Kusama gained recognition for her work in the 1950s and 1960s, when she was part of the avant-garde art scene in New York. She has continued to create works throughout her career, and her works have been exhibited in many major museums and galleries around the world, making her one of the most influential and iconic Japanese artists of the 21st century.

The collaboration between Yayoi Kusama and Louis Vuitton

In 2012, Yayoi Kusama and Louis Vuitton began their journey together. The collaboration was a great success, and resulted in the launch of a special collection featuring Kusama’s art. The collection included clothing, accessories and home décor items, all decorated with her iconic polka dots. The collaboration received much attention and praise, and has become one of the most successful collaborations between an artist and a fashion house.

The success of the collaboration between Kusama and Louis Vuitton has helped bring the artist’s works to a wider audience, and her works have become an integral part of the house’s collections and campaigns.

Today, 10 years after their first collaboration, the worlds of fashion and art merge once again in the brand’s Cruise 2023 collection, with the infinite and timeless vision that is so characteristic of the artist.

The Collection

The launch of the new collection is celebrated with a campaign starring international models such as Gisele Bundchen, Bella Hadid, Karlie Kloss, Natalia Vodianova, Malick Bodian, Anok Yai, Fei Fei and many more, who were part of the new designs inspired by the art of “The Polka Dot Princess”.

With a pop style, each of the pieces in this collection features a design pattern with dots of different colors and sizes.

To create them, an innovative silkscreen printing technique was used that reproduces the artist’s brushstrokes, giving a realistic effect, as if they were hand-painted. The main pieces of the collection are a variety of Louis Vuitton bags with Yayoi Kusama’s signature twist, as if they were canvases with splashes of monochromatic paint. The future of the collaboration certainly looks promising.

The impact of Yayoi Kusama’s art on fashion trends

Kusama’s art has also inspired several fashion designers. Her signature polka dots have become an integral part of many designers’ collections.

In addition to influencing fashion trends, Kusama’s art has also had a major influence on the world of visual merchandising. Her works have been used to create captivating, eye-catching displays and immersive experiences.

The collaboration with the French firm has helped to create a bridge between art and fashion, and has helped to remind us of the importance of art in this world, helping to inspire a new generation of artists.

Sources: louisvuitton.com ; vogue.es ; moda.es; highsnobiety.com ; neo2.com ; Instagram.com

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Kusama obtuvo reconocimiento por su obra en las décadas de 1950 y 1960, cuando formaba parte de la escena artística de vanguardia de Nueva York. Ha seguido creando obras a lo largo de su carrera, y sus trabajos se han expuesto en muchos museos y galerías importantes de todo el mundo convirtiéndola en una de las artistas japonesas más influyentes e icónicas del siglo XXI.

La colaboración entre Yayoi Kusama y Louis Vuitton

En 2012, Yayoi Kusama y Louis Vuitton iniciaron su viaje juntos. La colaboración fue un gran éxito, y se tradujo en el lanzamiento de una colección especial con el arte de Kusama. La colección incluía ropa, accesorios y artículos de decoración para el hogar, todos ellos decorados con sus icónicos lunares. La colaboración recibió mucha atención y elogios, y se ha convertido en una de las más exitosas entre un artista y una casa de moda.

El éxito de la colaboración entre Kusama y Louis Vuitton ha contribuido a acercar las obras de la artista a un público más amplio y sus obras se han convertido en parte integrante de las colecciones y campañas de la casa.

Hoy, después 10 años desde su primera colaboración, los mundos de la moda y el arte se vuelven a fusionar en la colección Cruise 2023 de la firma, con la visión infinita y eterna que tanto caracteriza a la artista.

La colección 

El lanzamiento de la nueva colección se celebra con una campaña protagonizada por modelos internacional, como Gisele Bundchen, Bella Hadid, Karlie Kloss, Natalia Vodianova, Malick Bodian, Anok Yai, Fei Fei y muchas más, quienes formaron parte de los nuevos diseños inspirados en el arte de “La princesa de los lunares”.  

Con un estilo pop, cada una de las piezas de esta colección presenta un patrón de diseño con puntos de diferentes colores y tamaños.

Para crearlas, se utilizó una innovadora técnica de serigrafía que reproduce las pinceladas de la artista, dando un efecto realista, como si estuvieran pintadas a mano. Las piezas principales de la colección son una variedad de bolsos Louis Vuitton con el giro característico de Yayoi Kusama, como si estás fueran lienzos con salpicaduras de pintura monocromáticas. El futuro de la colaboración sin duda parece prometedor.

El impacto del arte de Yayoi Kusama en las tendencias de la moda

El arte de Kusama también ha inspirado a varios diseñadores de moda. Sus característicos lunares se han convertido en parte integrante de las colecciones de muchos diseñadores. 

Además de influir en las tendencias de la moda, el arte de Kusama también ha ejercido una gran influencia en el mundo del visual merchandising. Sus obras se han utilizado para crear expositores cautivadores, llamativos y experiencias inmersivas.

La colaboración con la firma francesa ha ayudado a crear un puente entre el arte y la moda, y ha contribuido a recordar la importancia del arte en este mundo, ayudando a inspirar a una nueva generación de artistas.

Fuentes: louisvuitton.com ; vogue.es ; moda.es; highsnobiety.com ; neo2.com; linkedin.com; Instagram.com

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From art to architecture, cinema to fashion, there are many areas that use geometric shapes as the basis for their creations. 

Particularly in interior design and retail decoration, symmetry and geometry play a key role in creating proportionate and harmonious spaces.

“Seeing the world through geometry is not only essential for composing, but it’s also downright fun”. – Jose Luis.

Geometric elements are a great eye-catcher. That is why it is important to find the right balance with the rest of the decorations.

The connection that exists between the design and distribution of the different elements that compose a space to make it harmonious is indisputable. Geometry means order, and because of this, things as simple as straight lines can be transformed into figures that we can perceive as visual harmonies.

Geometry and decoration

Geometric patterns allow us to play with different visual effects, so that we can give any space a more modern and innovative look. 

Geometric design can be adapted to the decoration of practically any place, and by making the right use of this resource we can modify the proportions and dimensions of a given space. 

Knowing the meaning of these geometric shapes is fundamental when designing our space.

The meaning of the shapes

When we refer to the design of spaces, the geometric shapes that have the most presence are the circle, the square, the triangle and the rectangle.

Thanks to these shapes, it is possible to create infinite possibilities to achieve a sense of harmony at the point of sale.

Symmetry, modularity and repetition can also be implemented to stimulate a variety of sensations and feelings for consumers. In fact, geometric shapes are a fantastic tool for visual merchandising since consumers are familiar with their shapes.

Understanding the meaning of each shape will give us a key perspective when designing our Visual Merchandising strategy and our retail space.

Square

The square is the basis of all geometry, this shape is associated with stability, firmness and trajectory.

This modulation allows a design to be configured in an orderly manner. If you also add colour or textures to the design, you get an endless number of solutions, all equally effective.

When drawing, you feel the straight lines and right angles of the square, and you feel a strong tension. This tension is often used for minimalist design structures.

All geometric shapes or figures that are based on horizontal and vertical lines belong, by their character, to the family of the square.

Triangle

The fundamental character of the triangle comes from the three diagonals that intersect at the angles. Its acute angles offer an aggressive and combative aspect.

The triangle generates direction, dynamism, is unstable and transmits energy.
The triangle family includes all diagonal shapes such as the rhombus, the trapezoid, the zigzag and the shapes derived from it.

The triangle symbolizes the thinking and is recommended for children’s exhibitions that aim to break structures or represent movement.

A figure as simple as a triangle manages to order the space. By combining inverted triangles, we can make rhombuses, which placed randomly on a wall create a visual mural.

Circle

The circle is considered the mother of all shapes and is therefore associated with the idea of movement, perfection and freedom. Its constantly curved perimeter creates a sensation of displacement, making it a good choice for conveying a message of velocity.

A circle is born when a point moves while maintaining a constant distance from another point. In contrast to the rough and tense impression produced by the outline of a square, the circle produces a feeling of relaxation and perpetual movement.

It symbolizes the spirit that moves in its unity and means: warmth, protection and creativity.
To the circle family belong all curved geometric shapes, such as the ellipse, the ovoid, the parabola and its derivative shapes.

There is no direction in this shape, and the feeling of looking at a circle is that of moving continuously, as if it were an infinite reading path.

Rectangle

The rectangle offers different stable options than a square, thanked to its equal sides two by two. It is the most common geometric shape in design. It’s represents honesty, solidity and stability. The combination of rectangles of different sizes is interesting and attractive.

Hexagons

This apparently simple shape can be found in everyday life. In the field of design and retail, this geometric figure makes it possible to create structures that lie between a polygon and a circle thanks to its degree of roundness. It is a powerful and fascinating way to convey balance and conviction.

The basic geometric figures and colours are the primitive forms of expression, and the main elements for transmitting sensations and emotion in the composition of an exhibition.

Do not hesitate to count on a Visual Merchandising professional to help you with your strategy and the design of your retail space.

Sources: teresagalan.es; semrush.com; designshack.net; blog.ida.cl; uxdesign.cc; joseluislededesma.com.

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Desde el arte hasta el mundo de la arquitectura, pasando por el cine y la moda, son muchas las áreas que usan las formas geométricas como base de sus creaciones. 

Sobre todo en el diseño de interiores y en la decoración de espacios de ventas, la simetría y la geometría juegan un papel fundamental para la creación de proporcionados y armoniosos.

Los elementos de geometría son un gran foco de atención para atraer miradas. Por eso es importante encontrar el equilibrio adecuado con el resto de las decoraciones.

Es indiscutible la conexión que existe entre el diseño y distribución de los diferentes elementos que componen un espacio para que este resulte armónico. La geometría implica orden, y gracias a esta cosas tan simples como líneas rectas pueden transformarse en figuras que podemos percibir como armonías visuales.

Geometría y decoración 

Los patrones geométricos nos permiten jugar con diferentes efectos visuales, de manera que podemos darle a cualquier espacio una apariencia más moderna e innovadora. 

El diseño geométrico se adapta prácticamente a la decoración de cualquier lugar y sabiendo utilizar adecuadamente este recurso podemos modificar las proporciones y las dimensiones de un determinado espacio. 

Conocer el significado de estas formas geométricas es fundamental a la hora de diseñar nuestro espacio.

El significado de las formas

Cuando nos referimos al diseño de espacios, las formas geométricas que más presencia tienen son el círculo, el cuadrado, el triángulo y el rectángulo. 

Gracias a estas figuras es posible crear infinitas posibilidades para lograr una sensación de armonía en el punto de venta. 

La simetría, la modularidad y la repetición también se pueden implementar para estimular una variedad de sensaciones y sentimientos para los consumidores. De hecho, las formas geométricas son una fantástica herramienta para el visual merchandising, ya que los consumidores están familiarizados con sus formas.

Comprender el significado de cada forma nos dará una perspectiva clave a la hora de diseñar nuestra estrategia de Visual Merchandising y nuestro espacio comercial.

Cuadrado

El cuadrado es la base toda la geometría, de la razón y la construcción.  Esta forma se asocia a estabilidad, firmeza y a la trayectoria.

Esta modulación permite configurar un diseño de manera ordenada. Si además el diseño suma el color o las texturas, consigue un sinfín de soluciones, todas igual de efectivas.

Cuando, al dibujar, se sienten las líneas rectas y los ángulos rectos del cuadrado, uno siente una fuerte tensión. Esta tensión suele usarse para estructuras de diseño minimalista.

Todas las formas o figuras geométricas que se fundamentan en líneas horizontales y verticales pertenecen, por su carácter, a la familia del cuadrado.

Triángulo

El carácter fundamental del triángulo proviene de las tres diagonales que se cortan en los ángulos. Sus ángulos agudos ofrecen un aspecto agresivo y combativo.

El triángulo genera dirección, dinamismo, es inestable y transmite energía.

A la familia del triángulo pertenecen todas las formas de carácter diagonal, como el rombo, el trapecio, el zigzag y las formas que se derivan.

El triángulo simboliza el pensamiento y resulta recomendado para exhibiciones infantiles o juveniles que buscan romper estructuras o representar movimiento.

Una figura tan sencilla como un triángulo consigue ordenar el espacio. Combinando triángulos invertidos conseguimos hacer rombos, que colocados de forma aleatoria en una pared constituyen un mural visual.

Círculo

El círculo es considerado como la madre de todas las formas, por lo tanto, se asocia a la idea de movimiento, de perfección y de libertad. Su perímetro constantemente curvado crea una sensación de desplazamiento, por lo que es una buena opción para transmitir un mensaje de velocidad.

Un círculo nace cuando un punto se desplaza manteniendo una distancia constante de otro punto. Frente a la impresión ruda y tensa que produce el trazado de un cuadrado, el círculo produce un sentimiento de relajación y de movimiento perpetuo.

Simboliza el espíritu que se mueve en su unidad y significa: calidez, protección y creatividad.

A la familia del círculo pertenecen todas las formas geometrías curvas, como la elipse, el ovoide, la parábola y sus formas derivadas.

No existe la dirección en esta forma y la sensación de mirar un círculo es la de movernos continuamente, como si fuera un camino de lectura infinito.

Rectángulo

El rectángulo ofrece opciones estables diferentes a los de un cuadrado gracias a sus lados iguales dos a dos. Es la forma geométrica más común en diseño y representa honestidad, solidez y estabilidad. La combinación de rectángulos de tamaños diferentes resultas interesante y atractiva.

Hexágono

Esta forma aparentemente simple se puede encontrar en la vida cotidiana. En el ámbito del diseño y del Retail, esta figura geométrica permite crear estructuras que se encuentran entre un polígono y un círculo gracias a su grado de redondez. Es una manera poderosa y fascinante que trasmite equilibrio y convicción.

Las figuras geométricas básicas y los colores son las expresiones primitivas de la expresión, y los principales elementos para transmitir sensaciones y emoción en la composición de una exposición.

No dudes contar con un profesional del Visual Merchandising para que te pueda asesorar en tu estrategia y en el diseño de tu espacio comercial.

Fuentes: teresagalan.es; semrush.com; designshack.net; blog.ida.cl; uxdesign.cc; joseluisledesma.com.

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The term Visual Storytelling refers to the art of telling brand stories with images and visual media.

And if we think of the effectiveness of images as elements that facilitate the creation of persistent memories over time, we will understand the full potential of this approach.

How visual storytelling works?

Visual Storytelling has a huge impact on the perception of businesses; it helps them connect with their customers and at the same time drives sales.

In that sense, the storytelling of these contents can be adapted in many ways; however, there are some basic concepts that we must take into account to create a good strategy. Below, we will review some fundamental steps to tell a successful story:

• Structure: most stories are organized in a very simple way: problem, solution and resolution.
• Simplicity: less is more. We often lose sight of the power of simplicity. A visual story that appeals to the basics will project a strong and clear message, without confusing our audience about what we want to convey.
• Design: there is no need to fill a story with a lot of visual elements, a good design is enough to successfully reach the consumer. 

Where can we use Visual Storytelling?

This technique, for example, allows us to produce extraordinary content for social networks. In addition, the popularity of the most visual platforms, such as Instagram, makes them ideal for visual storytelling.

Visual storytelling is also very powerful for e-commerce. When presenting the products of an online shop, there are different types of images, and each brand must choose the option that best suits its identity and the idea it wants to convey to its audience. 

The Retail world

Consumers evolve with the times, and today more than ever, customers not only want to feel identified with the brand, but they also want to live authentic experiences and get closer to brands that are true to their vision.  Therefore, we can highlight three essential steps for effective visual storytelling in the fashion sector:

• To be loyal and consistent with the brand’s vision

Visual storytelling in fashion works when the brand is consistent and authentic over time, with a message that reflects a complete vision of the brand. 

• Adapting to changing times

It is vital to be relevant in order to achieve effective visual storytelling. Take the example of Dior creative director Maria Grazia Chiuri, who generated incredible media impact in 2019 with the launch of her autumn/winter 2020 collection where models wore T-shirts with the phrase ‘We Should All Be Feminists’, responding to the resurgence of concern for women’s equality and women’s rights.

• Focusing on the consumer

Chiuri managed to be faithful to Christian Dior’s vision by giving voice to the ‘celebration of women’ and responding to a social issue.

The third essential step to a great visual storytelling strategy is to focus on the consumer. Before designing a strategy, ask yourself: What do I want the consumer to feel, and how can I make them feel that way?

The window displays

The benefits of visual storytelling in window displays are several and very important. Among them, we can find:

• Creating empathy 
• Creating emotions
• Connect with the audience
• Humanize the brand

The window display, being the point of physical connection with customers, is the perfect scenario to share a clear, concise and consistent story that is faithful to the brand and with which we can achieve many benefits. 

In conclusion, this technique can be used in different areas of the retail and fashion world.

With a strong storytelling strategy, Visual Storytelling will become one of the most vital techniques for your company. Don’t hesitate to contact a Retail and Visual Merchandising for a professional consultancy.

Sources: fashionunited.es; mkparadise.com; launchmetrics.com; marketinginsiderreview.com; joseluisledesma.com

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El término Visual Storytelling se refiere al arte de contar historias de una marca con imágenes y medios visuales.

Y sí pensamos a la efectividad de las imágenes como elementos que facilitan la creación de recuerdos persistentes en el tiempo, entenderemos todo el potencial de esta técnica.

¿Cómo funciona el  visual storytelling?

El Visual Storytelling genera un gran impacto en la percepción de los negocios; ya que los ayuda a conectarse con sus clientes y al mismo tiempo impulsa las ventas.

En ese sentido, la narración de estos contenidos se puede adaptar de muchas maneras; sin embargo, existen algunos conceptos básicos que debemos tomar en cuenta para crear una buena estrategia. A continuación repasaremos algunos de los pasos fundamentales para contar una historia exitosa:

• Estructura: la mayoría de las historias están organizadas de una forma muy simple: problema, solución y resolución.
• Simplicidad: menos es más. Muchas veces perdemos de vista el poder de lo simple. Una historia visual que apele a lo básico proyectará un mensaje fuerte y claro, sin confundir a nuestro público sobre lo que queremos transmitir.
• Diseño: no hay necesidad de llenar una historia con muchos elementos visuales, un buen diseño es suficiente para llegar con éxito al consumidor. 

¿Dónde podemos utilizar el Visual Storytelling?

Esta técnica, por ejemplo, nos permite producir contenidos extraordinarios para redes sociales. Además, el auge de plataformas más visuales como Instagram las convierte en idóneas para el visual storytelling.

El visual storytelling también es muy valioso para los e-commerce. A la hora de presentar los productos de una tienda online existen diferentes tipos de imágenes y cada marca debe escoger la opción que mejor se adapte a su identidad y a la idea que quiere transmitir a su público. 

El mundo del Retail

El consumidor evoluciona con los tiempos, y hoy más que nunca los clientes no solo quieren sentirse identificados con la marca, sino que quieren vivir experiencias auténticas y acercarse a marcas que sean fieles a su visión.  Por lo tanto, podemos destacar tres pasos imprescindibles para un visual storytelling efectivo en el sector de la moda:

• Ser fiel y constante con la visión brand

El visual storytelling en el mundo de la moda funciona cuando la marca es constante y auténtica a lo largo del tiempo, con un mensaje que refleja una visión completa del brand. 

• Adaptarse a los tiempos 

Es vital ser relevantes al para lograr un visual storytelling eficaz. Podemos tomar como ejemplo a la directora creativa de Dior, María Grazia Chiuri, quien generó un impacto mediático increíble en 2019 con el lanzamiento de su colección otoño/invierno 2020 done los modelos llevaban camisetas con la frase ‘We Should All Be Feminists’, respondiendo al resurgimiento de la preocupación por la igualdad y los derechos de la mujer.

Chiuri logró ser fiel a la visión de Christian Dior dando voz a la ‘celebración de la mujer’ y respondiendo a una problemática social.

• Poner el foco en el consumidor

El tercer paso esencial para conseguir una gran estrategia visual storytelling, es poner el foco en el consumidor. Antes de diseñar una estrategia, hay que preguntarse ¿Qué es lo que quiero que sienta el consumidor y cómo puedo conseguir que se sienta así?

Los escaparates

Los beneficios del visual storytelling en los escaparates son varios y muy importantes. Entre ellos encontramos:

• Crear empatía 
• Suscitar emociones
• Conectar con el público
• Humanizar la marca

El escaparate, siendo el punto de conexión física los clientes, es el escenario perfecto para contar una historia clara, concisa y fiel a la marca con la cual podemos lograr muchos beneficios. 

En conclusión, esta técnica puede ser empleada en diferentes áreas del Retail y del mundo de la Moda.

Con una buena estrategia para contar historias, el Visual Storytelling se convertirá en una de las técnicas más vitales para tu empresa. No dudes en contactar con experto en Retail y Visual Merchandising para que pueda asesorarte.

Fuentes: fashionunited.es; mkparadise.com; launchmetrics.com; marketinginsiderreview.com; joseluisledesma.com

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When fashion meets art

Art has always been a faithful partner of window displays. Cities dress up with shop windows that identify a style, an era, recreating scenes and experiences.

Luxury firms and designers who have a direct relationship with art know this very well, since they do not make Prêt-à-porter but “pieces of art that dress” with an essence of lasting value over time.

A necessary partnership that feeds back into both the one and the other.

Specifically, the design of window design has an association with ephemeral art with a vision and access for all, with a strong connection to the culture of the environment and of the moment.

Window design is not just a couple of randomly placed objects, but the fusion of the aforementioned with what is inside the point of sale.

The history of 19th century art is full of great painters who exhibited their works in stores of various kinds.

Goya presented his Caprichos for sale in a drugstore in Madrid, Hogarth sold his works in his brother’s store, Turner found his first customers in his father’s barbershop, Thomas Cole‘s landscapes were discovered by the historian William Dunlap in a window of a New York street while Monet became known in the window of a store in Le Havre. (Lorente, 2000).

Display windows as we know them today in Spain have evolved since the seventies, when commercial and artistic techniques converged with the aim of creating brand image. But it was only in the eighties when the process began in which products were treated as works of art in a museum, turning stores into art galleries.

The contemporary artist Banksy, for example, often uses the streets and stores to show his work.

In 2008 he opened his first exhibition (not dedicated to the world of graffiti) in a pet store, The Pet Store and Chacoal Grill in New York. The artist’s goal was to promote a critique of modern society and denounce animal abuse in different industries.

Also, the art of Keith Haring, known for combining art and fashion, has been featured in Stella McCartney’s transparent tattooed mannequins.

Nowadays, in Spain, art and window display are becoming more and more relevant: the international contemporary art fair ARCO has been focusing on it for years. For example, in 2014 it transformed all the windows display of El Corte Inglés in Preciados street by filling them with works by various artists.

Louis Vuitton

If there is a brand that is deeply connected to art, it is undoubtedly Louis Vuitton. Collaborations with artists such as Stephen Sprouse, Takashi Murakami or Yayoi Kusama have created unique experiences and collections.

Vuitton was always a visionary and lover of beauty. One of his diverse and multiple interests was the conception and creation of window displays, which are the closest thing to an art gallery.

Thanks to its strong interest in art, its window displays have seen works by Frank Gehry, Peter Marino, Daniel Buren, Takashi Murakami or Yayoi Kusama recreating true magical worlds in which golden dinosaurs, aerostatic balloons or colorful universes have given us an unforgettable experience.

Such is the importance the brand places on window displays that in 2016 the Assouline publishing house published Louis Vuitton Windows, a book celebrating the brand’s most original window displays.

Loewe

Loewe is one of the pioneering brands in contributing to visual and aesthetic education.

Their window displays can be considered small museum pieces and their love for art has been kept alive since the brand’s origin.

The ultimate expression of this interest in the artistic world was the creation of the Loewe Foundation, which since 1988 has been promoting creativity and educational projects in various fields: dance, design, poetry, photography and crafts.

It was in 1939 when Enrique Loewe Knapped opened in Gran Vía (Madrid) one of its most emblematic stores, becoming one of the first to adopt semicircular shop windows.

Since the beginning, these window displays have become great fashion references that, season after season, have generated a strong impact thanks to the creation of sophisticated scenes full of magic.

For the first time, the window displays gave a glimpse of the luxury inside the stores, and José Pérez de Rozas, Loewe’s creative director for 33 years, was responsible for it.

In love with animal sculptures, Pérez de Rozas brought a touch of Hollywood glamour and a taste for the most exclusive luxury through his creations.

Since then, Loewe has been committed to creativity and its strong relationship with art, collaborating with different national and international artists for the creation of its window displays and collections.

This industry lives not only of fashion, but also of art, of visual and aesthetic richness with which to educate the eye. Loewe knows it well, claims its good taste and values in each of its campaigns and we have the privilege of enriching ourselves just walking through the streets of our city.

The history of fashion teaches us that window displays are not only a tool to showcase products but a stage where fashion and art can merge to create unique experiences and magical places.

Sources: joseluisledesma.com; vogue.es; hmvm.co.uk ; revistaad.es ; exitmail.net; revistadearte.com ; lofficiel.es

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Cuando la moda encuentra el arte

El arte siempre ha sido un fiel compañero del escaparatismo.  Las ciudades se visten con escaparates que identifican un estilo, una época recreando así escenas y experiencias.

Los saben muy bien las firmas y los diseñadores de lujo que tienen una relación directa con el arte, puesto que ellos no hacen Prêt-à-porter sino “piezas de arte que visten” con una esencia de valor duradera en el tiempo. 

Una asociación necesaria que retro-alimenta tanto a uno como el otro. 

En concreto, el diseño de los escaparates tiene una asociación con el arte efímero con una visión y acceso para todos, con una fuerte conexión con la cultura del entorno y del momento. 

El escaparatismo no son un vulgar par de objetos colocados al azar, sino la fusión de lo anteriormente dicho junto con lo que hay en el interior del punto de venta.

La historia del arte del siglo XIX está llena de grandes pintores que depositaban sus obras en tiendas de varios tipos.

Goya puso a la venta sus Caprichos en una droguería madrileña, Hogarth vendía sus obras en la tienda de su hermano, Turner encontró sus primeros clientes en la barbería de su padre, los paisajes de Thomas Cole fueron descubiertos por el historiador William Dunlap en un escaparate de una calle neoyorquina mientras Monet se dio a conocer en la vitrina de un comercio en El Havre. (Lorente, 2000).

Los escaparates como los conocemos hoy en España han evolucionado desde los años setenta, cuando convergen las técnicas comerciales y artísticas con el objetivo de crear imagen de marca. Pero, será solo en los ochenta cuando empieza el proceso en el que los productos se tratan como obras de arte en un museo, convirtiendo las tiendas en galerías de arte.

Por ejemplo, el artista contemporáneo Banksy, utiliza a menudo las calles y las tiendas para mostrar su obra.

En 2008 inauguró su primera exposición (no dedicada al mundo del graffiti) en una tienda de mascotas The Pet Store and Chacoal Grill en New York. El objetivo del artista era promover una crítica a la sociedad moderna y denunciar el maltrato animal existente en diferentes industrias.

También el arte de Keith Haring, conocido por combinar arte y moda, ha sido protagonista en los maniquíes tatuados transparentes de Stella McCartney.

Al día de hoy, en España, el arte y el escaparatismo están cobrando siempre más relevancia: ya hace años que la feria internacional de arte contemporáneo ARCO ha puesto su objetivo en ello. Por ejemplo, en 2014 transformo todos los escaparates de El Corte Inglés de calle Preciados llenándolos con obras de varios artistas.

Louis Vuitton

Si hay una firma que está profundamente relacionada con el arte, esta es, sin duda, Louis Vuitton. Las colaboraciones con artistas como Stephen Sprouse, Takashi Murakami o Yayoi Kusama han dado lugar a experiencias y colecciones únicas.

Vuitton siempre fue un visionario y amante de la belleza. Uno de sus diversos y múltiples intereses era la concepción y creación de escaparates, que son lo más parecido a una galería de arte.

Gracias a su fuerte interés por el arte, sus vitrinas han visto trabajos de Frank Gehry, Peter Marino, Daniel Buren, Takashi Murakami o Yayoi Kusama recreando verdaderos mundos mágicos en los que dinosaurios dorados, balones aerostáticos o universos de color nos han regalado una experiencia inolvidable.

Tal es la importancia que la firma le da a los escaparates que la editorial Assouline publicó en 2016 Louis Vuitton Windows, un libro que celebra los escaparates más originales de la firma.

Loewe

Loewe es una de las marcas pioneras en contribuir a la educación visual y estética.

Sus escaparates pueden ser considerados como pequeñas piezas de museo y su amor por el arte se ha mantenido vivo desde el origen de la marca.

Su máxima expresión de este interés por el mundo artístico fue la creación de la Fundación Loewe, que desde el año 1988 promueve la creatividad y los proyectos educativos en varios ámbitos: danza, diseño, poesía, fotografía y artesanía.

Fue en 1939 cuando Enrique Loewe Knapped abrió en plena Gran Vía (Madrid) uno de sus locales más emblemáticos convirtiéndose en uno de los primeros en adoptar escaparates semicirculares. 

Desde su comienzo, estos escaparates se convirtieron en grandes referentes de la moda que, temporada tras temporada, han generado un fuerte impacto gracias a la creación de escenas sofisticadas llenas de magia.

Por primera vez, los escaparates dejaban adivinar cómo era el lujo dentro de las tiendas, y su responsable fue José Pérez de Rozas, director creativo de Loewe durante 33 años.

Enamorado de las esculturas animales, Pérez de Rozas acercó el toque glamour de Hollywood y el gusto por el lujo más exclusivo a través de sus creaciones.

Desde entonces, Loewe ha apostado por la creatividad y por su sólida relación con el arte, colaborando con diferentes artistas nacionales e internacionales para la creación de sus escaparates y colecciones.

No solo de moda vive esta industria, también de arte, de riqueza visual y estética con la que educar la mirada. Loewe lo sabe bien, reivindica su buen gusto y sus valores en cada una de sus campañas y nosotros tenemos el privilegio de enriquecernos simplemente paseando por las calles de nuestra ciudad.

La historia de la moda nos enseña, que los escaparates no solo son una herramienta para mostrar productos sino un escenario donde moda y arte pueden fundirse para crear experiencias únicas y lugares mágicos.

Fuentes: joseluisledesma.com; vogue.es; hmvm.co.uk ; revistaad.es ; exitmail.net; revistadearte.com ; lofficiel.es

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Origins of mannequins

The word mannequin comes from the Dutch “manneken” and means “little man”. Its origin goes back to Ancient Egypt where there was the ‘Mannequin of Tutankhamun’ a figure that is part of the grave goods of the tomb of the pharaoh Tutankhamun and was discovered in 1922.
The mannequin was found by archaeologist Howard Carter in the only Egyptian royal tomb found intact and depicts the face of the pharaoh who reigned from 1336/5 to 1327/5 BC. This figure is believed to have been used to try Tutankhamun’s clothes, since the tailors of the pharaoh could not touch his sacred body.

The first mannequins

The first mannequin was invented in France in the 16th century. For this reason, they were originally called French mannequins and were usually intended for sewing schools.
Although the first mannequins present in shop windows as we know them today appeared only with the industrial revolution when shopping became important and necessary.
In the beginning they were mainly made of wax, while the feet were made of iron and the extremities of wood, which made them very heavy.

Evolution of the figure

Clearly these wax figures had their disadvantages, it was then, when the French company, Siegel & Stockman, found the solution by inventing the mannequin made of papier-mâché, which weighed much less than its predecessor and did not melt during the summer.

Thus, it was that the new mannequin became a much flatter and more stylized figure.
As the materials allowed providing greater realism to the mannequins, the figures were transformed over the years following the trends of each era.

For example, in the 50s and 60s the figure of Marilyn Monroe with its forms inspired the structure of the new mannequins of the time. While during the 70s the mannequins became more abstract and lost most of their facial features. On the other hand, from the 90s stylized mannequins with figures inspired by Kate Moss became widespread.

Current trends

In recent years, the trend is to use less and less realistic mannequins in neutral colours, so that they do not condition the garments too much, although 3D printing is slightly changing this. However, a pending issue would be to know the impact of its production on the environment.

On the other hand, it has increased the diversification of postures or, for example, the use of groups of mannequins that interact with each other to give more dynamism.
When choosing a mannequin, the first thing to consider is what we want to transmit, where and how the figure will be placed. 

Depending on the changes to be made to the showcase and its design, it will be necessary to choose a more or less light material and a more or less articulated mannequin. 
It is important above all to count on brands that have top quality materials, as is the case of Atrezzo or Hans Boodt.

If you are looking for the most suitable mannequin for your business, do not hesitate to consult a Global Window Display Designer or Visual Merchandising Manager to study the solution and the most suitable design for the objectives of your project.

Sources: modaes.es, fashionunited.es, hopesandfears.com, joseluisledesma.com

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Pero ¿cuál es el su origen?

Origines de los maniquíes

La palabra maniquí procede del holandés manneken y significa “hombre pequeño”. Su origen remonta al antiguo Egipto donde existía el ‘Maniquí de Tutankamón’ una figura que forma parte del ajuar funerario de la tumba del faraón Tutankamón y que fue descubierta en 1922.

El maniquí fue hallado por el arqueólogo Howard Carter en la única tumba real egipcia encontrada intacta y representa el rostro del faraón que reinó de 1336/5  a 1327/5 a.C. Esta figura se cree que era usada para probar y sostener los vestidos de Tutankamón, ya que los sastres del no podían tocar su sagrado cuerpo.

Los primeros maniquíes

El primero maniquí se inventó en Francia en el siglo XVI. Por este motivo, en su origen se llamaban maniquíes franceses y solían estar destinados a las escuelas de costura.

Aunque los primeros maniquíes presentes en los escaparates como los conocemos hoy en día aparecieron solo con la revolución industrial cuando las compras empezaron a ser algo importante y necesario.

En sus inicios se elaboraban principalmente con cera, mientras los pies eran de hierro y las extremidades de madera, lo que elevaba mucho su peso.

Evolución de la figura

Claramente estas figuras de cera tenían sus desventajas, fue entonces, cuando la compañía francesa, Siegel & Stockman, encontró la solución inventando el maniquí hecho de papel maché, el cual pesaba mucho menos que su antecesor y no se derretía durante el verano. Así fue que el nuevo maniquí se convirtió en una figura mucho más plana y estilizada.

A medida que los materiales permitían proporcionar un mayor realismo a los maniquíes las figuras fueron transformándose a lo largo de los años siguiendo las tendencias de cada época.

Por ejemplo en los 50’s y 60’s la figura de Marilyn Monroe con sus formas inspiró la estructura de los nuevos maniquíes del momento.

Mientras durante los 70’s los maniquís se convirtieron en algo más abstracto y perdieron la mayoría de sus rasgos faciales. En cambio a partir de los 90’s se difundieron los maniquíes estilizados con figuras inspiradas a Kate Moss.

Tendencias actuales

En los últimos años, la tendencia es utilizar maniquís cada vez menos realistas y en colores neutros, de manera que no condicionen demasiado las prendas, aunque la impresión 3D esta ligeramente cambiando esto. Sin embargo un tema pendiente sería saber el impacto de su producción al medio ambiente.

En cambio, si ha aumentado la diversificación de posturas o, por ejemplo, el uso de grupos de maniquíes que interactúan entre ellos para garantizar al escaparate más dinamismo.

A la hora de elegir un maniquí, lo primero a tener en cuenta es qué queremos trasmitir, dónde y cómo se va a ubicar la figura. 

En función a los cambios de escaparate que se realice y a su diseño será necesario elegir a un material más o menos ligero y a un maniquí articulado en mayor o menor medida. 

Es importante sobre todo contar con marcas que cuenten con materiales de primera calidad, como es el caso de Atrezzo o Hans Boodt.

Si estás buscando el maniquí más apto a tu negocio no dudes asesorarte con un Global Window Display Designer o Visual Merchandising Manager para estudiar la solución y el diseño más indicado para los objetivos de tu proyecto.

Fuentes: modaes.es, fashionunited.es, hopesandfears.com , joseluisledesma.com

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By studying the commercial space we have at our disposal, among many others, we can apply the most appropriate window dressing techniques both in the showcases and in the interior and guarantee an enriching experience to our customers and curious people who will not only enter our store, but will stay longer in it.

Today more than ever, stores must become experience centres where to create a relationship with the brand where the main protagonist is the customer.

In fact, brands are increasingly betting on the in-store experience by using minimalist visual merchandising, with less furniture and elements, leaving the product as the exclusive protagonist and conveying a sense of higher quality.

On the other hand, other brands are opting to personalize their points of sale through striking decoration, which varies as their creative line changes.

The shop windows together with the decoration, have to tell an attractive story to our customers and to do so we need to capture all their attention and invite them to the interior of the commercial space, where Visual Merchandising is essential.

To achieve these objectives the importance of materials in Visual Merchandising and Window Dressing is fundamental.

Sometimes it may go unnoticed, but the material we use in the decoration of our store is essential for an excellent result. We must take into account basic aspects of the choice, such as, for example, that it is aligned with the DNA of the brand, as well as more technical aspects about its handling, qualities and behaviour to external variants.

What are the most used materials in Visual Merchandising and Window Dressing?

Undoubtedly among the most used materials we find wood: one of the oldest resources and also one of the most versatile. This material provides a feeling of warmth and can be combined with many elements.
It can also be used untreated to convey a more rustic look.

Paper is another of the materials widely used for shop window and store interior decorations. It is an economical, creative and easily recyclable material.

On the other hand we find more natural elements such as stone that is gaining importance and is often used to leave the product as the main protagonist of the store.
Metal is also gaining prominence and is usually combined in the walls and furniture.
Meanwhile, the use of overly ornate upholstery on the walls is becoming less common.

In the case of materials such as natural stone, glass or carpets, they are increasingly present not only in high-end stores but also in large-scale distribution establishments.

The floor

Flooring is another key element of the store. The use of carpets and rugs is not very common nowadays, especially in large retail stores, although they continue to be used in high-end establishments.

When opting for a “bare floor”, a recurring option is marble, a material that offers great strength, durability and style. However, most stores choose to combine this material with another type of flooring for fitting rooms where the touch with bare feet is warmer.

Carpets are an alternative when the product requires direct contact with the feet, as in the case of shoe stores, and are also easy to clean or replace

An avant-garde alternative are environmentally friendly woven vinyl floors, made from materials containing plasticizers, made from renewable raw materials of organic origin.

It’s very important to study and analyse which are the most appropriate materials to convey a message consistent with the value of your brand and to offer the best experience to your customers, without losing sight of the importance of sustainability and to generate a minimum impact on the environment.

In order to meet this goal, don’t hesitate to count on the experience of a Visual Merchandising professional who can advise you on your strategy and help you achieve these goals.

Sources: Moda.es, Casadecor.es and joseluisledesma.com

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Estudiando el espacio comercial que tenemos a disposición, entre muchas otras, podemos aplicar las técnicas del escaparatismo más adecuadas tanto en las vitrinas como en el interior y garantizar una experiencia enriquecedora a nuestros clientes y curios@s que no solo entrarán en nuestra tienda, sino que permanecerán más tiempo en ella.

Hoy más que nunca las tiendas deben convertirse en centros de experiencias donde crear una relación con la marca donde el principal protagonista es el cliente.

De hecho, las marcas están apostando cada vez más por la experiencia en tienda utilizando un visual merchandising minimalista, con menos mobiliario y elementos, dejando al producto como protagonista exclusivo y transmitiendo una sensación de mayor calidad. Por otra parte, otras marcas optan por personalizar sus puntos de venta a través de una decoración impactante, que va variando según cambia su línea creativa.

Los escaparates junto con la decoración, tienen que contar una historia atractiva a nuestros clientes y para hacerlo necesitamos captar toda su atención e invitarles a el interior del espacio comercial, donde el Visual Merchandising es imprescindible.

Para lograr estos objetivos la importancia de los materiales en el Visual Merchandising y el Escaparatismo es fundamental.

A veces puede pasar desaparecido, pero el material que utilizamos en la decoración de nuestra tienda es esencial para un excelente resultado. Se ha de tener en cuenta aspectos básicos de la elección, como por ejemplo, que este alineado con el ADN de la marca, cómo también aspectos más técnicos sobre su manipulación, cualidades y comportamiento a las variantes externas. 

¿Cuáles son los materiales más utilizados en el Visual Merchandising y Escaparatismo?

Sin duda entre los materiales más utilizados encontramos la madera: uno de los recursos más antiguos y también uno de los más versátiles. Este material aporta una sensación de calidez y se puede combinar con muchos elementos diferentes.

También se puede utilizar sin tratar para transmitir un aspecto más rústico.

El papel es otro de los materiales muy utilizados para las decoraciones de escaparates e interior de las tiendas. Es un material económico, creativo y fácilmente reciclable.

Por otro lado encontramos elementos más naturales como la piedra que está ganando importancia y suele ser utilizada para dejar el producto como máximo protagonista de la tienda.

También el metal está ganando protagonismo y suele combinarse en las paredes y el mobiliario.

Mientras, cada vez es menos común el uso de tapicería demasiado recargada en las paredes.

En el caso de los materiales como la piedra natural, el cristal o las alfombras, cada vez están más presente no solamente en las tiendas de alta gama sino también en los establecimientos de gran distribución.

Los suelos

El suelo es otro de los elementos clave de la tienda. Actualmente no es muy común el uso de moquetas y alfombras, especialmente en las tiendas de gran distribución, aunque sí continúan utilizándose en los establecimientos de gama alta.

A la hora de optar por un “suelo desnudo”, una opción recurrente, es el mármol, un material que ofrece una gran resistencia, durabilidad y estilo. 

Sin embargo, la mayoría de las tiendas opta por combinar este material con otro tipo de pavimento para los probadores donde el tacto con los pies descalzos sea más cálido.

Las alfombras son una alternativa cuando el producto requiere un contacto directo con los pies, como en el caso de las zapaterías, son además fáciles de limpiar o remplazar.

Una alternativa de vanguardia son los suelos de vinilo tejido que cuidan el medio ambiente, fabricados a partir de materiales que contienen plastificantes, realizados a partir de materias primas renovables de origen orgánico.

Es muy importante estudiar y analizar cuáles son los materiales más adecuados para trasmitir un mensaje coherente con el valor de tu marca y lograr ofrecer la mejor experiencia a tu clientela, sin perder de vista la importancia de la sostenibilidad y de generar un impacto mínimo para el medio ambiente.

Para hacerlo no dudes contar con la experiencia de un profesional del Visual Merchandising y el Escaparatismo, que pueda asesorarte en tu estrategia y ayudarte a lograr estos objetivos.

Fuentes: Moda.es, Casadecor.es y elaboración propia de joseluisledesma.com

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The issue is clear, those companies, organizations and even state agencies how doesn’t build a truly and efficient digital platform are going to be left out from the global communication system.

One risk that must be taken into consideration is the lack of cybersecurity will endanger the investment and profit of the digital companies.

Types of cybersecurity threats

We can find cases of:

• Ransomware: a type of malicious software. It is designed to demand money by blocking access to files or the computer system until a ransom is paid.
• Malware: Malware is a type of software designed to gain unauthorized access or damage a computer. There are different types of malware, and they are often spread through an unsolicited email attachment or legitimate-looking download.
• Phishing: the practice of sending fraudulent emails that look like from reputable sources. The goal is to steal sensitive data, such as credit card numbers and login information.

The fashion industry no longer only has the challenge of balance in the development of online and offline sales, but also the cybersecurity of its users and customers.

On the Internet, both companies and individuals are exposed to many dangers that may cause considerable damage. For this reason, the issue of cybersecurity is now more important than ever and not only refers to Internet security, but also to other aspects and sectors of information and communication technologies.

From the logistics process to the production process, the fashion industry is, without a doubt, one of the industries that has accelerated the digitization process the most.

Companies in the fashion industry must have efficient and effective cybersecurity packages in order to protect themselves and its clients.

There are several examples of companies in the retail sector that have successfully developed their digital sector without giving up on enhancing their physical stores:

1. Zara: one of the leaders in digital transformation in retail. The company already has, barcodes on the articles that you can scan to find out where the size of the item you are looking for is, whether in that store or in any, or even to buy it online. In addition, the employees carry a smart device that sends them messages about what items need to be restocked. This allows to save time and improve customer service. All the garments in Zara carry an electronic tag with RFid radio frequency (installed in the alarm), which are loaded with data from the central in Arteixo and in this way they can know the inventory in real time.
2. Mango, like other companies, has opted for the installation of digital mirror. It consists of a touch screen installed in the mirror of the changing rooms and works by scanning the barcode of the products; it allows you to consult information about the garments and to contact the store staff making requests without having to leave the changing room. It is worth to mention the example of Rebecca Minkoff, who has generated a revolution with her smart-mirrors.
3. In the Nikestore, they have equipped the staff with smart devices with card readers, so when the store is crowded and too many people are in line, any employee is able to charge customers, and reduce the wait time.

The great changes of digital transformation have to always take into account the concept of functionality and the customer experience. Ensuring an omnichannel experience is critical.

E-commerce and physical shopping, formerly separate universes, today complement each other taking advantage of both environments and enhancing customer proximity and brand image.

The customer wants to have the same shopping experience that they have enjoyed in the physical store, through different digital channels. 

Within this new sales model, the physical store doesn’t have to disappear. On the contrary, it takes on a special importance as it adapts to the new reality. 

The online shopping experience should be in line with the one in the physical store, maintaining the essence of contact, a good and personalized customer care. To achieve these objectives for your company, it is essential to have the experience and advice of a Director of Visual Merchandising, Window displays and Projects .

Source: Cisco

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What exactly is Emotional Intelligence?

According to the definition provided by Daniel Goleman, “Emotional Intelligence is the ability to know our own feelings and those of others, to motivate ourselves and to manage emotions well, in ourselves and in our relationships.” That is, the ability to understand, perceive, manage and use the emotions in a positive and successful way.

EI and professional development

Although emotional intelligence skills can be applied in many situations, it is especially important to use emotional intelligence at work, as any professional relationship is influenced by our emotions.

Knowledge and practice of emotional intelligence as a professional is the key to promoting any type of strategy, achieving success in the objectives and consolidating satisfactory relationships, both with coworkers and with clients.

“The effect of selling” is not enough, it is necessary to convey emotions, experiences, sensations and identify with the values and priorities of the client in order to add added value, offer a positive experience.
The development of personal and social skills increases the productivity and benefits of any project at all levels, especially in the area of Retail.

What are these competencies?

The American psychologist Daniel Goleman, points out five competencies that are encompassed within emotional intelligence. These are:

1. Self-awareness, a capacity that allows us to detect and understand our emotions and their impact on the emotional state of other people. In addition to knowing our resources and intuitions.
2. Self-regulation, this ability allows us to control our resources, feelings and impulses to adapt emotionally to changing situations.
3. Motivation refers to the emotional trend that guides us to successfully achieve our goals.
4. Empathy is awareness of the feelings and concerns of others. A skill necessary to adequately respond to and understand other people’s emotions. This competition allows us to anticipate and adapt to the needs of our clients, to better understand our colleagues.
5. Socialization, which allows establishing optimal and meaningful relationships with other individuals through persuasion, inspiration and negotiation. It is essential to be able to work with others towards a common goal and to learn to resolve conflicts. It also encompasses different skills, such as leadership or social intuition.

These qualities are increasingly in demand in companies. Within an organization, emotional intelligence is beneficial in increasing the level of job satisfaction, better leadership, reducing stress, and fighting mobbing.

It allows us to become aware of our emotions and those of others, to tolerate pressures and frustrations, thus increasing the ability to work as a team. For these reasons, more and more companies have decided to bet on emotional intelligence by training their team and managers.

“For better or worse, intelligence can come to nothing when the emotions hold sway.”

Daniel Goleman, Emotional Intelligence

We must remember that a good leader, in addition to having knowledge and experience, must also work on their soft skills if they want to improve the performance of their projects.

In order to apply all the techniques necessary to achieve the objectives of a company or a project and enhance its efficiency, it is essential to count with the professional figure of Project Manager with training in Emotional Intelligence.

Source: Emotional Intelligence by Daniel Goleman

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Analyzing and knowing what will be booming in the future, is very valuable for professionals whom we are in these sectors. The 2019 has been a very important year for Fashion, marked mainly by movements such as sustainability, inclusion and empowerment. But, what can we expect in 2020?

Here are some of the trends that will see in 2020:

Space Era 

One of the biggest trends will be the futurism, it will carry holographic fabrics and collections inspired by space and supernatural. Science fiction will be a source of inspiration to creating textures from organic to industrial. This is coming along with the launch of four missions to Mars, the testing phase of the reusable Space X rocket and a new generation of human-manned spacecraft.

(Source Lyst)

Hyper reality

Dreamlike, psychological and psychedelic landscapes will be the inspiration for collections where fashion and technology meet. Circular elements symbolizes the future, while iridescent surfaces embraces the digital. Above all, science digital and technology will be the protagonists in the 2020 trends.

(Source WGNS y Pinkermoda)

Fashion and politics

Fashion can be a powerful communication tool, it has occupied an important place in social changes and has been a faithful reflection of political differences, urban styles and cultural revolutions. For example, the ties of the Democratic candidate for President of the United States, Tom Steyer, have already been the subject of searches and tweets in his country, and with the U.S. elections, just around the corner, we certainly expect more styling with political messages in 2020.

(Source LYST)

Feminism and femininity

In Chloé’s Spring-Summer 2020 collection, women have been celebrated with the mantra of “femininity anchored in reality”. Women’s empowerment and the feminist movement move forward in 2020 with collections that focuses on their role and power. Future trends seem to move away from androgynous aesthetics leaving room for tailoring, minimalism, romantic and naif garments.

(Source Vogue)

Pantone Color of the Year

In a time when technology is still ahead of human ability to process everything, Pantone has shown the need for colors that give us honesty and protection. Therefore, this will be the color of 2020 that will replace the 2019 Living Coral. We talk about of 19-4052 Classic Blue, the tonality that, this year, will be the reference in many creative fields. It’s a timeless blue that stands out for its elegance, calm, confidence and connection. This color is a reflective blue that fosters resilience.

(Source Pantone)

Immersive Experiences

Technology is changing the way every industry moves. More and more companies use new technologies to create immersive experiences for their clients. This is the case of virtual reality, one of the trends of 2020, which will allow us to experience the virtual exploration of products, shops and even trying garments.

(Source Forbes)

3D Printing

2020 will also be the time for the take-off of 3D printers, which are said to constitute the next technological revolution. According to the forecasts of the consulting firm Context, the market will reach a turnover of 16,000 million dollars. In the world of Retail and Visual Merchandising, we are committed to end of the age of white and unsightly mannequins and replaced them with 3D printed mannequins, customized by season according to each brand.

Keeping up with trends and continuing to innovate can be difficult, so it’s important to count with professionals in the sector that could guide you in this process. If you are looking to innovate your image and your window display, following trends 2020, don’t hesitate to discover my services.

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Seasonal marketing consists in creating campaigns, according to current events, for example, holidays or special days.

In the world of Fashion and Window Display, nowadays, we can’t talk exclusively of two seasons spring-summer and autumn-winter. Today, shops can change its collections and its windows displays every two weeks.

The visual saturation and the need of creating impact on the consumer affect directly the way we consume, generating almost an obligation imposed by the speed at which the fashion industry moves and to which more and more brands are joining.

Trends in Window Display Design and Visual Merchandising sector today, require fastest changes, flexibility, high creativity is the most time accompanied by a tight budget.

This need has resulted in increasingly ephemeral campaigns. For brands it’s important take advantage of every opportunity, even for a limited time.

To create an effective seasonal campaign is essential have professionals who know how to react quickly, according to the evolution of trends, needs of the client and also guide you in the design and strategy of visual windows.

This type of seasonal campaigns has important advantages, among them, the increase in store visits, where customers come to see the latest collections. This model can generate fast gains and the capacity to respond to customer needs. This allows to locate products quickly, more accessible price to the pocket and reach a wider public.

Don’t forget that each new season must have a new story and the obligation to set a new scenario.

However, on the other hand, teaches us that consumption through seasonal campaigns and fast fashion is growing rapidly raising great difficulties for the resources of our planet, so many firms are taking care about this matter minimizing waste and pollution in order to produce fashion without damaging the environment.

Finally, if you are thinking about launching a seasonal campaign for your brand, remember that the most important thing is understanding your customer, propose a collection that explain current trends and make a team with Retail and Visual Merchandising professionals who can help you develop an appropriate strategy in order to achieve the desired goals.

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El marketing de temporada consiste en crear campañas acorde a los eventos del momento, por ejemplo, vacaciones o días especiales.

En el mundo de la moda y del Escaparatismo ya no podemos hablar exclusivamente de dos temporadas primavera-verano y otoño-invierno. Hoy, una misma firma puede cambiar sus colecciones y escaparates cada dos semanas.

La saturación de imágenes que nos acompaña diariamente y la necesidad de generar impacto en el consumidor repercute directamente la manera de consumir, generando casi una obligación impuesta por la velocidad a la que la industria de la moda se mueve y a la que cada vez más marcas se han sumado.

Las tendencias en el sector del Escaparatismo y del Visual Merchanding, al día de hoy, exigen cambios rápidos, flexibilidad, alta creatividad y la mayoría de las veces acompañado de un presupuesto apretado.

Esta necesidad se ha traducido en campañas cada vez más efímeras. Para las marcas es importante aprovechar cada oportunidad, aunque sea por un tiempo limitado.

Para crear una campaña de temporada eficaz es fundamental contar con profesionales del sector que sepan reaccionar rápidamente y ir acorde a la evolución de las tendencias, a las necesidades del cliente y que puedan guiar el diseño de los escaparates y su estrategia.

Este tipo de campañas de temporada conllevan ventajas importantes, entre ellas cabe mencionar, el aumento de visitas en las tiendas, donde los cliente acuden para ver las ultimas novedades. Este tipo de modelo, puede generar ganancias instantáneas y la capacidad de respuesta a las necesidades del cliente.  Todo esto permite, ubicar los productos con mayor rapidez, un precio más asequible al bolsillo y llegar a un público más amplio.

No hay que olvidar que cada nueva temporada tiene una nueva historia y la obligación de generar un nuevo escenario.

Sin duda, la otra cara de la moneda, nos enseña que el ritmo del consumo a través de las campañas de temporadas y del “fast fashion” está creciendo rápidamente poniendo en dificultad los recursos de nuestro planeta, por ello, muchas firmas se están preocupando por reducir al mínimo el desperdicio y la contaminación con el fin de producir moda sin dañar el medio ambiente.

Finalmente, si estas pensando en lanzar una campaña de temporada para tu marca, recuerda que lo más importante es entender a tu público, proponer una colección que se adapte a las tendencias del momento y contar con profesionales del Retail y Visual Merchandising que puedan ayudarte a planear una estrategia adecuada y lograr el impacto deseado.

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