When fashion meets art

Art has always been a faithful partner of window displays. Cities dress up with shop windows that identify a style, an era, recreating scenes and experiences.

Luxury firms and designers who have a direct relationship with art know this very well, since they do not make Prêt-à-porter but “pieces of art that dress” with an essence of lasting value over time.

A necessary partnership that feeds back into both the one and the other.

Specifically, the design of window design has an association with ephemeral art with a vision and access for all, with a strong connection to the culture of the environment and of the moment.

Window design is not just a couple of randomly placed objects, but the fusion of the aforementioned with what is inside the point of sale.

The history of 19th century art is full of great painters who exhibited their works in stores of various kinds.

Goya presented his Caprichos for sale in a drugstore in Madrid, Hogarth sold his works in his brother’s store, Turner found his first customers in his father’s barbershop, Thomas Cole‘s landscapes were discovered by the historian William Dunlap in a window of a New York street while Monet became known in the window of a store in Le Havre. (Lorente, 2000).

Display windows as we know them today in Spain have evolved since the seventies, when commercial and artistic techniques converged with the aim of creating brand image. But it was only in the eighties when the process began in which products were treated as works of art in a museum, turning stores into art galleries.

The contemporary artist Banksy, for example, often uses the streets and stores to show his work.

In 2008 he opened his first exhibition (not dedicated to the world of graffiti) in a pet store, The Pet Store and Chacoal Grill in New York. The artist’s goal was to promote a critique of modern society and denounce animal abuse in different industries.

Also, the art of Keith Haring, known for combining art and fashion, has been featured in Stella McCartney’s transparent tattooed mannequins.

Nowadays, in Spain, art and window display are becoming more and more relevant: the international contemporary art fair ARCO has been focusing on it for years. For example, in 2014 it transformed all the windows display of El Corte Inglés in Preciados street by filling them with works by various artists.

Louis Vuitton

If there is a brand that is deeply connected to art, it is undoubtedly Louis Vuitton. Collaborations with artists such as Stephen Sprouse, Takashi Murakami or Yayoi Kusama have created unique experiences and collections.

Vuitton was always a visionary and lover of beauty. One of his diverse and multiple interests was the conception and creation of window displays, which are the closest thing to an art gallery.

Thanks to its strong interest in art, its window displays have seen works by Frank Gehry, Peter Marino, Daniel Buren, Takashi Murakami or Yayoi Kusama recreating true magical worlds in which golden dinosaurs, aerostatic balloons or colorful universes have given us an unforgettable experience.

Such is the importance the brand places on window displays that in 2016 the Assouline publishing house published Louis Vuitton Windows, a book celebrating the brand’s most original window displays.

Loewe

Loewe is one of the pioneering brands in contributing to visual and aesthetic education.

Their window displays can be considered small museum pieces and their love for art has been kept alive since the brand’s origin.

The ultimate expression of this interest in the artistic world was the creation of the Loewe Foundation, which since 1988 has been promoting creativity and educational projects in various fields: dance, design, poetry, photography and crafts.

It was in 1939 when Enrique Loewe Knapped opened in Gran Vía (Madrid) one of its most emblematic stores, becoming one of the first to adopt semicircular shop windows.

Since the beginning, these window displays have become great fashion references that, season after season, have generated a strong impact thanks to the creation of sophisticated scenes full of magic.

For the first time, the window displays gave a glimpse of the luxury inside the stores, and José Pérez de Rozas, Loewe’s creative director for 33 years, was responsible for it.

In love with animal sculptures, Pérez de Rozas brought a touch of Hollywood glamour and a taste for the most exclusive luxury through his creations.

Since then, Loewe has been committed to creativity and its strong relationship with art, collaborating with different national and international artists for the creation of its window displays and collections.

This industry lives not only of fashion, but also of art, of visual and aesthetic richness with which to educate the eye. Loewe knows it well, claims its good taste and values in each of its campaigns and we have the privilege of enriching ourselves just walking through the streets of our city.

The history of fashion teaches us that window displays are not only a tool to showcase products but a stage where fashion and art can merge to create unique experiences and magical places.

Sources: joseluisledesma.com; vogue.es; hmvm.co.uk ; revistaad.es ; exitmail.net; revistadearte.com ; lofficiel.es

The post Art and Window display appeared first on José Luis Ledesma | Visual Merchandising & Retail Experience Director.

Cuando la moda encuentra el arte

El arte siempre ha sido un fiel compañero del escaparatismo.  Las ciudades se visten con escaparates que identifican un estilo, una época recreando así escenas y experiencias.

Los saben muy bien las firmas y los diseñadores de lujo que tienen una relación directa con el arte, puesto que ellos no hacen Prêt-à-porter sino “piezas de arte que visten” con una esencia de valor duradera en el tiempo. 

Una asociación necesaria que retro-alimenta tanto a uno como el otro. 

En concreto, el diseño de los escaparates tiene una asociación con el arte efímero con una visión y acceso para todos, con una fuerte conexión con la cultura del entorno y del momento. 

El escaparatismo no son un vulgar par de objetos colocados al azar, sino la fusión de lo anteriormente dicho junto con lo que hay en el interior del punto de venta.

La historia del arte del siglo XIX está llena de grandes pintores que depositaban sus obras en tiendas de varios tipos.

Goya puso a la venta sus Caprichos en una droguería madrileña, Hogarth vendía sus obras en la tienda de su hermano, Turner encontró sus primeros clientes en la barbería de su padre, los paisajes de Thomas Cole fueron descubiertos por el historiador William Dunlap en un escaparate de una calle neoyorquina mientras Monet se dio a conocer en la vitrina de un comercio en El Havre. (Lorente, 2000).

Los escaparates como los conocemos hoy en España han evolucionado desde los años setenta, cuando convergen las técnicas comerciales y artísticas con el objetivo de crear imagen de marca. Pero, será solo en los ochenta cuando empieza el proceso en el que los productos se tratan como obras de arte en un museo, convirtiendo las tiendas en galerías de arte.

Por ejemplo, el artista contemporáneo Banksy, utiliza a menudo las calles y las tiendas para mostrar su obra.

En 2008 inauguró su primera exposición (no dedicada al mundo del graffiti) en una tienda de mascotas The Pet Store and Chacoal Grill en New York. El objetivo del artista era promover una crítica a la sociedad moderna y denunciar el maltrato animal existente en diferentes industrias.

También el arte de Keith Haring, conocido por combinar arte y moda, ha sido protagonista en los maniquíes tatuados transparentes de Stella McCartney.

Al día de hoy, en España, el arte y el escaparatismo están cobrando siempre más relevancia: ya hace años que la feria internacional de arte contemporáneo ARCO ha puesto su objetivo en ello. Por ejemplo, en 2014 transformo todos los escaparates de El Corte Inglés de calle Preciados llenándolos con obras de varios artistas.

Louis Vuitton

Si hay una firma que está profundamente relacionada con el arte, esta es, sin duda, Louis Vuitton. Las colaboraciones con artistas como Stephen Sprouse, Takashi Murakami o Yayoi Kusama han dado lugar a experiencias y colecciones únicas.

Vuitton siempre fue un visionario y amante de la belleza. Uno de sus diversos y múltiples intereses era la concepción y creación de escaparates, que son lo más parecido a una galería de arte.

Gracias a su fuerte interés por el arte, sus vitrinas han visto trabajos de Frank Gehry, Peter Marino, Daniel Buren, Takashi Murakami o Yayoi Kusama recreando verdaderos mundos mágicos en los que dinosaurios dorados, balones aerostáticos o universos de color nos han regalado una experiencia inolvidable.

Tal es la importancia que la firma le da a los escaparates que la editorial Assouline publicó en 2016 Louis Vuitton Windows, un libro que celebra los escaparates más originales de la firma.

Loewe

Loewe es una de las marcas pioneras en contribuir a la educación visual y estética.

Sus escaparates pueden ser considerados como pequeñas piezas de museo y su amor por el arte se ha mantenido vivo desde el origen de la marca.

Su máxima expresión de este interés por el mundo artístico fue la creación de la Fundación Loewe, que desde el año 1988 promueve la creatividad y los proyectos educativos en varios ámbitos: danza, diseño, poesía, fotografía y artesanía.

Fue en 1939 cuando Enrique Loewe Knapped abrió en plena Gran Vía (Madrid) uno de sus locales más emblemáticos convirtiéndose en uno de los primeros en adoptar escaparates semicirculares. 

Desde su comienzo, estos escaparates se convirtieron en grandes referentes de la moda que, temporada tras temporada, han generado un fuerte impacto gracias a la creación de escenas sofisticadas llenas de magia.

Por primera vez, los escaparates dejaban adivinar cómo era el lujo dentro de las tiendas, y su responsable fue José Pérez de Rozas, director creativo de Loewe durante 33 años.

Enamorado de las esculturas animales, Pérez de Rozas acercó el toque glamour de Hollywood y el gusto por el lujo más exclusivo a través de sus creaciones.

Desde entonces, Loewe ha apostado por la creatividad y por su sólida relación con el arte, colaborando con diferentes artistas nacionales e internacionales para la creación de sus escaparates y colecciones.

No solo de moda vive esta industria, también de arte, de riqueza visual y estética con la que educar la mirada. Loewe lo sabe bien, reivindica su buen gusto y sus valores en cada una de sus campañas y nosotros tenemos el privilegio de enriquecernos simplemente paseando por las calles de nuestra ciudad.

La historia de la moda nos enseña, que los escaparates no solo son una herramienta para mostrar productos sino un escenario donde moda y arte pueden fundirse para crear experiencias únicas y lugares mágicos.

Fuentes: joseluisledesma.com; vogue.es; hmvm.co.uk ; revistaad.es ; exitmail.net; revistadearte.com ; lofficiel.es

The post Arte y Escaparatismo appeared first on José Luis Ledesma | Visual Merchandising & Retail Experience Director.

Origins of mannequins

The word mannequin comes from the Dutch “manneken” and means “little man”. Its origin goes back to Ancient Egypt where there was the ‘Mannequin of Tutankhamun’ a figure that is part of the grave goods of the tomb of the pharaoh Tutankhamun and was discovered in 1922.
The mannequin was found by archaeologist Howard Carter in the only Egyptian royal tomb found intact and depicts the face of the pharaoh who reigned from 1336/5 to 1327/5 BC. This figure is believed to have been used to try Tutankhamun’s clothes, since the tailors of the pharaoh could not touch his sacred body.

The first mannequins

The first mannequin was invented in France in the 16th century. For this reason, they were originally called French mannequins and were usually intended for sewing schools.
Although the first mannequins present in shop windows as we know them today appeared only with the industrial revolution when shopping became important and necessary.
In the beginning they were mainly made of wax, while the feet were made of iron and the extremities of wood, which made them very heavy.

Evolution of the figure

Clearly these wax figures had their disadvantages, it was then, when the French company, Siegel & Stockman, found the solution by inventing the mannequin made of papier-mâché, which weighed much less than its predecessor and did not melt during the summer.

Thus, it was that the new mannequin became a much flatter and more stylized figure.
As the materials allowed providing greater realism to the mannequins, the figures were transformed over the years following the trends of each era.

For example, in the 50s and 60s the figure of Marilyn Monroe with its forms inspired the structure of the new mannequins of the time. While during the 70s the mannequins became more abstract and lost most of their facial features. On the other hand, from the 90s stylized mannequins with figures inspired by Kate Moss became widespread.

Current trends

In recent years, the trend is to use less and less realistic mannequins in neutral colours, so that they do not condition the garments too much, although 3D printing is slightly changing this. However, a pending issue would be to know the impact of its production on the environment.

On the other hand, it has increased the diversification of postures or, for example, the use of groups of mannequins that interact with each other to give more dynamism.
When choosing a mannequin, the first thing to consider is what we want to transmit, where and how the figure will be placed. 

Depending on the changes to be made to the showcase and its design, it will be necessary to choose a more or less light material and a more or less articulated mannequin. 
It is important above all to count on brands that have top quality materials, as is the case of Atrezzo or Hans Boodt.

If you are looking for the most suitable mannequin for your business, do not hesitate to consult a Global Window Display Designer or Visual Merchandising Manager to study the solution and the most suitable design for the objectives of your project.

Sources: modaes.es, fashionunited.es, hopesandfears.com, joseluisledesma.com

The post Mannequins: origins and trends appeared first on José Luis Ledesma | Visual Merchandising & Retail Experience Director.

Pero ¿cuál es el su origen?

Origines de los maniquíes

La palabra maniquí procede del holandés manneken y significa “hombre pequeño”. Su origen remonta al antiguo Egipto donde existía el ‘Maniquí de Tutankamón’ una figura que forma parte del ajuar funerario de la tumba del faraón Tutankamón y que fue descubierta en 1922.

El maniquí fue hallado por el arqueólogo Howard Carter en la única tumba real egipcia encontrada intacta y representa el rostro del faraón que reinó de 1336/5  a 1327/5 a.C. Esta figura se cree que era usada para probar y sostener los vestidos de Tutankamón, ya que los sastres del no podían tocar su sagrado cuerpo.

Los primeros maniquíes

El primero maniquí se inventó en Francia en el siglo XVI. Por este motivo, en su origen se llamaban maniquíes franceses y solían estar destinados a las escuelas de costura.

Aunque los primeros maniquíes presentes en los escaparates como los conocemos hoy en día aparecieron solo con la revolución industrial cuando las compras empezaron a ser algo importante y necesario.

En sus inicios se elaboraban principalmente con cera, mientras los pies eran de hierro y las extremidades de madera, lo que elevaba mucho su peso.

Evolución de la figura

Claramente estas figuras de cera tenían sus desventajas, fue entonces, cuando la compañía francesa, Siegel & Stockman, encontró la solución inventando el maniquí hecho de papel maché, el cual pesaba mucho menos que su antecesor y no se derretía durante el verano. Así fue que el nuevo maniquí se convirtió en una figura mucho más plana y estilizada.

A medida que los materiales permitían proporcionar un mayor realismo a los maniquíes las figuras fueron transformándose a lo largo de los años siguiendo las tendencias de cada época.

Por ejemplo en los 50’s y 60’s la figura de Marilyn Monroe con sus formas inspiró la estructura de los nuevos maniquíes del momento.

Mientras durante los 70’s los maniquís se convirtieron en algo más abstracto y perdieron la mayoría de sus rasgos faciales. En cambio a partir de los 90’s se difundieron los maniquíes estilizados con figuras inspiradas a Kate Moss.

Tendencias actuales

En los últimos años, la tendencia es utilizar maniquís cada vez menos realistas y en colores neutros, de manera que no condicionen demasiado las prendas, aunque la impresión 3D esta ligeramente cambiando esto. Sin embargo un tema pendiente sería saber el impacto de su producción al medio ambiente.

En cambio, si ha aumentado la diversificación de posturas o, por ejemplo, el uso de grupos de maniquíes que interactúan entre ellos para garantizar al escaparate más dinamismo.

A la hora de elegir un maniquí, lo primero a tener en cuenta es qué queremos trasmitir, dónde y cómo se va a ubicar la figura. 

En función a los cambios de escaparate que se realice y a su diseño será necesario elegir a un material más o menos ligero y a un maniquí articulado en mayor o menor medida. 

Es importante sobre todo contar con marcas que cuenten con materiales de primera calidad, como es el caso de Atrezzo o Hans Boodt.

Si estás buscando el maniquí más apto a tu negocio no dudes asesorarte con un Global Window Display Designer o Visual Merchandising Manager para estudiar la solución y el diseño más indicado para los objetivos de tu proyecto.

Fuentes: modaes.es, fashionunited.es, hopesandfears.com , joseluisledesma.com

The post Maniquíes: origines y tendencias appeared first on José Luis Ledesma | Visual Merchandising & Retail Experience Director.