Corporate sustainability

Corporate sustainability is an approach that seeks to preserve the environment, improve people’s quality of life, and at the same time optimize the profitability of a business. It involves implementing strategies and practices that minimize negative impacts on the environment and society, while promoting balanced and sustainable economic growth.

Business sustainability can be defined as the ability of a company to manage its operations in a responsible and ethical manner, taking into account social welfare, the environment and long-term economic profitability. This means that companies must be aware of the effects of their actions on the environment and society, and take measures to minimise them.

Why is it important?

Corporate sustainability is crucial in the world today for a series of reasons as:

1. Environmental and social awareness is on the increase, leading consumers to demand more environmentally and socially responsible products and services.
2. Companies that adopt sustainable practices can improve their image and reputation, which in turn can increase customer loyalty and profitability.
3. Implementing sustainability strategies can help companies to meet evolving regulations and legal standards, thereby reducing operational and legal risks.
4. Business sustainability can also result in greater efficiency and cost reduction through the conscious use of resources and innovation in processes and technologies.

Characteristics of corporate sustainability

Businesses should base their actions on universal principles in areas such as human rights, labour, anti-corruption and the environment. This means aligning their operational processes and internal policies with international standards and responsibilities in these areas, and adopting an ethical and responsible approach in all their decisions and actions. Below, we look at some key concepts of corporate sustainability and their practical contributions:

Social support

A sustainable business must be concerned not only with its own structure and operations, but also with the social issues surrounding it, such as the level of poverty, conflict, resource scarcity and the education of the workforce. Corporate sustainability is also measured through indicators that assess how much a company contributes to community development, such as the social empowerment index.

Embedding sustainability in the corporate DNA

Corporate sustainability should be an integral part of a company’s internal culture and processes, and not simply a series of isolated or reactive actions. This implies that sustainable practices are integrated into senior management decision-making, and that a positive and committed stance on sustainability is promoted among employees.

Publication of annual sustainability reports

Sustainable companies should publish annual reports describing their sustainability strategies and results achieved. These reports are an effective way of demonstrating a company’s commitment and responsibility to society and the environment, and can serve as an incentive for other companies to adopt similar practices.

Integration with local communities

Sustainable organizations should establish positive links with local communities, strengthening civil society and promoting civic and democratic values. This involves contributing to the development and well-being of the community, generating employment, promoting culture and education, and improving the quality of life of the general population.

Steps towards company sustainability

There are undoubtedly a number of essential steps that need to be taken to move towards corporate sustainability:

1. Build and strengthen trust:

Transparency and communication are key to building trust among employees, customers and partners. Companies must be honest and open about their sustainability practices and policies, and show their commitment through concrete actions and measurable results.

2. Focusing on climate and environmental concerns

Companies should prioritize reducing their environmental impact and taking action to combat climate change. This may include adopting renewable energy sources, reducing greenhouse gas emissions, and implementing resource conservation and recycling practices.

3. Integrate innovation into business strategy

Innovation is key to developing sustainable solutions and improving resource efficiency. Companies should explore new technologies and processes that allow them to reduce their environmental footprint and optimize their operations, while adapting to market changes and trends.

Indicators of corporate sustainability

To measure progress in implementing sustainable practices, companies can use key performance indicators (KPIs) in the areas of environmental, social and economic sustainability such as:

• Effective use of natural resources.
• Measuring resource and raw material depletion.
• Minimizing the use of environmentally harmful materials and products.
• Prevention of negative impacts on ecosystems.
• Production and use of environmentally friendly products.
• Percentage of employees who consider that the company acts responsibly.
• Number of full-time employees engaged in social investment projects.
• Funds raised for humanitarian and non-profit organizations.
• Employee salaries, contracts and benefits.
• Customer satisfaction, retention, loyalty.
• Employee satisfaction, competence and commitment.
• Accounting policies.
• Budget evaluation.

Corporate sustainability is not only vital to contribute to the preservation of the environment and the communities in which organizations are inserted, but also to the improvement of employees’ professional lives and the relationship with consumers and users. Implementing sustainable practices can make a significant difference to the success and profitability of a company in today’s world.

Ready to start implementing corporate sustainability in your organization?

Sources: eleconomista.es; ibm.com; safetyculture.com; elpais.com

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Although Fornasetti is known for his work in interior design and the creation of decorative objects, he began his career in painting. After studying at the Brera Academy of Fine Arts in Milan, Fornasetti began working as an illustrator for magazines and newspapers. It was during this time that he began to develop his unique style, characterized by a combination of surrealist and classical elements.

Fornasetti also began working in interior design during this time, creating furniture and decorative objects for friends and clients. It was his work in interior design that eventually led him to create his iconic porcelain plate design, which became one of his most famous creations.

He was a painter, sculptor, illustrator, printmaker, designer, ceramist, craftsman, interior decorator, art book publisher and even collector. The fact that he ventured into so many artistic fields made him a born and amusing creator of art. He not only focused on making commissioned decorative pieces, but also enjoyed experimenting with new techniques and materials.

His work has marked a milestone in the history of design, becoming an icon, repeated by furniture designers and fashion houses in their collections under the Fornasetti licence.

Today, his son Barnaba Fornasetti continues to design in his name, creating each piece entirely by hand. Each piece is unique and unrepeatable. To recognize the originals, it is only necessary to look for the serial number and year of production.

Fornasetti’s unique style and inspirations

Fornasetti’s design style is unique and easily recognizable. It is characterized by a combination of classical and surrealistic elements, as well as the use of repetitive patterns and graphic designs. Fornasetti’s designs often feature motifs such as the sun, moon and stars, as well as human and animal figures. He was also inspired by classical architecture and Greek and Roman mythology. Some of his most famous collaborators include the architect Gio Ponti and the surrealist artist Salvador Dalí. Of particular note is his most recent collaboration (2021) with the luxury brand Louis Vuitton.

A collaboration initiated by Nicolas Ghesquière, artistic director of Louis Vuitton’s women’s collections, in which the Maison explores the creative world of the Italian atelier. The collection showcases Fornasetti’s iconic handmade drawings that have captivated art and design lovers since the atelier’s founding in 1940.

These designs were selected by Nicolas Ghesquière in conjunction with Barnaba Fornasetti, Piero’s son and artistic director of the Fornasetti atelier.

Lasting appeal

Fornasetti’s work remains very popular today. This is largely due to his ability to create timeless designs and decorative objects that are both functional and aesthetically appealing. In addition, his use of repetitive patterns and graphic designs means that his creations are easily recognizable and can be used in a variety of design contexts.

His strong point has always been imagination: “It’s fundamental. I try to free my inspiration from the everyday. I don’t paint from reality, but from my memories. I don’t copy.

His work in interior design is one of his most enduring legacies. His designs for wallpaper, decorative objects and furniture can be found in homes and commercial spaces around the world.

Some of his most iconic designs are undoubtedly his porcelain plates, which feature a variety of motifs and graphic designs. One of his most famous designs features the face of Italian actress and singer Lina Cavalieri.

Fornasetti was leafing through a magazine when he suddenly discovered Lina’s face. He was so fascinated that he described her as “[…] the true archetype: the quintessence of an image of classical beauty, like a Greek statue, enigmatic like the Mona Lisa”.

A face with enigmatic features defined by Gabriele D’Annunzio, the most emblematic exponent of Italian decadentism, as “the highest testimony of Venus on Earth”, a timeless physiognomy destined to become an icon.

Fornasetti, without even knowing her, turned Lina Cavalieri into an eternal female icon, transforming and reworking her face, which appears masked, torn, tattooed, reflected in a mirror, cut, inserted into geometric figures, smiling, crying, mischievous, furious in the artist’s works. Perhaps Fornasetti’s Lina can be considered, to all intents and purposes, a twentieth-century Mona Lisa, a precursor of Warhol’s Marilyn.

Fornasetti’s influence on contemporary design

The design is still evident today. His unique style and his ability to create timeless and functional designs have inspired many contemporary designers. In addition, his focus on combining classical and surreal elements has influenced interior design and decorative objects.

A Fornasetti drawing has the power to change the vibe of a place, not because it is beautiful, but because it takes you to a different dimension, that of dreams. Philippe Starck

Throughout his career, Piero Fornasetti left a lasting impact on the world of design. His unique style and his ability to create timeless and functional designs have inspired many contemporary designers.

Sources: revistaad.es; es.louisvuitton.com; nuvomagazine.com; elledecor.com; fornasetti.com; 

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Aunque Fornasetti es conocido por su trabajo en el diseño de interiores y la creación de objetos decorativos, comenzó su carrera en la pintura. Después de estudiar en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, Fornasetti comenzó a trabajar como ilustrador para revistas y periódicos. Fue durante este tiempo que comenzó a desarrollar su estilo único, que se caracteriza por la combinación de elementos surrealistas y clásicos.

Fornasetti también comenzó a trabajar en el diseño de interiores durante este tiempo, creando muebles y objetos decorativos para amigos y clientes. Fue su trabajo en el diseño de interiores lo que finalmente lo llevó a crear su icónico diseño de plato de porcelana, que se convirtió en una de sus creaciones más famosas.

Fue pintor, escultor, ilustrador, grabador, diseñador, ceramista, artesano, decorador de interiores, editor de libros de arte e incluso, coleccionista. El hecho de que se atreviera con tantos campos artísticos, lo convertía en un creador de arte nato y divertido. No solo se centraba en realizar piezas decorativas por encargo, sino que también, disfrutaba experimentando con nuevas técnicas y materiales.

Su obra ha marcado un hito en la historia del diseño, convirtiéndose en un icono, repetido por diseñadores de mobiliario y firmas de moda en sus colecciones bajo la licencia de Fornasetti.

Actualmente, su hijo, Barnaba Fornasetti sigue diseñando en su nombre y creando cada pieza de forma totalmente artesanal. Cada pieza es única e irrepetible. Para reconocer las originales, tan solo es necesario buscar el número de serie y año de producción.

El estilo único de Fornasetti y sus inspiraciones

El estilo de diseño de Fornasetti es único y fácilmente reconocible. Se caracteriza por la combinación de elementos clásicos y surrealistas, así como por el uso de patrones repetitivos y diseños gráficos. Los diseños de Fornasetti a menudo presentan motivos como el sol, la luna y las estrellas, así como figuras humanas y animales. También se inspiró en la arquitectura clásica y en la mitología griega y romana. Algunos de sus colaboradores más famosos incluyen al arquitecto Gio Ponti y al artista surrealista Salvador Dalí. Cabe destacar su colaboración más reciente (2021) con la marca de lujo Louis Vuitton.

Una colaboración iniciada por Nicolas Ghesquière, director artístico de las colecciones femeninas de Louis Vuitton, en la que la Maison explora el mundo creativo del atelier italiano. La colección muestra los icónicos dibujos hechos a mano de Fornasetti que han cautivado a los amantes del arte y el diseño; desde la fundación del atelier en 1940.

Estos diseños fueron seleccionados por Nicolas Ghesquière en conjunto con Barnaba Fornasetti, hijo de Piero y director artístico del atelier de Fornasetti.

El atractivo duradero

El trabajo de Fornasetti sigue siendo muy popular hoy en día. Esto se debe en gran parte a su capacidad para crear diseños atemporales y objetos decorativos que son tanto funcionales como estéticamente atractivos. Además, su uso de patrones repetitivos y diseños gráficos significa que sus creaciones son fácilmente reconocibles y pueden ser utilizadas en una variedad de contextos de diseño.

Su punto fuerte siempre fue la imaginación: “Es fundamental. Yo procuro liberar mi inspiración de lo cotidiano. No pinto a partir de la realidad, sino de mis recuerdos. No copio”.

Su trabajo en el diseño de interiores es uno de sus legados más duraderos. Sus diseños de papel tapiz, objetos decorativos y muebles se pueden encontrar en hogares y espacios comerciales en todo el mundo. 

Algunos de sus diseños más icónicos, son, sin duda, sus platos de porcelana, que presentan una variedad de motivos y diseños gráficos. Uno de sus diseños más famosos presenta el rostro de la actriz y cantante italiana Lina Cavalieri. 

Fornasetti estaba hojeando una revista cuando, de repente, descubrió el rostro de Lina. Se quedó tan fascinado que la describió como «[…] el verdadero arquetipo: la quintaesencia de una imagen de belleza clásica, como una estatua griega, enigmática como la Mona Lisa».

Un rostro de rasgos enigmáticos definido por Gabriele D’Annunzio, el exponente más emblemático del decadentismo italiano, como «el más alto testimonio de Venus en la Tierra», una fisionomía atemporal destinada a convertirse en un icono.

Fornasetti, sin siquiera conocerla, convirtió a Lina Cavalieri en un icono femenino eterno, transformando y reelaborando su rostro, que aparece enmascarado, desgarrado, tatuado, reflejado en un espejo, cortado, insertado en figuras geométricas, sonriendo, llorando, travieso, furioso en las obras del artista. Quizás la Lina de Fornasetti pueda considerarse, a todos los efectos, una Mona Lisa del siglo XX, precursora de la Marilyn de Warhol.

La influencia de Fornasetti en el diseño contemporáneo

Aunque la carrera de Fornasetti abarcó varias décadas, su influencia en el mundo del diseño sigue siendo evidente hoy en día. Su estilo único y su capacidad para crear diseños atemporales y funcionales han inspirado a muchos diseñadores contemporáneos. Además, su enfoque en la combinación de elementos clásicos y surrealistas ha influido en el diseño de interiores y objetos decorativos.

Un dibujo de Fornasetti tiene el poder de cambiar la vibración de un lugar, no porque sea bonito, sino porque te lleva a una dimensión diferente, la de los sueños.  Philippe Starck

A lo largo de su carrera, Piero Fornasetti dejó un impacto duradero en el mundo del diseño. Su estilo único y su capacidad para crear diseños atemporales y funcionales han inspirado a muchos diseñadores contemporáneos.

Fuentes: revistaad.es; es.louisvuitton.com; nuvomagazine.com; elledecor.com; fornasetti.com; 

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La luz, naturalmente, nos atrae y cuando estamos en un ambiente con poca luz, nuestro sistema de alerta tiende a desactivarse, lo cual ayuda a nuestro cuerpo a relajarse.

Por el contrario, en un ambiente con altos niveles de luz nos activamos y ponemos en movimiento. 

¿Qué efecto nos produce la luz?

En pocas palabras la luz tiene la capacidad de activar o desactivar ciertas emociones, y dependiendo de como esté implementada puede ayudarnos a construir distintos tiempos de permanencia en cada lugar al interior de una tienda, por ello es importante tener en cuenta que si mantenemos los mismos niveles de iluminación en todo el espacio, el ritmo de compra será monótono y aburrido.

¿Pero qué son los niveles de iluminación?

En términos sencillos, los niveles de iluminación pueden ser generales o puntuales.  Si distribuimos las luminarias correctamente, podemos crear espacios donde la luz general ayude a los usuarios a desplazarse cómodamente, mientras una luz puntual o localizada nos ayuda a redirigir su atención hacia los espacios o productos que queremos destacar. 

Además, al día de hoy existen una gran variedad de dispositivos que nos permiten usar distintos colores, tonos y temperaturas para lograr una gran variedad de efectos y poder reconfigurar el espacio según nuestras necesidades.

¿Qué ambiente queremos generar en nuestra tienda?

Lo más importante antes de elegir la iluminación es conocer qué ambiente queremos generar en nuestro espacio comercial.

Tenemos que, ante todo, tener clara nuestra imagen corporativa, ya que las luces tienen que ir acorde a ella. La iluminación es otro atributo que describe la personalidad de una marca.

-“La iluminación de nuestros proyectos tiene que estar bien planificada. Una estrategia comercial apoyado con un plan de iluminación bien ejecutado, aumenta las posibilidades de venta.”-

José Luis.

Si queremos invitar nuestros clientes a entrar al interior de nuestro espacio, tenemos que asegurarnos que la tienda se visualice correctamente desde fuera. La iluminación está muy relacionada con dos aspectos fundamentales:

1. El producto que vendemos
2. Lo que queremos transmitir a los consumidores
   

La iluminación nos sirve como reclamo para atraer al cliente a nuestro escaparate o para destacar un artículo respecto al resto. Por ejemplo, un escaparate oscuro o con muchos reflejos dificultará que el consumidor pueda ver con claridad el producto.

Además, no olvides que la iluminación es una gran oportunidad para crear un diseño original para la decoración de tu espacio.

¿Iluminación fría o cálida?

Para elegir los tonos de la iluminación del espacio tenemos que conocer la psicología de los colores y estos siempre han de ir acorde con los diferentes elementos del espacio y con la personalidad de la marca.

La iluminación puede ser fría o cálida, en función de la temperatura de color. Utilizar una u otra dependerá de las zonas a iluminar. 

Por ejemplo, emplearemos una luz cálida en aquellas zonas donde el cliente tenga que pasar más tiempo. Y una luz fría en zonas donde necesitemos más claridad, como en las zonas de caja. 

Podemos aprovechar la iluminación para cambiar de aspecto al espacio cuando haya nuevas tendencias. Así dinamizamos y adaptamos nuestra tienda sin tener que hacer reformas de gran dimensión.

¿Cómo elegir la iluminación para tiendas?

Es importante elegir la luminosidad general de la tienda, según el ambiente que queramos producir será más o menos luminoso. En las zonas de exposición la luminosidad tiene que ser adecuada, para que el cliente no se deslumbre al mirar el producto. 

Los sistemas de iluminación LED son sin duda, el presente, el futuro, principalmente por su eficacia y rendimiento. Hoy en día es el tipo de luz que permite un bajo consumo a la vez que una alta eficiencia. 

A la hora de escoger los tipos de lámparas hay que tener en cuenta la reproducción cromática que ofrece, es decir, la capacidad que tiene de reproducir fielmente los colores de los productos. Es un aspecto fundamental respetar los atributos de los productos, ya que si el cliente compra un artículo en la tienda y cuando llega a casa es de un color diferente podría llegar a sentirse engañado.

Otro aspecto a tener en cuenta en el momento de iluminar el espacio, es que la luz crea sombras y cuantas más lámparas tengamos, más sombras generamos. 

Cuanto más puntual sea la fuente de luz, más nítida será la sombra y al contrario con las fuentes de luz difusas. 

Normalmente, la iluminación general es difusa y cuando resaltamos se suele utilizar una luz puntual. Otra opción es tener expositores retroiluminados para eliminar las sombras y resaltar también los productos.

Para cada espacio su iluminación 

En cada tienda existen diferentes espacios, desde los probadores hasta las cajas o los expositores.

-“…crear espacios es bonito y a veces necesario, pero evita iluminar la nada.“-

José Luis.

Todas estas áreas hay que tenerlas en cuentas a la hora de pensar en un diseño de iluminación, ya que cada zona necesita su propia luz en función del su objetivo.

Escaparate
Es el primer punto de contacto con el cliente. En los escaparates lo más habitual es usar focos y carriles de focos para destacar la forma y textura de los productos expuestos. Para crear diferentes atmósferas se emplean reguladores de intensidad.

Especialmente destacar la comparación de maniquíes vestidos con una iluminación que realce el estilismo y que facilite la rápida atención del cliente. A unos maniquíes, en la misma circunstancia, cuya iluminación no este equilibrada, sea excesiva o en su defecto, una iluminación ausente.

Estanterías
Una vez en tienda, es de vital importancia dirigir la atención del cliente a los productos de las estanterías. Por lo tanto, es una de las zonas de tienda donde la iluminación es más relevante y debe ser de gran calidad. 

Probadores
Es un espacio decisivo para la compra, por lo que la luz debe ser favorecedora. Para ello, se utilizan luces en los laterales de los espejos. Este tipo de luz ayuda a reducir las sombras que provocan los focos superiores. También se recomienda que sea una luz cálida, más cómoda. Y, si queremos ahorrar energía, se pueden aplicar sensores de movimiento para que la luz solo se encienda cuando alguien esté en el interior del probador.

Cajas
Se recomienda una iluminación dinámica para hacer más agradable la espera. 

En definitiva, la iluminación en tienda tiene una funcionalidad muy estratégica y va más allá de simplemente iluminar el exterior y el interior del establecimiento. Si estás pensando en una nueva estrategia de iluminación para tu espacio comercial, no dudes contactar con un profesional del sector para que pueda asesorarte. 

Fuentes: lighting.philips.es; caad-design.com; marcelaseggiaro.com; heca-group.com; studioescaparatismo.es; joseluisledesma.com;

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In Retail, as in many other sectors, consumer habits are changing and especially with the rise of e-commerce have been transforming, so it is very important to always keep innovating and looking for a way to stay connected with our audience.

Each company, depending on its objectives, has to reflect on what values it can bring to the consumer and how to differentiate itself.

Shopping experience

Commercial spaces are configured by factors that stimulate the customer’s senses and are transmitted through materials, textures, lighting, etc.

As architect Juhani Pallasmaa says: “We contemplate, touch, listen and measure the world with our entire physical existence. We are in constant dialogue and interaction with the environment.

What is the customer interaction?

Customer interaction refers to all the ways in which customers interact, both physically and online.

Ideally, these interactions should create a positive reaction and build a customer-brand bond.

Companies that focus on customer engagement will focus on value creation rather than revenue creation. In this way, they provide people with something meaningful, beyond a sales pitch. Such as an experience, customer service or real-time interaction that, when executed correctly, will foster loyalty and sales growth.

Why customer participation is important

Today, there are more and more ways to interact with customers.

To drive consumer interaction, brands must actively work to connect with customers at every opportunity. Whatever engagement strategy is employed, it is important to be consistent in crafting messages that are brand-related and appropriate for the target audience. Deliver a consistent experience, in pursuit of trust and engagement.

Create an excellent customer experience

In order to create a superior experience, you must first look at all the ways in which you interact with your customers, whether in a physical shop or digital medium.

It is not only about making the user experience smooth and efficient, but it is also very important that the brand has a unique personality, which invites customers to get to know it and interact with it.

This is where brand awareness comes into play. For some brands, this might mean, for example, sourcing materials from suppliers that support their values and ethics. For others, it might come from the brand’s historical origins. Whatever it is, it is essential to find ways to highlight that authentic character, because before engaging with a brand, the customer needs to be aware that it exists and that it has something relevant to offer.

Monsieur Rose by Philippe Katerine

Le Bon Marché Rive Gauche and

@Coco_Mode_Stephanemoula

What are the ways to build interaction in our shop?

Here are some practical examples of how to create interaction in a commercial space:

• Immersive art: Using artists, designers, architects or sculptors to create immersive and impactful installations. 

• Gamification: The idea of proposing “games” allowing the audience to win prizes or discounts, for example, is a very dynamic and fun way to create interaction.

• Surprising spaces: Deconstructed spaces, innovative furniture, mirrors on the floor, designer chairs with very original shapes. Curious furniture will be an interesting way to surprise customers.

These are just a few examples of interaction that we can give to our commercial space and with a touch of creativity to give it originality and innovation through interactivity. The goal is: to create an unforgettable brand experience. Don’t hesitate to contact an expert who can advise you on your commercial strategy.

Sources: archdaily.com; outbrain.com; modaes.es; caad-design.com; digitalavmagazine.com; youtube.com; joseluisledesma.com

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En el Retail, como en muchos otros sectores, los hábitos del consumidor son cambiantes y sobre todo con el auge del comercio electrónico han ido transformándose, por eso es muy importante seguir siempre innovando y buscando una forma para seguir conectados con nuestro público.

Cada empresa, en función de sus objetivos, tiene que reflexionar sobre qué valores puede aportar al consumidor y cómo diferenciarse.

Experiencia de compra

Los espacios comerciales están configurados por factores que estimulan los sentidos del cliente y se transmiten a través de los materiales, texturas, la iluminación, etc.

Como dice el arquitecto Juhani Pallasmaa: «contemplamos, tocamos, escuchamos y medimos el mundo con toda nuestra existencia física. Estamos en constante diálogo e interacción con el medio ambiente».

¿Qué es la interacción con el cliente?

La interacción con cliente se refiere a todas las formas en las que los clientes se relacionan, ya sea de forma física como online.

Desde un punto de vista ideal, estas interacciones deberían crear una reacción positiva y construir un vínculo entre clientes-marca.

Las empresas que se centran en la participación del cliente, lo harán en la creación de valor y no en la creación de ingresos. De esta manera brindan a las personas algo significativo, más allá de un argumento de venta. Como por ejemplo: una experiencia, atención al cliente o interacción en tiempo real que, cuándo se ejecuta correctamente, fomentará la lealtad y el crecimiento de las ventas.

Por qué es importante la participación del cliente

Hoy en día, cada vez hay más formas de interactuar con los clientes.

Para impulsar la interacción con el consumidor, las marcas deben trabajar activamente para conectar con los clientes en cada oportunidad. Sea cual sea la estrategia de participación que se emplee, es importante ser coherente elaborando mensajes que estén relacionados con la marca y adecuados para el público objetivo. Brindar una experiencia consistente, en búsqueda de su confianza y compromiso.

Crea una excelente experiencia para los clientes

Para lograr crear una experiencia superior, en primer lugar, se deben analizar todas las formas en las que se interactúa con los clientes, ya sea en una tienda física o medio digital.

No se trata solo de hacer que la experiencia del usuario sea fluida y eficiente, sino también, es muy importante que la marca tenga una personalidad singular, que invite a los clientes, conocerla e interactuar con ella.

En este punto, es donde entra en juego el conocimiento de la marca. Para algunas marcas, esto podría significar, por ejemplo, obtener materiales de proveedores que respalden sus valores y su ética. Para otros, podría provenir de los orígenes históricos de la marca. Sea lo que sea, es fundamental buscar la forma de destacar ese carácter auténtico, ya que antes de comprometerse con una marca, el cliente debe ser consciente de que existe y que tiene algo relevante que ofrecer.

Monsieur Rose by Philippe Katerine

Le Bon Marché Rive Gauche.

¿Cuáles son las maneras de crear interacción en nuestra tienda?

A continuación abordaremos algunos ejemplos prácticos de como crear interacción en un espacio comercial:

• Arte inmersivo: Recurrir a artistas, diseñadores, arquitectos o escultores para crear instalaciones inmersivas e impactantes. 

• Gamification: La idea de proponer “juegos” permitiendo al público de ganar premios o descuentos, por ejemplos, es una manera muy dinámica y divertida de crear una interacción.

• Espacios sorprendentes: Espacios deconstruidos, mobiliarios innovadores, espejos en el suelo, sillas de diseño con formas muy originales. Contar con mobiliario curioso será una manera interesante de sorprender a los clientes.

Estos son solo algunos ejemplos de interacción que podemos darle a nuestro espacio comercial y con un toque de creatividad para darle originalidad e innovación mediante la interactividad. El objetivo es: crear una experiencia de marca inolvidable. Y no dudes en contactar con un experto para que pueda asesorarte en tu estrategia comercial.

Fuentes: archdaily.com; outbrain.com; modaes.es; caad-design.com; digitalavmagazine.com;; youtube.com; joseluisledesma.com

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The term Visual Storytelling refers to the art of telling brand stories with images and visual media.

And if we think of the effectiveness of images as elements that facilitate the creation of persistent memories over time, we will understand the full potential of this approach.

How visual storytelling works?

Visual Storytelling has a huge impact on the perception of businesses; it helps them connect with their customers and at the same time drives sales.

In that sense, the storytelling of these contents can be adapted in many ways; however, there are some basic concepts that we must take into account to create a good strategy. Below, we will review some fundamental steps to tell a successful story:

• Structure: most stories are organized in a very simple way: problem, solution and resolution.
• Simplicity: less is more. We often lose sight of the power of simplicity. A visual story that appeals to the basics will project a strong and clear message, without confusing our audience about what we want to convey.
• Design: there is no need to fill a story with a lot of visual elements, a good design is enough to successfully reach the consumer. 

Where can we use Visual Storytelling?

This technique, for example, allows us to produce extraordinary content for social networks. In addition, the popularity of the most visual platforms, such as Instagram, makes them ideal for visual storytelling.

Visual storytelling is also very powerful for e-commerce. When presenting the products of an online shop, there are different types of images, and each brand must choose the option that best suits its identity and the idea it wants to convey to its audience. 

The Retail world

Consumers evolve with the times, and today more than ever, customers not only want to feel identified with the brand, but they also want to live authentic experiences and get closer to brands that are true to their vision.  Therefore, we can highlight three essential steps for effective visual storytelling in the fashion sector:

• To be loyal and consistent with the brand’s vision

Visual storytelling in fashion works when the brand is consistent and authentic over time, with a message that reflects a complete vision of the brand. 

• Adapting to changing times

It is vital to be relevant in order to achieve effective visual storytelling. Take the example of Dior creative director Maria Grazia Chiuri, who generated incredible media impact in 2019 with the launch of her autumn/winter 2020 collection where models wore T-shirts with the phrase ‘We Should All Be Feminists’, responding to the resurgence of concern for women’s equality and women’s rights.

• Focusing on the consumer

Chiuri managed to be faithful to Christian Dior’s vision by giving voice to the ‘celebration of women’ and responding to a social issue.

The third essential step to a great visual storytelling strategy is to focus on the consumer. Before designing a strategy, ask yourself: What do I want the consumer to feel, and how can I make them feel that way?

The window displays

The benefits of visual storytelling in window displays are several and very important. Among them, we can find:

• Creating empathy 
• Creating emotions
• Connect with the audience
• Humanize the brand

The window display, being the point of physical connection with customers, is the perfect scenario to share a clear, concise and consistent story that is faithful to the brand and with which we can achieve many benefits. 

In conclusion, this technique can be used in different areas of the retail and fashion world.

With a strong storytelling strategy, Visual Storytelling will become one of the most vital techniques for your company. Don’t hesitate to contact a Retail and Visual Merchandising for a professional consultancy.

Sources: fashionunited.es; mkparadise.com; launchmetrics.com; marketinginsiderreview.com; joseluisledesma.com

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When fashion meets art

Art has always been a faithful partner of window displays. Cities dress up with shop windows that identify a style, an era, recreating scenes and experiences.

Luxury firms and designers who have a direct relationship with art know this very well, since they do not make Prêt-à-porter but “pieces of art that dress” with an essence of lasting value over time.

A necessary partnership that feeds back into both the one and the other.

Specifically, the design of window design has an association with ephemeral art with a vision and access for all, with a strong connection to the culture of the environment and of the moment.

Window design is not just a couple of randomly placed objects, but the fusion of the aforementioned with what is inside the point of sale.

The history of 19th century art is full of great painters who exhibited their works in stores of various kinds.

Goya presented his Caprichos for sale in a drugstore in Madrid, Hogarth sold his works in his brother’s store, Turner found his first customers in his father’s barbershop, Thomas Cole‘s landscapes were discovered by the historian William Dunlap in a window of a New York street while Monet became known in the window of a store in Le Havre. (Lorente, 2000).

Display windows as we know them today in Spain have evolved since the seventies, when commercial and artistic techniques converged with the aim of creating brand image. But it was only in the eighties when the process began in which products were treated as works of art in a museum, turning stores into art galleries.

The contemporary artist Banksy, for example, often uses the streets and stores to show his work.

In 2008 he opened his first exhibition (not dedicated to the world of graffiti) in a pet store, The Pet Store and Chacoal Grill in New York. The artist’s goal was to promote a critique of modern society and denounce animal abuse in different industries.

Also, the art of Keith Haring, known for combining art and fashion, has been featured in Stella McCartney’s transparent tattooed mannequins.

Nowadays, in Spain, art and window display are becoming more and more relevant: the international contemporary art fair ARCO has been focusing on it for years. For example, in 2014 it transformed all the windows display of El Corte Inglés in Preciados street by filling them with works by various artists.

Louis Vuitton

If there is a brand that is deeply connected to art, it is undoubtedly Louis Vuitton. Collaborations with artists such as Stephen Sprouse, Takashi Murakami or Yayoi Kusama have created unique experiences and collections.

Vuitton was always a visionary and lover of beauty. One of his diverse and multiple interests was the conception and creation of window displays, which are the closest thing to an art gallery.

Thanks to its strong interest in art, its window displays have seen works by Frank Gehry, Peter Marino, Daniel Buren, Takashi Murakami or Yayoi Kusama recreating true magical worlds in which golden dinosaurs, aerostatic balloons or colorful universes have given us an unforgettable experience.

Such is the importance the brand places on window displays that in 2016 the Assouline publishing house published Louis Vuitton Windows, a book celebrating the brand’s most original window displays.

Loewe

Loewe is one of the pioneering brands in contributing to visual and aesthetic education.

Their window displays can be considered small museum pieces and their love for art has been kept alive since the brand’s origin.

The ultimate expression of this interest in the artistic world was the creation of the Loewe Foundation, which since 1988 has been promoting creativity and educational projects in various fields: dance, design, poetry, photography and crafts.

It was in 1939 when Enrique Loewe Knapped opened in Gran Vía (Madrid) one of its most emblematic stores, becoming one of the first to adopt semicircular shop windows.

Since the beginning, these window displays have become great fashion references that, season after season, have generated a strong impact thanks to the creation of sophisticated scenes full of magic.

For the first time, the window displays gave a glimpse of the luxury inside the stores, and José Pérez de Rozas, Loewe’s creative director for 33 years, was responsible for it.

In love with animal sculptures, Pérez de Rozas brought a touch of Hollywood glamour and a taste for the most exclusive luxury through his creations.

Since then, Loewe has been committed to creativity and its strong relationship with art, collaborating with different national and international artists for the creation of its window displays and collections.

This industry lives not only of fashion, but also of art, of visual and aesthetic richness with which to educate the eye. Loewe knows it well, claims its good taste and values in each of its campaigns and we have the privilege of enriching ourselves just walking through the streets of our city.

The history of fashion teaches us that window displays are not only a tool to showcase products but a stage where fashion and art can merge to create unique experiences and magical places.

Sources: joseluisledesma.com; vogue.es; hmvm.co.uk ; revistaad.es ; exitmail.net; revistadearte.com ; lofficiel.es

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Cuando la moda encuentra el arte

El arte siempre ha sido un fiel compañero del escaparatismo.  Las ciudades se visten con escaparates que identifican un estilo, una época recreando así escenas y experiencias.

Los saben muy bien las firmas y los diseñadores de lujo que tienen una relación directa con el arte, puesto que ellos no hacen Prêt-à-porter sino “piezas de arte que visten” con una esencia de valor duradera en el tiempo. 

Una asociación necesaria que retro-alimenta tanto a uno como el otro. 

En concreto, el diseño de los escaparates tiene una asociación con el arte efímero con una visión y acceso para todos, con una fuerte conexión con la cultura del entorno y del momento. 

El escaparatismo no son un vulgar par de objetos colocados al azar, sino la fusión de lo anteriormente dicho junto con lo que hay en el interior del punto de venta.

La historia del arte del siglo XIX está llena de grandes pintores que depositaban sus obras en tiendas de varios tipos.

Goya puso a la venta sus Caprichos en una droguería madrileña, Hogarth vendía sus obras en la tienda de su hermano, Turner encontró sus primeros clientes en la barbería de su padre, los paisajes de Thomas Cole fueron descubiertos por el historiador William Dunlap en un escaparate de una calle neoyorquina mientras Monet se dio a conocer en la vitrina de un comercio en El Havre. (Lorente, 2000).

Los escaparates como los conocemos hoy en España han evolucionado desde los años setenta, cuando convergen las técnicas comerciales y artísticas con el objetivo de crear imagen de marca. Pero, será solo en los ochenta cuando empieza el proceso en el que los productos se tratan como obras de arte en un museo, convirtiendo las tiendas en galerías de arte.

Por ejemplo, el artista contemporáneo Banksy, utiliza a menudo las calles y las tiendas para mostrar su obra.

En 2008 inauguró su primera exposición (no dedicada al mundo del graffiti) en una tienda de mascotas The Pet Store and Chacoal Grill en New York. El objetivo del artista era promover una crítica a la sociedad moderna y denunciar el maltrato animal existente en diferentes industrias.

También el arte de Keith Haring, conocido por combinar arte y moda, ha sido protagonista en los maniquíes tatuados transparentes de Stella McCartney.

Al día de hoy, en España, el arte y el escaparatismo están cobrando siempre más relevancia: ya hace años que la feria internacional de arte contemporáneo ARCO ha puesto su objetivo en ello. Por ejemplo, en 2014 transformo todos los escaparates de El Corte Inglés de calle Preciados llenándolos con obras de varios artistas.

Louis Vuitton

Si hay una firma que está profundamente relacionada con el arte, esta es, sin duda, Louis Vuitton. Las colaboraciones con artistas como Stephen Sprouse, Takashi Murakami o Yayoi Kusama han dado lugar a experiencias y colecciones únicas.

Vuitton siempre fue un visionario y amante de la belleza. Uno de sus diversos y múltiples intereses era la concepción y creación de escaparates, que son lo más parecido a una galería de arte.

Gracias a su fuerte interés por el arte, sus vitrinas han visto trabajos de Frank Gehry, Peter Marino, Daniel Buren, Takashi Murakami o Yayoi Kusama recreando verdaderos mundos mágicos en los que dinosaurios dorados, balones aerostáticos o universos de color nos han regalado una experiencia inolvidable.

Tal es la importancia que la firma le da a los escaparates que la editorial Assouline publicó en 2016 Louis Vuitton Windows, un libro que celebra los escaparates más originales de la firma.

Loewe

Loewe es una de las marcas pioneras en contribuir a la educación visual y estética.

Sus escaparates pueden ser considerados como pequeñas piezas de museo y su amor por el arte se ha mantenido vivo desde el origen de la marca.

Su máxima expresión de este interés por el mundo artístico fue la creación de la Fundación Loewe, que desde el año 1988 promueve la creatividad y los proyectos educativos en varios ámbitos: danza, diseño, poesía, fotografía y artesanía.

Fue en 1939 cuando Enrique Loewe Knapped abrió en plena Gran Vía (Madrid) uno de sus locales más emblemáticos convirtiéndose en uno de los primeros en adoptar escaparates semicirculares. 

Desde su comienzo, estos escaparates se convirtieron en grandes referentes de la moda que, temporada tras temporada, han generado un fuerte impacto gracias a la creación de escenas sofisticadas llenas de magia.

Por primera vez, los escaparates dejaban adivinar cómo era el lujo dentro de las tiendas, y su responsable fue José Pérez de Rozas, director creativo de Loewe durante 33 años.

Enamorado de las esculturas animales, Pérez de Rozas acercó el toque glamour de Hollywood y el gusto por el lujo más exclusivo a través de sus creaciones.

Desde entonces, Loewe ha apostado por la creatividad y por su sólida relación con el arte, colaborando con diferentes artistas nacionales e internacionales para la creación de sus escaparates y colecciones.

No solo de moda vive esta industria, también de arte, de riqueza visual y estética con la que educar la mirada. Loewe lo sabe bien, reivindica su buen gusto y sus valores en cada una de sus campañas y nosotros tenemos el privilegio de enriquecernos simplemente paseando por las calles de nuestra ciudad.

La historia de la moda nos enseña, que los escaparates no solo son una herramienta para mostrar productos sino un escenario donde moda y arte pueden fundirse para crear experiencias únicas y lugares mágicos.

Fuentes: joseluisledesma.com; vogue.es; hmvm.co.uk ; revistaad.es ; exitmail.net; revistadearte.com ; lofficiel.es

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Big Data is a process that analyses and interprets large volumes of data, both structured and unstructured. This remotely stored information can be used by companies as a basis for their business decisions.

Opportunities and challenges

The characteristics of the Fashion and Retail sector make it an ideal field for the use of Big Data, which combined with analysis techniques can generate great opportunities.

The correct use of Big Data allows us to process information to know our customers, understand their behaviour and consequently decide how to build sales strategies.

With good management and analysis we can, for example, create suggestions based on the purchase history of our customers or generate customized orders.

Some of the most important information we can analyse in the Retail sector are:

• Customer abandonment or cart abandonment prediction
• Hours of peak sales
• Increased customer Lifetime Value
• Store performance
• Demand prediction
• Conversion rates
• Stock control
• Increased customer loyalty
• Product insights
• Shopping cart analysis: cross-selling and up-selling
• Product information

In addition to collecting them, it is very important to know how to analyse and interpret them. It is necessary to have an orderly and prioritized structure to present the data in an accessible and visual way.

In this way we will be able to reach effective conclusions in order to implement effective strategies.

Big Data and competitors

A report by McKinsey states that companies that use consumer data information are able to outperform competitors by 85% in sales growth.

This is because they use the Big Data process and analysis in the right way, with which they can gain market knowledge and also product insights.

According to The Guardian, the fashion brand ASOS, for example, achieved a 33% increase in sales using the Big Data analytics services of EDITD: a British start-up, specializing in fashion companies that also works for companies such as TopShop, M&S, Banana Republic and Abercrombie & Fitch.

The company helped the ASOS sales team to determine the most appropriate products and pricing to increase sales without losing profitability.

In conclusion, the strategic use of data will allow to optimize from sales management to the logistics of a company as well as its commercial image, thus increasing its profits and improving the shopping experience of its customers.

Sources:

mckinsey.com; oracle.com; the guardian.com; zendesk.com; ecommerce-news.es; joseluisledesma.com.

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El Big Data consiste en un proceso que analiza e interpreta grandes volúmenes de datos, tanto estructurados como no estructurado. Estos datos almacenados de forma remota puedan ser utilizados por las empresas como base para su toma de decisiones.

Big data: oportunidades y retos

Las características del sector de la Moda y del Retail hacen que sea un terreno ideal para el uso del Big Data, que combinado con técnicas de análisis puede generar grandes oportunidades.

El uso correcto del Big Data permite procesar datos para conocer a nuestros los clientes, entender su comportamiento y de consecuencia decidir de qué manera construir estrategias de ventas.

Con una buena gestión y análisis de datos podemos, por ejemplo, crear sugerencias basadas en el historial de compra de nuestros clientes o generar pedidos personalizados.

Algunos de los datos más importantes que podemos analizar en el sector del Retail son:

• Predicción del abandono de clientes o abandono del carrito
• Horarios de mayor ventas 
• Aumento del Lifetime Value del cliente
• Rendimiento de las tiendas
• Predicción de la demanda
• Tasas de conversión
• Control de stocks
• Aumento de la fidelización del cliente 
• Información de productos
• Análisis de la cesta de la compra: cross-selling y up-selling
• Información de productos

Aparte de recolectar datos es muy importante saber como analizarlos e interpretarlos. Hay que contar con una estructura ordenada y jerarquizada para presentar los datos de forma accesible y visual.

De esta forma podremos alcanzar conclusiones efectivas para poder implementar estrategias efectivas.

Big Data y competencia

Un informe realizado por McKinsey, establece que las empresas que usan la información de los datos de sus consumidores, son capaces de superar a los competidores en un 85% en el crecimiento en las ventas.

Esto es porque usan de forma correcta el proceso y el análisis del Big Data, con el que pueden obtener conocimiento del mercado y también de los productos.

Según The Guardian, la marca de moda ASOS, por ejemplo, consiguió aumentar sus ventas un 33% usando los servicios de análisis de Big Data de EDITD: una start-up británica, especializada en análisis de Big Data para empresas de moda que también trabaja para firmas como TopShop, M&S, Banana Republic y Abercrombie & Fitch.

La empresa ayudó al equipo comercial de ASOS a determinar cuáles eran los productos más adecuados y el precio idóneo para conseguir aumentar las ventas sin perder la rentabilidad. 

En el mundo del Retail, cada día es más importante garantizar un servicio personalizado a los clientes y en este sentido el Big Data tiene como objetivo ayudar a las empresas en este reto.

En conclusión, el uso estratégico del Big Data permitirá optimizar desde la gestión de las ventas hasta la logística de una empresa como también la imagen su comercial, aumentando así sus beneficios y mejora la experiencia de compra de sus clientes.

Fuentes:

mckinsey.com ; oracle.com ; the guardian.com ; zendesk.com; ecommerce-news.es; joseluisledesma.com.

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But, what is the purpose of a Pop-Up Store?

The goal of Pop Up Stores is to be located in places of great affluence with the intention to surprise, inspire and generate a great impact on potential customers. It can also be of great help to test new sales lines, give exclusivity to certain products or cover specific seasonal periods.

These temporary spaces allow brands to create a unique environment that engages their customers and allows them to generate feelings of relevance and interactivity.

Pop Up Stores around the world

There are many brands that have adopted this format, which despite its ephemeral nature is able to generate a great impact in the long term. Below, we will review some of the most memorable Pop Up Stores from around the world:

• Adidas: the sports brand in 2013 with the aim of promoting the Stan Smith sneakers made a very surprising presentation in London: a pop-up store in the form of a shoebox in giant size.

• Hermès: the luxury brand created in 2016 Hermèsmatic: temporary stores in cities such as Milan, Barcelona and Madrid where you could customize vintage scarves through a free dyeing process. Creating a whole experience based on silk.

• Lacoste: in 2012 the French brand bet to create a pop-up store in one of the most famous festivals in the world: Coachella. The space designed by the Aruliden studio (New York) was made from redesigned metal containers.

What are the benefits of Pop Up Stores?

The versatility of pop up stores can help us create unique spaces and unforgettable experiences. A well-structured pop up store can bring great benefits, among the most relevant we can find:

• Uniqueness: the space is unique and unrepeatable, so customers who visit the Pop-Up Store must live an impressive experience.

• Location: one of the main characteristics of a Pop-Up Store is to be located in the most popular areas of the city, which ensures a high influx. If it is an online business, a physical store can be opened temporarily to reach customers offline as well, covering both sides of the market, as in the case of AliExpress or Amazon.

• Branding: an ideal action to transmit or reinforce the image and positioning of the brand.

• Viral Content: a creative space will make the media talk about it. The spreading of the news of the opening can help us to improve the brand image, to reach a new type of public or to present a certain new product.

• Experience: thanks to the exclusivity and originality of the event, combined with all the sensory marketing tools, Pop-Up Stores can offer an experience that consumers will not forget.

Pop Up Stores have been able to fundamentally change the retail sector by breaking away from the routine of stores and commercial establishments, and from the usual brand positioning strategies, to create a superior impact on the minds and emotions of consumers.

Success and Pop Up Stores

Brands that decide to opt for this commercial strategy must take into account a series of factors that will be the key to their final success:

• The space in which the Pop Up Store will be developed must offer a unique experience in accordance with the type of products to be marketed. Emblematic places in big cities, museums or industrial warehouses are perfect places to organize ephemeral spaces.

• Having a solid communication strategy, in addition to having an expert in the creation of commercial spaces such as a Window Display Designer & Visual Merchandising Manager is essential to get the right audience and create an efficient and attractive space.

The success of a Pop Up Store is knowing how to create unique experiences, offer exclusive products and a personalized treatment for each of the people who come to the space.

Sources: revistavanityfair.es; aruliden.com; designboom.com; arquitecturaydiseno.es

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But what exactly is Vintage?

Vintage is an English word derived from the French “vendenge” which translates as “old wine” that translated to the fashion world could be interpreted as “love for the past” and represents fashion trends through unique garments and elements from previous eras.

Today, it consists precisely in recovering the pieces of the past to create a contemporary and sustainable style.

The cyclical nature of fashion has always fostered a sense of nostalgia, but beyond reinvention, there are other sentiments that are motivating this look back, such as sustainability.

In some countries, such as the United States, buying and wearing vintage clothing is a trend that has been around for decades, while in Europe it is a relatively new habit that is growing steadily, in fact it is a moving market that is gaining more and more space and followers.

It is important to highlight the benefits that this type of consumption brings to the environment. For example, vintage clothing, apart from reducing the amount of raw materials used by the fashion industry, also helps to reduce the carbon footprint generated by its commercialization and distribution.

According to the Ellen MacArthur Foundation, we use a garment 7 to 10 times before discarding it, and 80 billion items are purchased worldwide each year. Given this situation, promoting a sustainable model applied to fashion seems essential.

If you are interested in the vintage world: here you can find a small guide with a selection of physical and online stores where you can find unique garments.

• Vestiaire Collective: this platform, pioneer of second-hand luxury, with offices in New York, London, Berlin, Milan and Paris, is a community to buy and sell unique second-hand products in the best conditions. It has a permanent catalogue of more than 600,000 products that are joined weekly by thousands of options that previously pass an exhaustive quality and authenticity control by a team of experts.

• Depop: is a 2.0 flea market very appreciated by the Z generation that offers its users the opportunity to buy and sell vintage clothing. It currently has 13 million users in more than 147 countries, including Spain.

• Vintalogy: has different physical stores in Madrid in addition to its online store. They offer a selection of casual style garments as well as some of the most iconic sneakers in history.

• Flamingo Vintage Kilo: is the first boutique in Spain specialized in the sale of unique vintage pieces of North American origin that are sold by weight. In addition to an online store, it has several physical spaces in different cities in Spain.

• Blow by Le Swing: is one of the reference stores of luxury vintage in Barcelona.

• Rokit: is one of the best stores in London to find vintage and retro clothing. It has different physical spaces around the capital, as well as an online store.

• Amore Vintage: in this famous Tokyo store there are about 6,000 products: from iconic collections to limited version pieces. Amore Vintage has consolidated its position as the best destination to find luxury vintage garments from brands such as Chanel, Hermès, Louis Vuitton, Gucci, Fendi, Dior, Prada, Ferragamo and Celine.

• Humana Vintage: is one of the reference of second-hand clothing stores related to the foundation Pueblo para Pueblo, which works with cooperation projects in countries in Africa, South America and Asia. They have different stores in Barcelona, Madrid, Granada, Milan and Turin. They have recently opened a new ‘vintage’ space, with a selection of clothing and accessories from past decades.

Undoubtedly, the Fashion and Retail industry has to look to the past to build a responsible and sustainable future.

Have you decided to try yet a vintage store?

Sources: joseluisledesma.com, ellenmacarthurfoundation.org, lavanguardia.com, telva.com, elle.com, marie-claire.es, vogue.es

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Pero, exactamente ¿qué significa Vintage?

Vintage es una palabra en inglés derivada del francés “vendenge” que se traduce como “vino añejo” que trasladado al mundo de la moda podría interpretarse como “amor por el pasado” y representa las tendencias de moda a través de prendas y elementos únicos de épocas anteriores.

Hoy en día, consiste precisamente en recuperar las piezas del pasado creando un estilo contemporáneo y sostenible.

La naturaleza cíclica de la moda siempre ha fomentado un sentido de nostalgia, pero más allá de la reinvención, hay otros sentimientos que están motivando esta mirada hacia atrás, como la sostenibilidad.

En algunos países, como en Estados Unidos, comprar y utilizar ropa vintage es una tendencia que existe desde ya hace varias décadas mientras en Europa es un hábito relativamente nuevo que no para de crecer, de hecho es un mercado en movimiento que está ganando siempre más espacio y seguidores.

Es importante remarcar los beneficios que aportan al ambiente esta modalidad de consumo. Por ejemplo, la ropa vintage aparte reducir la cantidad de materias primas usadas por la industria de moda también ayuda a disminuir la huella de carbón generada por su comercialización y distribución.

Según la Ellen MacArthur Foundation, utilizamos de 7 a 10 veces una prenda antes de deshacernos de ella y cada año se compran en el mundo 80.000 millones de artículos. Ante esta situación promover un modelo sostenible aplicado a la moda parece imprescindible. 

Si estás interesado en el mundo del vintage: aquí podrás encontrar una pequeña guía con una selección de tiendas físicas y online donde buscar prendas únicas.

• Vestiaire Collective: esta plataforma, pionera del lujo de segunda mano, tiene oficinas en Nueva York, Londres, Berlín, Milán y París es una comunidad para comprar y vender productos únicos de segunda mano en las mejores condiciones. Cuenta con un catálogo permanente de más de 600.000 productos al que se unen semanalmente miles de opciones que previamente pasan un exhaustivo control de calidad y autenticidad por un equipo de expertos. 

• Depop: es un mercadillo 2.0 muy apreciado por la generación Z que ofrece a sus usuarios la oportunidad de comprar y vender ropa vintage. Actualmente cuenta con 13 millones de usuarios en más de 147 países, entre ellos España.

• Vintalogy: cuenta con diferentes tiendas físicas en Madrid además de su tienda online. Ofrecen una selección de prendas de estilo casual además de algunas de las zapatillas de deporte más icónicas de la historia.

• Flamingo Vintage Kilo: es la primera boutique de España especializada en la venta de piezas únicas vintage de origen norteamericano que se venden al peso. Tiene además de una tienda online varios espacios físicos en diferentes ciudades de España.

• Blow by Le Swing: es una de las tiendas referentes del vintage de lujo de la ciudad condal.

• Rokit: es una de las mejores tiendas de Londres para encontrar ropa vintage y retro. Cuenta con diferentes espacios físicos por la capital además de una tienda online.

• Amore Vintage: en esta célebre tienda de Tokio hay alrededor de 6.000 productos: desde colecciones icónicas hasta piezas de versión limitada. Amore Vintage ha consolidado su posición como el mejor destino para encontrar prendas vintage de lujo de marcas como: Chanel, Hermès, Louis Vuitton, Gucci, Fendi, Dior, Prada, Ferragamo y Celine.

• Humana Vintage: es una de las cadenas de referencia de ropa de segunda mano vinculada a la fundación Pueblo para Pueblo que trabaja con proyectos de cooperación en países de África, Sudamérica y Asia. Cuentan con diferentes tiendas en Barcelona, Madrid, Granada, Milan y Turín. Recientemente han abierto un nuevo espacio ‘vintage’, con selección de ropa y accesorios de décadas pasadas.

Sin duda, la industria de la Moda y del Retail tiene que mirar hacia el pasado para construir un futuro responsable y sostenible.

¿Te has animado a probar alguna tienda vintage? 

Fuentes: joseluisledesma.com, ellenmacarthurfoundation.org, lavanguardia.com, telva.com, elle.com, marie-claire.es, vogue.es

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According to a study conducted by Digital News Report, podcasts in Spain are used by 39% of Spanish Internet users, whose purposes are: to inform (45%), educate (31%) and entertain (34%).

In 2020, according to Listen Note, there were 1.7 million podcasts with more than 82 million episodes in more than 100 languages; English being the main language with 900,000 programs, followed by Spanish with 100,000.

The advantages of podcasts are many: you can listen to them wherever you want, while doing other activities, besides it does not require a large investment for the brands that want to produce them, allowing to communicate and tell stories in a simple and direct way.

It is also a very accessible format, you only need a device with an internet connection to access the applications developed for this purpose. Among the most used are iVoox, Apple Podcast and Spotify.

Certainly, this formula for information and entertainment has come to stay.

In the fashion industry there are already many brands that have opted for podcasts. Here is a list of our personal selection.

• Fash-ON Fash-OFF

This i-D podcast, comes direct from London, is indispensable for all those who are passionate about fashion, style and the latest trends. You can get inspired by listening to talk about the designer’s collections and everything you need to know about fashion. You can find it on Spotify or Apple Podcast.

• THE MEMORY OF… With John Galliano.

This celebrated podcast first launched in 2018 and is still very successful.

It’s a journey inside Galliano’s personal atelier where the designer reveals his way of thinking, understanding fashion and about new ways of defining feminine or masculine. “A story usually heard only by those who belong to the fashion circle.” This is how he describes it. Essential to be inspired and learn from one of the most visionary designers in fashion.

• Gucci Podcast

Gucci Podcast is available on Spotify, Soundcloud and Apple Podcast. The topics are varied and very interesting, with guests such as Massimo Bottura, the three Michelin star chef in charge of Gucci Osteria. Each episode focuses on important topics for the brand, such as feminism and the socio-cultural problems that we are living today. You can’t miss it!

• Dressed: The History Of Fashion

This podcast created and hosted by Cassidy Zachary and April Calahan explores the incredible social and cultural history behind the clothes we wear every day. You can find a new episode every Tuesday and Thursday.

• The Collective Podcast

Although is not a fashion-specific podcast, The Collective Podcast offers bi-weekly episodes of entertaining and informative discussions with creative industry leaders from around the world. Created and hosted by designer and director Ash Thorp, it aims to explore the struggles of work/life balance to share the experiences of influential creatives from all walks of media, including designers, illustrators, visual effects artists, writers, painters and programmers. It’s definitely a must-have podcast for all lovers of creativity.

• La moda dice

This podcast directed by the Argentine Eugenia Maurello, a journalist with a postgraduate degree in Sociology of Design, tells us about fashion and its social role, covering topics such as sustainability and diversity.

• Slow Fashion Life

Slow Fashion Life is a bi-weekly podcast that approaches issues of the fashion world but from a perspective of sustainability. Cristina Aparicio, the host of the podcast, spreads sustainable fashion through interviews and stories of different sustainable brands, women entrepreneurs and their experiences with slow fashion reflecting on topics such as sustainable fabrics, the origin of clothing and fashion scene from an ethical perspective.

• Un Podcast de Moda

Un Podcast de Moda de S Moda (El País) is one of the Spanish-language podcasts on fashion par excellence.

The journalists Clara Ferrero and Carlos Megía, tell us about trends, entertainment, analyzing all the looks of the red carpets and the most important events in the fashion world with their direct and simple way of communicating. 

This is our personal selection of the most interesting podcasts of the moment about fashion and design, without a doubt, there are many more creators in this panorama that offer quality content. What are your essential podcasts?

Sources: Digital News Report, Listen Note, Apple Podcast, SModa

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Según un estudio realizado por Digital News Report, el podcast en España es utilizado por el 39% de los internautas españoles, los cuales tienen los como propósito: informarse (45%), formarse (31%) y entretenerse (34%).

En 2020, según Listen Note, existían 1,7 millones de podcasts con más de 82 millones de episodios en más de 100 idiomas; siendo el inglés el idioma principal con 900.000 programas, seguido por el español con 100.0000.

Las ventajas de los podcasts son muchas: puedes escucharlo donde quieras, mientras haces otras actividades y sobre todo no requiere una gran inversión para las marcas que los quieren producir, permitiendo comunicar y contar historias de forma sencilla y directa.

Además es un formato muy accesible, solo necesitas un dispositivo con conexión a internet para acceder a las aplicaciones desarrolladas a propósito. Entre las más utilizadas tenemos iVoox, Apple Podcast y Spotify.

Sin duda, esta fórmula de informarse y entretenerse ha llegado para quedarse.

En la industria de la moda ya son muchas las marcas que han apostado por los podcasts. A continuación os dejamos un listado de nuestra selección personal de podcast en ingles y español.

• Fash-ON Fash-OFF

Este podcast de i-D, directamente desde Londres, es indispensable para todos los apasionados de moda, estilo y de las últimas tendencias. Puedes inspirarte escuchando hablar sobre las colecciones de los diseñadores y todo lo que necesitas saber sobre moda. Puedes encontrarlo en Spotify o en Apple Podcast.

• THE MEMORY OF… With John Galliano.

Este célebre podcast en inglés lanzado por primera vez en 2018 sigue teniendo mucho éxito.

Es un viaje a dentro el atelier personal de Galliano donde el diseñador revela su manera de pensar, entender la moda y sobre las nuevas maneras de definir lo femenino o masculino. “Una historia usualmente escuchada solo por aquellos que pertenecen al círculo de la moda.” Así lo describe. Imprescindible para dejarse inspirar y aprender de uno de los diseñadores más visionarios de la moda.

• Gucci Podcast

Gucci Podcast está disponible en Spotify, Soundcloud y Apple Podcast. Los temas son variados y muy interesantes, además cuenta con invitados como Massimo Bottura, el chef de tres estrellas Michelin a cargo de Gucci Osteria. Cada episodio aborda temas importantes para la marca como por ejemplo el feminismo y los problemas socioculturales que se viven al día de hoy. ¡No te lo puedes perder!

• Dressed: The History Of Fashion

Este podcast creado y presentado por Cassidy Zachary y April Calahan explora la increíblemente historia social y cultural detrás de la ropa que usamos cada día. Puedes encontrar un nuevo episodio todos los martes y jueves.

• The Collective Podcast

Aunque no se trate de un podcast específico sobre moda, The Collective Podcast ofrece episodios quincenales de debates entretenidos e informativos con líderes de la industria creativa de todo el mundo. Creado y presentado por el diseñador y director Ash Thorp, su objetivo es explorar las luchas del equilibrio trabajo  y vida diaria para compartir las experiencias de creativos influyentes de todos los ámbitos de los medios, incluidos diseñadores, ilustradores, artistas de efectos visuales, escritores, pintores y programadores. Sin duda es un podcast indispensable para todos los amantes de la creatividad y del diseño.

• La moda dice

Este podcast dirigido por la argentina Eugenia Maurello, periodista con Posgrado en Sociología del Diseño nos cuenta sobre la moda y su rol social tocando temas como la sostenibilidad y la diversidad.

• Slow Fashion Life

Slow Fashion Life es un podcast quincenal que aborda los asuntos del mundo de la moda desde una perspectiva de la sostenibilidad. Cristina Aparicio, la host del podcast, difunde la moda sostenible por medio de entrevistas e historias a distintas marcas sostenibles, mujeres emprendedoras reflexionando sobre temas como tejidos sostenibles, el origen de la ropa y la moda vista desde una perspectiva ética.

• Un podcast de moda

Un Podcast de Moda de S Moda (El País) es uno de los podcasts en castellano sobre moda por excelencia. Las periodistas Clara Ferrero y Carlos Megía, nos cuentan sobre tendencias, entretenimiento analizando todos los looks de las alfombras rojas y de los eventos más importantes del mundo de la moda con su manera de comunicar directa y sencilla. 

Este es nuestra selección personal de los podcasts más interesantes del momento sobre moda y diseño, sin duda, hay muchos más creadores en este panorama que ofrecen contenido de calidad. ¿Cuáles son tus podcasts imprescindibles?

Fuentes: Digital News Report, Listen Note, Apple Podcast, SModa

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It is important to pay attention and understand the meaning of each color, what represents and what effect would have in the commercial statement that we want to deliver.

Colors can convey feelings, emotions and messages to us, using them consciously is the key to a winning design.

The psychology of color has to be studied and analysed in every design strategy. Many important firms and companies already use the psychology of colour to reinforce the message of their campaigns, their products or to effectively reach the profile of the customer they are targeting.

Colours are essential to define the composition of any shop window, to create balance, manipulate the perception of objects and the sensations we want to transmit to the customer.

The way in which the color is applied in the design of a shop window will completely alter the final result, so colour is a truly important.

There are some accepted and shared concepts regarding colour, applied in both sides West and East. Understanding their meanings will allows us to be accurate in the application of color and its psychology. For this reason, it is essential to study its history and live its culture.

Do colours have gender?

As we have commented previously, there are many social conventions at a global level around certain colours, but at the same time, there are many subjective aspects in the psychology of color that will cause the same colour to have many interpretations and meanings in different cultures, historical times or parts of the world.

There are colours that are used today differently if we compare them with the use they had in the past, such is the case of pink and blue.

Currently, we are used to associating the color blue with the masculine and the pink with the feminine, but this has not always been the case.

The use of pink for girls and blue for boys is a relatively new concept if we compare it with time ago framed in each historical context. In fact, traditionally, blue symbolized for many centuries, the feminine, linking water and the sea. The opposite of this element is fire, red being assigned to the masculine.

What about pink?

“Reformist fashion”

Pink color is associated today with the feminine world, however, until 1920s, was a masculine color. Before this decade, the indicated colour for girls was white or blue. For this reason, as Eva Heller explains, in her book “The Psychology of Color”, we can see male children of the aristocracy or the Child Jesus dressed in pink in ancient paintings. Among many other very interesting references centuries ago.

In fact pink, is in the range of the color red, it was denominated by the old Babylonians “like blood”. It is a more intense and stronger color for this reason and since it’s related to the color red it looked more suitable for male children. While blue, which is more gentle, was associated with girls.

During the 60s, in the retail world, baby clothes remained in neutral tones until the 80s, when genderless garments disappeared to recover the idea of ​​boys in blue and girls in pink.

Today, the color pink continues to have different connotations and interpretations around the world. In Japan, for example, it serves as a nostalgic symbol of the slain samurai, perceived as a masculine and gloomy color. In Korea, it is interpreted as a sign of trust and in Germany it has a character of tenderness, pacifism and sweetness.

Another masculine color par excellence is red, the color of strength and activity that is associated with fire and blood. But there is also a typically feminine red in religions close to nature: dark red, a color symbolizing the state of fertility in women.

Red is the color of happiness in China. For example, red eggs are a typical gift related to births and are a symbol of happiness in life. As well red envelopes with lucky money for the New Year.

There is much more to read about the power of colour and single colour psychology. It is clearly a way of expressing oneself, through art and culture, which are constantly changing along with society and its historical context. As a result, using all the necessary data of a determining color in our designs, we can convey very important and effective messages.

For this reason, the knowledge of the Director of Window Display Design and Visual Merchandising department has to be rigorous and go much further than what is shown at first glance to be able to play with the symbolism of decoration and the psychology of colors, in order to have more impact on the work, which is essential for the success of each project of each company.

Sources: The Psychology of Color de Eva Heller. www.pinkisforboys.org, artsy.net.

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Es importante prestar atención y conocer el significado que representa cada color y que impacto pueda generar en el mensaje que queremos aportar. Esto no sería posible, sino estudiamos la Historia de cada país a la que va dirigido el diseño de los escaparates.

Los colores nos transmiten sensaciones, emociones y mensajes, usarlos de forma consciente es la clave para un diseño vencedor. Y a lo largo de la Historia se han utilizado con significados diferentes.

La psicología del color tiene que ser estudiada y analizada en cada estrategia de diseño. Hay muchas grandes firmas que ya utilizan la psicología del color para reforzar el mensaje de sus campañas, de sus productos o para impactar el perfil del cliente al que se dirigen. 

Los colores son esenciales para definir la composición de cualquier escaparate, para crear un equilibrio, dirigir la percepción de los objetos y las sensaciones que transmite al cliente.

El tipo de uso que se le dé al color en el diseño de un escaparate modificará por completo el resultado final por lo que el color es una parte importantísima.

Hay conceptos aceptados y compartidos respecto al color, aplicados tanto en Occidente como en Oriente. Conocer sus significados nos permite acertar en la aplicación del color y de su psicología. Para ello es fundamental estudiar su Historia y vivir su cultura.

¿Los colores tienen género? 

Tal como hemos comentado anteriormente, existen muchas convenciones sociales a nivel global alrededor de ciertos colores, pero al mismo tiempo, existen muchos aspectos subjetivos en la psicología del color que provocan que un mismo color tenga variaciones en la interpretación y el significado en distintas culturas, épocas históricas o partes del mundo.

Hay colores que se usan hoy en día de forma diferente que en pasado, tal es el caso de los colores rosa y azul.

Actualmente estamos acostumbrados a asociar el color azul a lo masculino y el color rosa a lo femenino, pero no siempre ha sido así.

La utilización del color rosa para niñas y el color azul para niños, es un concepto relativamente nuevo si lo comparamos con tiempo atrás enmarcado en cada contexto histórico. De hecho por ejemplo, tradicionalmente, el azul simbolizó durante muchos siglos, lo femenino vinculando al agua y el mar. Siendo lo opuesto a este elemento el fuego, siendo el rojo asignado a lo masculino.

¿Y el rosa? “Moda reformista”

El color rosa asociado, a día de hoy con el mundo femenino, fue hasta la década 1920, un color masculino. Anteriormente a esta fecha, el color indicado para las niñas era el blanco o el azul. Por esta razón, como bien explica, Eva Heller, en su libro la “Psicología del color“, podemos ver en los cuadros antiguos niños varones de la aristocracia o el Niño Jesús vestidos de rosa. Entre otras muchas otras referencias interesantísimas siglos atrás.

El rosa, siendo de la gama del color rojo y denominado por los antiguos babilonios “como sangre”. Es un color más intenso y fuerte por esa misma relación del rojo, se veía más adecuado para los niños. Mientras que el azul, que es más apacible, se asociaba para las niñas.

Durante la década de los 60, en el mundo retail, la ropa de bebés se mantuvo en tonos neutrales hasta los años 80, cuando las prendas sin género desaparecieron para recuperar la idea de niños de azul y niñas de rosa.

Hoy en día, el color rosa, sigue teniendo diferentes connotaciones e interpretaciones en todo el mundo. En Japón, por ejemplo, sirve como símbolo nostálgico del samurai asesinado, percibiéndose como un color masculino y lúgubre. En Corea se interpreta como un signo de confianza y en Alemania tiene un carácter de ternura, pacifismo y dulzura.

Otro color masculino por excelencia, es el rojo, color de la fuerza y actividad que se asocia con el fuego y la sangre. Pero también hay también un rojo típicamente femenino en las religiones próximas a la naturaleza: el rojo oscuro, un color simbolizaba el estado de fertilidad en la mujer.

El rojo es el color de la felicidad en China. Por ejemplo, los huevos de color rojo, es un regalo típico relacionado con los nacimientos es un símbolo de felicidad en la vida y los sobres con dinero de la suerte en Año Nuevo.

Hay mucho más que leer sobre el poder del color y de la psicología de un solo color. Es claramente una forma de expresarse, a través del arte y la cultura, que van constantemente cambiando junto a la sociedad y su contexto histórico. Como resultado, utilizando todos los datos necesarios de un determinando color en nuestros diseños, podremos vehicular mensajes muy importantes y efectivos.

Por esta razón el conocimiento del Director del departamento de Diseño de Escaparates y Visual Merchandising tiene que ser riguroso e ir mucho más allá de lo que se muestra a primera vista, para poder jugar con la simbología de la decoración y la psicología de los colores, con el fin de obtener más repercusión en el trabajo, lo cual es fundamental para el éxito de cada proyecto de cada empresa.

Fuentes: Psicología del Color de Eva Heller. www.pinkisforboys.org, artsy.net.

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