Los creativos, diseñadores, escaparatistas, visual merchandisers y artistas que trabajamos en este ecosistema sabemos que nuestra labor no se puede medir únicamente en ROI o conversiones. Porque la creatividad humana es un lenguaje que resuena más allá de lo cuantificable. Una composición de color puede detener el paso. Una luz puede provocar un gesto. Una escena puede conectar directamente con el alma.

Y, sin embargo, muchas veces ese trabajo se desvanece en silencio. Se desmonta, se guarda, se sustituye por la siguiente campaña. Lo que fue mágico, desaparece. Pero su impacto real permanece, porque el valor emocional no entiende de métricas.

Hoy, vivimos una era donde las marcas buscan monetizar cada acción creativa, justificándolo todo a través de datos. Y aunque esa necesidad existe y es legítima, no puede convertirse en una prisión que limite la esencia del arte. Lo humano no es medible con precisión, y ahí reside su belleza.

Cuando el arte nace desde la esencia y no desde la obsesión por el dinero, su espíritu se expande: atrae más miradas, más almas y más verdad que cualquier obra calculada. Jose Luis

Un escaparate no es solo un punto de venta: es un escenario. Una obra temporal que transforma una calle, una mirada, un recuerdo. Es una forma de crear mundos.

Los artistas que trabajamos detrás de estas experiencias somos constructores de atmósferas, de historias, de sensaciones. Nuestro trabajo nace para emocionar, para inspirar, para hacer soñar. Y eso, precisamente, es lo que más atrae al público: la autenticidad.

Casas internacionales como Bergdorf Goodman, Louis Vuitton o colaboraciones en Asia como las de SKP Beijing y Dior Shanghai están demostrando que el arte del escaparate es global, pero su emoción es profundamente humana.

Porque la creatividad verdadera no nace de la obsesión por el dinero, sino de una sensibilidad que se atreve a imaginar más allá de lo inmediato. Cuando una marca abraza esa visión, crece en espíritu, en carácter, en conexión.

La rentabilidad llega.

Pero primero llega la emoción.

Y ahí está la clave.

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El impacto del gossip en moda y retail

Un análisis reciente de Vogue Business subraya cómo la industria de la moda se ha acostumbrado al “ruido” de los rumores en torno a las transiciones de directores creativos, lo cual distrae la atención del verdadero valor: la innovación y el trabajo en equipo (Vogue Business, 2024). Otro artículo de la misma publicación advierte que el fashion gossip se ha convertido en una “mercancía rentable”, pero con un coste silencioso: la pérdida de confianza y la erosión cultural dentro de las marcas (Vogue Business, 2023).

Un fenómeno que trasciende la moda

La cuestión no es exclusiva de la moda. Estudios académicos recientes confirman que el gossip crea entornos paralelos de poder, que afectan al compromiso laboral y a la cohesión. Una investigación publicada en Cambridge Journal of Management and Organization destaca que, en culturas colectivistas como las mediterráneas, los rumores pueden servir como lazo social, pero también como una herramienta de exclusión que debilita la motivación y la productividad (2022).

Creatividad y cultura empresarial sana

En profesiones ligadas al mundo de la tienda, al escaparatismo o a la gestión de equipos, estas dinámicas resultan especialmente dañinas. Un clima laboral dominado por rumores reduce la capacidad creativa, genera desconfianza y termina por afectar al rendimiento económico. Por el contrario, cuando se fomenta una cultura de transparencia, respeto y reconocimiento justo, se construye un tejido empresarial sano y fértil para la innovación.

El reto está en encontrar el equilibrio: mantener la cercanía humana propia de la cultura mediterránea, pero evitar que esa naturalidad se convierta en un canal de toxicidad. Una empresa libre de gossip no es fría ni distante; es más sólida, más creativa y más capaz de ilusionar a sus equipos. Y en un sector como el retail, donde la experiencia de cada jornada de trabajo es clave, ese equilibrio marca la diferencia.

Fuentes:

1. Vogue Business. How should brands handle creative director transitions? (2024).

2. Vogue Business. Let’s dish: racing to the bottom of fashion’s gossip problem (2023).

3. Journal of Management and Organization, Cambridge University Press. Impact of organizational gossip on affective organizational commitment, feelings of loneliness and turnover intention (2022).

4. José Luis Ledesma. joseluisledesma.com (2025).

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Este espacio público representa un punto de encuentro único donde las tendencias se materializan de forma espontánea, reflejando la diversidad y creatividad de la sociedad moderna.

La evolución de este fenómeno social abarca desde el consumo consciente hasta la adopción de tejidos orgánicos, demostrando un cambio significativo en la forma de vestir de los habitantes de las grandes ciudades. Los espacios subterráneos de estas no solo facilitan el movimiento de personas, sino que también sirven como escenario para la expresión de diferentes estilos, donde la atemporalidad y la funcionalidad se encuentran con las últimas tendencias.

La democratización de la moda en el metro

La democratización de la moda encuentra su máxima expresión en los vagones y andenes del metro, donde el 82% de los consumidores españoles considera que la diversidad y la inclusión influyen en sus decisiones de compra. Este fenómeno refleja una transformación fundamental en cómo la sociedad interactúa con la moda urbana.

El metro como espacio de expresión personal

El transporte público se ha convertido en una pasarela democrática donde el street style cobra vida propia. Los mensajes y símbolos en la vestimenta actúan como elementos de autoexpresión y conexión comunitaria. La ropa se ha transformado en una plataforma de comunicación personal, donde cada elección de estilo cuenta una historia sobre la identidad del individuo.

El fenómeno del street style demuestra que la moda es una forma de arte accesible para todos, trascendiendo las barreras culturales y lingüísticas. Los usuarios del metro han convertido este espacio en un escenario donde la moda sostenible y el consumo responsable coexisten, con un creciente interés por las prendas de segunda mano como puerta de entrada a la moda sostenible.

Subculturas

Las estaciones y vagones del metro se han convertido en un escenario privilegiado para la manifestación de la cultura underground, término que desde 1953 ha designado los movimientos contraculturales que se consideran alternativos o paralelos a la cultura dominante.

La identificación de diferentes tribus urbanas en el metro refleja la diversidad cultural de la ciudad moderna. Los grupos se distinguen por características específicas que incluyen:

La evolución de estos estilos alternativos ha experimentado una transformación significativa desde los años 50, cuando emergieron los primeros movimientos como los mods y teddy boys. Las nuevas tecnologías han jugado un papel fundamental en la redefinición de estas identidades culturales, creando conexiones entre la expresión corpórea y las redes digitales.

El metro como punto de encuentro de diversas estéticas

El espacio subterráneo funciona como un punto de convergencia donde las diferentes escenas urbanas se entrelazan, constituyendo lo que los expertos denominan “momentánea y dinámica aglutinación de individuos en torno a un corpus de signos en movimiento”. Esta definición abarca no solo la ropa y accesorios, sino también:

La presencia de estas subculturas en el metro ha evolucionado hasta convertirse en un fenómeno que trasciende la simple categorización de “alternativo”. Las culturas urbanas nacen independientes y auto-existentes, definiendo su colectividad en el espacio subterráneo, mientras que las nuevas configuraciones de modas juveniles se definen cada vez más a través de las neo tecnologías, desde la escritura en red hasta las nuevas formas de street-art.

La influencia del clima y la funcionalidad

La adaptación del vestuario al entorno del transporte público se ha convertido en una necesidad práctica que trasciende las tendencias pasajeras. Los estudios revelan que el 48% de las mujeres modifican su forma de vestir cuando utilizan el transporte público, evidenciando la importancia de la funcionalidad en la moda urbana contemporánea.

En áreas metropolitanas, la elección de la indumentaria responde a múltiples factores ambientales.

La funcionalidad se ha convertido en un elemento crucial en la selección de prendas. Las mochilas enrollables con cierre central se han posicionado como accesorios indispensables, ofreciendo características como impermeabilidad y espacios específicos para dispositivos electrónicos.

La tendencia hacia la ropa adaptativa ha ganado relevancia, con diseños que priorizan la comodidad sin sacrificar el estilo.

Los diseñadores están respondiendo a esta demanda con colecciones que incorporan elementos técnicos discretos. Las prendas modernas para el transporte público incluyen características como bolsillos ocultos para objetos de valor y materiales que mantienen su forma durante largos períodos de uso.

La innovación en el sector textil ha permitido el desarrollo de prendas que cumplen múltiples funciones. Los nuevos tejidos inteligentes ofrecen protección contra las variaciones de temperatura en los vagones del metro, mientras mantienen una apariencia elegante y contemporánea.

El concepto de versatilidad se ha convertido en un pilar fundamental de la moda urbana actual. Las prendas transformables, como pantalones convertibles y chaquetas modulares, permiten a los usuarios adaptar su vestuario a diferentes situaciones durante el día.

La transformación del metro en un espacio donde confluyen moda, cultura y funcionalidad representa un fenómeno social único que define nuestra era urbana. Los vagones y andenes han evolucionado más allá de simples lugares de tránsito, convirtiéndose en escenarios donde la democratización de la moda, la expresión de subculturas y las necesidades prácticas crean un ecosistema de estilo dinámico.

Este fenómeno fashion-urbano trasciende las tendencias pasajeras, estableciendo nuevos paradigmas en la forma en que la sociedad interactúa con la moda en espacios públicos.

La convergencia entre funcionalidad y estilo personal ha generado innovaciones significativas en el diseño de prendas y accesorios, mientras que la diversidad de expresiones culturales en el metro continúa enriqueciendo el panorama de la moda urbana. Los espacios subterráneos se han consolidado como laboratorios dinámicos donde las tendencias nacen, evolucionan y se transforman, reflejando la constante adaptación de la sociedad moderna a sus entornos cotidianos.

Fuentes: moda.es, thenewbarcelonapost.com; neo2.com; cultura.gob.es; vantatis.elconfidencial.com; expansion.com

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El autocuidado es una piedra angular en la construcción de una vida equilibrada y satisfactoria. Esta práctica es un componente crítico de una salud mental robusta. Al cuidarnos, no solo atendemos nuestras necesidades físicas, sino que también honramos nuestras necesidades emocionales y psicológicas, creando un refugio seguro para nuestra autoestima y bienestar general. El poder del autocuidado radica en su capacidad para actuar como un escudo contra las adversidades de la vida. Al cultivar hábitos de autocuidado, las personas pueden mejorar su resiliencia, reducir el estrés y fomentar una relación más compasiva y amorosa consigo mismas. El estilismo, aunque a menudo se percibe limitado a la moda y la apariencia, es una expresión tangible de autocuidado. A través del estilismo, las personas pueden comunicar su identidad, mejorar su autoconfianza y nutrir su salud mental.

La conexión entre el estilo y el autocuidado

La relación entre el autocuidado y la salud mental es bidireccional; mientras más nos cuidamos, mejor es nuestra salud mental, y a su vez, una buena salud mental nos facilita la práctica del autocuidado. Esta sinergia crea un ciclo positivo, donde el bienestar emocional y físico se potencian mutuamente. El autocuidado no solo alivia los síntomas de problemas de salud mental existentes, sino que también actúa como una forma de prevención. Al dedicar tiempo y esfuerzo a nuestras propias necesidades, podemos evitar el desgaste emocional y físico que surge de la negligencia personal. En este contexto, el estilismo se convierte en una herramienta valiosa para reforzar nuestra salud mental a través de la autoexpresión y el autocuidado.

La forma en que elegimos presentarnos al mundo tiene un impacto significativo en cómo nos sentimos con nosotros mismos. Un estilo que refleja genuinamente nuestra personalidad y valores puede fortalecer nuestra autoestima y promover una actitud positiva hacia la vida.El acto de seleccionar la ropa, los accesorios y el peinado no es meramente superficial, es una forma de autocuidado que nos permite tomar control sobre nuestra imagen y, por extensión, sobre cómo nos percibimos y valoramos.

Este control es empoderador, ofreciendo una fuente de confianza y satisfacción personal. Además, el estilismo puede ser un acto meditativo y creativo, proporcionando un espacio para la reflexión y la autoexpresión. Al dedicar tiempo a esta práctica, no solo estamos cuidando nuestra apariencia, sino también nutriendo nuestra mente, fomentando un sentido de identidad y pertenencia que es esencial para la salud mental.

Cómo el buen estilismo puede impulsar la autoconfianza

La autoconfianza es un pilar de la salud mental; cuando confiamos en nosotros mismos, estamos mejor equipados para enfrentar los desafíos de la vida. El estilismo, como forma de autocuidado, tiene el poder de elevar nuestra autoconfianza a través de la autoaceptación y la afirmación de nuestra identidad. Vestirse de manera que refleje nuestras preferencias personales y que nos haga sentir cómodos y seguros, puede transformar nuestra actitud y comportamiento. Este cambio no solo es perceptible para nosotros mismos sino también para los demás, generando una retroalimentación positiva que refuerza aún más nuestra autoestima. La confianza que se deriva de sentirse bien con nuestra apariencia es una herramienta poderosa en el manejo de la ansiedad social y otras inseguridades. Al priorizar el estilismo como una extensión del autocuidado, podemos cultivar una presencia más segura y asertiva, abriendo puertas a nuevas oportunidades y experiencias. El estilo personal es mucho más que una simple elección de moda; es una expresión de nuestro ser interior que tiene un profundo impacto psicológico.

A través del estilismo, podemos comunicar nuestros valores, estado de ánimo y aspiraciones. Esta capacidad de autoexpresión es liberadora, permitiéndonos afirmar nuestra individualidad y autenticidad. La coherencia entre cómo nos sentimos por dentro y cómo nos presentamos al mundo contribuye a una sensación de integridad y congruencia. Este alineamiento fortalece nuestra identidad y promueve un bienestar emocional, al reducir la disonancia entre nuestra autoimagen y la imagen proyectada. Además, el proceso de crear y mantener un estilo personal puede ser una fuente de placer y satisfacción. La alegría derivada de la selección de prendas que nos representan y nos hacen sentir bien es una forma valiosa de autocuidado, que nutre nuestra salud mental al proporcionar un sentido de control y creatividad en nuestras vidas.

El papel de la autoexpresión en la salud mental

La autoexpresión juega un papel crucial en la salud mental, actuando como un canal para explorar, entender y aceptar nuestra identidad. El estilismo, como una forma de autoexpresión, permite a las personas explorar diferentes facetas de sí mismas de manera creativa y tangible. Esta expresión de la individualidad puede ser enormemente liberadora, especialmente para aquellos que luchan por encontrar su voz en otros aspectos de la vida. Al afirmar nuestra identidad a través del estilismo, reforzamos nuestra autoestima y fomentamos una relación más positiva con nosotros mismos. Además, la autoexpresión a través del estilismo puede facilitar la conexión con otros. Al compartir aspectos de nuestra identidad de manera visible, podemos atraer a personas con intereses y valores similares, creando un sentido de comunidad y pertenencia que es vital para nuestra salud mental.

Abrazando el poder del autocuidado a través del estilismo

El estilismo, como forma de autocuidado, tiene el poder de transformar no solo nuestra apariencia, sino también nuestra salud mental y bienestar emocional. Al integrar el estilismo en nuestras prácticas de autocuidado, podemos fomentar una mayor autoestima, confianza y satisfacción personal. Abrazar el poder del autocuidado a través del estilismo requiere reconocer que merecemos invertir en nosotros mismos, tanto por dentro como por fuera. Al hacerlo, no solo mejoramos nuestra propia vida, sino que también inspiramos a otros a hacer lo mismo, creando un efecto dominó de bienestar y positividad.El poder del autocuidado a través del estilismo radica en su capacidad para recordarnos que, al final del día, la forma más profunda de respeto y amor propio es permitirnos ser auténticamente nosotros mismos, en todos los aspectos de nuestra vida.

Fuentes: hola.com; vogue.es; revistagq.com; telva.com

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During festivities such as Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu holidays, fashion takes on a special meaning as it becomes a way of connecting different cultures and celebrating diversity.

The influence of the Christmas season

Christmas is a holiday widely celebrated around the world and has a significant impact on the fashion industry. During this time of year, traditional colours such as red, green and gold dominate the catwalks and fashion boutiques. Reindeer, snowflake and Christmas tree prints also become popular. In addition, Christmas jumpers with festive designs have become a much-loved trend during this festive season.

Chinese New Year

Chinese New Year is another celebration that has a great influence on fashion. This holiday, which is celebrated in January or February, is full of traditions and symbolism that are reflected in Chinese fashion. The colours red and gold are especially significant during Chinese New Year, as they represent good luck and prosperity.

In the retail industry, Chinese New Year has become an opportunity for brands to launch special collections inspired by Chinese culture. Prints of dragons, cherry blossoms and other Chinese symbols can be seen on clothing and accessories during this season. In addition, fashion shows held in China during the New Year are a showcase for local designers and a way to celebrate China’s rich culture.

Each year, the Chinese calendar features a different animal, and this becomes a popular motif for fashion designers. For example, when the Chinese year is the year of the mouse, mouse prints and mouse-related details become popular in clothing and accessories. In addition, the colour red, which is considered lucky in Chinese culture, is widely used in fashion collections during this season.

The influence of Ramadan

Ramadan is a holy month for Muslims, during which they fast daily from dawn to dusk. During this period, fashion also plays an important role. Many fashion brands launch special collections for Ramadan, which include more modest clothing suitable for this religious holiday.

Clothes during this holiday are characterized by the use of soft colours and light fabrics that allow people to stay cool and comfortable during the fast. Designs are often elegant and sophisticated, with details such as lace, embroidery and floral prints. In addition, Ramadan fashion is also inspired by the cultural traditions of different Muslim countries, making each collection unique and representative of the diversity within this community.

Hindu festivals and their influence

Hindu festivals, such as Diwali and Holi, also have a significant impact on fashion. During Diwali, the festival of lights, bright colours such as red, orange and gold are especially popular. Many people choose to dress in saris or traditional Indian costumes, which are decorated with elaborate embroidery and intricate detailing.

During Holi, the festival of colours, fashion is filled with bright and colourful garments. Designers take inspiration from these festivals to create unique and vibrant garments that reflect the joy and energy of the festivities.

Coexistence and collaboration

In an increasingly globalized world, fashion has become a platform for coexistence and collaboration between different cultures. The retail industry has opened its doors to designers from all over the world, allowing ideas and cultural traditions to mix and enrich each other.

During the holiday season, many brands organize special events and collaborations with local designers and artists to celebrate cultural diversity. These events not only present holiday-inspired collections, but also provide an opportunity for emerging designers to showcase their work.

Collaboration between designers from different countries and cultures has resulted in unique collections that celebrate diversity and foster cultural understanding. These collaborations allow designers to share their vision of fashion and create garments that fuse different styles and traditions.

Cultural appropriation versus cultural appreciation

As fashion becomes more diverse and multicultural, it is important to address the issue of cultural appropriation versus cultural appreciation. While cultural appreciation involves recognizing and valuing the traditions of other cultural groups, cultural appropriation involves borrowing cultural elements without due respect and understanding.

It is essential that the retail industry promotes cultural appreciation rather than appropriation. This means giving credit to sources of inspiration, collaborating with designers from different cultures, and respecting cultural traditions and symbols. It is essential that designers and fashion brands are aware of this and ensure that their holiday inspiration is done in a respectful and sensitive manner.

A bridge for cultural understanding

Fashion has the power to bring people together and promote cultural understanding. Through it, we can learn about different cultures, traditions and ways of life. By wearing clothes inspired by other cultures, we can show respect and appreciation for global diversity. It can also be a way to start conversations and promote education about different cultures and cultural understanding.

Designers, brands and consumers can use fashion as a platform to share stories and experiences, thus fostering mutual understanding and respect.

In conclusion, fashion is a language of celebration that reflects people’s cultural identity and the festivities that mark their lives. Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu festivities are just a few examples of how celebrations influence fashion.

However, it is important to do so in a respectful and sensitive manner, avoiding cultural appropriation and encouraging cultural appreciation. By embracing diversity and inclusion, fashion brands can play a significant role in building bridges between different cultures and promoting global harmony.

Sources: culturasdemoda.com; modaes.com; vogue.es; cincodias.elpais.com, joseluisledesma.com

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Durante las festividades como la Navidad, el Año Nuevo chino, el Ramadán y las festividades hindúes, la moda adquiere un significado especial, ya que se convierte en una forma de conectar diferentes culturas y celebrar la diversidad.

La influencia de la Navidad

La Navidad es una festividad ampliamente celebrada en todo el mundo y tiene un impacto significativo en la industria de la moda. Durante esta época del año, los colores tradicionales como el rojo, el verde y el dorado dominan las pasarelas y las tiendas de moda. Los estampados de renos, copos de nieve y árboles de Navidad también se vuelven populares. Además, los suéteres navideños con diseños festivos se han convertido en una tendencia muy querida durante estas fiestas.

El Año Nuevo chino en la industria del fashion

El Año Nuevo Chino es otra celebración que tiene una gran influencia en la moda. Esta festividad, que se celebra en enero o febrero, está llena de tradiciones y simbolismos que se reflejan en la moda china. Los colores rojo y dorado son especialmente significativos durante el Año Nuevo Chino, ya que representan la buena suerte y la prosperidad.

En la industria de la moda, el Año Nuevo Chino se ha convertido en una oportunidad para que las marcas lancen colecciones especiales inspiradas en la cultura china. Los estampados de dragones, flores de cerezo y otros símbolos chinos se pueden ver en prendas de vestir y accesorios durante esta temporada. Además, los desfiles de moda que se llevan a cabo en China durante el Año Nuevo son un escaparate para los diseñadores locales y una forma de celebrar la rica cultura china.

Cada año, el calendario chino presenta un animal diferente y este se convierte en un motivo popular para los diseñadores de moda. Por ejemplo, cuando el año chino es el año del ratón, los estampados de ratón y los detalles relacionados con los ratones se vuelven populares en la ropa y los accesorios. Además, el color rojo, que se considera afortunado en la cultura china, es ampliamente utilizado en las colecciones de moda durante esta temporada.

La conexión entre la moda y el Ramadán

El Ramadán es un mes sagrado para los musulmanes, en el que se lleva a cabo el ayuno diario desde el amanecer hasta el anochecer. Durante este período, la moda también juega un papel importante. Muchas marcas de moda lanzan colecciones especiales para el Ramadán, que incluyen prendas más modestas y adecuadas para esta festividad religiosa.

Las prendas durante esta festividad se caracterizan por el uso de colores suaves y tejidos ligeros que permiten a las personas mantenerse frescas y cómodas durante el ayuno. Los diseños suelen ser elegantes y sofisticados, con detalles como encajes, bordados y estampados florales. Además, la moda del Ramadán también se inspira en las tradiciones culturales de diferentes países musulmanes, lo que hace que cada colección sea única y representativa de la diversidad dentro de la comunidad musulmana.

Festividades hindúes y su influencia

Las festividades hindúes, como Diwali y Holi, también tienen un impacto significativo en la moda. Durante Diwali, la festividad de las luces, los colores brillantes como el rojo, el naranja y el dorado son especialmente populares. Muchas personas eligen vestirse con saris o trajes tradicionales indios, que están decorados con bordados elaborados y detalles intrincados.

Durante Holi, el festival de los colores, la moda se llena de prendas brillantes y coloridas. Los diseñadores se inspiran en estos festivales para crear prendas únicas y vibrantes que reflejan la alegría y la energía de las festividades.

Convivencia y colaboración en la moda

En un mundo cada vez más globalizado, la moda se ha convertido en una plataforma para la convivencia y la colaboración entre diferentes culturas. La industria de la moda ha abierto sus puertas a diseñadores de todo el mundo, permitiendo que ideas y tradiciones culturales se mezclen y se enriquezcan mutuamente.

Durante la temporada de festividades, muchas marcas de moda organizan eventos especiales y colaboraciones con diseñadores y artistas locales para celebrar la diversidad cultural. Estos eventos no solo presentan colecciones inspiradas en las festividades, sino que también ofrecen una oportunidad para que los diseñadores emergentes muestren su trabajo. 

La colaboración entre diseñadores de diferentes países y culturas ha dado lugar a colecciones únicas que celebran la diversidad y fomentan la comprensión cultural. Estas colaboraciones permiten a los diseñadores compartir su visión de la moda y crear prendas que fusionan diferentes estilos y tradiciones.

Apropiación cultural versus aprecio cultural

A medida que la moda se vuelve más diversa y multicultural, es importante abordar el tema de la apropiación cultural versus el aprecio cultural. Mientras que el aprecio cultural implica reconocer y valorar las tradiciones de otros grupos culturales, la apropiación cultural implica tomar prestados elementos culturales sin el debido respeto y comprensión.

Es fundamental que la industria de la moda promueva el aprecio cultural en lugar de la apropiación. Esto implica dar crédito a las fuentes de inspiración, colaborar con diseñadores de diferentes culturas y respetar las tradiciones y símbolos culturales. Es esencial que los diseñadores y las marcas de moda sean conscientes de esto y se aseguren de que su inspiración en las festividades se haga de manera respetuosa y sensible.

Un puente para la comprensión cultural

La moda tiene el poder de unir a las personas y promover la comprensión cultural. A través de ella, podemos aprender sobre diferentes culturas, tradiciones y formas de vida. Al vestir prendas inspiradas en otras culturas, podemos mostrar respeto y aprecio por la diversidad global. Además, puede ser una forma de iniciar conversaciones y promover la educación sobre diferentes culturas y la comprensión cultural.

Los diseñadores, las marcas y los consumidores pueden utilizar la moda como una plataforma para compartir historias y experiencias, fomentando así la comprensión y el respeto mutuo.

En conclusión, la moda es un lenguaje de celebración que refleja la identidad cultural de las personas y las festividades que marcan sus vidas. La Navidad, el Año Nuevo Chino, el Ramadán y las festividades hindúes son solo algunos ejemplos de cómo las celebraciones influyen en la moda.

Sin embargo, es importante hacerlo de manera respetuosa y sensible, evitando la apropiación cultural y fomentando la apreciación cultural. Al abrazar la diversidad y la inclusión, las marcas de moda pueden desempeñar un papel significativo en la construcción de puentes entre diferentes culturas y en la promoción de la armonía global.

Fuentes: culturasdemoda.com; modaes.com; vogue.es; cincodias.elpais.com, joseluisledesma.com

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Although Fornasetti is known for his work in interior design and the creation of decorative objects, he began his career in painting. After studying at the Brera Academy of Fine Arts in Milan, Fornasetti began working as an illustrator for magazines and newspapers. It was during this time that he began to develop his unique style, characterized by a combination of surrealist and classical elements.

Fornasetti also began working in interior design during this time, creating furniture and decorative objects for friends and clients. It was his work in interior design that eventually led him to create his iconic porcelain plate design, which became one of his most famous creations.

He was a painter, sculptor, illustrator, printmaker, designer, ceramist, craftsman, interior decorator, art book publisher and even collector. The fact that he ventured into so many artistic fields made him a born and amusing creator of art. He not only focused on making commissioned decorative pieces, but also enjoyed experimenting with new techniques and materials.

His work has marked a milestone in the history of design, becoming an icon, repeated by furniture designers and fashion houses in their collections under the Fornasetti licence.

Today, his son Barnaba Fornasetti continues to design in his name, creating each piece entirely by hand. Each piece is unique and unrepeatable. To recognize the originals, it is only necessary to look for the serial number and year of production.

Fornasetti’s unique style and inspirations

Fornasetti’s design style is unique and easily recognizable. It is characterized by a combination of classical and surrealistic elements, as well as the use of repetitive patterns and graphic designs. Fornasetti’s designs often feature motifs such as the sun, moon and stars, as well as human and animal figures. He was also inspired by classical architecture and Greek and Roman mythology. Some of his most famous collaborators include the architect Gio Ponti and the surrealist artist Salvador Dalí. Of particular note is his most recent collaboration (2021) with the luxury brand Louis Vuitton.

A collaboration initiated by Nicolas Ghesquière, artistic director of Louis Vuitton’s women’s collections, in which the Maison explores the creative world of the Italian atelier. The collection showcases Fornasetti’s iconic handmade drawings that have captivated art and design lovers since the atelier’s founding in 1940.

These designs were selected by Nicolas Ghesquière in conjunction with Barnaba Fornasetti, Piero’s son and artistic director of the Fornasetti atelier.

Lasting appeal

Fornasetti’s work remains very popular today. This is largely due to his ability to create timeless designs and decorative objects that are both functional and aesthetically appealing. In addition, his use of repetitive patterns and graphic designs means that his creations are easily recognizable and can be used in a variety of design contexts.

His strong point has always been imagination: “It’s fundamental. I try to free my inspiration from the everyday. I don’t paint from reality, but from my memories. I don’t copy.

His work in interior design is one of his most enduring legacies. His designs for wallpaper, decorative objects and furniture can be found in homes and commercial spaces around the world.

Some of his most iconic designs are undoubtedly his porcelain plates, which feature a variety of motifs and graphic designs. One of his most famous designs features the face of Italian actress and singer Lina Cavalieri.

Fornasetti was leafing through a magazine when he suddenly discovered Lina’s face. He was so fascinated that he described her as “[…] the true archetype: the quintessence of an image of classical beauty, like a Greek statue, enigmatic like the Mona Lisa”.

A face with enigmatic features defined by Gabriele D’Annunzio, the most emblematic exponent of Italian decadentism, as “the highest testimony of Venus on Earth”, a timeless physiognomy destined to become an icon.

Fornasetti, without even knowing her, turned Lina Cavalieri into an eternal female icon, transforming and reworking her face, which appears masked, torn, tattooed, reflected in a mirror, cut, inserted into geometric figures, smiling, crying, mischievous, furious in the artist’s works. Perhaps Fornasetti’s Lina can be considered, to all intents and purposes, a twentieth-century Mona Lisa, a precursor of Warhol’s Marilyn.

Fornasetti’s influence on contemporary design

The design is still evident today. His unique style and his ability to create timeless and functional designs have inspired many contemporary designers. In addition, his focus on combining classical and surreal elements has influenced interior design and decorative objects.

A Fornasetti drawing has the power to change the vibe of a place, not because it is beautiful, but because it takes you to a different dimension, that of dreams. Philippe Starck

Throughout his career, Piero Fornasetti left a lasting impact on the world of design. His unique style and his ability to create timeless and functional designs have inspired many contemporary designers.

Sources: revistaad.es; es.louisvuitton.com; nuvomagazine.com; elledecor.com; fornasetti.com; 

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Aunque Fornasetti es conocido por su trabajo en el diseño de interiores y la creación de objetos decorativos, comenzó su carrera en la pintura. Después de estudiar en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, Fornasetti comenzó a trabajar como ilustrador para revistas y periódicos. Fue durante este tiempo que comenzó a desarrollar su estilo único, que se caracteriza por la combinación de elementos surrealistas y clásicos.

Fornasetti también comenzó a trabajar en el diseño de interiores durante este tiempo, creando muebles y objetos decorativos para amigos y clientes. Fue su trabajo en el diseño de interiores lo que finalmente lo llevó a crear su icónico diseño de plato de porcelana, que se convirtió en una de sus creaciones más famosas.

Fue pintor, escultor, ilustrador, grabador, diseñador, ceramista, artesano, decorador de interiores, editor de libros de arte e incluso, coleccionista. El hecho de que se atreviera con tantos campos artísticos, lo convertía en un creador de arte nato y divertido. No solo se centraba en realizar piezas decorativas por encargo, sino que también, disfrutaba experimentando con nuevas técnicas y materiales.

Su obra ha marcado un hito en la historia del diseño, convirtiéndose en un icono, repetido por diseñadores de mobiliario y firmas de moda en sus colecciones bajo la licencia de Fornasetti.

Actualmente, su hijo, Barnaba Fornasetti sigue diseñando en su nombre y creando cada pieza de forma totalmente artesanal. Cada pieza es única e irrepetible. Para reconocer las originales, tan solo es necesario buscar el número de serie y año de producción.

El estilo único de Fornasetti y sus inspiraciones

El estilo de diseño de Fornasetti es único y fácilmente reconocible. Se caracteriza por la combinación de elementos clásicos y surrealistas, así como por el uso de patrones repetitivos y diseños gráficos. Los diseños de Fornasetti a menudo presentan motivos como el sol, la luna y las estrellas, así como figuras humanas y animales. También se inspiró en la arquitectura clásica y en la mitología griega y romana. Algunos de sus colaboradores más famosos incluyen al arquitecto Gio Ponti y al artista surrealista Salvador Dalí. Cabe destacar su colaboración más reciente (2021) con la marca de lujo Louis Vuitton.

Una colaboración iniciada por Nicolas Ghesquière, director artístico de las colecciones femeninas de Louis Vuitton, en la que la Maison explora el mundo creativo del atelier italiano. La colección muestra los icónicos dibujos hechos a mano de Fornasetti que han cautivado a los amantes del arte y el diseño; desde la fundación del atelier en 1940.

Estos diseños fueron seleccionados por Nicolas Ghesquière en conjunto con Barnaba Fornasetti, hijo de Piero y director artístico del atelier de Fornasetti.

El atractivo duradero

El trabajo de Fornasetti sigue siendo muy popular hoy en día. Esto se debe en gran parte a su capacidad para crear diseños atemporales y objetos decorativos que son tanto funcionales como estéticamente atractivos. Además, su uso de patrones repetitivos y diseños gráficos significa que sus creaciones son fácilmente reconocibles y pueden ser utilizadas en una variedad de contextos de diseño.

Su punto fuerte siempre fue la imaginación: “Es fundamental. Yo procuro liberar mi inspiración de lo cotidiano. No pinto a partir de la realidad, sino de mis recuerdos. No copio”.

Su trabajo en el diseño de interiores es uno de sus legados más duraderos. Sus diseños de papel tapiz, objetos decorativos y muebles se pueden encontrar en hogares y espacios comerciales en todo el mundo. 

Algunos de sus diseños más icónicos, son, sin duda, sus platos de porcelana, que presentan una variedad de motivos y diseños gráficos. Uno de sus diseños más famosos presenta el rostro de la actriz y cantante italiana Lina Cavalieri. 

Fornasetti estaba hojeando una revista cuando, de repente, descubrió el rostro de Lina. Se quedó tan fascinado que la describió como «[…] el verdadero arquetipo: la quintaesencia de una imagen de belleza clásica, como una estatua griega, enigmática como la Mona Lisa».

Un rostro de rasgos enigmáticos definido por Gabriele D’Annunzio, el exponente más emblemático del decadentismo italiano, como «el más alto testimonio de Venus en la Tierra», una fisionomía atemporal destinada a convertirse en un icono.

Fornasetti, sin siquiera conocerla, convirtió a Lina Cavalieri en un icono femenino eterno, transformando y reelaborando su rostro, que aparece enmascarado, desgarrado, tatuado, reflejado en un espejo, cortado, insertado en figuras geométricas, sonriendo, llorando, travieso, furioso en las obras del artista. Quizás la Lina de Fornasetti pueda considerarse, a todos los efectos, una Mona Lisa del siglo XX, precursora de la Marilyn de Warhol.

La influencia de Fornasetti en el diseño contemporáneo

Aunque la carrera de Fornasetti abarcó varias décadas, su influencia en el mundo del diseño sigue siendo evidente hoy en día. Su estilo único y su capacidad para crear diseños atemporales y funcionales han inspirado a muchos diseñadores contemporáneos. Además, su enfoque en la combinación de elementos clásicos y surrealistas ha influido en el diseño de interiores y objetos decorativos.

Un dibujo de Fornasetti tiene el poder de cambiar la vibración de un lugar, no porque sea bonito, sino porque te lleva a una dimensión diferente, la de los sueños.  Philippe Starck

A lo largo de su carrera, Piero Fornasetti dejó un impacto duradero en el mundo del diseño. Su estilo único y su capacidad para crear diseños atemporales y funcionales han inspirado a muchos diseñadores contemporáneos.

Fuentes: revistaad.es; es.louisvuitton.com; nuvomagazine.com; elledecor.com; fornasetti.com; 

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Mientras en las pasarelas de moda de todo el mundo los diseñadores presentan colecciones revolucionarias, nosotros, en el día a día, seguimos condicionados a la hora de vestirnos, pensando sobre qué pensarán o dirán de nosotros.

Sin duda, la ropa, el estilo o el color son elementos capaces de comunicar nuestra personalidad y desde el punto de la psicología se ha obtenido mucha información a partir de diferentes estudios, recogidos en Psychology Today.

Business Insider revisó recientemente varios estudios relacionados con la primera impresión. Entre estos, había algunos que relacionaban la calidad y el corte de la ropa no solo con el status, sino también con el nivel de inteligencia.

Esto es uno de los ejemplos, donde la influencia del juicio de los demás, sobre todo en circunstancias formales, nos condiciona a la hora de elegir nuestro estilo, derivando a una sociedad de color gris.

La moda clásica

Una de las preguntas más recurrentes entre los amantes de la moda es la de qué se lleva una temporada, pero, los consumidores, por lo general, optan por hacerse con aquellas prendas clásicas que nunca pasan de moda. 

¿Por qué el estilo clásico es tan importante?

El estilo clásico conserva cuidadosamente el aspecto único, la constancia, la severidad y la moderación. La ropa clásica es sinónimo de elegancia. Tales prendas nos aportan armonía, gracia y estabilidad. El estilo clásico es la pacificación y un sentido de proporción en todo: en formas, volúmenes y tonos de color. Un clásico nunca es sorprendente porque tiene confiabilidad y calidad, sin elementos decorativos brillantes y llamativos.

Pero no por eso hay que pensar que el estilo clásico es monótono y poco atractivo.

No hay formas de vestir correctas, lo importante es que esté acorde con nuestra forma de pensar y nos haga sentir cómodos con nosotros mismos, no debemos preocuparnos por lo que los demás opinen sobre cómo vestimos.

Las tendencias más innovadoras de la moda: más allá de la primera impresión

La ropa puede aportar grandes dosis de confianza en uno mismo, lo que repercute tanto en el ámbito laboral como en el social.

Por eso, también hay que aprender a perder el miedo al juicio de la primera impresión y romper las reglas de estilo para quebrar la monotonía, para jugar y divertirnos o simplemente para desconcertar. Por el motivo que sea, lo importante es sentirnos cómodos.

“The modern wardrobe owes its development not just to fashion designers in Paris or Milan but also to gangs and movements brought together by a shared appreciation of music, sport or a particular underground culture, and a certain style that defines membership.These styles have rocked establishments, created stereotypes, expressed social division as much as they have united people, entered the language, spread around the world, and, above all, transformed dress for a wider public.

100 Ideas that Changed Street Style
Josh Sims

Todo lo que hoy nos parece normal, en su día fue algo muy innovador. Estos cambios lo han firmado personas que, desde luego, han dejado huella en el mundo de la moda. A continuación, un listado de los diseñadores más innovadores del mundo de la moda para rendir homenaje a las mentes revolucionarias y pioneras que cambiaron las reglas del juego al ser capaces de ver el futuro y hacerlo realidad:

• Paco Rabanne (1934) ha sido uno de los pioneros de la moda futurista. Junto con Cardin y Courrèges, utilizó las últimas telas deportivas sintéticas de alta tecnología para revitalizar la alta costura francesa con su moda enfocada al espacio. Además, Paco Rabanne sorprendió con el vestido «Do It Yourself», que se vendía en una caja para que lo hicieras tú mismo.

• Yves Saint-Laurent (1936-2008) fue el encargado de traer cierta masculinidad a la mujer con su traje americana. En la década de los 60 -aunque inspirado en Melanie Dietrich en los 30- el diseñador parisino creó el traje para la mujer, enfatizando las solapas y el pliegue delantero del pantalón, consiguiendo mantener algo de feminidad también con las pinzas del talle de la chaqueta y el chaleco ceñido debajo.

• Rei Kawakubo (1942) llegaba a París con Comme des Garçons a comienzos de los años 80, presentando sobre la pasarela de 1981 una nueva visión de la moda, que la prensa bautizaría como «Hiroshima chic» o «post-nuclear chic». También hizo del negro el color característico de la moda de vanguardia, aportando minimalismo, austeridad con un enfoque posmoderno de la moda. Se cuestionó las siluetas femeninas, apostando a una moda revolucionaria que liberara a la mujer de prendas estereotipadas.

• Elsa Schiaparelli (1890-1973) – se hizo famosa por utilizar el trampantojo en sus prendas de punto. Además, fue la principal exponente de la moda surrealista y acercó el mundo de los vestidos y trajes al de la pintura y el arte en general. Históricas son sus colaboraciones con Dalí y con Jean Cocteau. 

• Miguel Adrover, es uno de los diseñadores españoles autodidactas más internacionales en la actualidad, que basó sus colecciones en la gente y cultura neoyorquina y en sus viajes alrededor del mundo. Nació en un pequeño pueblo de Mallorca llamado Calonge en el año 1965 y de allí saltó a Londres, donde entró en contacto con la escena más underground de la ciudad: el universo de los neopunks y de los new romantics.

• Vivienne Westwood comenzó su carrera empujando límites. Abrió su propia boutique en Londres, apropiadamente llamada SEX. La diseñadora definió a una nueva generación de estilo punk, diseñando y vistiendo a algunos de los rockeros punk más icónicos, como los Sex Pistols. 

¿Serias capaz de expresarte a través de tu forma de vestir en tu día a día sin sentirte condicionad@?

Fuentes: i-d.vice.com ; businessinsider.es ; lofficielmexico.com ; bbc.com ; lavanguardia.com ; itfashion.com ; vogue.es

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En el Retail, como en muchos otros sectores, los hábitos del consumidor son cambiantes y sobre todo con el auge del comercio electrónico han ido transformándose, por eso es muy importante seguir siempre innovando y buscando una forma para seguir conectados con nuestro público.

Cada empresa, en función de sus objetivos, tiene que reflexionar sobre qué valores puede aportar al consumidor y cómo diferenciarse.

Experiencia de compra

Los espacios comerciales están configurados por factores que estimulan los sentidos del cliente y se transmiten a través de los materiales, texturas, la iluminación, etc.

Como dice el arquitecto Juhani Pallasmaa: «contemplamos, tocamos, escuchamos y medimos el mundo con toda nuestra existencia física. Estamos en constante diálogo e interacción con el medio ambiente».

¿Qué es la interacción con el cliente?

La interacción con cliente se refiere a todas las formas en las que los clientes se relacionan, ya sea de forma física como online.

Desde un punto de vista ideal, estas interacciones deberían crear una reacción positiva y construir un vínculo entre clientes-marca.

Las empresas que se centran en la participación del cliente, lo harán en la creación de valor y no en la creación de ingresos. De esta manera brindan a las personas algo significativo, más allá de un argumento de venta. Como por ejemplo: una experiencia, atención al cliente o interacción en tiempo real que, cuándo se ejecuta correctamente, fomentará la lealtad y el crecimiento de las ventas.

Por qué es importante la participación del cliente

Hoy en día, cada vez hay más formas de interactuar con los clientes.

Para impulsar la interacción con el consumidor, las marcas deben trabajar activamente para conectar con los clientes en cada oportunidad. Sea cual sea la estrategia de participación que se emplee, es importante ser coherente elaborando mensajes que estén relacionados con la marca y adecuados para el público objetivo. Brindar una experiencia consistente, en búsqueda de su confianza y compromiso.

Crea una excelente experiencia para los clientes

Para lograr crear una experiencia superior, en primer lugar, se deben analizar todas las formas en las que se interactúa con los clientes, ya sea en una tienda física o medio digital.

No se trata solo de hacer que la experiencia del usuario sea fluida y eficiente, sino también, es muy importante que la marca tenga una personalidad singular, que invite a los clientes, conocerla e interactuar con ella.

En este punto, es donde entra en juego el conocimiento de la marca. Para algunas marcas, esto podría significar, por ejemplo, obtener materiales de proveedores que respalden sus valores y su ética. Para otros, podría provenir de los orígenes históricos de la marca. Sea lo que sea, es fundamental buscar la forma de destacar ese carácter auténtico, ya que antes de comprometerse con una marca, el cliente debe ser consciente de que existe y que tiene algo relevante que ofrecer.

Monsieur Rose by Philippe Katerine

Le Bon Marché Rive Gauche.

¿Cuáles son las maneras de crear interacción en nuestra tienda?

A continuación abordaremos algunos ejemplos prácticos de como crear interacción en un espacio comercial:

• Arte inmersivo: Recurrir a artistas, diseñadores, arquitectos o escultores para crear instalaciones inmersivas e impactantes. 

• Gamification: La idea de proponer “juegos” permitiendo al público de ganar premios o descuentos, por ejemplos, es una manera muy dinámica y divertida de crear una interacción.

• Espacios sorprendentes: Espacios deconstruidos, mobiliarios innovadores, espejos en el suelo, sillas de diseño con formas muy originales. Contar con mobiliario curioso será una manera interesante de sorprender a los clientes.

Estos son solo algunos ejemplos de interacción que podemos darle a nuestro espacio comercial y con un toque de creatividad para darle originalidad e innovación mediante la interactividad. El objetivo es: crear una experiencia de marca inolvidable. Y no dudes en contactar con un experto para que pueda asesorarte en tu estrategia comercial.

Fuentes: archdaily.com; outbrain.com; modaes.es; caad-design.com; digitalavmagazine.com;; youtube.com; joseluisledesma.com

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The term Visual Storytelling refers to the art of telling brand stories with images and visual media.

And if we think of the effectiveness of images as elements that facilitate the creation of persistent memories over time, we will understand the full potential of this approach.

How visual storytelling works?

Visual Storytelling has a huge impact on the perception of businesses; it helps them connect with their customers and at the same time drives sales.

In that sense, the storytelling of these contents can be adapted in many ways; however, there are some basic concepts that we must take into account to create a good strategy. Below, we will review some fundamental steps to tell a successful story:

• Structure: most stories are organized in a very simple way: problem, solution and resolution.
• Simplicity: less is more. We often lose sight of the power of simplicity. A visual story that appeals to the basics will project a strong and clear message, without confusing our audience about what we want to convey.
• Design: there is no need to fill a story with a lot of visual elements, a good design is enough to successfully reach the consumer. 

Where can we use Visual Storytelling?

This technique, for example, allows us to produce extraordinary content for social networks. In addition, the popularity of the most visual platforms, such as Instagram, makes them ideal for visual storytelling.

Visual storytelling is also very powerful for e-commerce. When presenting the products of an online shop, there are different types of images, and each brand must choose the option that best suits its identity and the idea it wants to convey to its audience. 

The Retail world

Consumers evolve with the times, and today more than ever, customers not only want to feel identified with the brand, but they also want to live authentic experiences and get closer to brands that are true to their vision.  Therefore, we can highlight three essential steps for effective visual storytelling in the fashion sector:

• To be loyal and consistent with the brand’s vision

Visual storytelling in fashion works when the brand is consistent and authentic over time, with a message that reflects a complete vision of the brand. 

• Adapting to changing times

It is vital to be relevant in order to achieve effective visual storytelling. Take the example of Dior creative director Maria Grazia Chiuri, who generated incredible media impact in 2019 with the launch of her autumn/winter 2020 collection where models wore T-shirts with the phrase ‘We Should All Be Feminists’, responding to the resurgence of concern for women’s equality and women’s rights.

• Focusing on the consumer

Chiuri managed to be faithful to Christian Dior’s vision by giving voice to the ‘celebration of women’ and responding to a social issue.

The third essential step to a great visual storytelling strategy is to focus on the consumer. Before designing a strategy, ask yourself: What do I want the consumer to feel, and how can I make them feel that way?

The window displays

The benefits of visual storytelling in window displays are several and very important. Among them, we can find:

• Creating empathy 
• Creating emotions
• Connect with the audience
• Humanize the brand

The window display, being the point of physical connection with customers, is the perfect scenario to share a clear, concise and consistent story that is faithful to the brand and with which we can achieve many benefits. 

In conclusion, this technique can be used in different areas of the retail and fashion world.

With a strong storytelling strategy, Visual Storytelling will become one of the most vital techniques for your company. Don’t hesitate to contact a Retail and Visual Merchandising for a professional consultancy.

Sources: fashionunited.es; mkparadise.com; launchmetrics.com; marketinginsiderreview.com; joseluisledesma.com

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–“Un día me invitaron a una fiesta y decidí hacerme un vestido con plumas, cosidas una a una, y llamó tanto la atención, me preguntaban tanto por él, que de dónde era, que pensé de lanzarme a hacer una minicolección“- así Teresa Helbig, relata como fueron sus inicios en el mundo de la moda. Comenzó su camino como escaparatista en varias tiendas de Barcelona hasta encontrar su vocación en el diseño de moda. 

En el 1996 nació la firma Helbig, de la mano de Teresa y de su talentosa madre, Teresa Blasco, costurera y modista de profesión que desde una temprana edad fomentó la curiosidad y la pasión de la hija por este oficio. Dos generaciones de mujeres que han trabajado juntas hasta crear una de las marcas con más trayectoria en España. 

De hecho, con más de 24 años de presencia en el mundo de la moda, hoy en día, la diseñadora catalana es todo un referente en la cual inspirarse.

Las Helbig Girls

Las prendas de esta firma se reconocen por su singularidad, de hecho, todas ellas están confeccionadas a mano hasta el último detalle y destacan por su belleza y elegancia. El estilo Helbig tiene definido un estilo atemporal, fresco, romántico, femenino, sofisticado con un toque provocador y punk.

Actrices y personalidades, tanto nacionales, como internacionales han tenido la suerte de haber vestido alguna prenda Helbig, entre ellas: Olivia Wilde, Úrsula Corberó, Inma Cuesta, Rosalía, Macarena Gómez, Amaia Romero, Taylor Swift, Gwen Stefani, Zendaya, Saoirse Ronan y Halle Berry. Teresa define la mujer Helbig como rebelde, independiente, curiosa y muy trabajadora. 

La diseñadora ha demostrado siempre una gran pasión en su oficio y desde el principio ha sido pionera en varios aspectos, por ejemplo, fue una de las primeras diseñadoras en atreverse con los ‘fashion films’ y desde sus comienzos ha vendido sus diseños justo después del desfile.

La importancia del trabajo en equipo

A las riendas del negocio, a lado de Teresa, junto a Teresa Blasco, también está su marido: Chema Paré. Los Helbig tienen su atelier, estudio y showroom en Barcelona, en un edifico modernista de 1905 en el barrio del Eixample. Cuentan con un equipo indispensable de 20 personas: modistas, patronistas, asistentes, fotógrafos, floristas, zapateros, joyeros, artesanos, diseñadores gráficos y periodistas, entre otros, crean las colecciones de prêt-à-porter, costura y novia. Teresa afirma que su atelier es, por encima de todo, un hogar.

–“Todo mi equipo es irremplazable y no sé cómo lo haría si no estuvieran unos metros más allá de mi mesa de diseño”- Teresa Helbig.

No cabe duda que el éxito de su brillante carrera se debe a su creatividad, al trabajo duro y al amor por este oficio, sin embargo la piedra angular para este y cualquier otro proyecto yace en la importancia del trabajo en equipo.

–“Ser diseñador de moda nunca ha sido un oficio fácil. Son todas las horas del mundo, y con partes muy poco románticas: producción, números, logística, envíos. La moda es un excel, a veces. Hay que intentar que esa parte pesada no te reste pasión ni energía para la otra parte, la bonita, la creativa, la de coger el tejido y el maniquí y ponerte a soñar”- Teresa Helbig.

Sin duda, Teresa Helbig, seguirá inspirándonos con muchos más proyectos e ideas innovadoras. 

Un profesional constante que ama su oficio, realizándolo cada día con creatividad y pasión, sin duda tiene el talento necesario para crear proyectos exitosos, siendo en consecuencia, una fuente de inspiración para muchas otras personas. En cualquier ámbito, sobre todo en la industria de la moda, es fundamental el trabajo en equipo, un liderazgo definido, contar con especialistas de cada área que cuenten con herramientas basadas en la inteligencia emocional. Siendo vital, que los intereses de todos las personas implicadas estén alineados con los intereses del proyecto, ya que solo así, se asegura el éxito del mismo.

Fuentes:

teresahelbig.com/es

www.marie-claire.es

www.vogue.es/moda/

www.instagram.com/teresahelbig

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Pero, ¿qué es la inteligencia emocional?

Según la definición aportada por Daniel Goleman, “Inteligencia Emocional es la capacidad para conocer nuestros propios sentimientos y ajenos, de motivarnos y de manejar bien las emociones, en nosotros mismos y en nuestras relaciones”. 

Es decir, la capacidad que tiene un individuo para comprender, percibir, manejar y utilizar sus emociones de una forma positiva y exitosa.

Inteligencia emocional y desarrollo profesional

Aunque las habilidades relacionadas con la inteligencia emocional se pueden aplicar en muchas situaciones, es especialmente importante utilizar la inteligencia emocional en el trabajo, ya que cualquier relación profesional está influenciada por nuestras emociones. El conocimiento y práctica sobre la inteligencia emocional como profesional resulta clave para potenciar cualquier tipo de estrategia, lograr éxito en los objetivos y consolidar relaciones satisfactorias, tanto con los compañeros de trabajo, como con los clientes.

“El efecto de vender” no es suficiente, es necesario trasmitir emociones, experiencias, sensaciones e identificarse con los valores y prioridades del cliente con el fin de agregar un valor añadido, ofrecer una experiencia positiva.

El desarrollo de las competencias personales y sociales aumentan a todos los niveles la productividad y los beneficios de cualquier proyecto, especialmente en el área del Retail. 

¿Cuáles son estas competencias?

El psicólogo estadounidense Daniel Goleman, señala cinco competencias que se engloban dentro de la inteligencia emocional. Estas son:

1. La autoconciencia, una capacidad que nos permite detectar y comprender nuestras emociones y su impacto en el estado emocional de otras personas. Además de conocer nuestros recursos e intuiciones.
2. La autorregulación, esta capacidad nos permite controlar nuestros recursos, sentimientos e impulsos para adaptarse emocionalmente a situaciones cambiantes.
3. La motivación, se refiere a la tendencia emocional que nos guía para lograr con éxito nuestros objetivos.
4. La empatía es la conciencia de los sentimientos y preocupaciones ajenas. Una habilidad necesaria para responder de forma adecuada a las emociones de otras personas y para comprenderlas. Esta competencia nos permite anticiparnos y adaptarnos a las necesidades de nuestros clientes, comprender mejor a nuestros compañeros.
5. La socialización, que permite establecer relaciones óptimas y significativas con otros individuos a través de la persuasión, inspiración y negociación. Es fundamental para ser capaces de trabajar con los demás hacia una meta común y para aprender a resolver conflictos. Así mismo engloba diferentes habilidades, como el liderazgo o la intuición social.

Estas cualidades son cada vez más demandadas en las empresas. Dentro de una organización, la inteligencia emocional es beneficiosa para aumentar el nivel de satisfacción en el trabajo, para un mejor liderazgo, para reducir el estrés y para luchar contra el mobbing. Nos permite tomar conciencia de nuestras emociones y las de los demás, tolerar las presiones y frustraciones, aumentando así la capacidad de trabajar en equipo.

Por estas razones, cada vez más empresas han decidido apostar por la inteligencia emocional formando a su equipo y sus directivos.

” El éxito en la vida depende en un 20% del cociente intelectual y un 80% de la inteligencia emocional.”

(Daniel Goleman)

Debemos recordar, que un buen líder, además de tener conocimiento y experiencia, también debe trabajar sus soft skills si quiere mejorar el rendimiento de sus proyectos.

Para poder aplicar todas las técnicas necesarias para alcanzar los objetivos de una empresa o de un proyecto y potenciar su eficiencia es fundamental contar con la figura profesional del Project Manager que tenga formación en Inteligencia Emocional. 

Fuente: Inteligencia Emocional por Daniel Goleman

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