcan el ritmo. Las micro-tendencias nacen en plataformas sociales y se expanden globalmente en semanas. Aquí, la IA generativa y la personalización avanzada ya forman parte del ADN creativo y comercial.

España: potencial creativo con límites estructurales

España cuenta con una identidad cultural potente, pero el reto sigue siendo convertir creatividad en retail sostenible más allá de Madrid y Barcelona. La oportunidad está en activar talento local, conectar moda con cultura y descentralizar la experiencia comercial.

En paralelo, crecen con fuerza marcas de precio ultra-bajo que construyen universos de lifestyle reconocibles. En países mediterráneos, donde las rentas son ajustadas, estas propuestas alivian la presión económica, aunque abren un debate necesario sobre valor y futuro creativo.

¿La gran amenaza para 2026?

La hiperpersonalización y la IA prometen eficiencia, pero también traen riesgos: saturación creativa, copia constante y pérdida de identidad. Paradójicamente, mientras hablamos de diferenciación, muchos espacios de retail empiezan a parecerse demasiado entre sí.

En 2026, las marcas que destaquen no venderán productos: contarán historias, crearán comunidad y defenderán una identidad propia y reconocible.

Fuentes: Spring Fair – Fashion & Retail Trends. The Storefront – Global Retail Trends. Business of Fashion (BoF). Vogue Business. McKinsey – State of Fashion. WGSN – Consumer & Retail Forecasting. TikTok Creative Center (Asia trends). Editorial y reflexión: José Luis Ledesma

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I remember when Topshop landed in Madrid in the early 2000s. I was in my early twenties and curiously peeked into that Puerta del Sol store that felt as if it had arrived straight from Oxford Street. For my generation, it was a breath of fresh air: different shop windows, daring clothes, and the feeling of being connected to a more global fashion scene. However, the brand closed in Spain in 2017, leaving behind a mix of nostalgia and the sense that it never fully clicked with the local consumer.

The new relaunch: digital, multi-brand, and collaborations

In 2025, Topshop’s comeback looks very different. The brand has recovered its own website and is betting on the multi-brand channel, reducing risks and gaining flexibility. The relaunch has included high-impact gestures: a fashion show in Trafalgar Square featuring see-now, buy-now pieces, and a collaboration with Cara Delevingne (FashionUnited, FashionNetwork).

Own website and multi-brand strategy. Topshop is back without costly flagships, instead opting for wholesale agreements and a strong digital presence. This allows it to test markets like Spain before committing to its own stores.

Nostalgia as strategy: updated messaging and aesthetics

The brand taps into collective memory with messages such as “We missed you too” (Elle). At the same time, it refreshes its aesthetic proposal with more sophisticated cuts, hybrid fabrics, and campaigns that blend the physical with the digital.

Madrid then and now: different business models

In its first stage, the franchise model relied on large stores in prime locations and collections that didn’t always connect with Spanish audiences. In 2025, Topshop comes with less rigidity, a digital-first approach, and a greater ability to listen to the consumer.

Challenges and opportunities in the Spanish market

The challenge will be to balance nostalgia and competitiveness: fair pricing against Inditex or H&M, agile logistics, and cultural sensitivity. If it succeeds, Topshop will not just be a nostalgic revival, but an example of how to reinvent a retail icon in the 21st century.

All of this, however, happens under the looming shadow of SHEIN, which continues to gain ground internationally.

This analysis is part of my personal perspective as a creative specializing in retail and visual culture. On joseluisledesma.com I continue to explore how brands engage with collective memory and the challenges of the digital era. The Topshop case is a clear example of how yesterday’s visual merchandising and today’s omnichannel strategies come together in a single narrative.

Sources: FashionUnited – Relaunch fashion show at Trafalgar Square. FashionNetwork – Collaboration with Cara Delevingne and retail comeback. Elle México – Communication strategy based on nostalgia. Modaes – Multi-brand distribution strategy. Modaes – History and closure of Topshop in Spain. El Español – Information on openings in Madrid and Barcelona. Joseluisledesma.com

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Recuerdo cuando Topshop aterrizó en Madrid a principios de los 2000. Yo tenía poco más de veinte años y me asomaba con curiosidad a aquella tienda de Puerta del Sol que parecía llegada directamente de Oxford Street. Para mi generación fue un soplo de aire fresco: escaparates distintos, ropa atrevida y la sensación de estar conectados con una moda más global. Sin embargo, la marca cerró en 2017 en España, dejando tras de sí una mezcla de nostalgia y la percepción de que no terminó de encajar con el consumidor local.

El nuevo relanzamiento: digital, multimarca y colaboraciones

En 2025 el regreso de Topshop se plantea de forma muy diferente. La firma recupera web propia y apuesta por el canal multimarca, reduciendo riesgos y ganando flexibilidad. El relanzamiento ha incluido gestos de alto impacto: un desfile en Trafalgar Square con prendas see-now, buy-now y una colaboración con Cara Delevingne (FashionUnited, FashionNetwork).

Web propia y canal multimarca. Topshop regresa sin flagships costosos, sino con acuerdos wholesale y fuerte presencia digital, lo que le permite testar mercados como España antes de comprometerse con tiendas propias.

Nostalgia como estrategia: mensajes y estética actual

La marca explota la memoria colectiva con mensajes como “También te extrañamos” (Elle). Al mismo tiempo, actualiza su propuesta estética con cortes más sofisticados, tejidos híbridos y campañas que combinan lo físico con lo digital.

Madrid entonces y ahora: diferencias de modelo

En su primera etapa, el modelo de franquicia dependía de tiendas grandes en ubicaciones prime y colecciones que no siempre conectaban con el público español. En 2025, Topshop llega con menos rigidez, un enfoque digital-first y mayor capacidad de escucha al consumidor.

Retos y oportunidades en el mercado español

El reto será equilibrar nostalgia y competitividad: precios justos frente a Inditex o H&M, logística ágil y sensibilidad cultural. Si acierta, Topshop no quedará en un revival nostálgico, sino en un ejemplo de cómo reinventar un icono del retail contemporáneo en pleno siglo XXI. Todo eso sí, con la sombra de SHEIN ganando mercado.

Este análisis forma parte de mi mirada personal como creativo especializado en retail y cultura visual. En joseluisledesma.com sigo explorando cómo las marcas dialogan con la memoria colectiva y con los retos de la era digital. El caso Topshop es un buen ejemplo de cómo el escaparatismo visual de ayer y la omnicanalidad de hoy se encuentran en un mismo relato.

Fuentes. FashionUnited – Desfile de relanzamiento en Trafalgar Square. FashionNetwork – Colaboración con Cara Delevingne y regreso al retail. Elle México – Estrategia de comunicación basada en nostalgia. Modaes – Estrategia de distribución multimarca. Modaes – Historia y cierre de Topshop en España. El Español – Información sobre las aperturas en Madrid y Barcelona. Joseluisledesma.com

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Sober and aspirational luxury

The appeal of that conscious sobriety lies in noble materials, neutral colors, and garments that feel exquisite, even if they don’t appear so at first glance (The Hawk News, ClassicsTrend). Houses like The Row, Loro Piana, and Khaite lead that narrative which favors refined tactility over visible labels (Financial Times).

Pieces that speak without saying

This is no recent invention: magazines like Who What Wear already showcase autumn 2025 essentials such as suede shoes, structured coats, and handbags that transmit more than they display (Who What Wear). Does it help you imagine that luxury can be something that does not demand attention, yet fully deserves it?

At joseluisledesma.com, the silent dialogue with you, our readers, has always been a priority, as well as the paused reflection you feel when discovering a vintage or handcrafted piece. Perhaps it is that same stillness that lends soul to minimalism.

And here I throw you the game: what pieces in your wardrobe or your home speak without saying so? Does the vintage —that inherited coat or ceramic piece that would never pass an Instagram filter— feel richer than any shiny novelty?

Sources: The Business of Fashion (BoF), Financial Times , Vogue Business, Architectural Digest, joseluisledesma.com

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Lujo sobrio y aspiracional

El atractivo de esa sobriedad consciente está anclado en materiales nobles, colores neutros y confecciones que se sienten deliciosas, aunque no lo parezcan a simple vista (The Hawk News, ClassicsTrend). Casas como The Row, Loro Piana o Khaite lideran esa narrativa que prefiere el tacto exquisito a una etiqueta visible (Financial Times).

Piezas que hablan sin decirlo

No es invención reciente: revistas como Who What Wear ya muestran listados de otoño 2025 con zapatos de ante, abrigos estructurados y bolsos que transmiten más que informan (Who What Wear). ¿Te ayuda a pensar que el lujo puede ser algo que no exige atención, pero que lo merece?

En joseluisledesma.com siempre ha sido prioridad el diálogo silencioso con vosotros, los que nos leéis, y esa reflexión pausada que sentís al descubrir una pieza vintage o artesanal. Quizá es esa misma quietud la que le da alma al minimalismo.

Y aquí te lanzo el juego: ¿qué piezas en tu armario o en tu casa hablan sin decirlo? ¿Lo vintage, ese abrigo heredado o esa cerámica que no pasaría un filtro de Instagram, os parece más rico que cualquier novedad brillante?

Fuentes: The Business of Fashion (BoF), Financial Times , Vogue Business, Architectural Digest, joseluisledesma.com

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This public space represents a unique meeting point where trends materialise spontaneously, reflecting the diversity and creativity of modern society.

The evolution of this social phenomenon ranges from conscious consumption to the adoption of organic fabrics, demonstrating a significant change in the way people dress in big cities. The underground spaces of these cities not only facilitate the movement of people, but also serve as a stage for the expression of different styles, where timelessness and functionality meet the latest trends.

The democratization of fashion in the metro

The democratization of fashion finds its ultimate expression in metro cars and platforms, where 82% of Spanish consumers consider that diversity and inclusion influence their purchasing decisions. This phenomenon reflects a fundamental transformation in how society interacts with urban fashion.

The metro as a space for personal expression

Public transport has become a democratic catwalk where street style takes on a life of its own. Messages and symbols in clothing act as elements of self-expression and community connection. Clothing has been transformed into a platform for personal communication, where each style choice tells a story about the identity of the individual.

The street style phenomenon demonstrates that fashion is an art form accessible to all, transcending cultural and linguistic barriers. Underground users have turned this space into a stage where sustainable fashion and responsible consumption coexist, with a growing interest in second-hand clothes as a gateway to sustainable fashion.

Subcultures

Metro stations and carriages have become a privileged setting for the manifestation of underground culture, a term that since 1953 has designated countercultural movements that are considered alternative or parallel to the dominant culture.

The identification of different urban tribes in the metro reflects the cultural diversity of the modern city. Groups are distinguished by specific characteristics, including:

• Particular lifestyle and way of dressing
• Niche musical and cultural preferences

The evolution of these alternative styles has undergone a significant transformation since the 1950s, when early movements such as the mods and teddy boys emerged. New technologies have played a key role in redefining these cultural identities, creating connections between corporeal expression and digital networks.

The underground as a meeting point for diverse aesthetics

The underground space functions as a point of convergence where different urban scenes intertwine, constituting what experts call ‘a momentary and dynamic agglutination of individuals around a corpus of signs in movement’. This definition encompasses not only clothing and accessories, but also:

• Artistic and activist expressions
• Musical manifestations
• Spontaneous cultural interventions

The presence of these subcultures in the metro has evolved into a phenomenon that transcends the simple categorization of ‘alternative’. Urban cultures are born independent and self-existent, defining their collectivity in the underground space, while new configurations of youth fashions are increasingly defined through neo-technologies, from net-writing to new forms of street-art.

The influence of climate and functionality

Adapting clothing to the public transport environment has become a practical necessity that transcends passing trends. Studies show that 48% of women change their clothing when using public transport, highlighting the importance of functionality in contemporary urban fashion.

In metropolitan areas, clothing choices are influenced by multiple environmental factors.

The trend towards adaptive clothing has gained prominence, with designs that prioritize comfort without sacrificing style. Functionality has become a crucial element in clothing selection. Roll-up backpacks with central zips have positioned themselves as indispensable accessories, offering features such as waterproofing and dedicated spaces for electronic devices.The trend towards adaptive clothing has gained prominence, with designs that prioritize comfort without sacrificing style.

Designers are responding to this demand with collections that incorporate discreet technical elements. Modern public transport garments include features such as hidden pockets for valuables and materials that retain their shape over long periods of wear.

Innovation in the textile sector has enabled the development of garments that serve multiple functions. New smart fabrics offer protection against temperature variations in underground cars, while maintaining a sleek and contemporary look.

The concept of versatility has become a fundamental pillar of today’s urban fashion. Transformable garments, such as convertible trousers and modular jackets, allow users to adapt their wardrobe to different situations throughout the day.

The transformation of the metro into a space where fashion, culture and functionality converge represents a unique social phenomenon that defines our urban era. The carriages and platforms have evolved beyond mere places of transit, becoming scenarios where the democratization of fashion, the expression of subcultures and practical needs create a dynamic style ecosystem.

This fashion-urban phenomenon transcends passing trends, establishing new paradigms in the way society interacts with fashion in public spaces.

The convergence of functionality and personal style has generated significant innovations in the design of garments and accessories, while the diversity of cultural expressions in the metro continues to enrich the urban fashion landscape. Underground spaces have established themselves as dynamic laboratories where trends are born, evolve and transform, reflecting the constant adaptation of modern society to its everyday environments.

Sources: moda.es, thenewbarcelonapost.com; neo2.com; cultura.gob.es; vantatis.elconfidencial.com; expansion.com

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Este espacio público representa un punto de encuentro único donde las tendencias se materializan de forma espontánea, reflejando la diversidad y creatividad de la sociedad moderna.

La evolución de este fenómeno social abarca desde el consumo consciente hasta la adopción de tejidos orgánicos, demostrando un cambio significativo en la forma de vestir de los habitantes de las grandes ciudades. Los espacios subterráneos de estas no solo facilitan el movimiento de personas, sino que también sirven como escenario para la expresión de diferentes estilos, donde la atemporalidad y la funcionalidad se encuentran con las últimas tendencias.

La democratización de la moda en el metro

La democratización de la moda encuentra su máxima expresión en los vagones y andenes del metro, donde el 82% de los consumidores españoles considera que la diversidad y la inclusión influyen en sus decisiones de compra. Este fenómeno refleja una transformación fundamental en cómo la sociedad interactúa con la moda urbana.

El metro como espacio de expresión personal

El transporte público se ha convertido en una pasarela democrática donde el street style cobra vida propia. Los mensajes y símbolos en la vestimenta actúan como elementos de autoexpresión y conexión comunitaria. La ropa se ha transformado en una plataforma de comunicación personal, donde cada elección de estilo cuenta una historia sobre la identidad del individuo.

El fenómeno del street style demuestra que la moda es una forma de arte accesible para todos, trascendiendo las barreras culturales y lingüísticas. Los usuarios del metro han convertido este espacio en un escenario donde la moda sostenible y el consumo responsable coexisten, con un creciente interés por las prendas de segunda mano como puerta de entrada a la moda sostenible.

Subculturas

Las estaciones y vagones del metro se han convertido en un escenario privilegiado para la manifestación de la cultura underground, término que desde 1953 ha designado los movimientos contraculturales que se consideran alternativos o paralelos a la cultura dominante.

La identificación de diferentes tribus urbanas en el metro refleja la diversidad cultural de la ciudad moderna. Los grupos se distinguen por características específicas que incluyen:

La evolución de estos estilos alternativos ha experimentado una transformación significativa desde los años 50, cuando emergieron los primeros movimientos como los mods y teddy boys. Las nuevas tecnologías han jugado un papel fundamental en la redefinición de estas identidades culturales, creando conexiones entre la expresión corpórea y las redes digitales.

El metro como punto de encuentro de diversas estéticas

El espacio subterráneo funciona como un punto de convergencia donde las diferentes escenas urbanas se entrelazan, constituyendo lo que los expertos denominan “momentánea y dinámica aglutinación de individuos en torno a un corpus de signos en movimiento”. Esta definición abarca no solo la ropa y accesorios, sino también:

La presencia de estas subculturas en el metro ha evolucionado hasta convertirse en un fenómeno que trasciende la simple categorización de “alternativo”. Las culturas urbanas nacen independientes y auto-existentes, definiendo su colectividad en el espacio subterráneo, mientras que las nuevas configuraciones de modas juveniles se definen cada vez más a través de las neo tecnologías, desde la escritura en red hasta las nuevas formas de street-art.

La influencia del clima y la funcionalidad

La adaptación del vestuario al entorno del transporte público se ha convertido en una necesidad práctica que trasciende las tendencias pasajeras. Los estudios revelan que el 48% de las mujeres modifican su forma de vestir cuando utilizan el transporte público, evidenciando la importancia de la funcionalidad en la moda urbana contemporánea.

En áreas metropolitanas, la elección de la indumentaria responde a múltiples factores ambientales.

La funcionalidad se ha convertido en un elemento crucial en la selección de prendas. Las mochilas enrollables con cierre central se han posicionado como accesorios indispensables, ofreciendo características como impermeabilidad y espacios específicos para dispositivos electrónicos.

La tendencia hacia la ropa adaptativa ha ganado relevancia, con diseños que priorizan la comodidad sin sacrificar el estilo.

Los diseñadores están respondiendo a esta demanda con colecciones que incorporan elementos técnicos discretos. Las prendas modernas para el transporte público incluyen características como bolsillos ocultos para objetos de valor y materiales que mantienen su forma durante largos períodos de uso.

La innovación en el sector textil ha permitido el desarrollo de prendas que cumplen múltiples funciones. Los nuevos tejidos inteligentes ofrecen protección contra las variaciones de temperatura en los vagones del metro, mientras mantienen una apariencia elegante y contemporánea.

El concepto de versatilidad se ha convertido en un pilar fundamental de la moda urbana actual. Las prendas transformables, como pantalones convertibles y chaquetas modulares, permiten a los usuarios adaptar su vestuario a diferentes situaciones durante el día.

La transformación del metro en un espacio donde confluyen moda, cultura y funcionalidad representa un fenómeno social único que define nuestra era urbana. Los vagones y andenes han evolucionado más allá de simples lugares de tránsito, convirtiéndose en escenarios donde la democratización de la moda, la expresión de subculturas y las necesidades prácticas crean un ecosistema de estilo dinámico.

Este fenómeno fashion-urbano trasciende las tendencias pasajeras, estableciendo nuevos paradigmas en la forma en que la sociedad interactúa con la moda en espacios públicos.

La convergencia entre funcionalidad y estilo personal ha generado innovaciones significativas en el diseño de prendas y accesorios, mientras que la diversidad de expresiones culturales en el metro continúa enriqueciendo el panorama de la moda urbana. Los espacios subterráneos se han consolidado como laboratorios dinámicos donde las tendencias nacen, evolucionan y se transforman, reflejando la constante adaptación de la sociedad moderna a sus entornos cotidianos.

Fuentes: moda.es, thenewbarcelonapost.com; neo2.com; cultura.gob.es; vantatis.elconfidencial.com; expansion.com

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Impact of AI on fashion design

Fashion design is a field where creativity and innovation are paramount. With the introduction of AI, designers can experiment with new shapes, textures and patterns at unprecedented speed and with unprecedented accuracy.

Generative AI algorithms are opening new doors for designers, allowing them to create unique designs and realize multiple variations in minutes. This technology not only facilitates innovation, but also becomes a creative extension of the designer, empowering their capabilities and allowing them to explore previously unimaginable limits.

Advantages in Creativity

AI can analyse past and current trends to predict which styles will resonate best with consumers in the future. This not only boosts creativity, but also reduces the time to market for new collections. In addition, AI is democratizing fashion design, as AI-based platforms allow emerging designers and small brands to access tools that were previously reserved for large fashion houses. This encourages greater diversity in the industry and gives consumers a wider range of choices.

‘AI will not only boost creativity, but also make the realization of projects of higher quality, in record time.

AI image developers must do much better than current results.

’ José Luis.

Brands and Initiatives

Personalization is perhaps one of the most exciting applications of AI in fashion. Brands around the world are using AI to create products that not only fit customers’ measurements, but offer a truly personalised shopping experience. For example, Stradivarius was one of the first brands to launch a collection and campaign reinterpreted using artificial intelligence, showing how AI can reinvent fashion with special colours, flowers and fabrics. Similarly, G-Star Raw has produced an entirely AI-generated fashion design called ‘AI Denim Cape’, while Levi’s has announced that it will use AI-generated models in its online shops to give users a more personalized feel.

AI improvements in Marketing and Advertising

Artificial intelligence (AI) is revolutionising fashion marketing and advertising, enabling brands to segment audiences more precisely, personalize advertising messages and optimize the performance of online advertising campaigns. Thanks to AI’s ability to handle unstructured data such as text, images and video, it can generate a wide range of marketing content, from full scripts to 3D designs and realistic virtual models.

AI plays a crucial role in the efficient processing and analysis of large volumes of data, providing marketers with better insights to improve segmentation and targeting. In addition, AI makes it possible to identify and predict trends from unstructured data, such as consumer sentiment, in-store behaviour and omni-channel data. Consumer segmentation is automated at scale, making it easier to personalize marketing initiatives.

AI and digital modelling

Digital models are at the centre of virtual fashion shows and advertising campaigns. Prestigious brands use these avatars to showcase their new collections and offer viewers an immersive and futuristic experience. The use of digital models can contribute to a more sustainable fashion industry by reducing the need for physical events, travel and large-scale production, thus minimizing the carbon footprint associated with these activities.

Imagine walking into an online shop where a digital model with your measurements and features shows you how each garment would look on you. This is the promise of digital models: a more interactive, personal and realistic online shopping experience. Brands are leveraging these AI tools to enhance the customer experience and increase their opportunities to connect with consumers and, consequently, their revenues.

Production optimizing and sustainability

Supply chain efficiency is vital for success in the fashion industry. AI is optimizing this by forecasting demand, improving inventory management and speeding up production. By anticipating trends and quickly adjusting stock levels, brands can avoid overproduction and reduce environmental impact.

AI is also present in fashion manufacturing. Intelligent robots, with the ability to cut fabrics and sew with pinpoint accuracy, are enabling faster and more customized production. This not only improves garment quality, but also allows for greater flexibility in small batch production, which is especially beneficial for sustainable and niche brands.

Through real-time analytics and augmented reality (AR), robotic automation in warehouses is optimized, improving inventory management and operations. AI supports supplier negotiations by gathering relevant research and providing accurate information. Product return offers can be tailored to the preferences and needs of individual consumers, thanks to AI.

Responsible consumption and sustainability

Integrating new technologies such as artificial intelligence into production processes can make a difference in reducing material consumption and limiting the risk of accumulating unsold stock. Materials represent, for most production models, 90% of the CO2 emissions generated during the life cycle of a garment and around 30% of all garments manufactured worldwide are never sold, according to the Australian Circulated Clothing Association (ACTA).

To be sustainable, it is important for brands to save every millimetre of fabric possible, making only what is necessary. Thanks to the AI they incorporate, software such as Lectra’s Fashion on Demand automates tasks, manages orders to manufacture in minutes and projects an accurate picture of the company’s production capacity. This improves the sustainability of manufacturing by enabling production on demand only, which results in reduced energy consumption and minimized waste.

AI is playing a crucial role in making the fashion industry more sustainable. By optimizing supply chains and demand-driven production, material waste is significantly reduced. AI is contributing to sustainability in fashion through innovations in textile recycling. Emerging technologies are able to identify and classify fabrics, facilitating the process of recycling and reusing materials. This opens up new avenues for circular fashion, where end-of-life clothing can be transformed into new products, reducing the need for virgin raw materials and lowering the industry’s carbon footprint.

AI and improving the shopping experience

AI is redefining consumer shopping preferences and expectations. A remarkable 66% of European customers express enthusiasm for an AI-powered shopping experience, showing a willingness to spend more in shops that employ these technologies to personalize products and enhance the online shopping experience.

1. Virtual assistants and personalized recommendations: AI has been integrated into a variety of touchpoints in the customer journey, from personalized recommendations to augmented reality experiences for virtual product testing. Tools such as Google Lens allow consumers to search for products based on their actual appearance.
2. Advanced personalization: Generative AI is enabling brands to offer a level of service comparable to that of luxury physical shops, even in the digital realm. Italy’s Benetton, for example, has managed to increase average customer spending and triple the time spent on its website through Recommendations AI.
3. Immersive experiences: Virtual reality and augmented reality will play a key role in the development of social shopping, offering more immersive shopping experiences and increasing consumer interaction. The future of retail includes innovative options such as AI-based voice commerce, online fitting rooms and immersive events, where users actively participate in the creation and selection of products.

AI is revolutionizing the fashion shopping experience, providing improved customer service, personalized recommendations, virtual product trials and intelligent virtual assistants. This not only improves consumer confidence, but is also a powerful marketing tool for brands.

Technical and financial challenges

Although artificial intelligence (AI) is transforming the fashion industry, there are still technical and financial challenges that need to be addressed. Diego G. Carpintero, 3D designer and master’s lecturer at the Instituto Europeo di Design in Madrid (IED), predicts that ‘AI is here to stay in the fashion world and, far from being a fad, it is a very new technology that has only just begun’. However, he warns that ‘transforming the virtual into the physical will be a challenge for brands’.

The adoption of AI in the fashion industry requires significant investments in hardware, software and staff training. Many companies, especially small and medium-sized ones, may find it difficult to justify these upfront costs. In addition, integrating AI into existing processes can be technically challenging, as it requires careful planning and execution.

Artificial intelligence is transforming the fashion industry in profound and radical ways. From design and production to marketing and customer experience, AI is optimising processes, driving innovation and fostering sustainability. Brands that embrace these technologies will have a significant competitive advantage, being able to deliver highly personalised products and exceptional customer experiences at scale.

Si bien aún existen desafíos técnicos y financieros, las posibilidades futuras de la IA en la moda son prometedoras. A medida que la tecnología avance, veremos desarrollos que van desde la creación de materiales innovadores hasta la implementación de prácticas sostenibles impulsadas por IA. Las empresas que entiendan las capacidades actuales de la IA, exploren la personalización masiva y utilicen estas herramientas para mejorar la sostenibilidad, estarán mejor preparadas para aprovechar el potencial de esta revolución en la moda.

Fuentes: joseluisledesma.com; g-star.com; fashionunited.es; thefashionglobe.com; neuralfashion.ai; linkedin.com; thinkwithgoogle.com, cdetech.org; elle.com; modaes.com; 

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Impacto de la IA en el diseño de moda

El diseño de moda es un campo donde la creatividad y la innovación son primordiales. Con la introducción de la IA, los diseñadores pueden experimentar con nuevas formas, texturas y patrones a una velocidad y con una precisión sin precedentes.

Los algoritmos de IA generativa están abriendo nuevas puertas para los diseñadores, permitiéndoles crear diseños únicos y realizar múltiples variaciones en minutos. Esta tecnología no solo facilita la innovación, sino que también se convierte en una extensión creativa del diseñador, potenciando sus capacidades y permitiéndoles explorar límites antes inimaginables.

Ventajas en la creatividad

La IA puede analizar tendencias pasadas y actuales para predecir qué estilos resonarán mejor con los consumidores en el futuro. Esto no solo impulsa la creatividad, sino que también reduce el tiempo de comercialización de nuevas colecciones. Además, la IA está democratizando el diseño de moda, ya que plataformas basadas en IA permiten a diseñadores emergentes y pequeñas marcas acceder a herramientas que anteriormente estaban reservadas para grandes casas de moda. Esto fomenta una mayor diversidad en la industria y brinda a los consumidores una gama más amplia de opciones.

“La IA no solo, potenciara la creatividad, sino que también, hará que la materialización de los proyectos sean de mayor calidad, en tiempo récord. Los desarrolladores de imagen IA deben de mejorar mucho en los resultados actuales” José Luis.

Marcas e iniciativas

La personalización es quizás una de las aplicaciones más emocionantes de la IA en la moda. Marcas de todo el mundo están utilizando IA para crear productos que no solo se ajustan a las medidas de los clientes, sino que ofrecen una experiencia de compra verdaderamente personalizada. Por ejemplo, Stradivarius ha sido una de las primeras marcas en lanzar una colección y campaña reinterpretada usando la inteligencia artificial, mostrando cómo la IA puede reinventar la moda con colores, flores y tejidos especiales. Asimismo, G-Star Raw ha realizado un diseño de moda generado totalmente con IA llamado “AI Denim Cape”, mientras que Levi’s ha anunciado que utilizará modelos generados por IA en sus tiendas online para que los usuarios se sientan más identificados.

IA en el Marketing y publicidad de moda

La inteligencia artificial (IA) está revolucionando el marketing y la publicidad de la moda, permitiendo a las marcas segmentar audiencias de manera más precisa, personalizar mensajes publicitarios y optimizar el rendimiento de las campañas publicitarias en línea. Gracias a la capacidad de la IA para manejar datos no estructurados como texto, imágenes y video, puede generar una amplia gama de contenido de marketing, desde guiones completos hasta diseños en 3D y modelos virtuales realistas.

La IA desempeña un papel crucial en el procesamiento y análisis eficiente de grandes volúmenes de datos, proporcionando a los profesionales del marketing mejores conocimientos para mejorar la segmentación y el targeting. Además, la IA permite identificar y predecir tendencias a partir de datos no estructurados, como el sentimiento del consumidor, el comportamiento en tiendas y los datos omnicanal. La segmentación del consumidor se automatiza a gran escala, lo que facilita la personalización de las iniciativas de marketing. 

IA y Modelos Digitales

Los modelos digitales están en el centro de los desfiles de moda virtuales y las campañas publicitarias. Las marcas de prestigio utilizan estos avatares para mostrar sus nuevas colecciones y ofrecer a los espectadores una experiencia inmersiva y futurista. El uso de modelos digitales puede contribuir a una industria de la moda más sostenible, al reducir la necesidad de eventos físicos, viajes y producción a gran escala, minimizando así la huella de carbono asociada a estas actividades.

Imagine entrar en una tienda virtual donde un modelo digital con sus medidas y características le muestra cómo le quedaría cada prenda. Esta es la promesa de los modelos digitales: una experiencia de compra en línea más interactiva, personal y realista. Las marcas están aprovechando estas herramientas de IA para mejorar la experiencia del cliente y aumentar sus oportunidades de conectar con los consumidores y, en consecuencia, sus ingresos.

Optimización de la producción y sostenibilidad

La eficiencia de la cadena de suministro es vital para el éxito en la industria de la moda. La IA está optimizando este aspecto al prever la demanda, mejorar la gestión de inventario y acelerar la producción. Al anticipar las tendencias y ajustar rápidamente los niveles de stock, las marcas pueden evitar el exceso de producción y reducir el impacto ambiental.

La IA también está presente en la fabricación de moda. Los robots inteligentes, con la capacidad de cortar telas y coser con precisión milimétrica, están permitiendo una producción más rápida y personalizada. Esto no solo mejora la calidad de las prendas, sino que también permite una mayor flexibilidad en la producción de pequeños lotes, lo que es especialmente beneficioso para marcas sostenibles y de nicho.

Mediante análisis en tiempo real y realidad aumentada (RA), la automatización robótica en los almacenes se optimiza, mejorando la gestión de inventario y operaciones. La IA apoya las negociaciones con proveedores al recopilar investigaciones relevantes y brindar información precisa. Las ofertas de devolución de productos pueden ser adaptadas a las preferencias y necesidades de cada consumidor, gracias a la IA.

Consumo responsable y sostenibilidad

Integrar nuevas tecnologías como la inteligencia artificial en los procesos productivos puede ser diferencial para reducir el consumo de materiales y limitar el riesgo de acumular stock sin vender. Los materiales representan, para la mayoría de los modelos de producción, un 90% de las emisiones de CO2 generadas durante el ciclo de vida de una prenda y alrededor de un 30% de todas las prendas fabricadas en todo el mundo nunca son vendidas, según la Asociación Australiana de Textil Circulas (ACTA).

Para ser sostenibles, es importante que las marcas ahorren cada milímetro de tela posible, fabricando tan solo lo que es necesario. Gracias a la IA que incorporan, softwares como Fashion on Demand, de Lectra, automatizan tareas, gestionan pedidos para manufacturar en minutos y proyectan una imagen precisa sobre la capacidad de producción de la empresa. Esto mejora la sostenibilidad de la fabricación, ya que permite producir únicamente bajo demanda, lo que se traduce en la reducción del consumo energético y la minimización de los residuos.

La IA está desempeñando un papel crucial en hacer que la industria de la moda sea más sostenible. Mediante la optimización de las cadenas de suministro y la producción basada en la demanda, se reduce significativamente el desperdicio de materiales. La IA está contribuyendo a la sostenibilidad en la moda a través de innovaciones en el reciclaje de textiles. Tecnologías emergentes son capaces de identificar y clasificar tejidos, facilitando el proceso de reciclaje y reutilización de materiales. Esto abre nuevas vías para la moda circular, donde la ropa al final de su vida útil puede ser transformada en nuevos productos, reduciendo la necesidad de materias primas vírgenes y disminuyendo la huella de carbono de la industria.

IA y la mejora en la experiencia de compra

La IA está redefiniendo las preferencias de compra y expectativas de los consumidores. Un notable 66% de los clientes europeos expresa entusiasmo por una experiencia de compra impulsada por la IA, mostrando disposición a gastar más en tiendas que emplean estas tecnologías para personalizar productos y mejorar la experiencia de compra en línea.

1. Asistentes virtuales y recomendaciones personalizadas: La IA se ha integrado en diversos puntos de contacto en la jornada del cliente, desde recomendaciones personalizadas hasta experiencias de realidad aumentada para probar productos virtualmente. Herramientas como Google Lens permiten a los consumidores buscar productos basándose en su apariencia real.
2. Personalización avanzada: La IA generativa está permitiendo a las marcas ofrecer un nivel de servicio comparable al de las tiendas físicas lujosas, incluso en el ámbito digital. La firma italiana Benetton, por ejemplo, ha logrado aumentar el gasto promedio de los clientes y triplicar el tiempo que pasan en su sitio web mediante Recommendations AI.
3. Experiencias inmersivas: La realidad virtual y la realidad aumentada jugarán un papel fundamental en el desarrollo del social shopping, ofreciendo experiencias de compra más inmersivas y aumentando la interacción con el consumidor. El futuro del comercio incluye opciones innovadoras como el comercio por voz basado en IA, probadores online y eventos inmersivos, donde los usuarios participan activamente en la creación y selección de productos.

La IA está revolucionando la experiencia de compra en la moda, brindando un servicio al cliente mejorado, recomendaciones personalizadas, pruebas virtuales de productos y asistentes virtuales inteligentes. Esto no solo mejora la confianza del consumidor, sino que también es una poderosa herramienta de marketing para las marcas.

Desafíos técnicos y financieros

Aunque la inteligencia artificial (IA) está transformando la industria de la moda, aún existen desafíos técnicos y financieros que deben abordarse. Diego G. Carpintero, diseñador 3D y docente de máster en el Instituto Europeo di Design de Madrid (IED), augura que “la IA ha llegado al mundo de la moda para quedarse y que, lejos de ser una moda pasajera, es una tecnología muy nueva que no ha hecho más que empezar”. Sin embargo, advierte que “transformar lo virtual a lo físico será un reto para las marcas”.

La adopción de la IA en la industria de la moda requiere inversiones significativas en hardware, software y capacitación del personal. Muchas empresas, especialmente las pequeñas y medianas, pueden encontrar difícil justificar estos costos iniciales. Además, la integración de la IA en los procesos existentes puede ser un desafío técnico, ya que requiere una cuidadosa planificación y ejecución.

La inteligencia artificial está transformando la industria de la moda de manera profunda y radical. Desde el diseño y la producción hasta el marketing y la experiencia del cliente, la IA está optimizando procesos, impulsando la innovación y fomentando la sostenibilidad. Las marcas que adopten estas tecnologías tendrán una ventaja competitiva significativa, pudiendo ofrecer productos altamente personalizados y experiencias de cliente excepcionales a escala.

Si bien aún existen desafíos técnicos y financieros, las posibilidades futuras de la IA en la moda son prometedoras. A medida que la tecnología avance, veremos desarrollos que van desde la creación de materiales innovadores hasta la implementación de prácticas sostenibles impulsadas por IA. Las empresas que entiendan las capacidades actuales de la IA, exploren la personalización masiva y utilicen estas herramientas para mejorar la sostenibilidad, estarán mejor preparadas para aprovechar el potencial de esta revolución en la moda.

Fuentes: joseluisledesma.com; g-star.com; fashionunited.es; thefashionglobe.com; neuralfashion.ai; linkedin.com; thinkwithgoogle.com, cdetech.org; elle.com; modaes.com; 

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Fashion as a cultural expression

Fashion in Hispanic and Latin America goes beyond mere trends; it is a unique form of cultural expression.
A key aspect of Hispanic and Latin American fashion is creativity. Designers in the region are characterized by their originality and ability to fuse traditional elements with contemporary trends. Creativity manifests itself in the choice of materials, in the combination of colours and prints, and in the way traditional garments are reinterpreted to adapt them to current trends.
Each country in the region has its own style and traditions, which are reflected in fashion. This cultural diversity has been an endless source of inspiration and creativity for designers in the region.
In addition, numerous Hispanic and Latin American designers have made their mark on the global fashion industry. Names such as Paco Rabanne, Manolo Blahnik, Adolfo Dominguez, Cristóbal Balenciaga from Spain, Carolina Herrera from Venezuela, Óscar de la Renta from the Dominican Republic and Mario Testino from Peru are just some of the designers who have achieved international recognition. These talented artists have combined their cultural roots with a unique creative vision, creating garments and collections that transcend borders and captivate the world.

Its influence in the world

Hispanic and Latin American fashion has had a significant impact on the global industry. Brands and designers from the region have managed to cross borders and gain recognition in international markets. The creativity and originality of their designs have captured the attention of consumers and fashion experts around the world.
In addition, numerous collaborations between Hispanic and Latin American designers with international brands have given visibility to the region’s fashion. These collaborations have not only enriched the industry, but have also opened doors for more designers, giving them the opportunity to showcase their talent and creativity to a global audience.

Trends and creativity

Fashion in Latin America is constantly evolving, adapting to current trends while remaining true to its cultural roots. At present, trends such as sustainable fashion, which prioritizes the use of environmentally responsible materials and processes, stand out. This trend reflects a growing awareness of the importance of preserving and valuing the natural environment, and has led to the creation of innovative designs that combine creativity with sustainability.
Another trend that has gained momentum is the incorporation of traditional elements and ethnic prints into designs. Garments such as huipiles and polleras are examples of how Hispanic and Latin American fashion is enriched by creativity and the reinterpretation of cultural elements. These designs not only highlight the identity of the region, but also promote and value cultural diversity.

Fashion is not only an artistic manifestation, but also a means to promote identity, inclusion and social change. Fashion allows us to tell stories and value our traditions.

Traditions: a fascinating story that connects with our roots

Fashion has been a fundamental part of the history of Spanish and Latin America. Native peoples have used creativity to create garments that reflect their identity and traditions. These garments, such as traditional costumes and handcrafted textiles, have been recognized both nationally and internationally for their beauty, significance and cultural richness.
Indigenous fashion continues to be a source of inspiration for Hispanic and Latin American designers. Creativity is manifested in the incorporation of traditional elements and techniques into contemporary designs. This not only preserves and values indigenous culture, but also promotes inclusion and recognition of the creativity of native peoples.

Social and creative engine

Hispanic and Latin American culture and fashion are not only a manifestation of creativity, but also an economic and social engine in the region. On the one hand, the fashion industry generates employment and contributes to the economic growth of Hispanic and Latin American countries. On the other hand, fashion has also become a tool for empowerment and equity, through social initiatives and ventures that use fashion as a means to generate positive changes in society.

These initiatives include training projects, artisan cooperatives and brands that promote inclusion and social justice. Creativity and innovation in Hispanic and Latin American fashion have enabled the industry to become an agent of change, creating opportunities and promoting gender equality, cultural diversity and respect for human rights.

Hispanic and Latin American fashion is an inexhaustible source of creativity and cultural expression, and its cultural legacy has conquered the world. The diversity of styles, influences and traditions enrich the fashion industry, and have allowed their designers to stand out globally.

It is important to recognize and value Hispanic and Latin American fashion as part of our cultural heritage and as a source of inspiration and creativity. In doing so, we contribute to keeping our culture alive and making a positive impact on our society. Let us celebrate their legacy and their influence on the fashion world.

Sources: culturasdemoda.com; modaes.com; historiadelarte.uniandes.edu.co; elpais.com; vogue.mx; forbes.es

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The historical importance of Asian fashion

Asian fashion has a rich and diverse history dating back thousands of years. From the exquisite silk fabrics of China to the intricate kimonos of Japan, Asian fashion has always been renowned for its attention to detail and impeccable craftsmanship. For centuries, Asia has been a source of inspiration for designers around the world, who have incorporated elements of Asian fashion into their collections. In recent years, however, Asian fashion has moved beyond being just a source of inspiration and has become a phenomenon in its own right.

Fashion trends in China: traditional elements in modern designs

China has long been a beacon of Asian fashion. With a rich history and vibrant culture, it is no wonder that Chinese fashion is booming. In recent years, Chinese designers have been able to combine traditional elements with modern designs, creating a unique and contemporary aesthetic. Chinese fashion has embraced its cultural heritage by incorporating traditional elements, embroidery and vibrant colours into its designs. These trends have crossed borders and can now be seen on international catwalks and in fashion magazines around the world, with a young society that enjoys wearing cutting-edge fashion trends.

The fusion of streetwear and Korean haute couture

Another prominent Asian influence in the fashion world can be found in South Korea. Korean fashion has earned a reputation for its unique fusion of streetwear and high fashion. Korean designers have managed to capture the industry’s attention with their innovative and avant-garde approach. Korean fashion is characterized by its urban street style, with comfortable and casual garments combined with high fashion elements. This fusion of styles has resonated around the world and has led to Korean fashion being recognized as a force to be reckoned with. Especially with the high profile of K-POP and the visual impact they make, so deservedly so.

Thailand’s vibrant and colourful fashion scene

Thailand is another Asian country that has made its mark on the fashion industry. With its rich history and vibrant culture, Thai fashion is known for its bold use of colour and eye-catching prints. Thai designers have successfully combined traditional elements with contemporary designs, creating a unique and recognizable aesthetic. Thai fashion has gained popularity around the world, and its designs can be seen on international catwalks and in renowned fashion magazines.

The unique fashion styles of the Philippines

The Philippines has also left a mark on the fashion industry with its unique and diverse styles. From traditional Mindanao weaves to modern barong suits, Philippine fashion is a blend of tradition and modernity. Filipino designers have been able to capture the essence of Philippine culture in their designs, using local materials and artisanal techniques. Filipino fashion has been praised for its originality and focus on sustainability, and has gained recognition both nationally and internationally.

Asian fashion designers who are setting trends in the industry

Asian influence in fashion is not limited to just the countries mentioned above. Across Asia, there are a host of talented designers who are making their mark in the industry. From renowned Chinese designers such as Guo Pei to acclaimed Thai designer Disaya Sorakraikitikul, Asian designers are taking fashion to new heights. These designers have managed to combine the rich history and culture of Asia with a modern and contemporary aesthetic, creating unique and timeless collections.

Sources: prestigeonline.com: guopei.com; joseluisledesma.com; disaya.com; nymag.com; traveler.es; cosmopolitan.com; vogue.es; fashionunited.es; guopei.com

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La importancia histórica de la moda asiática

La moda asiática tiene una historia rica y diversa que se remonta a miles de años atrás. Desde los exquisitos tejidos de seda de China hasta los intrincados kimonos de Japón, la moda asiática siempre ha sido reconocida por su atención al detalle y su artesanía impecable. Durante siglos, Asia ha sido una fuente de inspiración para diseñadores de todo el mundo, quienes han incorporado elementos de la moda asiática en sus colecciones. Sin embargo, en los últimos años, la moda asiática ha dejado de ser solo una fuente de inspiración y se ha convertido en un fenómeno por derecho propio.

Tendencias de moda en China: elementos tradicionales en diseños modernos

China ha sido durante mucho tiempo un faro de la moda asiática. Con una rica historia y una cultura vibrante, no es de extrañar que la moda china esté en auge. En los últimos años, los diseñadores chinos han sabido combinar elementos tradicionales con diseños modernos, creando así una estética única y contemporánea. La moda china ha abrazado su patrimonio cultural incorporando elementos tradicionales, bordados y colores vibrantes en sus diseños. Estas tendencias han traspasado las fronteras y ahora se pueden ver en pasarelas internacionales y revistas de moda de todo el mundo, con una sociedad joven que sabe disfrutar vistiendo tendencias de moda muy puntera.

La fusión del streetwear y la alta moda coreana

Otra influencia asiática destacada en el mundo de la moda podemos encontrarla en Corea del Sur. La moda coreana se ha ganado una reputación por su fusión única de streetwear y alta moda. Los diseñadores coreanos han logrado capturar la atención de la industria con su enfoque innovador y vanguardista. La moda coreana se caracteriza por su estilo de calle urbana, con prendas cómodas y casuales combinadas con elementos de alta costura. Esta fusión de estilos ha resonado en todo el mundo y ha llevado a que la moda coreana sea reconocida como una fuerza a tener en cuenta. Especialmente con el gran protagonismo K-POP y el impacto visual que ejercen, tan merecidamente.

La vibrante y colorida escena de la moda en Tailandia

Tailandia es otro país asiático que ha dejado su huella en la industria de la moda. Con su rica historia y su vibrante cultura, la moda tailandesa es conocida por su uso audaz del color y sus estampados llamativos. Los diseñadores tailandeses han sabido combinar elementos tradicionales con diseños contemporáneos, creando así una estética única y reconocible. La moda tailandesa ha ganado popularidad en todo el mundo, y sus diseños se pueden ver en pasarelas internacionales y revistas de moda de renombre.

Los estilos de moda únicos de Filipinas

Filipinas también ha dejado una marca en la industria de la moda con sus estilos únicos y diversos. Desde los tejidos tradicionales de Mindanao hasta los modernos ternos de barong, la moda filipina es una mezcla de tradición y modernidad. Los diseñadores filipinos han sabido capturar la esencia de la cultura filipina en sus diseños, utilizando materiales locales y técnicas artesanales. La moda filipina ha sido elogiada por su originalidad y su enfoque en la sostenibilidad, y ha ganado reconocimiento tanto a nivel nacional como internacional.

Diseñadores de moda asiáticos que están marcando tendencia en la industria

La influencia asiática en la moda no se limita solo a los países mencionados anteriormente. En toda Asia, hay una gran cantidad de talentosos diseñadores que están dejando su huella en la industria. Desde los renombrados diseñadores chinos como Guo Pei hasta la aclamada diseñadora tailandesa Disaya Sorakraikitikul, los diseñadores asiáticos están llevando la moda a nuevos horizontes. Estos diseñadores han logrado combinar la rica historia y la cultura de Asia con una estética moderna y contemporánea, creando así colecciones únicas y atemporales.

La moda inspirada en Asia en las pasarelas internacionales y revistas de moda

La influencia asiática en la moda también se puede ver en las pasarelas internacionales y revistas de moda más importantes del mundo. Diseñadores de todo el mundo han incorporado elementos y estilos asiáticos en sus colecciones, creando así una fusión de culturas y estilos.

La influencia asiática en el mundo de la moda es innegable. Desde China hasta Filipinas, Asia ha dejado una huella duradera en la industria de la moda. La moda asiática se caracteriza por su rica historia, sus tradiciones únicas y su enfoque innovador. Los diseñadores asiáticos están marcando tendencia en la industria y llevando la moda a nuevos horizontes. Es importante reconocer y apreciar la belleza y la creatividad de la influencia asiática en la moda, y seguir abrazando la diversidad y la representación en esta industria tan vibrante.

Fuentes: prestigeonline.com: guopei.com; joseluisledesma.com; disaya.com; nymag.com; traveler.es; cosmopolitan.com; vogue.es; fashionunited.es

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During festivities such as Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu holidays, fashion takes on a special meaning as it becomes a way of connecting different cultures and celebrating diversity.

The influence of the Christmas season

Christmas is a holiday widely celebrated around the world and has a significant impact on the fashion industry. During this time of year, traditional colours such as red, green and gold dominate the catwalks and fashion boutiques. Reindeer, snowflake and Christmas tree prints also become popular. In addition, Christmas jumpers with festive designs have become a much-loved trend during this festive season.

Chinese New Year

Chinese New Year is another celebration that has a great influence on fashion. This holiday, which is celebrated in January or February, is full of traditions and symbolism that are reflected in Chinese fashion. The colours red and gold are especially significant during Chinese New Year, as they represent good luck and prosperity.

In the retail industry, Chinese New Year has become an opportunity for brands to launch special collections inspired by Chinese culture. Prints of dragons, cherry blossoms and other Chinese symbols can be seen on clothing and accessories during this season. In addition, fashion shows held in China during the New Year are a showcase for local designers and a way to celebrate China’s rich culture.

Each year, the Chinese calendar features a different animal, and this becomes a popular motif for fashion designers. For example, when the Chinese year is the year of the mouse, mouse prints and mouse-related details become popular in clothing and accessories. In addition, the colour red, which is considered lucky in Chinese culture, is widely used in fashion collections during this season.

The influence of Ramadan

Ramadan is a holy month for Muslims, during which they fast daily from dawn to dusk. During this period, fashion also plays an important role. Many fashion brands launch special collections for Ramadan, which include more modest clothing suitable for this religious holiday.

Clothes during this holiday are characterized by the use of soft colours and light fabrics that allow people to stay cool and comfortable during the fast. Designs are often elegant and sophisticated, with details such as lace, embroidery and floral prints. In addition, Ramadan fashion is also inspired by the cultural traditions of different Muslim countries, making each collection unique and representative of the diversity within this community.

Hindu festivals and their influence

Hindu festivals, such as Diwali and Holi, also have a significant impact on fashion. During Diwali, the festival of lights, bright colours such as red, orange and gold are especially popular. Many people choose to dress in saris or traditional Indian costumes, which are decorated with elaborate embroidery and intricate detailing.

During Holi, the festival of colours, fashion is filled with bright and colourful garments. Designers take inspiration from these festivals to create unique and vibrant garments that reflect the joy and energy of the festivities.

Coexistence and collaboration

In an increasingly globalized world, fashion has become a platform for coexistence and collaboration between different cultures. The retail industry has opened its doors to designers from all over the world, allowing ideas and cultural traditions to mix and enrich each other.

During the holiday season, many brands organize special events and collaborations with local designers and artists to celebrate cultural diversity. These events not only present holiday-inspired collections, but also provide an opportunity for emerging designers to showcase their work.

Collaboration between designers from different countries and cultures has resulted in unique collections that celebrate diversity and foster cultural understanding. These collaborations allow designers to share their vision of fashion and create garments that fuse different styles and traditions.

Cultural appropriation versus cultural appreciation

As fashion becomes more diverse and multicultural, it is important to address the issue of cultural appropriation versus cultural appreciation. While cultural appreciation involves recognizing and valuing the traditions of other cultural groups, cultural appropriation involves borrowing cultural elements without due respect and understanding.

It is essential that the retail industry promotes cultural appreciation rather than appropriation. This means giving credit to sources of inspiration, collaborating with designers from different cultures, and respecting cultural traditions and symbols. It is essential that designers and fashion brands are aware of this and ensure that their holiday inspiration is done in a respectful and sensitive manner.

A bridge for cultural understanding

Fashion has the power to bring people together and promote cultural understanding. Through it, we can learn about different cultures, traditions and ways of life. By wearing clothes inspired by other cultures, we can show respect and appreciation for global diversity. It can also be a way to start conversations and promote education about different cultures and cultural understanding.

Designers, brands and consumers can use fashion as a platform to share stories and experiences, thus fostering mutual understanding and respect.

In conclusion, fashion is a language of celebration that reflects people’s cultural identity and the festivities that mark their lives. Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu festivities are just a few examples of how celebrations influence fashion.

However, it is important to do so in a respectful and sensitive manner, avoiding cultural appropriation and encouraging cultural appreciation. By embracing diversity and inclusion, fashion brands can play a significant role in building bridges between different cultures and promoting global harmony.

Sources: culturasdemoda.com; modaes.com; vogue.es; cincodias.elpais.com, joseluisledesma.com

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Durante las festividades como la Navidad, el Año Nuevo chino, el Ramadán y las festividades hindúes, la moda adquiere un significado especial, ya que se convierte en una forma de conectar diferentes culturas y celebrar la diversidad.

La influencia de la Navidad

La Navidad es una festividad ampliamente celebrada en todo el mundo y tiene un impacto significativo en la industria de la moda. Durante esta época del año, los colores tradicionales como el rojo, el verde y el dorado dominan las pasarelas y las tiendas de moda. Los estampados de renos, copos de nieve y árboles de Navidad también se vuelven populares. Además, los suéteres navideños con diseños festivos se han convertido en una tendencia muy querida durante estas fiestas.

El Año Nuevo chino en la industria del fashion

El Año Nuevo Chino es otra celebración que tiene una gran influencia en la moda. Esta festividad, que se celebra en enero o febrero, está llena de tradiciones y simbolismos que se reflejan en la moda china. Los colores rojo y dorado son especialmente significativos durante el Año Nuevo Chino, ya que representan la buena suerte y la prosperidad.

En la industria de la moda, el Año Nuevo Chino se ha convertido en una oportunidad para que las marcas lancen colecciones especiales inspiradas en la cultura china. Los estampados de dragones, flores de cerezo y otros símbolos chinos se pueden ver en prendas de vestir y accesorios durante esta temporada. Además, los desfiles de moda que se llevan a cabo en China durante el Año Nuevo son un escaparate para los diseñadores locales y una forma de celebrar la rica cultura china.

Cada año, el calendario chino presenta un animal diferente y este se convierte en un motivo popular para los diseñadores de moda. Por ejemplo, cuando el año chino es el año del ratón, los estampados de ratón y los detalles relacionados con los ratones se vuelven populares en la ropa y los accesorios. Además, el color rojo, que se considera afortunado en la cultura china, es ampliamente utilizado en las colecciones de moda durante esta temporada.

La conexión entre la moda y el Ramadán

El Ramadán es un mes sagrado para los musulmanes, en el que se lleva a cabo el ayuno diario desde el amanecer hasta el anochecer. Durante este período, la moda también juega un papel importante. Muchas marcas de moda lanzan colecciones especiales para el Ramadán, que incluyen prendas más modestas y adecuadas para esta festividad religiosa.

Las prendas durante esta festividad se caracterizan por el uso de colores suaves y tejidos ligeros que permiten a las personas mantenerse frescas y cómodas durante el ayuno. Los diseños suelen ser elegantes y sofisticados, con detalles como encajes, bordados y estampados florales. Además, la moda del Ramadán también se inspira en las tradiciones culturales de diferentes países musulmanes, lo que hace que cada colección sea única y representativa de la diversidad dentro de la comunidad musulmana.

Festividades hindúes y su influencia

Las festividades hindúes, como Diwali y Holi, también tienen un impacto significativo en la moda. Durante Diwali, la festividad de las luces, los colores brillantes como el rojo, el naranja y el dorado son especialmente populares. Muchas personas eligen vestirse con saris o trajes tradicionales indios, que están decorados con bordados elaborados y detalles intrincados.

Durante Holi, el festival de los colores, la moda se llena de prendas brillantes y coloridas. Los diseñadores se inspiran en estos festivales para crear prendas únicas y vibrantes que reflejan la alegría y la energía de las festividades.

Convivencia y colaboración en la moda

En un mundo cada vez más globalizado, la moda se ha convertido en una plataforma para la convivencia y la colaboración entre diferentes culturas. La industria de la moda ha abierto sus puertas a diseñadores de todo el mundo, permitiendo que ideas y tradiciones culturales se mezclen y se enriquezcan mutuamente.

Durante la temporada de festividades, muchas marcas de moda organizan eventos especiales y colaboraciones con diseñadores y artistas locales para celebrar la diversidad cultural. Estos eventos no solo presentan colecciones inspiradas en las festividades, sino que también ofrecen una oportunidad para que los diseñadores emergentes muestren su trabajo. 

La colaboración entre diseñadores de diferentes países y culturas ha dado lugar a colecciones únicas que celebran la diversidad y fomentan la comprensión cultural. Estas colaboraciones permiten a los diseñadores compartir su visión de la moda y crear prendas que fusionan diferentes estilos y tradiciones.

Apropiación cultural versus aprecio cultural

A medida que la moda se vuelve más diversa y multicultural, es importante abordar el tema de la apropiación cultural versus el aprecio cultural. Mientras que el aprecio cultural implica reconocer y valorar las tradiciones de otros grupos culturales, la apropiación cultural implica tomar prestados elementos culturales sin el debido respeto y comprensión.

Es fundamental que la industria de la moda promueva el aprecio cultural en lugar de la apropiación. Esto implica dar crédito a las fuentes de inspiración, colaborar con diseñadores de diferentes culturas y respetar las tradiciones y símbolos culturales. Es esencial que los diseñadores y las marcas de moda sean conscientes de esto y se aseguren de que su inspiración en las festividades se haga de manera respetuosa y sensible.

Un puente para la comprensión cultural

La moda tiene el poder de unir a las personas y promover la comprensión cultural. A través de ella, podemos aprender sobre diferentes culturas, tradiciones y formas de vida. Al vestir prendas inspiradas en otras culturas, podemos mostrar respeto y aprecio por la diversidad global. Además, puede ser una forma de iniciar conversaciones y promover la educación sobre diferentes culturas y la comprensión cultural.

Los diseñadores, las marcas y los consumidores pueden utilizar la moda como una plataforma para compartir historias y experiencias, fomentando así la comprensión y el respeto mutuo.

En conclusión, la moda es un lenguaje de celebración que refleja la identidad cultural de las personas y las festividades que marcan sus vidas. La Navidad, el Año Nuevo Chino, el Ramadán y las festividades hindúes son solo algunos ejemplos de cómo las celebraciones influyen en la moda.

Sin embargo, es importante hacerlo de manera respetuosa y sensible, evitando la apropiación cultural y fomentando la apreciación cultural. Al abrazar la diversidad y la inclusión, las marcas de moda pueden desempeñar un papel significativo en la construcción de puentes entre diferentes culturas y en la promoción de la armonía global.

Fuentes: culturasdemoda.com; modaes.com; vogue.es; cincodias.elpais.com, joseluisledesma.com

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Corporate sustainability

Corporate sustainability is an approach that seeks to preserve the environment, improve people’s quality of life, and at the same time optimize the profitability of a business. It involves implementing strategies and practices that minimize negative impacts on the environment and society, while promoting balanced and sustainable economic growth.

Business sustainability can be defined as the ability of a company to manage its operations in a responsible and ethical manner, taking into account social welfare, the environment and long-term economic profitability. This means that companies must be aware of the effects of their actions on the environment and society, and take measures to minimise them.

Why is it important?

Corporate sustainability is crucial in the world today for a series of reasons as:

1. Environmental and social awareness is on the increase, leading consumers to demand more environmentally and socially responsible products and services.
2. Companies that adopt sustainable practices can improve their image and reputation, which in turn can increase customer loyalty and profitability.
3. Implementing sustainability strategies can help companies to meet evolving regulations and legal standards, thereby reducing operational and legal risks.
4. Business sustainability can also result in greater efficiency and cost reduction through the conscious use of resources and innovation in processes and technologies.

Characteristics of corporate sustainability

Businesses should base their actions on universal principles in areas such as human rights, labour, anti-corruption and the environment. This means aligning their operational processes and internal policies with international standards and responsibilities in these areas, and adopting an ethical and responsible approach in all their decisions and actions. Below, we look at some key concepts of corporate sustainability and their practical contributions:

Social support

A sustainable business must be concerned not only with its own structure and operations, but also with the social issues surrounding it, such as the level of poverty, conflict, resource scarcity and the education of the workforce. Corporate sustainability is also measured through indicators that assess how much a company contributes to community development, such as the social empowerment index.

Embedding sustainability in the corporate DNA

Corporate sustainability should be an integral part of a company’s internal culture and processes, and not simply a series of isolated or reactive actions. This implies that sustainable practices are integrated into senior management decision-making, and that a positive and committed stance on sustainability is promoted among employees.

Publication of annual sustainability reports

Sustainable companies should publish annual reports describing their sustainability strategies and results achieved. These reports are an effective way of demonstrating a company’s commitment and responsibility to society and the environment, and can serve as an incentive for other companies to adopt similar practices.

Integration with local communities

Sustainable organizations should establish positive links with local communities, strengthening civil society and promoting civic and democratic values. This involves contributing to the development and well-being of the community, generating employment, promoting culture and education, and improving the quality of life of the general population.

Steps towards company sustainability

There are undoubtedly a number of essential steps that need to be taken to move towards corporate sustainability:

1. Build and strengthen trust:

Transparency and communication are key to building trust among employees, customers and partners. Companies must be honest and open about their sustainability practices and policies, and show their commitment through concrete actions and measurable results.

2. Focusing on climate and environmental concerns

Companies should prioritize reducing their environmental impact and taking action to combat climate change. This may include adopting renewable energy sources, reducing greenhouse gas emissions, and implementing resource conservation and recycling practices.

3. Integrate innovation into business strategy

Innovation is key to developing sustainable solutions and improving resource efficiency. Companies should explore new technologies and processes that allow them to reduce their environmental footprint and optimize their operations, while adapting to market changes and trends.

Indicators of corporate sustainability

To measure progress in implementing sustainable practices, companies can use key performance indicators (KPIs) in the areas of environmental, social and economic sustainability such as:

• Effective use of natural resources.
• Measuring resource and raw material depletion.
• Minimizing the use of environmentally harmful materials and products.
• Prevention of negative impacts on ecosystems.
• Production and use of environmentally friendly products.
• Percentage of employees who consider that the company acts responsibly.
• Number of full-time employees engaged in social investment projects.
• Funds raised for humanitarian and non-profit organizations.
• Employee salaries, contracts and benefits.
• Customer satisfaction, retention, loyalty.
• Employee satisfaction, competence and commitment.
• Accounting policies.
• Budget evaluation.

Corporate sustainability is not only vital to contribute to the preservation of the environment and the communities in which organizations are inserted, but also to the improvement of employees’ professional lives and the relationship with consumers and users. Implementing sustainable practices can make a significant difference to the success and profitability of a company in today’s world.

Ready to start implementing corporate sustainability in your organization?

Sources: eleconomista.es; ibm.com; safetyculture.com; elpais.com

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La sostenibilidad empresarial

La sostenibilidad empresarial es un enfoque que busca preservar el medio ambiente, mejorar la calidad de vida de las personas y al mismo tiempo optimizar la rentabilidad de un negocio. Esto implica la implementación de estrategias y prácticas que minimicen los impactos negativos en el entorno y la sociedad, al tiempo que se promueve un crecimiento económico equilibrado y sostenible.

La sostenibilidad empresarial se puede definir como la capacidad de una empresa para gestionar sus operaciones de manera responsable y ética, teniendo en cuenta el bienestar social, el medio ambiente y la rentabilidad económica a largo plazo. Esto significa que las empresas deben ser conscientes de los efectos de sus acciones en el entorno y la sociedad, y adoptar medidas para reducirlos al mínimo.

¿Por qué es importante?

La sostenibilidad empresarial es crucial en el mundo actual por varias razones:

1. La conciencia ambiental y social está en aumento, lo que lleva a los consumidores a exigir productos y servicios más responsables y respetuosos con el entorno y la sociedad.
2. Las empresas que adoptan prácticas sostenibles pueden mejorar su imagen y reputación, lo que a su vez puede aumentar la lealtad del cliente y la rentabilidad.
3. La implementación de estrategias de sostenibilidad puede ayudar a las empresas a cumplir con las regulaciones y normas legales en evolución, reduciendo así los riesgos operativos y legales.
4. La sostenibilidad empresarial también puede resultar en una mayor eficiencia y reducción de costos, gracias al uso consciente de los recursos y la innovación en procesos y tecnologías.

Características de la sostenibilidad empresarial

Las empresas deben basar su actuación en principios universales en áreas como derechos humanos, trabajo, lucha contra la corrupción y medio ambiente. Esto implica alinear sus procesos operativos y políticas internas con las normas y responsabilidades internacionales en estas áreas, y adoptar un enfoque ético y responsable en todas sus decisiones y acciones.  A continuación veremos algunos conceptos claves de la sostenibilidad empresarial y sus contribuciones prácticas:

Apoyo social

Una empresa sostenible debe preocuparse no solo por su propia estructura y operaciones, sino también por los aspectos sociales que la rodean, como el nivel de pobreza, los conflictos, la escasez de recursos y la educación de la fuerza laboral. La sostenibilidad empresarial se mide también a través de indicadores que evalúan cuánto contribuye una empresa al desarrollo de la comunidad, como el índice de fortalecimiento de la sociedad.

Inclusión de la sostenibilidad en el ADN corporativo

La sostenibilidad empresarial debe formar parte integral de la cultura y los procesos internos de una empresa, y no ser simplemente una serie de acciones aisladas o reactivas. Esto implica que las prácticas sostenibles se integren en la toma de decisiones de la alta dirección, y que se promueva una postura positiva y comprometida con la sostenibilidad entre los empleados.

Publicación de informes anuales sobre sostenibilidad

Las empresas sostenibles deben publicar informes anuales que describan sus estrategias de sostenibilidad y los resultados obtenidos. Estos informes son una forma eficaz de demostrar el compromiso y la responsabilidad de una empresa con la sociedad y el medio ambiente, y pueden servir como incentivo para que otras empresas adopten prácticas similares.

Integración con las comunidades locales

Las organizaciones sostenibles deben establecer vínculos positivos con las comunidades locales, fortaleciendo la sociedad civil y promoviendo valores cívicos y democráticos. Esto implica contribuir al desarrollo y bienestar de la comunidad, generando empleo, promoviendo la cultura y la educación, y mejorando la calidad de vida de la población en general.

Pasos hacia la sostenibilidad empresarial

Sin duda, para ir hacia la sostenibilidad empresarial hay que tener en cuenta de algunos pasos esenciales:

1. Construir y fortalecer la confianza

La transparencia y la comunicación son fundamentales para generar confianza entre los empleados, clientes y socios. Las empresas deben ser honestas y abiertas acerca de sus prácticas y políticas de sostenibilidad, y mostrar su compromiso a través de acciones concretas y resultados medibles.

2. Enfocarse en las preocupaciones climáticas y ambientales

Las empresas deben priorizar la reducción de su impacto ambiental y tomar medidas para combatir el cambio climático. Esto puede incluir la adopción de fuentes de energía renovable, la reducción de emisiones de gases de efecto invernadero, y la implementación de prácticas de conservación de recursos y reciclaje.

3. Integrar la innovación en la estrategia empresarial

La innovación es clave para desarrollar soluciones sostenibles y mejorar la eficiencia en el uso de recursos. Las empresas deben explorar nuevas tecnologías y procesos que les permitan reducir su huella ambiental y optimizar sus operaciones, al tiempo que se adaptan a los cambios y tendencias del mercado.

Indicadores de sostenibilidad empresarial

Para medir el progreso en la implementación de prácticas sostenibles, las empresas pueden utilizar indicadores clave de desempeño (KPI) en las áreas de sostenibilidad ambiental, social y económica como:

• Utilización efectiva de los recursos naturales.
• Medición del agotamiento de los recursos y materias primas.
• Minimizar el uso de materiales y productos nocivos para el medio ambiente.
• Prevención de impactos negativos en los ecosistemas.
• Producción y uso de productos inocuos para el medio ambiente.
• Porcentaje de empleados que consideran que la empresa actúa de forma responsable.
• Número de empleados a tiempo completo dedicados a proyectos de inversión social.
• Fondos recaudados para organizaciones humanitarias y sin fines de lucro.
• Salarios, contratos y beneficios para empleados.
• Satisfacción, retención, fidelización del cliente.
• Satisfacción, competencia y compromiso de los empleados.
• Políticas de contabilidad.
• Evaluación de presupuesto.

La sostenibilidad empresarial no solo es vital para contribuir a la preservación del medio ambiente y las comunidades donde se insertan las organizaciones, sino también para el mejoramiento de la vida profesional de los empleados y la relación con consumidores y usuarios. Implementar prácticas sostenibles puede marcar una diferencia significativa en el éxito y la rentabilidad de una empresa en el mundo actual.

¿Listo para comenzar a implementar la sostenibilidad empresarial en tu organización?

Fuentes: eleconomista.es; ibm.com; safetyculture.com; elpais.com

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Kusama gained recognition for her work in the 1950s and 1960s, when she was part of the avant-garde art scene in New York. She has continued to create works throughout her career, and her works have been exhibited in many major museums and galleries around the world, making her one of the most influential and iconic Japanese artists of the 21st century.

The collaboration between Yayoi Kusama and Louis Vuitton

In 2012, Yayoi Kusama and Louis Vuitton began their journey together. The collaboration was a great success, and resulted in the launch of a special collection featuring Kusama’s art. The collection included clothing, accessories and home décor items, all decorated with her iconic polka dots. The collaboration received much attention and praise, and has become one of the most successful collaborations between an artist and a fashion house.

The success of the collaboration between Kusama and Louis Vuitton has helped bring the artist’s works to a wider audience, and her works have become an integral part of the house’s collections and campaigns.

Today, 10 years after their first collaboration, the worlds of fashion and art merge once again in the brand’s Cruise 2023 collection, with the infinite and timeless vision that is so characteristic of the artist.

The Collection

The launch of the new collection is celebrated with a campaign starring international models such as Gisele Bundchen, Bella Hadid, Karlie Kloss, Natalia Vodianova, Malick Bodian, Anok Yai, Fei Fei and many more, who were part of the new designs inspired by the art of “The Polka Dot Princess”.

With a pop style, each of the pieces in this collection features a design pattern with dots of different colors and sizes.

To create them, an innovative silkscreen printing technique was used that reproduces the artist’s brushstrokes, giving a realistic effect, as if they were hand-painted. The main pieces of the collection are a variety of Louis Vuitton bags with Yayoi Kusama’s signature twist, as if they were canvases with splashes of monochromatic paint. The future of the collaboration certainly looks promising.

The impact of Yayoi Kusama’s art on fashion trends

Kusama’s art has also inspired several fashion designers. Her signature polka dots have become an integral part of many designers’ collections.

In addition to influencing fashion trends, Kusama’s art has also had a major influence on the world of visual merchandising. Her works have been used to create captivating, eye-catching displays and immersive experiences.

The collaboration with the French firm has helped to create a bridge between art and fashion, and has helped to remind us of the importance of art in this world, helping to inspire a new generation of artists.

Sources: louisvuitton.com ; vogue.es ; moda.es; highsnobiety.com ; neo2.com ; Instagram.com

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Despite the increasing degree of digitalisation of retail, the sector has returned in 2022 to bet on physical sales, with stores as meeting points to offer brand experiences to customers and maintain the personal touch. 

In fact, as Adyen reports in its Adyen Retail 2021 Report, it reveals that seven out of ten consumers surveyed prefer to shop in physical stores. 

Consumers are looking for an experience that can only be achieved in the retail space and, in addition, they are concerned about the sustainability of the product they buy and are interested in supporting local commerce and proximity goods.

These are some of the conclusions of the Adyen report that provides a snapshot of consumer preferences according to the autonomous communities of residence.

Five reasons why consumers choose to shop in retail spaces

Despite the facility of shopping online, a study by Axis Communication highlights that 34% of Spanish people prefer to make their purchases in physical stores. Let’s take a look at the main reasons:

1. Direct contact with the products: undoubtedly, this option puts the product in the hands of the customer and that is “a value that most are not willing to give up, at least for now”. 
2. Human relationship with the sales assistant: in its Axis report it indicates “80% of shoppers value having a person who advises, guides them on the products they have in the store and even offers advice”. The importance of direct contact and the experience offered to customers in retail spaces is key to brand loyalty and reputation.
3. Simplicity in exchanges or returns: buying online makes this process slower and often not very sustainable.
4. Shopping: enjoying an afternoon of shopping is both an attractive way to get physical exercise and have a good time outside the home. 
5. More payment security: security is an essential point when it comes shopping, so it is another factor in favor of commercial spaces. Although online transactions are becoming increasingly secure, there is always the fear of what might happen to our data.

After the “boom” of online commerce, what we desire is to go out for a walk, eat, have a coffee and go shopping in physical retail spaces.

Thanks to this trend for the Retail sector, the range of shopping possibilities and competitiveness is opening up. For this reason, having an expert in the Direction of Visual Merchandising and Projects is an essential advantage for this new era.

Sources: businessinsider.es, ecommerce-news.es, distribucionactualidad.com, adyen.com, joseluisledesma.com.

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Pese al cada vez mayor grado de digitalización del retail, el sector ha vuelto en 2022 a apostar por la venta física, con las tiendas como puntos de encuentro para ofrecer experiencias de marca a los clientes y mantener el trato personal. 

De hecho, tal y cómo recoge Adyen en su Informe sobre el Retail 2021, desvela que siete de cada diez consumidores encuestados prefiere realizar sus compras en tiendas físicas. 

El consumidor busca tener una experiencia que solo se consigue en el espacio comercial y, además, se muestra preocupado por la sostenibilidad del producto que compra e interesado en apoyar el comercio local y bienes de proximidad.

Estas son algunas de las conclusiones del informe Adyen sobre Retail 2021, realizado en octubre de 2021 y que proporciona una fotografía de las preferencias de los consumidores en función de las comunidades autónomas de residencia.

Cinco motivos por los que el consumidor elige comprar en los espacios comerciales

No obstante la facilidad de comprar por Internet, un estudio de Axis Communication destaca que el 34% de los españoles prefiere hacer sus compras en tiendas físicas. Vamos a ver los principales motivos:

1. Contacto directo con el producto. Esta opción pone el producto en las manos del cliente y eso es “un valor al que la mayoría no está dispuesta a renunciar, al menos por ahora”. 
2. Relación humana con el dependiente: en su informe Axis señala que “un 80% de los compradores valora contar con una persona que asesora, que orienta sobre los productos con los que cuentan en la tienda e incluso ofrece consejo sobre cuál es mejor y siempre con una sonrisa en la cara”. 
3. Sencillez en cambios o devoluciones. Comprar por internet hace que este proceso sea más lento y muchas veces no muy sostenible.
4. Salir: disfrutar de una tarde de compras es, a la vez, una forma atractiva de hacer ejercicio físico y pasar un buen momento fuera de casa. 
5. Más seguridad de pago: la seguridad es un punto esencial a la hora de realizar compras, por lo que es otro factor a favor de los espacios comerciales. A pesar de que las transacciones online son cada vez más seguras, siempre existe el miedo de qué puede pasar con nuestros datos.

Después del “boom” del comercio online, lo que nos apetece es salir a la calle a pasear, comer, tomar cafe e irnos de compras en los espacios físicos comerciales.

Gracias a esta tendencia para el sector de Retail se abre el abanico de posibilidades de compra y competitividad. Por ello contar con un experto la Dirección Visual Merchandising y Proyectos es una ventaja esencial para esta nueva era.

Fuentes: businessinsider.es, ecommerce-news.es, distribucionactualidad.com, adyen.com, joseluisledesma.com.

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While on the fashion catwalks around the world designers present revolutionary collections, we in the day to day, we are still conditioned when it comes to dress, thinking about what they will think or say about us.

Undoubtedly, clothes, style or color are elements capable of communicating our personality and from the point of view of psychology a lot of information has been obtained from different studies, collected in Psychology Today.

Business Insider recently reviewed several studies related to first impression. Among these, there were some that related the quality and cut of clothing not only to status, but also to intelligence level.

This, is one of the examples, where the influence of the judgment of others, especially in formal circumstances, conditions us when choosing our style.

Classic fashion: the first impression

One of the most recurring questions among fashion lovers is what to wear one season, but consumers usually opt for those classic garments that never go out of style. 

Why is classic style so important?

Classic style carefully preserves the unique look, constancy, severity and restraint. Classic clothes are synonymous with elegance. Such clothes bring us harmony, grace and stability. Classic style is pacification and a sense of proportion in everything: in shapes, volumes and shades of color. A classic is never surprising because it has reliability and quality, without bright and flashy decorative elements.

But this does not mean that the classic style is monotonous and unattractive.

There are no right ways to dress, the important thing is that it is in line with our way of thinking and makes us feel comfortable with ourselves, we should not worry about what others think about how we dress.

The most innovative fashion trends

Clothes can bring a great deal of self-confidence, which has repercussions both in the workplace and socially.

For this reason, we must also learn to lose our fear of the first impression and break the rules of style to break the monotony, to play and have fun or simply to be disconcerting. Whatever the reason, the important thing is to feel comfortable.

The modern wardrobe owes its development not just to fashion designers in Paris or Milan but also to gangs and movements brought together by a shared appreciation of music, sport or a particular underground culture, and a certain style that defines membership. These styles have rocked establishments, created stereotypes, expressed social division as much as they have united people, entered the language, spread around the world, and, above all, transformed dress for a wider public.

100 Ideas that Changed Street Style

Everything that seems normal to us today was once something very innovative. These changes have been signed by people who, of course, have left their mark on the fashion world without the fear of the first impression. Here is a list of the most innovative designers in the fashion world to pay tribute to the revolutionary and pioneering minds that changed the rules of the game by being able to see the future and make it a reality:

• Paco Rabanne (1934) has been one of the pioneers of futuristic fashion. Together with Cardin and Courrèges, he used the latest high-tech synthetic sports fabrics to revitalize French haute couture with his space-focused fashion. In addition, Paco Rabanne surprised with the “Do It Yourself” dress, which was sold in a do-it-yourself box.

• Yves Saint-Laurent (1936-2008) was responsible for bringing a certain masculinity to women with his American suit. In the 1960s – although inspired by Melanie Dietrich in the 1930s – the Parisian designer created the suit for women, emphasizing the lapels and the front pleat of the pants, managing to maintain some femininity also with the darts on the waistband of the jacket and the close-fitting vest underneath.

• Rei Kawakubo (1942) arrived in Paris with Comme des Garçons in the early 1980s, presenting on the 1981 catwalk a new vision of fashion, which the press would call “Hiroshima chic” or “post-nuclear chic”. He also made black the characteristic color of avant-garde fashion, bringing minimalism, austerity with a post-modern approach to fashion. She questioned the feminine silhouettes, betting on a revolutionary fashion that would free women from sterotipulated garments.

• Elsa Schiaparelli (1890-1973) – became famous for using trompe l’oeil in her knitwear. She was also the main exponent of surrealist fashion and brought the world of dresses and costumes closer to the world of painting and art in general. Her collaborations with Dalí and Jean Cocteau are historical. 

• Miguel Adrover is one of the most international self-taught Spanish designers today, who based his collections on the people and culture of New York and his travels around the world. He was born in a small town in Mallorca called Calonge in 1965 and from there he jumped to London, where he came into contact with the most underground scene of the city: the universe of the neo-punks and the new romantics.

• Vivienne Westwood began her career pushing boundaries. She opened her own boutique in London, appropriately named SEX. The designer defined a new generation of punk style, designing and dressing some of the most iconic punk rockers, such as the Sex Pistols. Westwood and Malcolm McLaren created one of the most provocative pieces of punk rock style: the bondage suit. Inspired by the standard military pants McLaren brought back from the United States, Westwood used black satin from British railway workers’ vests and added bondage straps to achieve the sadomasochistic look.

Would you be able to express yourself through the way you dress in your day to day life without feeling conditioned?

Sources: i-d.vice.com ; businessinsider.es ; lofficielmexico.com ; bbc.com ; lavanguardia.com ; itfashion.com ; vogue.es

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Mientras en las pasarelas de moda de todo el mundo los diseñadores presentan colecciones revolucionarias, nosotros, en el día a día, seguimos condicionados a la hora de vestirnos, pensando sobre qué pensarán o dirán de nosotros.

Sin duda, la ropa, el estilo o el color son elementos capaces de comunicar nuestra personalidad y desde el punto de la psicología se ha obtenido mucha información a partir de diferentes estudios, recogidos en Psychology Today.

Business Insider revisó recientemente varios estudios relacionados con la primera impresión. Entre estos, había algunos que relacionaban la calidad y el corte de la ropa no solo con el status, sino también con el nivel de inteligencia.

Esto es uno de los ejemplos, donde la influencia del juicio de los demás, sobre todo en circunstancias formales, nos condiciona a la hora de elegir nuestro estilo, derivando a una sociedad de color gris.

La moda clásica

Una de las preguntas más recurrentes entre los amantes de la moda es la de qué se lleva una temporada, pero, los consumidores, por lo general, optan por hacerse con aquellas prendas clásicas que nunca pasan de moda. 

¿Por qué el estilo clásico es tan importante?

El estilo clásico conserva cuidadosamente el aspecto único, la constancia, la severidad y la moderación. La ropa clásica es sinónimo de elegancia. Tales prendas nos aportan armonía, gracia y estabilidad. El estilo clásico es la pacificación y un sentido de proporción en todo: en formas, volúmenes y tonos de color. Un clásico nunca es sorprendente porque tiene confiabilidad y calidad, sin elementos decorativos brillantes y llamativos.

Pero no por eso hay que pensar que el estilo clásico es monótono y poco atractivo.

No hay formas de vestir correctas, lo importante es que esté acorde con nuestra forma de pensar y nos haga sentir cómodos con nosotros mismos, no debemos preocuparnos por lo que los demás opinen sobre cómo vestimos.

Las tendencias más innovadoras de la moda: más allá de la primera impresión

La ropa puede aportar grandes dosis de confianza en uno mismo, lo que repercute tanto en el ámbito laboral como en el social.

Por eso, también hay que aprender a perder el miedo al juicio de la primera impresión y romper las reglas de estilo para quebrar la monotonía, para jugar y divertirnos o simplemente para desconcertar. Por el motivo que sea, lo importante es sentirnos cómodos.

“The modern wardrobe owes its development not just to fashion designers in Paris or Milan but also to gangs and movements brought together by a shared appreciation of music, sport or a particular underground culture, and a certain style that defines membership.These styles have rocked establishments, created stereotypes, expressed social division as much as they have united people, entered the language, spread around the world, and, above all, transformed dress for a wider public.

100 Ideas that Changed Street Style
Josh Sims

Todo lo que hoy nos parece normal, en su día fue algo muy innovador. Estos cambios lo han firmado personas que, desde luego, han dejado huella en el mundo de la moda. A continuación, un listado de los diseñadores más innovadores del mundo de la moda para rendir homenaje a las mentes revolucionarias y pioneras que cambiaron las reglas del juego al ser capaces de ver el futuro y hacerlo realidad:

• Paco Rabanne (1934) ha sido uno de los pioneros de la moda futurista. Junto con Cardin y Courrèges, utilizó las últimas telas deportivas sintéticas de alta tecnología para revitalizar la alta costura francesa con su moda enfocada al espacio. Además, Paco Rabanne sorprendió con el vestido «Do It Yourself», que se vendía en una caja para que lo hicieras tú mismo.

• Yves Saint-Laurent (1936-2008) fue el encargado de traer cierta masculinidad a la mujer con su traje americana. En la década de los 60 -aunque inspirado en Melanie Dietrich en los 30- el diseñador parisino creó el traje para la mujer, enfatizando las solapas y el pliegue delantero del pantalón, consiguiendo mantener algo de feminidad también con las pinzas del talle de la chaqueta y el chaleco ceñido debajo.

• Rei Kawakubo (1942) llegaba a París con Comme des Garçons a comienzos de los años 80, presentando sobre la pasarela de 1981 una nueva visión de la moda, que la prensa bautizaría como «Hiroshima chic» o «post-nuclear chic». También hizo del negro el color característico de la moda de vanguardia, aportando minimalismo, austeridad con un enfoque posmoderno de la moda. Se cuestionó las siluetas femeninas, apostando a una moda revolucionaria que liberara a la mujer de prendas estereotipadas.

• Elsa Schiaparelli (1890-1973) – se hizo famosa por utilizar el trampantojo en sus prendas de punto. Además, fue la principal exponente de la moda surrealista y acercó el mundo de los vestidos y trajes al de la pintura y el arte en general. Históricas son sus colaboraciones con Dalí y con Jean Cocteau. 

• Miguel Adrover, es uno de los diseñadores españoles autodidactas más internacionales en la actualidad, que basó sus colecciones en la gente y cultura neoyorquina y en sus viajes alrededor del mundo. Nació en un pequeño pueblo de Mallorca llamado Calonge en el año 1965 y de allí saltó a Londres, donde entró en contacto con la escena más underground de la ciudad: el universo de los neopunks y de los new romantics.

• Vivienne Westwood comenzó su carrera empujando límites. Abrió su propia boutique en Londres, apropiadamente llamada SEX. La diseñadora definió a una nueva generación de estilo punk, diseñando y vistiendo a algunos de los rockeros punk más icónicos, como los Sex Pistols. 

¿Serias capaz de expresarte a través de tu forma de vestir en tu día a día sin sentirte condicionad@?

Fuentes: i-d.vice.com ; businessinsider.es ; lofficielmexico.com ; bbc.com ; lavanguardia.com ; itfashion.com ; vogue.es

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The term Visual Storytelling refers to the art of telling brand stories with images and visual media.

And if we think of the effectiveness of images as elements that facilitate the creation of persistent memories over time, we will understand the full potential of this approach.

How visual storytelling works?

Visual Storytelling has a huge impact on the perception of businesses; it helps them connect with their customers and at the same time drives sales.

In that sense, the storytelling of these contents can be adapted in many ways; however, there are some basic concepts that we must take into account to create a good strategy. Below, we will review some fundamental steps to tell a successful story:

• Structure: most stories are organized in a very simple way: problem, solution and resolution.
• Simplicity: less is more. We often lose sight of the power of simplicity. A visual story that appeals to the basics will project a strong and clear message, without confusing our audience about what we want to convey.
• Design: there is no need to fill a story with a lot of visual elements, a good design is enough to successfully reach the consumer. 

Where can we use Visual Storytelling?

This technique, for example, allows us to produce extraordinary content for social networks. In addition, the popularity of the most visual platforms, such as Instagram, makes them ideal for visual storytelling.

Visual storytelling is also very powerful for e-commerce. When presenting the products of an online shop, there are different types of images, and each brand must choose the option that best suits its identity and the idea it wants to convey to its audience. 

The Retail world

Consumers evolve with the times, and today more than ever, customers not only want to feel identified with the brand, but they also want to live authentic experiences and get closer to brands that are true to their vision.  Therefore, we can highlight three essential steps for effective visual storytelling in the fashion sector:

• To be loyal and consistent with the brand’s vision

Visual storytelling in fashion works when the brand is consistent and authentic over time, with a message that reflects a complete vision of the brand. 

• Adapting to changing times

It is vital to be relevant in order to achieve effective visual storytelling. Take the example of Dior creative director Maria Grazia Chiuri, who generated incredible media impact in 2019 with the launch of her autumn/winter 2020 collection where models wore T-shirts with the phrase ‘We Should All Be Feminists’, responding to the resurgence of concern for women’s equality and women’s rights.

• Focusing on the consumer

Chiuri managed to be faithful to Christian Dior’s vision by giving voice to the ‘celebration of women’ and responding to a social issue.

The third essential step to a great visual storytelling strategy is to focus on the consumer. Before designing a strategy, ask yourself: What do I want the consumer to feel, and how can I make them feel that way?

The window displays

The benefits of visual storytelling in window displays are several and very important. Among them, we can find:

• Creating empathy 
• Creating emotions
• Connect with the audience
• Humanize the brand

The window display, being the point of physical connection with customers, is the perfect scenario to share a clear, concise and consistent story that is faithful to the brand and with which we can achieve many benefits. 

In conclusion, this technique can be used in different areas of the retail and fashion world.

With a strong storytelling strategy, Visual Storytelling will become one of the most vital techniques for your company. Don’t hesitate to contact a Retail and Visual Merchandising for a professional consultancy.

Sources: fashionunited.es; mkparadise.com; launchmetrics.com; marketinginsiderreview.com; joseluisledesma.com

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We know that the textile industry is one of the most polluting industries, as it generates a large amount of waste.

Sustainable fashion is a very old topic of debate. There are advances, but we have to do better, proposing projects that help achieve profitable sustainability, that encourage investors.

The fashion industry is a sector with numerous processes that have a negative impact on the environment. Among many others, from manufacturing, distribution, marketing, to the management of surpluses.

Did you know that recycling, in many cases, also involves processes that affect the environment? Or that there are products that cannot be recycled due to the mix of materials at source?

And one of the keys to reducing the impact on the environment is undoubtedly to adopt new techniques to optimize and reduce the carbon footprint.

Although in reality, all processes must be reviewed and provided with economic resources, in order to achieve sustainable fashion itself. It is proven that sustainability has a much higher return on investment than other industry models, which are not.

But what is this new trend?

Upcycling is a recent term used to describe techniques that involve the transformation of waste or scrap into new objects of value. It can be used for the creation of: furniture, clothing, textiles, decorative objects, etc. 

This term was coined in 1994, when Reiner Piltz mentioned it in an article by Thorton Kay of Salvo. Also called supra-recycling or creative recycling, it means reusing and improving what you already have.

 Currently, this trend is very popular in the fashion industry, although it is also present in other areas.

Upcycling should not be confused with recycling, since the former has a more artistic and functional function. In any case, the objective is the same: to reuse a material and give it a new life.

In synthesis, the upcycling tries to reuse old or stock garments to give them a second life and to take advantage of the energy spent in their manufacture.

In this approach, no new raw materials are needed and nothing that has already been created is thrown away, which is an important step towards the circular economy and to reduce the environmental impact.

Upcycling and fashion brands

Every year around 70 million tons of clothing are consumed worldwide and in Spain alone, according to the Iberian Textile Recycling Association, around 800,000 tons of textile waste are generated annually. 

If these garments were reused, a large amount of water and resources would be saved and CO2 emissions would be considerably reduced.

Upcycling also proves that sustainability is not incompatible with design, and many companies are adopting this type of trend.

Companies like Nike, which through the Move to Zero project is committed to reducing waste to zero, have managed to turn their own waste into real objects of desire. Like the futuristic Space Hippie sneakers, inspired by life on Mars and, consequently, by the scarcity of resources.

Among other brands dedicated to this trend, we can find:

• BODE. A Woolmark Award finalist, Emily Adams Bode is one of the industry’s up-and-comers, her agender shows at New York Men’s Fashion Week declare a firm commitment to sustainability with collections made from already used fabrics.

• RAVE REVIEW. Josephine Bergqvist and Livia Schück are other pioneers in this field, scouring flea markets, thrift stores or sales to rescue garments and reinvent them. In their atelier in Sweden, they use already depreciated fabrics to design dresses or coats.

• HÔTEL is another great example. When the Ritz in Paris closed its doors for renovation, kilos of curtains, tablecloths and bedspreads were left homeless. Alexandra Hartmann got hold of many of those pieces and uses them as the basis for her collections.

Upcycling is a new way of creating fashion that aims to put an end to the mass production of disposable garments. The concept of upcycling bets for a different and unique fashion, and we hope that this trend is here to stay.

Sources: vogues.es; smoda.elpais; itfashion.com; nike.com, joseluisledesma.com

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The creation of sensory experiences through smell determines the future of sensory marketing. But what exactly is Sensory Marketing?

Sensory Marketing

In today’s demanding times, one of the main challenges for brands is to create and maintain relevance. 

Scent marketing is part of sensory marketing. The definition of sensory marketing is based on those commercial actions whose main strategies appeal to the simplest and most basic functions of people. 

The current innovation offered by sensory marketing is focused on enriching experiences, on capturing information through the different senses.

Scent marketing is a modern science that consists of using specific scents and perfumes in the retail space in order to evoke emotions, to influence consumer behaviour and the mood of employees.

The strategy aims to alter one of the most sensitive senses of the human being: the sense of smell, which can be the one that remains in the memory for the longest time. 

Of all our senses, the most primitive and deeply rooted is smell. When we smell something, the receptors in the nose connect directly with a part of the brain called the limbic brain, which controls emotions, memories and feelings of well-being.

According to research conducted by psychologist Eric Spangenberg, a vanilla scent in a feminine products store led to a doubling of sales compared to another store with the same characteristics but without any scent. 

Benefits of Scent Marketing

There is no specific type of company or sector to implement this type of marketing in products and establishments.

It is certain that food businesses “are the ones that have started to use this tool the earliest, either through smells such as freshly brewed coffee or baked bread” (Wakefield and Baker, 1998).

Although this tool is not new, in fact street vendors were already using the technique hundreds of years ago by lighting incense to attract the attention of their customers, scent marketing is gaining importance and entering a boom period in recent years.

This type of technique undoubtedly has many advantages when it comes to improving revenue and customer loyalty, but what else can it do?

Let’s take a look at its main advantages:

• Not Intrusive
• Associates brand values related to the scent
• Connect with your customers
• Increase sales
• Stand out from the competition
• Strengthen brand image
• Enhance branding
• Awaken emotions and evoke memories in customers
• Increase employee concentration

Scent marketing trends in the fashion industry

Some of the latest trends used in scent marketing linked to the fashion industry are: cotton candy, strawberry or vanilla for the children’s textile industry, fresh and citrus scents for young fashion and wood or leather scents for new shoes, among others.
The olfactory techniques of sensory marketing have been growing to become one of the most interesting tools for your business.

The key to a successful strategy is to make it memorable. This way we can have a deeper impact on our customers and build customer loyalty, because in an increasingly digital world the importance of ensuring sensory experiences at the point of sale is essential.

Sources: elpublicista; marketingactual.es; semrush.com; languageofaroma.com; joseluisledesma.com

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La creación de experiencias sensoriales a través del olfato determina el futuro del marketing sensorial. ¿Pero qué es exactamente el Marketing Sensorial?

Marketing sensorial

En tiempos tan exigentes como los actuales, uno de los principales desafíos para las marcas es crear y mantener relevancia. 

El marketing olfativo se enmarca dentro del marketing sensorial. La definición de marketing sensorial, se basa en aquellas acciones comerciales cuyas estrategias principales apelan a las funciones más sencillas y básicas de las personas. 

La innovación actual que ofrece el Marketing sensorial se centra en enriquecer experiencias, en captar la información a través de los diferentes sentidos.

El marketing olfativo es una ciencia moderna que consiste en utilizar aromas y perfumes específicos en el espacio de venta con el fin de despertar emociones, influir sobre los comportamientos del consumidor y el ánimo de los empleados. 

La estrategia pretende alterar uno de los sentidos más sensibles que tiene el ser humano: el olfato, aquel que más tiempo permanece en la memoria. 

Cuando olemos algo, los receptores de la nariz conectan directamente con una parte del cerebro llamado cerebro límbico, el cual controla las emociones, los recuerdos y la sensación de bienestar.

Según la investigación realizada por el psicólogo Eric Spangenberg, un aroma de vainilla en una tienda de productos femeninos hizo que se doblaran las ventas respecto a otro establecimiento de las mismas características pero sin ningún tipo de esencia. 

Ventajas del Marketing Olfativo

No existe un tipo específico de empresa o sector para implementar este tipo de marketing en productos y establecimientos. 

Es cierto que los negocios de comida “son los que más pronto han empezado a utilizar esta herramienta, ya sea a través de olores como el café recién hecho o el pan horneado” (Wakefield y Baker, 1998).

Aunque esta herramienta no es novedad, de hecho los vendedores ambulantes ya utilizaban la técnica hace cientos de años al encender incienso para llamar la atención de sus clientes, el marketing olfativo está ganando importancia y entrando en un periodo de auge en los últimos años.

Este tipo de técnica tiene sin duda muchas ventajas a la hora de mejorar los ingresos y fidelizar a los clientes. ¿Pero qué más puede aportar?

Vamos a ver sus principales ventajas:

• No es Intrusivo
• Asociar valores de la marca relacionados con el aroma
• Conectar con tus clientes
• Incrementar las ventas
• Destacar sobre la competencia
• Fortalecer la imagen de la marca
• Mejorar el Branding
• Despertar emociones y evocar recuerdos en los clientes
• Aumentar la concentración de los empleados

Tendencias en el sector moda

Algunas de las últimas tendencias utilizadas en el marketing olfativo vinculado al sector de la moda son: el algodón de azúcar, fresa o vainilla para el sector textil infantil, olores frescos y cítricos para moda joven y olores a madera o piel, para zapatos nuevos, entre otros.

Las técnicas olfativas del marketing sensorial han ido creciendo para convertirse en una de las herramientas más interesantes para tu negocio. 

La clave para que tu estrategia sea exitosa es de hacerla memorable. De esta forma podremos tener un impacto más profundo en nuestros clientes y fidelizarlos, ya que en un mundo cada vez más digital la importancia de garantizar experiencias sensoriales en el lugar de venta es fundamental.

Fuentes: elpublicista; marketingactual.es; semrush.com; thearomatrace.com; languageofaroma.com; joseluisledesma.com

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But, what is the purpose of a Pop-Up Store?

The goal of Pop Up Stores is to be located in places of great affluence with the intention to surprise, inspire and generate a great impact on potential customers. It can also be of great help to test new sales lines, give exclusivity to certain products or cover specific seasonal periods.

These temporary spaces allow brands to create a unique environment that engages their customers and allows them to generate feelings of relevance and interactivity.

Pop Up Stores around the world

There are many brands that have adopted this format, which despite its ephemeral nature is able to generate a great impact in the long term. Below, we will review some of the most memorable Pop Up Stores from around the world:

• Adidas: the sports brand in 2013 with the aim of promoting the Stan Smith sneakers made a very surprising presentation in London: a pop-up store in the form of a shoebox in giant size.

• Hermès: the luxury brand created in 2016 Hermèsmatic: temporary stores in cities such as Milan, Barcelona and Madrid where you could customize vintage scarves through a free dyeing process. Creating a whole experience based on silk.

• Lacoste: in 2012 the French brand bet to create a pop-up store in one of the most famous festivals in the world: Coachella. The space designed by the Aruliden studio (New York) was made from redesigned metal containers.

What are the benefits of Pop Up Stores?

The versatility of pop up stores can help us create unique spaces and unforgettable experiences. A well-structured pop up store can bring great benefits, among the most relevant we can find:

• Uniqueness: the space is unique and unrepeatable, so customers who visit the Pop-Up Store must live an impressive experience.

• Location: one of the main characteristics of a Pop-Up Store is to be located in the most popular areas of the city, which ensures a high influx. If it is an online business, a physical store can be opened temporarily to reach customers offline as well, covering both sides of the market, as in the case of AliExpress or Amazon.

• Branding: an ideal action to transmit or reinforce the image and positioning of the brand.

• Viral Content: a creative space will make the media talk about it. The spreading of the news of the opening can help us to improve the brand image, to reach a new type of public or to present a certain new product.

• Experience: thanks to the exclusivity and originality of the event, combined with all the sensory marketing tools, Pop-Up Stores can offer an experience that consumers will not forget.

Pop Up Stores have been able to fundamentally change the retail sector by breaking away from the routine of stores and commercial establishments, and from the usual brand positioning strategies, to create a superior impact on the minds and emotions of consumers.

Success and Pop Up Stores

Brands that decide to opt for this commercial strategy must take into account a series of factors that will be the key to their final success:

• The space in which the Pop Up Store will be developed must offer a unique experience in accordance with the type of products to be marketed. Emblematic places in big cities, museums or industrial warehouses are perfect places to organize ephemeral spaces.

• Having a solid communication strategy, in addition to having an expert in the creation of commercial spaces such as a Window Display Designer & Visual Merchandising Manager is essential to get the right audience and create an efficient and attractive space.

The success of a Pop Up Store is knowing how to create unique experiences, offer exclusive products and a personalized treatment for each of the people who come to the space.

Sources: revistavanityfair.es; aruliden.com; designboom.com; arquitecturaydiseno.es

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Pero, ¿cuál es el objetivo de una Pop Up Store?

El objetivo de las Pop Up Stores es situarse en lugares de gran afluencia con la intención de sorprender, emocionar y generar un gran impacto a los posibles clientes. También puede ser de gran ayuda para probar nuevas líneas de venta, dar exclusividad a determinados productos o cubrir periodos estacionales en concreto.

Estos espacios temporales permiten a las marcas crear un ambiente único que involucra a sus clientes y permiten generar sensaciones de relevancia e interactividad.

Pop Up Stores en el mundo

Son muchas las marcas que han adoptado esta modalidad, que a pesar de su naturaleza efímera logra generar un gran impacto a largo plazo. A continuación revisaremos algunas de las Pop Up Stores más memorables al rededor del mundo:

• Adidas: la marca deportiva en 2013 con la intención de promocionar las zapatillas Stan Smith realizó una puesta en escena muy sorprendente en Londres: una pop up store en forma de caja de zapatos en tamaño gigante.

• Hermès: la firma de lujo creó en 2016 Hermèsmatic: tiendas temporales en ciudades como Milán, Barcelona y Madrid donde se podía personalizar bufandas vintage mediante un procedimiento de teñido gratuito. Creando toda una experiencia basada sobre la seda.

• Lacoste: en 2012 la marca francesa apostó para crear una pop up store en uno de los festivales más célebres al mundo: el Coachella. El espacio diseñado por el estudio Aruliden (New York) fue realizado a partir de contenedores metálicos rediseñados. 

¿Cuáles son los beneficios de las Pop Up Store?

La versatilidad de las pop up stores nos puede ayudar a crear espacios únicos y experiencias inolvidables. Una pop up store bien estructurada puede traer grandes beneficios, entre los más relevantes podemos encontrar: 

• Unicidad: el espacio es único e irrepetible, por lo que los clientes que visiten la Pop Up Store deben vivir una experiencia impactante.

• Ubicación: una de las características principales de una Pop-Up Store es estar situada en las zonas más concurridas de la ciudad, lo que asegura una alta afluencia. Si se trata de un negocio online se puede abrir temporalmente una tienda física para llegar a clientes también de forma offline, cubriendo ambas partes del mercado, como en el caso de Aliexpress o Amazon.

• Branding: una acción ideal para transmitir o reforzar la imagen y el posicionamiento de la marca.

• Contenido Viral: un espacio creativo hará que los medios de comunicación hablen de ello. La viralización de la noticia de una apertura de una Pop Up Store nos puede ayudar a mejorar la imagen de marca, a llegar a un nuevo tipo de público o a presentar un determinado producto nuevo.

• Experiencia: gracias a la exclusividad y a la originalidad del evento, combinado con todas las herramientas de marketing sensorial, las Pop-Up Stores pueden ofrecer una experiencia que los consumidores no olvidaran.

Con las Pop Up Stores se ha logrado darle fundamental un cambio al sector Retail saliendo de la rutina de las tiendas y establecimientos comerciales, y de las estrategias habituales de posicionamiento de marca, para crear un impacto superior en la mente y en las emociones de los consumidores.

Éxito y Pop Up Stores 

Las marcas que deciden optar por esta estrategia comercial deben tener en cuenta una series de factores que serán la clave del éxito final:

• El espacio en el que se desarrollará la Pop Up Store debe ofrecer una experiencia única y acorde con el tipo de productos que se van a comercializar. Lugares emblemáticos de las grandes ciudades, museos o naves industriales habilitadas son lugares perfectos para organizar espacios efímeros.

• Disponer de una sólida estrategia de comunicación, además de contar con un experto en creación de espacios comerciales como es un Window Display Designer & Visual Merchandising Manager es fundamental para conseguir atraer el público adecuado y crear un espacio eficiente y atractivo.

El éxito de una Pop Up Store es saber crear experiencias únicas, ofrecer productos exclusivos y un trato personalizado para cada una de las personas que se acerquen al espacio.

Fuentes: revistavanityfair.es; aruliden.com; designboom.com; arquitecturaydiseno.es

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But what exactly is Vintage?

Vintage is an English word derived from the French “vendenge” which translates as “old wine” that translated to the fashion world could be interpreted as “love for the past” and represents fashion trends through unique garments and elements from previous eras.

Today, it consists precisely in recovering the pieces of the past to create a contemporary and sustainable style.

The cyclical nature of fashion has always fostered a sense of nostalgia, but beyond reinvention, there are other sentiments that are motivating this look back, such as sustainability.

In some countries, such as the United States, buying and wearing vintage clothing is a trend that has been around for decades, while in Europe it is a relatively new habit that is growing steadily, in fact it is a moving market that is gaining more and more space and followers.

It is important to highlight the benefits that this type of consumption brings to the environment. For example, vintage clothing, apart from reducing the amount of raw materials used by the fashion industry, also helps to reduce the carbon footprint generated by its commercialization and distribution.

According to the Ellen MacArthur Foundation, we use a garment 7 to 10 times before discarding it, and 80 billion items are purchased worldwide each year. Given this situation, promoting a sustainable model applied to fashion seems essential.

If you are interested in the vintage world: here you can find a small guide with a selection of physical and online stores where you can find unique garments.

• Vestiaire Collective: this platform, pioneer of second-hand luxury, with offices in New York, London, Berlin, Milan and Paris, is a community to buy and sell unique second-hand products in the best conditions. It has a permanent catalogue of more than 600,000 products that are joined weekly by thousands of options that previously pass an exhaustive quality and authenticity control by a team of experts.

• Depop: is a 2.0 flea market very appreciated by the Z generation that offers its users the opportunity to buy and sell vintage clothing. It currently has 13 million users in more than 147 countries, including Spain.

• Vintalogy: has different physical stores in Madrid in addition to its online store. They offer a selection of casual style garments as well as some of the most iconic sneakers in history.

• Flamingo Vintage Kilo: is the first boutique in Spain specialized in the sale of unique vintage pieces of North American origin that are sold by weight. In addition to an online store, it has several physical spaces in different cities in Spain.

• Blow by Le Swing: is one of the reference stores of luxury vintage in Barcelona.

• Rokit: is one of the best stores in London to find vintage and retro clothing. It has different physical spaces around the capital, as well as an online store.

• Amore Vintage: in this famous Tokyo store there are about 6,000 products: from iconic collections to limited version pieces. Amore Vintage has consolidated its position as the best destination to find luxury vintage garments from brands such as Chanel, Hermès, Louis Vuitton, Gucci, Fendi, Dior, Prada, Ferragamo and Celine.

• Humana Vintage: is one of the reference of second-hand clothing stores related to the foundation Pueblo para Pueblo, which works with cooperation projects in countries in Africa, South America and Asia. They have different stores in Barcelona, Madrid, Granada, Milan and Turin. They have recently opened a new ‘vintage’ space, with a selection of clothing and accessories from past decades.

Undoubtedly, the Fashion and Retail industry has to look to the past to build a responsible and sustainable future.

Have you decided to try yet a vintage store?

Sources: joseluisledesma.com, ellenmacarthurfoundation.org, lavanguardia.com, telva.com, elle.com, marie-claire.es, vogue.es

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Pero, exactamente ¿qué significa Vintage?

Vintage es una palabra en inglés derivada del francés “vendenge” que se traduce como “vino añejo” que trasladado al mundo de la moda podría interpretarse como “amor por el pasado” y representa las tendencias de moda a través de prendas y elementos únicos de épocas anteriores.

Hoy en día, consiste precisamente en recuperar las piezas del pasado creando un estilo contemporáneo y sostenible.

La naturaleza cíclica de la moda siempre ha fomentado un sentido de nostalgia, pero más allá de la reinvención, hay otros sentimientos que están motivando esta mirada hacia atrás, como la sostenibilidad.

En algunos países, como en Estados Unidos, comprar y utilizar ropa vintage es una tendencia que existe desde ya hace varias décadas mientras en Europa es un hábito relativamente nuevo que no para de crecer, de hecho es un mercado en movimiento que está ganando siempre más espacio y seguidores.

Es importante remarcar los beneficios que aportan al ambiente esta modalidad de consumo. Por ejemplo, la ropa vintage aparte reducir la cantidad de materias primas usadas por la industria de moda también ayuda a disminuir la huella de carbón generada por su comercialización y distribución.

Según la Ellen MacArthur Foundation, utilizamos de 7 a 10 veces una prenda antes de deshacernos de ella y cada año se compran en el mundo 80.000 millones de artículos. Ante esta situación promover un modelo sostenible aplicado a la moda parece imprescindible. 

Si estás interesado en el mundo del vintage: aquí podrás encontrar una pequeña guía con una selección de tiendas físicas y online donde buscar prendas únicas.

• Vestiaire Collective: esta plataforma, pionera del lujo de segunda mano, tiene oficinas en Nueva York, Londres, Berlín, Milán y París es una comunidad para comprar y vender productos únicos de segunda mano en las mejores condiciones. Cuenta con un catálogo permanente de más de 600.000 productos al que se unen semanalmente miles de opciones que previamente pasan un exhaustivo control de calidad y autenticidad por un equipo de expertos. 

• Depop: es un mercadillo 2.0 muy apreciado por la generación Z que ofrece a sus usuarios la oportunidad de comprar y vender ropa vintage. Actualmente cuenta con 13 millones de usuarios en más de 147 países, entre ellos España.

• Vintalogy: cuenta con diferentes tiendas físicas en Madrid además de su tienda online. Ofrecen una selección de prendas de estilo casual además de algunas de las zapatillas de deporte más icónicas de la historia.

• Flamingo Vintage Kilo: es la primera boutique de España especializada en la venta de piezas únicas vintage de origen norteamericano que se venden al peso. Tiene además de una tienda online varios espacios físicos en diferentes ciudades de España.

• Blow by Le Swing: es una de las tiendas referentes del vintage de lujo de la ciudad condal.

• Rokit: es una de las mejores tiendas de Londres para encontrar ropa vintage y retro. Cuenta con diferentes espacios físicos por la capital además de una tienda online.

• Amore Vintage: en esta célebre tienda de Tokio hay alrededor de 6.000 productos: desde colecciones icónicas hasta piezas de versión limitada. Amore Vintage ha consolidado su posición como el mejor destino para encontrar prendas vintage de lujo de marcas como: Chanel, Hermès, Louis Vuitton, Gucci, Fendi, Dior, Prada, Ferragamo y Celine.

• Humana Vintage: es una de las cadenas de referencia de ropa de segunda mano vinculada a la fundación Pueblo para Pueblo que trabaja con proyectos de cooperación en países de África, Sudamérica y Asia. Cuentan con diferentes tiendas en Barcelona, Madrid, Granada, Milan y Turín. Recientemente han abierto un nuevo espacio ‘vintage’, con selección de ropa y accesorios de décadas pasadas.

Sin duda, la industria de la Moda y del Retail tiene que mirar hacia el pasado para construir un futuro responsable y sostenible.

¿Te has animado a probar alguna tienda vintage? 

Fuentes: joseluisledesma.com, ellenmacarthurfoundation.org, lavanguardia.com, telva.com, elle.com, marie-claire.es, vogue.es

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Origins of mannequins

The word mannequin comes from the Dutch “manneken” and means “little man”. Its origin goes back to Ancient Egypt where there was the ‘Mannequin of Tutankhamun’ a figure that is part of the grave goods of the tomb of the pharaoh Tutankhamun and was discovered in 1922.
The mannequin was found by archaeologist Howard Carter in the only Egyptian royal tomb found intact and depicts the face of the pharaoh who reigned from 1336/5 to 1327/5 BC. This figure is believed to have been used to try Tutankhamun’s clothes, since the tailors of the pharaoh could not touch his sacred body.

The first mannequins

The first mannequin was invented in France in the 16th century. For this reason, they were originally called French mannequins and were usually intended for sewing schools.
Although the first mannequins present in shop windows as we know them today appeared only with the industrial revolution when shopping became important and necessary.
In the beginning they were mainly made of wax, while the feet were made of iron and the extremities of wood, which made them very heavy.

Evolution of the figure

Clearly these wax figures had their disadvantages, it was then, when the French company, Siegel & Stockman, found the solution by inventing the mannequin made of papier-mâché, which weighed much less than its predecessor and did not melt during the summer.

Thus, it was that the new mannequin became a much flatter and more stylized figure.
As the materials allowed providing greater realism to the mannequins, the figures were transformed over the years following the trends of each era.

For example, in the 50s and 60s the figure of Marilyn Monroe with its forms inspired the structure of the new mannequins of the time. While during the 70s the mannequins became more abstract and lost most of their facial features. On the other hand, from the 90s stylized mannequins with figures inspired by Kate Moss became widespread.

Current trends

In recent years, the trend is to use less and less realistic mannequins in neutral colours, so that they do not condition the garments too much, although 3D printing is slightly changing this. However, a pending issue would be to know the impact of its production on the environment.

On the other hand, it has increased the diversification of postures or, for example, the use of groups of mannequins that interact with each other to give more dynamism.
When choosing a mannequin, the first thing to consider is what we want to transmit, where and how the figure will be placed. 

Depending on the changes to be made to the showcase and its design, it will be necessary to choose a more or less light material and a more or less articulated mannequin. 
It is important above all to count on brands that have top quality materials, as is the case of Atrezzo or Hans Boodt.

If you are looking for the most suitable mannequin for your business, do not hesitate to consult a Global Window Display Designer or Visual Merchandising Manager to study the solution and the most suitable design for the objectives of your project.

Sources: modaes.es, fashionunited.es, hopesandfears.com, joseluisledesma.com

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By studying the commercial space we have at our disposal, among many others, we can apply the most appropriate window dressing techniques both in the showcases and in the interior and guarantee an enriching experience to our customers and curious people who will not only enter our store, but will stay longer in it.

Today more than ever, stores must become experience centres where to create a relationship with the brand where the main protagonist is the customer.

In fact, brands are increasingly betting on the in-store experience by using minimalist visual merchandising, with less furniture and elements, leaving the product as the exclusive protagonist and conveying a sense of higher quality.

On the other hand, other brands are opting to personalize their points of sale through striking decoration, which varies as their creative line changes.

The shop windows together with the decoration, have to tell an attractive story to our customers and to do so we need to capture all their attention and invite them to the interior of the commercial space, where Visual Merchandising is essential.

To achieve these objectives the importance of materials in Visual Merchandising and Window Dressing is fundamental.

Sometimes it may go unnoticed, but the material we use in the decoration of our store is essential for an excellent result. We must take into account basic aspects of the choice, such as, for example, that it is aligned with the DNA of the brand, as well as more technical aspects about its handling, qualities and behaviour to external variants.

What are the most used materials in Visual Merchandising and Window Dressing?

Undoubtedly among the most used materials we find wood: one of the oldest resources and also one of the most versatile. This material provides a feeling of warmth and can be combined with many elements.
It can also be used untreated to convey a more rustic look.

Paper is another of the materials widely used for shop window and store interior decorations. It is an economical, creative and easily recyclable material.

On the other hand we find more natural elements such as stone that is gaining importance and is often used to leave the product as the main protagonist of the store.
Metal is also gaining prominence and is usually combined in the walls and furniture.
Meanwhile, the use of overly ornate upholstery on the walls is becoming less common.

In the case of materials such as natural stone, glass or carpets, they are increasingly present not only in high-end stores but also in large-scale distribution establishments.

The floor

Flooring is another key element of the store. The use of carpets and rugs is not very common nowadays, especially in large retail stores, although they continue to be used in high-end establishments.

When opting for a “bare floor”, a recurring option is marble, a material that offers great strength, durability and style. However, most stores choose to combine this material with another type of flooring for fitting rooms where the touch with bare feet is warmer.

Carpets are an alternative when the product requires direct contact with the feet, as in the case of shoe stores, and are also easy to clean or replace

An avant-garde alternative are environmentally friendly woven vinyl floors, made from materials containing plasticizers, made from renewable raw materials of organic origin.

It’s very important to study and analyse which are the most appropriate materials to convey a message consistent with the value of your brand and to offer the best experience to your customers, without losing sight of the importance of sustainability and to generate a minimum impact on the environment.

In order to meet this goal, don’t hesitate to count on the experience of a Visual Merchandising professional who can advise you on your strategy and help you achieve these goals.

Sources: Moda.es, Casadecor.es and joseluisledesma.com

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Estudiando el espacio comercial que tenemos a disposición, entre muchas otras, podemos aplicar las técnicas del escaparatismo más adecuadas tanto en las vitrinas como en el interior y garantizar una experiencia enriquecedora a nuestros clientes y curios@s que no solo entrarán en nuestra tienda, sino que permanecerán más tiempo en ella.

Hoy más que nunca las tiendas deben convertirse en centros de experiencias donde crear una relación con la marca donde el principal protagonista es el cliente.

De hecho, las marcas están apostando cada vez más por la experiencia en tienda utilizando un visual merchandising minimalista, con menos mobiliario y elementos, dejando al producto como protagonista exclusivo y transmitiendo una sensación de mayor calidad. Por otra parte, otras marcas optan por personalizar sus puntos de venta a través de una decoración impactante, que va variando según cambia su línea creativa.

Los escaparates junto con la decoración, tienen que contar una historia atractiva a nuestros clientes y para hacerlo necesitamos captar toda su atención e invitarles a el interior del espacio comercial, donde el Visual Merchandising es imprescindible.

Para lograr estos objetivos la importancia de los materiales en el Visual Merchandising y el Escaparatismo es fundamental.

A veces puede pasar desaparecido, pero el material que utilizamos en la decoración de nuestra tienda es esencial para un excelente resultado. Se ha de tener en cuenta aspectos básicos de la elección, como por ejemplo, que este alineado con el ADN de la marca, cómo también aspectos más técnicos sobre su manipulación, cualidades y comportamiento a las variantes externas. 

¿Cuáles son los materiales más utilizados en el Visual Merchandising y Escaparatismo?

Sin duda entre los materiales más utilizados encontramos la madera: uno de los recursos más antiguos y también uno de los más versátiles. Este material aporta una sensación de calidez y se puede combinar con muchos elementos diferentes.

También se puede utilizar sin tratar para transmitir un aspecto más rústico.

El papel es otro de los materiales muy utilizados para las decoraciones de escaparates e interior de las tiendas. Es un material económico, creativo y fácilmente reciclable.

Por otro lado encontramos elementos más naturales como la piedra que está ganando importancia y suele ser utilizada para dejar el producto como máximo protagonista de la tienda.

También el metal está ganando protagonismo y suele combinarse en las paredes y el mobiliario.

Mientras, cada vez es menos común el uso de tapicería demasiado recargada en las paredes.

En el caso de los materiales como la piedra natural, el cristal o las alfombras, cada vez están más presente no solamente en las tiendas de alta gama sino también en los establecimientos de gran distribución.

Los suelos

El suelo es otro de los elementos clave de la tienda. Actualmente no es muy común el uso de moquetas y alfombras, especialmente en las tiendas de gran distribución, aunque sí continúan utilizándose en los establecimientos de gama alta.

A la hora de optar por un “suelo desnudo”, una opción recurrente, es el mármol, un material que ofrece una gran resistencia, durabilidad y estilo. 

Sin embargo, la mayoría de las tiendas opta por combinar este material con otro tipo de pavimento para los probadores donde el tacto con los pies descalzos sea más cálido.

Las alfombras son una alternativa cuando el producto requiere un contacto directo con los pies, como en el caso de las zapaterías, son además fáciles de limpiar o remplazar.

Una alternativa de vanguardia son los suelos de vinilo tejido que cuidan el medio ambiente, fabricados a partir de materiales que contienen plastificantes, realizados a partir de materias primas renovables de origen orgánico.

Es muy importante estudiar y analizar cuáles son los materiales más adecuados para trasmitir un mensaje coherente con el valor de tu marca y lograr ofrecer la mejor experiencia a tu clientela, sin perder de vista la importancia de la sostenibilidad y de generar un impacto mínimo para el medio ambiente.

Para hacerlo no dudes contar con la experiencia de un profesional del Visual Merchandising y el Escaparatismo, que pueda asesorarte en tu estrategia y ayudarte a lograr estos objetivos.

Fuentes: Moda.es, Casadecor.es y elaboración propia de joseluisledesma.com

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In this way we can explain and study the behaviour of consumers during their purchase process.

Its origins date back to 2002, when Dutch Marketing Professor Ale Smidts (Nobel Prize in Economics) introduced the term “neuromarketing”.

According to the author, neuromarketing consists of the research techniques of brain mechanisms in the mind, that is, the consumer’s subconscious, to discover how brands can improve their marketing strategies.

Thanks to this discipline we can find out which stimuli people pay more attention to and which do not to, in order to consolidate sales strategies and marketing actions more focused on our audience.

Types of neuromarketing

There are a different type of neuromarketing:

• Auditory: is the one that focuses on the sense of hearing to achieve its objectives. It’s mainly used in sound resources such as music.
• Visual: is the one that is based on the sense of sight and studies how a consumer reacts to seeing a product.
• Kinesthetic: it is based on touch, taste and smell. It has incredibly high potential, as it can increase consumer desire by receiving some encouragement.

Neuromarketing and fashion

The possibilities that neuromarketing offers to the fashion and retail sector are almost unlimited. 

When a consumer enters a store, all of their senses, from taste to touch, are activated, and have an impact on how they behave.

Constantly analysing techniques to optimize the conversion of a brand’s products based on customer behaviour in the purchasing process is also essential to ensure a satisfactory experience.

One of the most applied neuromarketing techniques in the physical store is aromatization: the power of aromas. This technique consists of using a pleasant and recognizable scent throughout the sales space that increases the emotional levels of customers.

It’s about activating all the senses of the clients generating stimuli capable of providing emotional anchors that benefit the business.

Another key tool for creating subliminal sensations is lighting. A cold light is recommended to illuminate bright items. Instead, warm light invites you to step in.

The tones and vibrations of the music can also cause emotions such as euphoria or tranquillity and condition the way the consumer behaves in the store. In the first case, it serves to motivate the purchase by impulse; in the second, it is used to extend the time of stay in the store.

In the fashion industry, the colours of visual merchandising are very important, because they interact with the colours of the products on display. It’s recommended, for example, to use neutral colours that do not affect the perception of the tones of the garments and cause a feeling of tranquillity that invites you to walk around the store and spend more time in it.

Neuromarketing is not only a powerful tool for the physical space but also for the offline sale. We can, in fact, measure the impact on the customer of e-commerce by analysing their experience, and the information that motivates them.

Having a greater knowledge of the stimuli that affect people and how they affect them, is a continuous bet for many companies.

That deeper knowledge will ensure the creation of tailor-made products and experiences for customers.

Having a professional with experience in the sector and the ability to apply these concepts in your market strategy will be fundamental to achieve great results and loyalty consumers.

Sources: aenene.org, www.nmsba.com, moda.es

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De esta manera podemos explicar y estudiar el comportamiento de los consumidores durante su proceso de compra.

Sus origines remontan al año 2002, cuando el profesor holandés de Marketing, Ale Smidts (Premio Nobel en Economía) introdujo el término “neuromarketing”.

Según el autor, el neuromarketing consiste en las técnicas de investigación de los mecanismos cerebrales en la mente, es decir, el subconsciente del consumidor, para descubrir cómo las marcas pueden  mejorar sus estrategias de marketing.

Gracias a esta disciplina podemos averiguar a qué estímulos las personas prestan más atención y a cuáles no para consolidar estrategias de ventas y acciones de marketing más enfocadas a nuestro público.

Tipos de neuromarketing

Existen diferentes tipologias de neuromarketing:

• Auditivo: es el que se centra en el sentido del oído para conseguir sus objetivos. Se usa sobre todo en recursos sonoros como la música.
• Visual: es el que se basa en el sentido de la vista y estudia cómo reacciona un consumidor al ver un producto.
• Kinestésico: es el que se basa en el tacto, gusto y el olfato. Tiene un potencial increíblemente alto, ya que puede llegar a aumentar el deseo del consumidor al recibir cierto estímulo.

Neuromarketing y moda

Las posibilidades que el neuromarketing aplicado ofrece al sector de la moda y del retail son casi ilimitadas. 

Cuando un consumidor entra en una tienda, todos sus sentidos, desde el gusto hasta el tacto, se activan, y tienen un impacto sobre cómo se comporta. 

Analizar constantemente las técnicas para optimizar la conversión de los productos de una marca basados sobre el comportamiento del cliente en el proceso de compra es fundamental también para garantizar una experiencia satisfactoria. 

Una de las técnicas más aplicadas de neuromarketing en las tiendas física es la aromatización: el poder de los olores. Esta técnica consiste en utilizar un olor agradable y reconocible en todo el espacio de venta que incrementa los niveles emocionales de los clientes.

Se trata de activar todos los sentidos de los clientes generando estímulos capaces de aportar anclajes emocionales que beneficien al negocio.

Otra de las herramientas clave para crear sensaciones de manera subliminal es la iluminación. Una luz fría se recomienda para iluminar artículos brillantes. En cambio, la luz cálida invita a pasar.

Los tonos y las vibraciones de la música también pueden causar emociones como euforia o tranquilidad y condicionar la manera en la que el consumidor se comporta en la tienda. En el primer caso, sirve para motivar la compra por impulso; en el segundo, se utiliza para alargar el tiempo de permanencia en la tienda.

En el sector de la moda, los colores del visual merchandising son fundamentales, porque interactúan con los colores de los propios productos expuestos. Se recomienda, por ejemplo, utilizar colores neutros que no afecta a la percepción de los tonos de las prendas y causan una sensación de tranquilidad que invita a pasear por la tienda y pasar más tiempo en ella.

El neuromarketing no es solo una herramienta poderosa para el espacio físico sino también para el punto de venta offline. Podemos, de hecho, medir el impacto en el cliente del punto de venta online analizando su experiencia y la información que le motiva.

Tener un mayor conocimiento de los estímulos que afectan a las personas y cómo los afectan, es una apuesta continua para muchas empresas. Ese conocimiento más profundo garantizará la creación de productos y experiencias hechos a medida para los clientes.

Tener un profesional con experiencia y las capacidades para aplicar estos conceptos en tu estrategia de mercado será fundamental para lograr gran resultados y fidelizar los consumidores.

Fuentes: aenene.org, www.nmsba.com, moda.es

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Involvement in the needs that occur in the fashion industry is an important issue to be able to transform that awareness of the situation, in the effectiveness of each function and performance that each one has in the industry itself.

It is also essential to have the plan risk responses, in order to solve problems that endanger the objectives of the participants in the fashion industry.

It’s clear that within the circumstances that occur in each period, there are factors that favour us and others that do not. Especially circumstances can become harsh without good planning and its management, especially if we speak within a change of Era, as is the case today, with the so-called “Digitisation Era”.

The case of the Retail and Fashion industry

In the Retail industry, in stable circumstances, the online sales activity has had remarkable growth and profitability, with high advantages in the face of the unfortunate closures of physical sales spaces, on the other hand the creation of Retail companies without the need install commercial spaces, solving time problems on the part of the client, etc.

But there are a number of factors that can lead to being a real nuisance with economic consequences, both for entrepreneurs and customers.

As an example of some of the current issues, such as logistics and customer service, there are some points to keep in mind:

• The online sale, transfers physical products to real customers, who expect a positive shopping experience that has to do with the expectation offered by the seller. With which, the logistics system of these companies have the obligation to not only be effective, if not the best. And Amazon knows a lot about that, which recently announced that it has bought eleven Boeing 767-300 aircraft from Delta and WestJet airlines in order to strengthen its air fleet in the face of increasing orders over the Internet.

• Although Inditex has a very powerful logistics system, specifically shop online system, it depends on private external transport companies, which depending on the effectiveness of said transport companies, the reception of the product by the client, can take from 7 to 15 days. With which, there is no immediate effect, feeling of exclusivity, satisfaction, etc., that the physical space does provide.

• In the event that these brands, using national postal services, the purchase may take much longer. If not, you have to go pick it up yourself, it has nothing to do with the experience of buying from a certain brand.

• Retail business need a solid delivery system, door to door, so that what you buy through online sales, arrives in 48 hours maximum at the time of your home, without excuse. With properly trained distribution professionals with a team that guarantees the quality of service and performance of said professional.

• Brands have the obligation to get transport companies that are part of that brand philosophy, transmitting the customer service and shopping experience policies of said brand. Otherwise, the brand loses control over its activity and feedback.

• Other aspects to be greatly improved in almost all the brands are their customer service system, which is still inaccessible, with robotic responses, which has nothing to do with customer needs. As well, an agile response system before possible problems with the product.

What is fundamental is that in all projects, all participants have to be aligned with the interests of the project itself.

It makes no sense for companies to invest resources, if the customer’s final shopping experience is different from the promised intention. To solve it, it is essential to have suitable Director of projects with emotional intelligence skills with appropriate team, to be able to reach the goals.

Within the position of Director of Visual Merchandising, there is a very important design, management, production and logistics work, which it needs to be complemented with the knowledge that project management training provides.

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La involucración en las necesidades que acontecen en la industria de la moda, es un tema importante para poder transformar esa conciencia de la situación, en la efectividad de cada función y desempeño, que cada uno tenga en su propia área.

Es fundamental, además, tener creados los planes correspondientes de contingencia, para poder solventar problemas que pongan en peligro los objetivos de los participantes en la industria de la moda. 

Está claro, que dentro de las circunstancias que ocurren en cada ciclo de vida, hay factores que nos favorecen y otros que no. Especialmente las circunstancias pueden llegar a ser duras sin una buena planificación y su gestión, sobre todo si hablamos dentro de un cambio de Era, como es el caso actual, con la llamada de la “Era de la digitalización”.

El caso de la Industria Retail

En la Industria Retail, en circunstancias estables, la actividad de venta on-line ha tenido un crecimiento y rentabilidad notable, con altas ventajas ante los desafortunados cierres de los espacios físicos de venta, por otro lado la creación de empresas retail sin necesidad de espacios físicos, solventando problemas de tiempo por parte del cliente, etc.

Una serie que factores que pueden llevar a ser un verdadero fastidio con consecuencias económicas, tanto a empresarios como a clientes.

Como ejemplo de unos de los temas en actualidad, como es la logistica y atención al cliente, hay algunos puntos a tener en cuenta: 

• La venta online, traslada productos físicos a clientes de carne y hueso, que esperan una experiencia de compra positiva, que tenga que ver con la expectativa ofrecida por el vendedor. Con lo cual, el sistema logístico de estas empresas tienen la obligatoriedad de, no solo ser efectivo, sino ser el mejor. Y de eso sabe mucho, Amazon que recientemente anunció que ha comprado once aviones Boeing 767-300 a las aerolíneas Delta y WestJet con el fin de reforzar su flota aérea ante el aumento de los pedidos a través de Internet.

• Aunque Inditex tiene un sistema logístico muy potente, en concreto, en venta online, depende de empresas de trasporte externas privadas, que dependiendo de la efectividad de dichas empresas de trasporte, la recepción del producto por parte del cliente, puede demorar de 7 a 15 días. Con lo cual, no hay un efecto de inmediatez, sensación de exclusividad, satisfacción, etc., que sí proporciona el espacio físico.

• En el caso que dichas marcas, utilicen correos nacionales, la compra puede demorarse mucho más. Si no es, que tienes que ir a recogerlo por ti mismo, que nada tiene que ver con la experiencia de comprar a una determinada marca. 

• Se necesita un sistema de entrega a domicilio a prueba de todo, para que lo que compres a través de la venta on-line, llegue en 48 horas máximo a la puerta de tu domicilio, sin excusa. Con profesionales de la distribución formados adecuadamente con un equipo, que garantice la calidad del servicio y desempeño de dicho profesional. 

• Las marcas tienen la obligación de conseguir empresas de trasporte, que sean parte de esa filosofía de marca, transmitiendo las políticas de atención al cliente y experiencia de compra de dicha marca. Ya que en caso contrario, la marca pierde el control sobre su actividad y retroalimentación. 

• Otros aspectos a mejorar muchísimo en la casi totalidad de las marcas, son su sistema de atención al cliente, sigue siendo inaccesible, con respuestas robóticas, que nada tiene que ver con las necesidades del cliente. Como también, un sistema de respuesta ágil, ante los posibles problemas con el producto.

Lo que es fundamental es, que en todos los proyectos, todos los participantes tienen que estar alineados con los intereses del propio proyecto. 

No tiene sentido. que las empresas inviertan recursos, si la experiencia de compra final del cliente es diferente a la intención prometida. Para ello es esencial contar con directores de proyectos adecuados, con formación en inteligencia emocional, equipos y medios, para poder llegar a los objetivos.

Dentro de la posición de dirección del Visual Merchandising, existe un trabajo de diseño, gestión, producción y logística muy importante, que necesita ser complementada con los conocimientos que proporciona la formación en gestión de proyectos.

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The issue is clear, those companies, organizations and even state agencies how doesn’t build a truly and efficient digital platform are going to be left out from the global communication system.

One risk that must be taken into consideration is the lack of cybersecurity will endanger the investment and profit of the digital companies.

Types of cybersecurity threats

We can find cases of:

• Ransomware: a type of malicious software. It is designed to demand money by blocking access to files or the computer system until a ransom is paid.
• Malware: Malware is a type of software designed to gain unauthorized access or damage a computer. There are different types of malware, and they are often spread through an unsolicited email attachment or legitimate-looking download.
• Phishing: the practice of sending fraudulent emails that look like from reputable sources. The goal is to steal sensitive data, such as credit card numbers and login information.

The fashion industry no longer only has the challenge of balance in the development of online and offline sales, but also the cybersecurity of its users and customers.

On the Internet, both companies and individuals are exposed to many dangers that may cause considerable damage. For this reason, the issue of cybersecurity is now more important than ever and not only refers to Internet security, but also to other aspects and sectors of information and communication technologies.

From the logistics process to the production process, the fashion industry is, without a doubt, one of the industries that has accelerated the digitization process the most.

Companies in the fashion industry must have efficient and effective cybersecurity packages in order to protect themselves and its clients.

There are several examples of companies in the retail sector that have successfully developed their digital sector without giving up on enhancing their physical stores:

1. Zara: one of the leaders in digital transformation in retail. The company already has, barcodes on the articles that you can scan to find out where the size of the item you are looking for is, whether in that store or in any, or even to buy it online. In addition, the employees carry a smart device that sends them messages about what items need to be restocked. This allows to save time and improve customer service. All the garments in Zara carry an electronic tag with RFid radio frequency (installed in the alarm), which are loaded with data from the central in Arteixo and in this way they can know the inventory in real time.
2. Mango, like other companies, has opted for the installation of digital mirror. It consists of a touch screen installed in the mirror of the changing rooms and works by scanning the barcode of the products; it allows you to consult information about the garments and to contact the store staff making requests without having to leave the changing room. It is worth to mention the example of Rebecca Minkoff, who has generated a revolution with her smart-mirrors.
3. In the Nikestore, they have equipped the staff with smart devices with card readers, so when the store is crowded and too many people are in line, any employee is able to charge customers, and reduce the wait time.

The great changes of digital transformation have to always take into account the concept of functionality and the customer experience. Ensuring an omnichannel experience is critical.

E-commerce and physical shopping, formerly separate universes, today complement each other taking advantage of both environments and enhancing customer proximity and brand image.

The customer wants to have the same shopping experience that they have enjoyed in the physical store, through different digital channels. 

Within this new sales model, the physical store doesn’t have to disappear. On the contrary, it takes on a special importance as it adapts to the new reality. 

The online shopping experience should be in line with the one in the physical store, maintaining the essence of contact, a good and personalized customer care. To achieve these objectives for your company, it is essential to have the experience and advice of a Director of Visual Merchandising, Window displays and Projects .

Source: Cisco

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La problemática es evidente, ya que todas las empresas, organizaciones y demás, incluyendo los organismos estatales, que no logren una digitalización verdaderamente eficiente y funcional para el uso de las personas, quedará fuera del sistema de la comunicación global.

Un riesgo que se debe tomar en consideración, es que una falta de ciberseguridad y/o una normativa con una plataforma de seguridad global, que actúe de manera inmediata por los intereses de los usuarios llegará a poner en peligro la inversión y/o beneficio de las empresas que digitalicen.

¿Cuáles son los tipos de amenazas a la ciberseguridad?

Podemos encontrar casos de:

• Ransomware: un tipo de software malicioso. Está diseñado para exigir dinero mediante el bloqueo del acceso a los archivos o el sistema informático hasta que se pague un rescate. 

• Malware: El malware es un tipo de software diseñado para obtener acceso no autorizado o causar daños en un ordenador. Hay diferentes tipos de malware y con frecuencia vienen propagados a través de un archivo adjunto, de correo electrónico no solicitado o de una descarga de apariencia legítima.

• Phishing o Suplantación de identidad: es una práctica que consiste en enviar correos electrónicos fraudulentos que se parecen a correos electrónicos de fuentes de buena reputación. El objetivo es robar datos sensibles, como números de tarjetas de crédito e información de inicio de sesión.

La industria de la moda, ya no solo tiene el desafío del equilibrio en el desarrollo de la venta on-line y off-line, sino que también la ciberseguridad de sus usuarios y clientes.

En Internet, tanto las empresas cómo los particulares están expuestos a una gran cantidad de peligros que pueden causar daños considerables. Por esta razón, el tema de la ciberseguridad, es ahora más actual que nunca y no solo hace referencia a la seguridad en Internet, sino también a otros aspectos y sectores de las tecnologías de la información y de la comunicación.

Desde el proceso logístico hasta el proceso productivo la industria de la moda es, sin duda, una de las industrias que más ha acelerado su proceso de digitalización.

Las empresas de la industria de la moda han de disponer de herramientas para protegerse por medio de paquetes de ciberseguridad completos, eficiente y eficaces en proporción a la dependencia tecnológica de las empresas.

Hay varios ejemplos de empresas del sector retail que han desarrollado muy bien su parte digital sin renunciar a potenciar sus espacios físicos de tiendas off-line:

1. Zara: uno de los líderes en transformación digital en retail. La empresa ya cuenta, hace tiempo, con unos códigos de barra en los artículos que puedes escanear para saber dónde está la talla del artículo que buscas, sea en esa tienda o en cualquiera; incluso para comprarla online. Además sus empleados cuentan con un dispositivo inteligente que les notifica sobre qué artículos reponer del almacén y el stock en tiempo real, esto permite ahorrar tiempo y mejorar la atención al cliente. Todas las prendas en Zara llevan una etiqueta electrónica con radiofrecuencia RFid (instaladas en la alarma), que se cargan con datos desde la central en Arteixo y de esta forma pueden conocer el inventario al minuto.
2. Mango, como otras empresas, ha apostado por la instalación de los probadores digitales. Consiste en una pantalla táctil instalada en el espejo de los probadores y funciona al escanear el código de barras de los productos; permite consultar información acerca de las prendas y para contactar con el personal de la tienda realizando peticiones de prendas sin tener que salir del probador. Hay que mencionar el ejemplo de Rebecca Minkoff, que ha generado una revolución con sus smart-mirrors.
3. En los Nikestore, han dotado al personal en línea de caja con dispositivos inteligentes que cuentan con lectores de tarjetas y tpv, para que en un momento de mucha afluencia de personas, un empleado pueda salir de la línea de caja para cobrar a los clientes, y reducir el tiempo de espera.

Los grandes cambios de la transformación digital tienen que tener en cuenta siempre el concepto de funcionalidad, seguridad y experiencia de los clientes. Es fundamental garantizar una experiencia omnicanal. 

El comercio electrónico y la compra offline, antes universos separados, al día de hoy se complementan cada vez más para aprovechar las ventajas de los dos entornos y para potenciar la cercanía al cliente y la imagen de marca.

El cliente desea tener la misma experiencia de compra que ha disfrutado en la tienda física, a través de los diferentes canales digitales.

Dentro de este nuevo modelo de ventas, la tienda física no tiene por qué desaparecer. Por el contrario, cobra una especial importancia, en la medida en que se adapte a la nueva realidad. La tienda, debe asimilarse a la experiencia de compra virtual que ha tenido el cliente, manteniendo la esencia del contacto y la buena atención personal. Para lograr estos objetivos es fundamental contar con la experiencia y la asesoría de un Director de Visual Merchandising, Escaparatismo y Proyectos.

Fuente: Cisco

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It is important to pay attention and understand the meaning of each color, what represents and what effect would have in the commercial statement that we want to deliver.

Colors can convey feelings, emotions and messages to us, using them consciously is the key to a winning design.

The psychology of color has to be studied and analysed in every design strategy. Many important firms and companies already use the psychology of colour to reinforce the message of their campaigns, their products or to effectively reach the profile of the customer they are targeting.

Colours are essential to define the composition of any shop window, to create balance, manipulate the perception of objects and the sensations we want to transmit to the customer.

The way in which the color is applied in the design of a shop window will completely alter the final result, so colour is a truly important.

There are some accepted and shared concepts regarding colour, applied in both sides West and East. Understanding their meanings will allows us to be accurate in the application of color and its psychology. For this reason, it is essential to study its history and live its culture.

Do colours have gender?

As we have commented previously, there are many social conventions at a global level around certain colours, but at the same time, there are many subjective aspects in the psychology of color that will cause the same colour to have many interpretations and meanings in different cultures, historical times or parts of the world.

There are colours that are used today differently if we compare them with the use they had in the past, such is the case of pink and blue.

Currently, we are used to associating the color blue with the masculine and the pink with the feminine, but this has not always been the case.

The use of pink for girls and blue for boys is a relatively new concept if we compare it with time ago framed in each historical context. In fact, traditionally, blue symbolized for many centuries, the feminine, linking water and the sea. The opposite of this element is fire, red being assigned to the masculine.

What about pink?

“Reformist fashion”

Pink color is associated today with the feminine world, however, until 1920s, was a masculine color. Before this decade, the indicated colour for girls was white or blue. For this reason, as Eva Heller explains, in her book “The Psychology of Color”, we can see male children of the aristocracy or the Child Jesus dressed in pink in ancient paintings. Among many other very interesting references centuries ago.

In fact pink, is in the range of the color red, it was denominated by the old Babylonians “like blood”. It is a more intense and stronger color for this reason and since it’s related to the color red it looked more suitable for male children. While blue, which is more gentle, was associated with girls.

During the 60s, in the retail world, baby clothes remained in neutral tones until the 80s, when genderless garments disappeared to recover the idea of ​​boys in blue and girls in pink.

Today, the color pink continues to have different connotations and interpretations around the world. In Japan, for example, it serves as a nostalgic symbol of the slain samurai, perceived as a masculine and gloomy color. In Korea, it is interpreted as a sign of trust and in Germany it has a character of tenderness, pacifism and sweetness.

Another masculine color par excellence is red, the color of strength and activity that is associated with fire and blood. But there is also a typically feminine red in religions close to nature: dark red, a color symbolizing the state of fertility in women.

Red is the color of happiness in China. For example, red eggs are a typical gift related to births and are a symbol of happiness in life. As well red envelopes with lucky money for the New Year.

There is much more to read about the power of colour and single colour psychology. It is clearly a way of expressing oneself, through art and culture, which are constantly changing along with society and its historical context. As a result, using all the necessary data of a determining color in our designs, we can convey very important and effective messages.

For this reason, the knowledge of the Director of Window Display Design and Visual Merchandising department has to be rigorous and go much further than what is shown at first glance to be able to play with the symbolism of decoration and the psychology of colors, in order to have more impact on the work, which is essential for the success of each project of each company.

Sources: The Psychology of Color de Eva Heller. www.pinkisforboys.org, artsy.net.

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Es importante prestar atención y conocer el significado que representa cada color y que impacto pueda generar en el mensaje que queremos aportar. Esto no sería posible, sino estudiamos la Historia de cada país a la que va dirigido el diseño de los escaparates.

Los colores nos transmiten sensaciones, emociones y mensajes, usarlos de forma consciente es la clave para un diseño vencedor. Y a lo largo de la Historia se han utilizado con significados diferentes.

La psicología del color tiene que ser estudiada y analizada en cada estrategia de diseño. Hay muchas grandes firmas que ya utilizan la psicología del color para reforzar el mensaje de sus campañas, de sus productos o para impactar el perfil del cliente al que se dirigen. 

Los colores son esenciales para definir la composición de cualquier escaparate, para crear un equilibrio, dirigir la percepción de los objetos y las sensaciones que transmite al cliente.

El tipo de uso que se le dé al color en el diseño de un escaparate modificará por completo el resultado final por lo que el color es una parte importantísima.

Hay conceptos aceptados y compartidos respecto al color, aplicados tanto en Occidente como en Oriente. Conocer sus significados nos permite acertar en la aplicación del color y de su psicología. Para ello es fundamental estudiar su Historia y vivir su cultura.

¿Los colores tienen género? 

Tal como hemos comentado anteriormente, existen muchas convenciones sociales a nivel global alrededor de ciertos colores, pero al mismo tiempo, existen muchos aspectos subjetivos en la psicología del color que provocan que un mismo color tenga variaciones en la interpretación y el significado en distintas culturas, épocas históricas o partes del mundo.

Hay colores que se usan hoy en día de forma diferente que en pasado, tal es el caso de los colores rosa y azul.

Actualmente estamos acostumbrados a asociar el color azul a lo masculino y el color rosa a lo femenino, pero no siempre ha sido así.

La utilización del color rosa para niñas y el color azul para niños, es un concepto relativamente nuevo si lo comparamos con tiempo atrás enmarcado en cada contexto histórico. De hecho por ejemplo, tradicionalmente, el azul simbolizó durante muchos siglos, lo femenino vinculando al agua y el mar. Siendo lo opuesto a este elemento el fuego, siendo el rojo asignado a lo masculino.

¿Y el rosa? “Moda reformista”

El color rosa asociado, a día de hoy con el mundo femenino, fue hasta la década 1920, un color masculino. Anteriormente a esta fecha, el color indicado para las niñas era el blanco o el azul. Por esta razón, como bien explica, Eva Heller, en su libro la “Psicología del color“, podemos ver en los cuadros antiguos niños varones de la aristocracia o el Niño Jesús vestidos de rosa. Entre otras muchas otras referencias interesantísimas siglos atrás.

El rosa, siendo de la gama del color rojo y denominado por los antiguos babilonios “como sangre”. Es un color más intenso y fuerte por esa misma relación del rojo, se veía más adecuado para los niños. Mientras que el azul, que es más apacible, se asociaba para las niñas.

Durante la década de los 60, en el mundo retail, la ropa de bebés se mantuvo en tonos neutrales hasta los años 80, cuando las prendas sin género desaparecieron para recuperar la idea de niños de azul y niñas de rosa.

Hoy en día, el color rosa, sigue teniendo diferentes connotaciones e interpretaciones en todo el mundo. En Japón, por ejemplo, sirve como símbolo nostálgico del samurai asesinado, percibiéndose como un color masculino y lúgubre. En Corea se interpreta como un signo de confianza y en Alemania tiene un carácter de ternura, pacifismo y dulzura.

Otro color masculino por excelencia, es el rojo, color de la fuerza y actividad que se asocia con el fuego y la sangre. Pero también hay también un rojo típicamente femenino en las religiones próximas a la naturaleza: el rojo oscuro, un color simbolizaba el estado de fertilidad en la mujer.

El rojo es el color de la felicidad en China. Por ejemplo, los huevos de color rojo, es un regalo típico relacionado con los nacimientos es un símbolo de felicidad en la vida y los sobres con dinero de la suerte en Año Nuevo.

Hay mucho más que leer sobre el poder del color y de la psicología de un solo color. Es claramente una forma de expresarse, a través del arte y la cultura, que van constantemente cambiando junto a la sociedad y su contexto histórico. Como resultado, utilizando todos los datos necesarios de un determinando color en nuestros diseños, podremos vehicular mensajes muy importantes y efectivos.

Por esta razón el conocimiento del Director del departamento de Diseño de Escaparates y Visual Merchandising tiene que ser riguroso e ir mucho más allá de lo que se muestra a primera vista, para poder jugar con la simbología de la decoración y la psicología de los colores, con el fin de obtener más repercusión en el trabajo, lo cual es fundamental para el éxito de cada proyecto de cada empresa.

Fuentes: Psicología del Color de Eva Heller. www.pinkisforboys.org, artsy.net.

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All these questions are related to whether or not to repeat consumption in a commercial space.

The fiction of social networks triumphs, due to the mediocrity of reality. Commercial spaces have had a favorable evolution, although shop displays are a pending matter, especially in the range of small and medium-sized companies, while customer service has been abandoned until the non-existence of their standards. Even in online experiences, customer service is poor.

Bad manners, a bad expression, reluctance, contempt, a bad tone, ego, bad appearance or a poor personal hygiene. Commercial spaces with a mediocre image, flaws, a website with technical problems or not very functional. Poor management within the activity, etc. All this, unfortunately, happens much more than we think, in a world flooded by the distorted image of social networks, reality does not invite consumption.

Customer service is an essential part of successfully completing the customer experience, regardless of whether they have consumed. Not only are resources wasted in creating customer service criteria, but there is no efficient monitoring and supervision for a positive evolution.

“When people speak, they listen completely. Most people never listen ” Ernest Hemingway.

All companies know the theory of how the customer is served, but why is there such a difference between customer service and attention between Europe and Asia? Especially in the South Pacific area, the excellence of the level of customer service is a truth in small, medium and large companies.

We can affirm that we are in the era of the experience market where the customer values a positive experience and this value goes far beyond simply buying a product. Today’s consumer is a well-informed consumer, who has new habits and behaviours based on technological advances and, above all, who values the quality of the services and the care received.

To achieve these expectations, companies must understand the importance of having a highly trained, committed team with experience in different sectors.

In the world of fashion, it’s essential that the figure of the Director of Visual Merchandising has training also as a Project Manager, who have the responsibility of commercial value, coordination, guarantee excellent customer service and follow-up on it.

Heroes do not exist, but professionals, committed, respectful and responsible people.

Europe don’t need to make a change to this, it needs to apply, maintain and evolve, what it is currently is just a theory.

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¿Volverías a consumir dónde no has recibido una buena atención al cliente la primera vez? ¿Cómo te gustaría que te tratasen al entrar en cualquier espacio comercial, ya sea offline u online? ¿Qué valor tiene para ti; tu confianza, tiempo y recursos? ¿Qué valor tienes de ti mism@?

Todas estas preguntas están relacionadas a la hora de repetir o no, el consumir en un espacio comercial, independientemente de lo que se trate. 

La ficción de las redes sociales triunfa, por la mediocridad de la realidad. Los espacios comerciales han tenido una evolución favorable, aunque los escaparates son una materia pendiente sobre todo en el rango de pequeño y mediana empresa, mientras que la atención al cliente se ha ido abandonando hasta la inexistencia de sus estándares. Incluso en las experiencias online, la atención al cliente es bochornosa.

La mala educación, una mala expresión, desgana, desprecio, un mal tono, el ego, el mal aspecto o higiene personal. Espacios comerciales con una imagen mediocre, desperfectos, una página web con problemas técnicos o poco funcional. Una mala gestión dentro de la actividad, etc. Todo esto, desafortunadamente ocurre mucho más de lo que nos pensamos, en un mundo inundado por la imagen distorsionada de las redes sociales, la realidad no invita al consumo.

El servicio al cliente es la una parte esencial para poner culminar la experiencia del cliente de manera exitosa, independientemente si ha consumido o no. Ya no solo se desperdicia recursos en la creación de los criterios de la atención al cliente, sino que no existe un seguimiento y supervisión eficiente para la una evolución positiva.

“Cuando la gente habla, escucha completamente. La Mayoría de la gente nunca escucha” Ernest Hemingway.

Todas las empresas saben la teoría de cómo se atiende al cliente, pero ¿Por qué hay tanta diferencia entre la atención y servicio al cliente entre Europa y Asia? Especialmente la zona del Sur del Pacífico, la excelencia del nivel de la atención al cliente es una verdad en pequeñas, medianas y grandes empresas. 

Podemos afirmar que estamos en la era del mercado de la experiencia donde el cliente valora una experiencia positiva y este valor va mucho más allá de comprar simplemente un producto. El consumidor, hoy, es un consumidor bien informado, que tiene nuevos hábitos y comportamientos basados en los avances tecnológicos y, sobre todo, que valora la calidad de los servicios y de la atención recibida.

Para cumplir con estas expectativas las empresas deben comprender la importancia de contar con un equipo altamente formado, comprometido y con experiencia en diferentes sectores.

En el mundo de la moda, es fundamental que la figura del Director de Visual Merchandising tenga, también, una formación como Project Manager, que pueda aportar valor comercial, coordinar, garantizar una excelente atención al cliente y un seguimiento de la misma tanto online como offline.

Los héroes no existen, sino profesionales y personas comprometidas, respetuosas y responsables.

Europa no necesita hacer un cambio ante esto, necesita aplicar, mantener y evolucionar, lo que es actualmente es solo una teoría.

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– “Once they invited me to a party and I decided to make a dress with feathers, sewn one by one, and it attracted so much attention, people asked me so much about it, where it was from, At that moment I thought that I could make a mini-collection”. – That is how Teresa Helbig, relates how she started in the fashion world. She began her path as a visual window display designer for many shops in Barcelona until she found her true vocation as fashion designer.

The firm Helbig was born in 1996, initiated by Teresa and her talented mother, Teresa Blasco, a professional seamstress and dressmaker who, from an early age, encouraged her daughter’s curiosity and passion for this field. Two generations of women who have worked together to create one of the most experienced brands in Spain.

In fact, with more than 24 years of presence in the fashion world, today, the Catalan designer is a benchmark to draw inspiration.

The Helbig Girls

The garments of this firm are recognized for their uniqueness, in fact, all of them are hand made to the last detail and stand out for their beauty and elegance. The Helbig style has been defined as timeless, fresh, romantic, feminine, sophisticated style with a provocative and punk touch.

For that reason, actresses and many national and international personalities, have been lucky to wear a Helbig dress, among them: Olivia Wilde, Úrsula Corberó, Inma Cuesta, Rosalía, Macarena Gómez, Amaia Romero, Taylor Swift, Gwen Stefani, Zendaya, Saoirse Ronan and Halle Berry. Teresa defines the Helbig woman as rebellious, independent, curious and hard-working.

The designer has always shown her great passion for his profession and from the beginning she has been a pioneer in several aspects, for instance, she was one of the first designers to dare with fashion films and from the beginning she has sold her designs just after the runway.

The importance of teamwork

At the head of the business, next to Teresa, along with Teresa Blasco, is also her husband: Chema Paré. The Helbigs have their atelier, studio and showroom in Barcelona, in a modernist building from 1905 located in the Eixample neighborhood. They have an indispensable team of 20 people: dressmakers, pattern designers, assistants, photographers, florists, shoemakers, jewelers, artisans, graphic designers and journalists, among others, together they create ready-to-wear, sewing and bridal collections. Teresa affirms that her atelier is, above all, home.

“All my team is irreplaceable and I don’t know how I would do it if they weren’t a few meters beyond my design table” – Teresa Helbig.

There is no doubt that the success of her brilliant career is due to his creativity, hard work and the love for this profession, however the cornerstone for this and any other project lies in the importance of teamwork.

“Being a fashion designer has never been an easy job. There are all the hours of the world, and with very unromantic parts: production, numbers, logistics, shipping. Sometimes fashion is like an Excel, sometimes you have to make an extra effort so this tedious part take doesn’t take away your passion or energy for the other part, the beautiful one, the creative one, the one to take the fabric and the mannequin and start dreaming “- Teresa Helbig.

Without any doubt, Teresa Helbig will continue to inspire us with many more projects and innovative ideas.

A constant professional who loves his trade, doing it every day with creativity and passion, undoubtedly she has the necessary talent to create successful projects, being consequently a source of inspiration for many other people. In any field, especially in the fashion industry, teamwork, defined leadership, and having specialists in each area who have tools based on emotional intelligence are essential. Also, is crucial that the interests of all people involved must be aligned with the interests of the project, since only in this way, the success of the project will be assured.

Sources:

teresahelbig.com/es

www.marie-claire.es

www.vogue.es/moda/

www.instagram.com/teresahelbig/

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The Agenda has 17 Sustainable Development Goals, from the elimination of poverty to combating climate change, education, equality for women and environmental protection. But today we will focus on the goal number 10 set for this month: reduce inequality.

We know that economic growth is not enough to reduce poverty, if it is not inclusive and the three dimensions of sustainable development are not taken into account: economic, social and environmental.

One of the boosted points in order to achieve these goals is to improve export conditions that come from developing countries, landlocked and small island states. However, inequality and considerable disparities in access to health, education, and other productive assets are still present. Therefore, the application of universal policies that pay special attention to these points are truly important.

Likewise, more and more industries are supporting these policies and are dedicated to fighting for a more equitable world. But then, which role fashion can play in order to impulse economic growth in developing countries and generate a positive change in people’s habits?

The fashion world has always been a faithful companion and reflection of society, changing and adapting to it. To this day, it is very important to become aware of how fashion can and should be a tool for education. Since it has the power to reach a very wide audience and its ability to influence entire generations, it can be very useful to create a better future.

As we know fashion industry can be very powerful, but objectively, what can it do to make the difference?

Take the example of Stella McCartney, who has been one of the pioneers in uniting fashion with a sustainable philosophy, that has been followed by firms like Gucci or Versace. In 2018 Salvatore Ferragamo allied with the company Orange Fiber, and created a collection made from orange peels, with which after success they have started to collaborate regularly. Vivienne Westwood has collaborated since 2010 with the Ethical Fashion Initiative to promote activism and achieve social improvements in developing countries.

As we can see, fashion is one of the most direct ways to express messages, impact the public through its collections, catwalks, and windows displays. This last one is a very powerful communication tool for a brand, since it denotes the essence, style and philosophy of the company.

Through a sustainable window displays we will be able to display the brand values. To build and spread all these concepts it’s very important to have a good artistic direction. A Project Manager specialized in Retail will be the key figure that can guide you towards these goals.

Sources:

https://www.un.org/sustainabledevelopment/

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La Agenda cuenta con 17 Objetivos de Desarrollo Sostenible, que van desde la eliminación de la pobreza hasta el combate del cambio climático, la educación, la igualdad de la mujer o la defensa del medio ambiente. Pero hoy nos enfocaremos en el objetivo previsto para este mes, el número 10: reducir la desigualdad. 

Sabemos que el crecimiento económico no es suficiente para reducir la pobreza, si este no es inclusivo y no se tienen en cuenta las tres dimensiones del desarrollo sostenible: económica, social y ambiental. Uno de los puntos que se están impulsando para lograr progresos es la creación de condiciones de acceso favorables para las exportaciones de los países en desarrollo, sin litoral y los pequeños Estados insulares.  Sin embargo, la desigualdad y grandes disparidades en el acceso a los servicios sanitarios, educativos y a otros bienes productivos, siguen presentes. Por ello, se ha recomendado la aplicación de políticas universales que presten especial atención a estos puntos.

Así mismo, cada vez son más las industrias que sostienen estas políticas y se dedican a luchar para por un mundo más equitativo. Pero, ¿entonces, qué papel puede desempeñar la moda a la hora de impulsar el crecimiento económico en los países en desarrollo y generar un cambio positivo en los hábitos de las personas?

El mundo de la moda siempre ha sido un fiel acompañante y reflejo de la sociedad, cambiando y adaptándose a ella. Al día de hoy, es muy importante tomar conciencia de cómo la moda puede y debe ser una herramienta para la educación. Ya que esta tiene el poder de llegar a un público muy amplio y su capacidad de influenciar enteras generaciones puede ser de gran utilidad para crear un mejor futuro. 

Sabemos que la industria de la moda puede tener un gran alcance, pero de forma objetiva, ¿qué puede hacer para poner su granito de arena?

Tomemos el ejemplo de Stella McCartney, quien ha sido una de las pioneras en unir moda y filosofía sostenible, a la que se han unido firmas como Gucci o Versace. En 2018 Salvatore Ferragamo se alió con la empresa Orange Fiber, creando una colección hecha a base de cáscaras de naranja, con la que tras el éxito han empezado a colaborar con asiduidad. Vivienne Westwood colabora desde 2010 con Iniciativa Moda Ética para promover el activismo y conseguir mejoras sociales en países en vías de desarrollo.

Como podemos ver, la moda es una de las formas más directas para expresar mensajes, impactar el público a través de sus colecciones, pasarelas y escaparates. Este, ultimo es una herramienta de comunicación muy potente para una marca, ya que, denota la esencia, el estilo y la filosofía de la empresa.

A través de un escaparate sostenible seremos capaces de desplegar los valores de la marca. Para construir y transmitir todos estos conceptos es muy importante contar una buena dirección artística. Un Project Manager especializado en Retail será la figura que podrá guiarte para cumplir estos objetivos. 

Fuentes:

www.un.org/sustainabledevelopment/es/objetivos-de-desarrollo-sostenible/

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The growth of companies and their work dynamics are directly linked to the evolution of professional figures.

In a Digital Age, the ideal professionals are those who have a hybrid formation so they can fit better in the fluid economy. Certainly, an expert with an art career along with a business or technical specialization represents a significant contribution for any company.

Today, the most important goal is to create a business culture that values employees’ private lives, increasing the productivity without neglecting the salary aspect.

In fact, in the last years, so many companies have worked on these factors, managing to enter in the ranking of the best places to work.

Recently, we’ve heard a lot about “emotional salary”. It refers to those non-economic remuneration that the companies offer to the employees in order to increase the business culture and meet their needs.

Often, the emotional salary can represent the “deciding factor” for employees.

More and more professionals are prioritizing benefits beyond the pay issue.

So, it’s important to keep in mind that this happens only when the emotional salary is not accompanied by a reduction of salary conditions.

It is understood that the relationship between employers and companies, is based on the conditions agreed upon under a contract, thus sealing these conditions in writing, together with the trust between both parties. The abuse of any of the parties would generate “disenchantment” and the breakdown of the relationship, consequently. Being after the negotiation, respect, is the second cornerstone of the relationship between companies and workers.

In other words, it’s essential to value professionals by offering, apart from a salary retribution according to their experience, attitude and consistent with their formation, also an emotional one in order to coordinate their professional and family-personal life.

The companies that have invested in these changes are those that have become the best places to work, thus increasing their productivity and profit. According to the Great Place to Work ranking in 2019, these are the best companies chosen by their employees:

• 1. Cisco (Information Technology)
• 2. Hilton Worldwide (Hospitality)
• 3. Salesforce (Information Technology)
• 4. DHL Express (Transportation)
• 5. Mars, Incorporated (Manufacturing & Production)
• 6. SAP SE (Information Technology)
• 7. EY (Professional Services)
• 8. Stryker Corporation (Healthcare)
• 9. SAS (Information Technology)
• 10. Workday (Information Technology)
  

This study has been created by Great Place to Work®, a consultancy that announces the 25 best companies to work for each year. These organizations have been chosen after an accurate analysis of more than 8,000 companies and 12 million employees.

As regards the Fashion and Retail sector, there are three very interesting Asian firms. We bet seeing them very soon in the ranking of the best places to work. We are talking about:

• Li Ning Company Limited, founded in 1990 by Olympic gymnast Li Ning. It represents one of the largest suppliers of footwear and sports equipment in China, with a superior design and with great success as a trend. The firm also sponsors a large number of athletes and teams, from China and abroad. In 2018 it was the first Chinese brand to sponsor the uniforms of the Club Puebla football team.

• Zalora, lunched in 2012, is one of the most important e-commerce platforms in the Asian market. Its development has been very fast, achieving interesting results in a really short time. Its business culture stands out to offer a very flexible schedule to its employees and many professional and personal benefits.

• Dotst is the e-commerce of Adastria, one of the most important Japanese business group. The company was founded in 1953, initially named Fukudaya Clothes Store Inc. Apart from having an e-commerce, in constant growth, they have physical stores of some of its brands in Japan, China, Taiwan and Korea. Its proposal offers different styles of garments suitable to reflect the uniqueness of each client. Among their firms, Hare stands out, a brand developed in 2001. This brand is one of the most attractive and promising in the market; without a doubt one of our favorites. With its elegant and modern lines, its colors and patterns, the firm designs garments inspired by emotions, fun and everyday life, is something that goes beyond cute. Adastria is a company with a lot of strength and innovative spirit. Their values ​​include sustainability, transparency, inclusion of people in all production processes and the defense of their rights.

And for you, which are the best companies to work for?

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El crecimiento de las empresas y de sus dinámicas de trabajo están ligadas directamente a la evolución de las figuras profesionales.

Con la nueva era digital, los perfiles ideales para adaptarse a una economía fluida tienen que tener una formación híbrida. Por ejemplo, un profesional con una carrera en artes y con una formación técnica o de negocio representa un gran aporte.

Al día de hoy, el reto es crear una cultura empresarial que valora la vida privada de los empleados y su productividad sin dejar de lado el aspecto salarial.

Por esto muchas empresas, en los últimos años, han trabajado estos factores logrando entrar en el ranking de los mejores lugares donde trabajar.

Últimamente, escuchamos mucho hablar de salario emocional. Este concepto se refiere a aquellas retribuciones no económicas que la empresa ofrece al trabajador para incentivar la cultural empresarial, logrando satisfacer sus necesidades personales.

A menudo, el salario emocional puede representar el “factor decisivo” para los empleados. Cada vez son más los profesionales que dan prioridad a beneficios que van más allá del tema salarial.

Es importante tener en cuenta que esto sucede solo cuando el salario emocional no viene acompañado de un abaratamiento de las condiciones salariales.

Se entiende que la relación entre trabajador y empresa, se base en las condiciones pactadas ante un contrato, sellando así por escrito dichas condiciones, junto con la confianza entre ambas partes. Dejando claro, que el abuso de cualquier de las partes, generaría el “desencanto” y la ruptura de la relación, consecuentemente. Siendo después de la negociación, el respeto, la segunda piedra angular de la relación entre empresa y trabajador. 

Es fundamental valorar a los profesionales ofreciendo, aparte de un salario acorde con su experiencia, actitud y coherente con su formación, también uno emocional para conciliar su vida profesional y familiar-personal. 

Las empresas que han invertido en estos cambios son aquellas que se han convertido en los mejores lugares donde trabajar incrementando así su productividad y beneficio. Según el ranking de Great Place to Work para el año 2019, estas son las mejores empresas elegidas por sus empleados:

• 1. Cisco (Information Technology)
• 2. Hilton Worldwide (Hospitality)
• 3. Salesforce (Information Technology)
• 4. DHL Express (Transportation)
• 5. Mars, Incorporated (Manufacturing & Production)
• 6. SAP SE (Information Technology)
• 7. EY (Professional Services)
• 8. Stryker Corporation (Healthcare)
• 9. SAS (Information Technology)
• 10. Workday (Information Technology)
  

Este estudio ha sido creado por Great Place to Work®, consultoría que cada año anuncia las 25 mejores empresas para trabajar. Estas organizaciones han sido elegidas tras un análisis realizado a más de 8.000 empresas y 12 millones de empleados.

Por lo que concierne el sector de la moda y del Retail, cabe mencionar tres firmas asiáticas muy interesantes. Apostamos verlas muy pronto en el ranking de los mejores lugares donde trabajar. Estamos hablando de:

• Li Ning Company Limited, fundada en 1990 por el gimnasta olímpico Li Ning. Representa uno de los mayores proveedores de calzado y material deportivo en China, con un diseño superior y con un gran éxito como tendencia. La firma patrocina también a un gran número de atletas y equipos, tanto de China como en el extranjero. En 2018 fue la primera marca china en patrocinar los uniformes del equipo de futbol Club Puebla.

• Zalora es una de las plataformas e-commerce más importante del mercado asiático. Fue lanzada en 2012 en Indonesia, Malesia, Filipinas, Singapur, Taiwan, Hong Kong, Thailand y Vietnam. Su desarrollo ha sido muy rápido, logrando resultados muy interesantes en poco tiempo. Su cultura empresarial se destaca para ofrecer un horario muy flexible a sus empleados y muchos beneficios profesionales y personales.

• Dotst es la plataforma e-commerce de Adastria, uno de los grupos empresariales japoneses más importantes. La empresa fue fundada en 1953, inicialmente, con el nombre Fukudaya Clothes Store Inc. A parte de contar con un e-commerce, en constante crecimiento, cuenta con tiendas físicas de algunas de sus marcas en Japón, China, Taiwan y Korea. Su propuesta ofrece diferentes estilos de prendas aptos para reflejar la singularidad de cada cliente. Entre sus firmas cabe destacar Hare, marca desarrollada en 2001. Es uno de los más atractivos y prometedor del mercado; sin duda uno de nuestros favoritos. Con sus líneas elegantes y modernas, con sus colores y patrones la firma diseña prendas que no se limitan a ser bonitas, ya que están inspiradas en emociones, diversión y la cotidianidad. Adastria es una empresa con mucha fuerza y espíritu innovador. Entre sus valores destacan la sostenibilidad, la transparencia, la inclusión de las personas en todos los procesos de producción y la defensa de sus derechos.

Y para ti, ¿cuales son las mejores empresas dónde trabajar?

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Analyzing and knowing what will be booming in the future, is very valuable for professionals whom we are in these sectors. The 2019 has been a very important year for Fashion, marked mainly by movements such as sustainability, inclusion and empowerment. But, what can we expect in 2020?

Here are some of the trends that will see in 2020:

Space Era 

One of the biggest trends will be the futurism, it will carry holographic fabrics and collections inspired by space and supernatural. Science fiction will be a source of inspiration to creating textures from organic to industrial. This is coming along with the launch of four missions to Mars, the testing phase of the reusable Space X rocket and a new generation of human-manned spacecraft.

(Source Lyst)

Hyper reality

Dreamlike, psychological and psychedelic landscapes will be the inspiration for collections where fashion and technology meet. Circular elements symbolizes the future, while iridescent surfaces embraces the digital. Above all, science digital and technology will be the protagonists in the 2020 trends.

(Source WGNS y Pinkermoda)

Fashion and politics

Fashion can be a powerful communication tool, it has occupied an important place in social changes and has been a faithful reflection of political differences, urban styles and cultural revolutions. For example, the ties of the Democratic candidate for President of the United States, Tom Steyer, have already been the subject of searches and tweets in his country, and with the U.S. elections, just around the corner, we certainly expect more styling with political messages in 2020.

(Source LYST)

Feminism and femininity

In Chloé’s Spring-Summer 2020 collection, women have been celebrated with the mantra of “femininity anchored in reality”. Women’s empowerment and the feminist movement move forward in 2020 with collections that focuses on their role and power. Future trends seem to move away from androgynous aesthetics leaving room for tailoring, minimalism, romantic and naif garments.

(Source Vogue)

Pantone Color of the Year

In a time when technology is still ahead of human ability to process everything, Pantone has shown the need for colors that give us honesty and protection. Therefore, this will be the color of 2020 that will replace the 2019 Living Coral. We talk about of 19-4052 Classic Blue, the tonality that, this year, will be the reference in many creative fields. It’s a timeless blue that stands out for its elegance, calm, confidence and connection. This color is a reflective blue that fosters resilience.

(Source Pantone)

Immersive Experiences

Technology is changing the way every industry moves. More and more companies use new technologies to create immersive experiences for their clients. This is the case of virtual reality, one of the trends of 2020, which will allow us to experience the virtual exploration of products, shops and even trying garments.

(Source Forbes)

3D Printing

2020 will also be the time for the take-off of 3D printers, which are said to constitute the next technological revolution. According to the forecasts of the consulting firm Context, the market will reach a turnover of 16,000 million dollars. In the world of Retail and Visual Merchandising, we are committed to end of the age of white and unsightly mannequins and replaced them with 3D printed mannequins, customized by season according to each brand.

Keeping up with trends and continuing to innovate can be difficult, so it’s important to count with professionals in the sector that could guide you in this process. If you are looking to innovate your image and your window display, following trends 2020, don’t hesitate to discover my services.

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Seasonal marketing consists in creating campaigns, according to current events, for example, holidays or special days.

In the world of Fashion and Window Display, nowadays, we can’t talk exclusively of two seasons spring-summer and autumn-winter. Today, shops can change its collections and its windows displays every two weeks.

The visual saturation and the need of creating impact on the consumer affect directly the way we consume, generating almost an obligation imposed by the speed at which the fashion industry moves and to which more and more brands are joining.

Trends in Window Display Design and Visual Merchandising sector today, require fastest changes, flexibility, high creativity is the most time accompanied by a tight budget.

This need has resulted in increasingly ephemeral campaigns. For brands it’s important take advantage of every opportunity, even for a limited time.

To create an effective seasonal campaign is essential have professionals who know how to react quickly, according to the evolution of trends, needs of the client and also guide you in the design and strategy of visual windows.

This type of seasonal campaigns has important advantages, among them, the increase in store visits, where customers come to see the latest collections. This model can generate fast gains and the capacity to respond to customer needs. This allows to locate products quickly, more accessible price to the pocket and reach a wider public.

Don’t forget that each new season must have a new story and the obligation to set a new scenario.

However, on the other hand, teaches us that consumption through seasonal campaigns and fast fashion is growing rapidly raising great difficulties for the resources of our planet, so many firms are taking care about this matter minimizing waste and pollution in order to produce fashion without damaging the environment.

Finally, if you are thinking about launching a seasonal campaign for your brand, remember that the most important thing is understanding your customer, propose a collection that explain current trends and make a team with Retail and Visual Merchandising professionals who can help you develop an appropriate strategy in order to achieve the desired goals.

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El marketing de temporada consiste en crear campañas acorde a los eventos del momento, por ejemplo, vacaciones o días especiales.

En el mundo de la moda y del Escaparatismo ya no podemos hablar exclusivamente de dos temporadas primavera-verano y otoño-invierno. Hoy, una misma firma puede cambiar sus colecciones y escaparates cada dos semanas.

La saturación de imágenes que nos acompaña diariamente y la necesidad de generar impacto en el consumidor repercute directamente la manera de consumir, generando casi una obligación impuesta por la velocidad a la que la industria de la moda se mueve y a la que cada vez más marcas se han sumado.

Las tendencias en el sector del Escaparatismo y del Visual Merchanding, al día de hoy, exigen cambios rápidos, flexibilidad, alta creatividad y la mayoría de las veces acompañado de un presupuesto apretado.

Esta necesidad se ha traducido en campañas cada vez más efímeras. Para las marcas es importante aprovechar cada oportunidad, aunque sea por un tiempo limitado.

Para crear una campaña de temporada eficaz es fundamental contar con profesionales del sector que sepan reaccionar rápidamente y ir acorde a la evolución de las tendencias, a las necesidades del cliente y que puedan guiar el diseño de los escaparates y su estrategia.

Este tipo de campañas de temporada conllevan ventajas importantes, entre ellas cabe mencionar, el aumento de visitas en las tiendas, donde los cliente acuden para ver las ultimas novedades. Este tipo de modelo, puede generar ganancias instantáneas y la capacidad de respuesta a las necesidades del cliente.  Todo esto permite, ubicar los productos con mayor rapidez, un precio más asequible al bolsillo y llegar a un público más amplio.

No hay que olvidar que cada nueva temporada tiene una nueva historia y la obligación de generar un nuevo escenario.

Sin duda, la otra cara de la moneda, nos enseña que el ritmo del consumo a través de las campañas de temporadas y del “fast fashion” está creciendo rápidamente poniendo en dificultad los recursos de nuestro planeta, por ello, muchas firmas se están preocupando por reducir al mínimo el desperdicio y la contaminación con el fin de producir moda sin dañar el medio ambiente.

Finalmente, si estas pensando en lanzar una campaña de temporada para tu marca, recuerda que lo más importante es entender a tu público, proponer una colección que se adapte a las tendencias del momento y contar con profesionales del Retail y Visual Merchandising que puedan ayudarte a planear una estrategia adecuada y lograr el impacto deseado.

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