I remember when Topshop landed in Madrid in the early 2000s. I was in my early twenties and curiously peeked into that Puerta del Sol store that felt as if it had arrived straight from Oxford Street. For my generation, it was a breath of fresh air: different shop windows, daring clothes, and the feeling of being connected to a more global fashion scene. However, the brand closed in Spain in 2017, leaving behind a mix of nostalgia and the sense that it never fully clicked with the local consumer.

The new relaunch: digital, multi-brand, and collaborations

In 2025, Topshop’s comeback looks very different. The brand has recovered its own website and is betting on the multi-brand channel, reducing risks and gaining flexibility. The relaunch has included high-impact gestures: a fashion show in Trafalgar Square featuring see-now, buy-now pieces, and a collaboration with Cara Delevingne (FashionUnited, FashionNetwork).

Own website and multi-brand strategy. Topshop is back without costly flagships, instead opting for wholesale agreements and a strong digital presence. This allows it to test markets like Spain before committing to its own stores.

Nostalgia as strategy: updated messaging and aesthetics

The brand taps into collective memory with messages such as “We missed you too” (Elle). At the same time, it refreshes its aesthetic proposal with more sophisticated cuts, hybrid fabrics, and campaigns that blend the physical with the digital.

Madrid then and now: different business models

In its first stage, the franchise model relied on large stores in prime locations and collections that didn’t always connect with Spanish audiences. In 2025, Topshop comes with less rigidity, a digital-first approach, and a greater ability to listen to the consumer.

Challenges and opportunities in the Spanish market

The challenge will be to balance nostalgia and competitiveness: fair pricing against Inditex or H&M, agile logistics, and cultural sensitivity. If it succeeds, Topshop will not just be a nostalgic revival, but an example of how to reinvent a retail icon in the 21st century.

All of this, however, happens under the looming shadow of SHEIN, which continues to gain ground internationally.

This analysis is part of my personal perspective as a creative specializing in retail and visual culture. On joseluisledesma.com I continue to explore how brands engage with collective memory and the challenges of the digital era. The Topshop case is a clear example of how yesterday’s visual merchandising and today’s omnichannel strategies come together in a single narrative.

Sources: FashionUnited – Relaunch fashion show at Trafalgar Square. FashionNetwork – Collaboration with Cara Delevingne and retail comeback. Elle México – Communication strategy based on nostalgia. Modaes – Multi-brand distribution strategy. Modaes – History and closure of Topshop in Spain. El Español – Information on openings in Madrid and Barcelona. Joseluisledesma.com

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Recuerdo cuando Topshop aterrizó en Madrid a principios de los 2000. Yo tenía poco más de veinte años y me asomaba con curiosidad a aquella tienda de Puerta del Sol que parecía llegada directamente de Oxford Street. Para mi generación fue un soplo de aire fresco: escaparates distintos, ropa atrevida y la sensación de estar conectados con una moda más global. Sin embargo, la marca cerró en 2017 en España, dejando tras de sí una mezcla de nostalgia y la percepción de que no terminó de encajar con el consumidor local.

El nuevo relanzamiento: digital, multimarca y colaboraciones

En 2025 el regreso de Topshop se plantea de forma muy diferente. La firma recupera web propia y apuesta por el canal multimarca, reduciendo riesgos y ganando flexibilidad. El relanzamiento ha incluido gestos de alto impacto: un desfile en Trafalgar Square con prendas see-now, buy-now y una colaboración con Cara Delevingne (FashionUnited, FashionNetwork).

Web propia y canal multimarca. Topshop regresa sin flagships costosos, sino con acuerdos wholesale y fuerte presencia digital, lo que le permite testar mercados como España antes de comprometerse con tiendas propias.

Nostalgia como estrategia: mensajes y estética actual

La marca explota la memoria colectiva con mensajes como “También te extrañamos” (Elle). Al mismo tiempo, actualiza su propuesta estética con cortes más sofisticados, tejidos híbridos y campañas que combinan lo físico con lo digital.

Madrid entonces y ahora: diferencias de modelo

En su primera etapa, el modelo de franquicia dependía de tiendas grandes en ubicaciones prime y colecciones que no siempre conectaban con el público español. En 2025, Topshop llega con menos rigidez, un enfoque digital-first y mayor capacidad de escucha al consumidor.

Retos y oportunidades en el mercado español

El reto será equilibrar nostalgia y competitividad: precios justos frente a Inditex o H&M, logística ágil y sensibilidad cultural. Si acierta, Topshop no quedará en un revival nostálgico, sino en un ejemplo de cómo reinventar un icono del retail contemporáneo en pleno siglo XXI. Todo eso sí, con la sombra de SHEIN ganando mercado.

Este análisis forma parte de mi mirada personal como creativo especializado en retail y cultura visual. En joseluisledesma.com sigo explorando cómo las marcas dialogan con la memoria colectiva y con los retos de la era digital. El caso Topshop es un buen ejemplo de cómo el escaparatismo visual de ayer y la omnicanalidad de hoy se encuentran en un mismo relato.

Fuentes. FashionUnited – Desfile de relanzamiento en Trafalgar Square. FashionNetwork – Colaboración con Cara Delevingne y regreso al retail. Elle México – Estrategia de comunicación basada en nostalgia. Modaes – Estrategia de distribución multimarca. Modaes – Historia y cierre de Topshop en España. El Español – Información sobre las aperturas en Madrid y Barcelona. Joseluisledesma.com

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The Impact of Gossip in Fashion and Retail

A Vogue Business analysis shows how the fashion industry has grown used to the noise of rumors around creative director changes. These distractions weaken the focus on innovation and teamwork (Vogue Business, 2024). Another article warns that fashion gossip is a profitable commodity, but its hidden cost is trust erosion and cultural decay within brands (Vogue Business, 2023).

A Problem Beyond Fashion

Recent studies confirm that gossip shapes parallel power structures that harm engagement and cohesion. Research published in the Cambridge Journal of Management and Organization reveals that in collectivist cultures, like those in the Mediterranean, rumors can be social glue—but also tools of exclusion that undermine productivity (2022).

Creativity and a Healthy Workplace Culture

In visual merchandising, retail teams, and store management, gossip is particularly damaging. A gossip-dominated workplace lowers creativity, builds distrust, and hurts financial results. By contrast, transparency, respect, and fair recognition nurture a strong culture that drives innovation.

Finding balance is key: keeping Mediterranean warmth and human closeness, while avoiding gossip as a toxic channel. A gossip-free company is not cold—it is stronger, more creative, and better at inspiring teams. In retail, where each day’s experience matters, that balance makes the difference.

Sources:

1. Vogue Business. How should brands handle creative director transitions? (2024).

2. Vogue Business. Let’s dish: racing to the bottom of fashion’s gossip problem (2023).

3. Journal of Management and Organization, Cambridge University Press. Impact of organizational gossip on affective organizational commitment, feelings of loneliness and turnover intention (2022).

4. José Luis Ledesma. joseluisledesma.com (2025).

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El impacto del gossip en moda y retail

Un análisis reciente de Vogue Business subraya cómo la industria de la moda se ha acostumbrado al “ruido” de los rumores en torno a las transiciones de directores creativos, lo cual distrae la atención del verdadero valor: la innovación y el trabajo en equipo (Vogue Business, 2024). Otro artículo de la misma publicación advierte que el fashion gossip se ha convertido en una “mercancía rentable”, pero con un coste silencioso: la pérdida de confianza y la erosión cultural dentro de las marcas (Vogue Business, 2023).

Un fenómeno que trasciende la moda

La cuestión no es exclusiva de la moda. Estudios académicos recientes confirman que el gossip crea entornos paralelos de poder, que afectan al compromiso laboral y a la cohesión. Una investigación publicada en Cambridge Journal of Management and Organization destaca que, en culturas colectivistas como las mediterráneas, los rumores pueden servir como lazo social, pero también como una herramienta de exclusión que debilita la motivación y la productividad (2022).

Creatividad y cultura empresarial sana

En profesiones ligadas al mundo de la tienda, al escaparatismo o a la gestión de equipos, estas dinámicas resultan especialmente dañinas. Un clima laboral dominado por rumores reduce la capacidad creativa, genera desconfianza y termina por afectar al rendimiento económico. Por el contrario, cuando se fomenta una cultura de transparencia, respeto y reconocimiento justo, se construye un tejido empresarial sano y fértil para la innovación.

El reto está en encontrar el equilibrio: mantener la cercanía humana propia de la cultura mediterránea, pero evitar que esa naturalidad se convierta en un canal de toxicidad. Una empresa libre de gossip no es fría ni distante; es más sólida, más creativa y más capaz de ilusionar a sus equipos. Y en un sector como el retail, donde la experiencia de cada jornada de trabajo es clave, ese equilibrio marca la diferencia.

Fuentes:

1. Vogue Business. How should brands handle creative director transitions? (2024).

2. Vogue Business. Let’s dish: racing to the bottom of fashion’s gossip problem (2023).

3. Journal of Management and Organization, Cambridge University Press. Impact of organizational gossip on affective organizational commitment, feelings of loneliness and turnover intention (2022).

4. José Luis Ledesma. joseluisledesma.com (2025).

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Introduction to the power of self-care

Self-care is a keystone in building a balanced and fulfilling life. This practice is a critical component of robust mental health. By taking care of ourselves, we not only attend to our physical needs, but also honour our emotional and psychological needs, creating a safe haven for our self-esteem and overall well-being. The power of self-care lies in its ability to act as a shield against life’s adversities. By cultivating habits of self-care, individuals can improve their resilience, reduce stress and foster a more compassionate and loving relationship with themselves. Styling, although often perceived as limited to fashion and appearance, is a tangible expression of self-care. Through styling, people can communicate their identity, improve their self-confidence and nurture their mental health.

The connection between style and self-care

The relationship between self-care and mental health is bidirectional; the more we take care of ourselves, the better our mental health, and in turn, good mental health makes it easier for us to practice self-care. This synergy creates a positive cycle, where emotional and physical well-being enhance each other.

Self-care not only alleviates the symptoms of existing mental health problems, but also acts as a form of prevention. By devoting time and effort to our own needs, we can avoid the emotional and physical toll that comes from personal neglect. In this context, styling becomes a valuable tool to strengthen our mental health through self-expression and self-care.

The way we choose to present ourselves to the world has a significant impact on how we feel about ourselves. A style that genuinely reflects our personality and values can strengthen our self-esteem and promote a positive attitude towards life. The act of selecting clothes, accessories and hairstyle is not merely superficial, it is a form of self-care that allows us to take control over our image and, by extension, how we perceive and value ourselves. This control is empowering, offering a source of confidence and personal satisfaction.

In addition, styling can be a meditative and creative act, providing a space for reflection and self-expression. By devoting time to this practice, we are not only taking care of our appearance, but also nurturing our mind, fostering a sense of identity and belonging that is essential for mental health.

How good styling can boost self-confidence

Self-confidence is a pillar of mental health; when we are confident in ourselves, we are better equipped to face life’s challenges. Styling, as a form of self-care, has the power to elevate our self-confidence through self-acceptance and affirmation of our identity.

Dressing in a way that reflects our personal preferences and makes us feel comfortable and confident can transform our attitude and behaviour. This change is not only noticeable to ourselves, but also to others, generating positive feedback that further strengthens our self-esteem.

The confidence that comes from feeling good about our appearance is a powerful tool in managing social anxiety and other insecurities. By prioritizing styling as an extension of self-care, we can cultivate a more confident and assertive presence, opening doors to new opportunities and experiences.

Personal style is much more than just a fashion choice; it is an expression of our inner self that has a profound psychological impact. Through styling, we can communicate our values, moods and aspirations. This capacity for self-expression is liberating, allowing us to assert our individuality and authenticity. Consistency between how we feel inside and how we present ourselves to the world contributes to a sense of integrity and congruence. This alignment strengthens our identity and promotes emotional well-being by reducing the dissonance between our self-image and our projected image.

In addition, the process of creating and maintaining a personal style can be a source of pleasure and satisfaction. The joy derived from selecting clothes that represent us and make us feel good is a valuable form of self-care, which nurtures our mental health by providing a sense of control and creativity in our lives.

The role of self-expression in mental health

Self-expression plays a crucial role in mental health, acting as a channel to explore, understand and accept our identity. Styling, as a form of self-expression, allows people to explore different facets of themselves in creative and tangible ways. This expression of individuality can be enormously liberating, especially for those who struggle to find their voice in other aspects of life. By asserting our identity through styling, we strengthen our self-esteem and foster a more positive relationship with ourselves.

In addition, self-expression through styling can facilitate connection with others. By sharing aspects of our identity in a visible way, we can attract people with similar interests and values, creating a sense of community and belonging that is vital to our mental health.

Embracing the power of self-care through styling

Styling, as a form of self-care, has the power to transform not only our appearance, but also our mental health and emotional well-being. By integrating styling into our self-care practices, we can foster greater self-esteem, confidence and personal satisfaction. Embracing the power of self-care through styling requires recognising that we deserve to invest in ourselves, both inside and out. In doing so, we not only improve our own lives, but also inspire others to do the same, creating a ripple effect of wellness and positivity.

The power of self-care through styling lies in its ability to remind us that, at the end of the day, the deepest form of self-respect and self-love is to allow ourselves to be authentically ourselves, in all aspects of our lives.

Sources: hola.com; vogue.es; revistagq.com; telva.com

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El autocuidado es una piedra angular en la construcción de una vida equilibrada y satisfactoria. Esta práctica es un componente crítico de una salud mental robusta. Al cuidarnos, no solo atendemos nuestras necesidades físicas, sino que también honramos nuestras necesidades emocionales y psicológicas, creando un refugio seguro para nuestra autoestima y bienestar general. El poder del autocuidado radica en su capacidad para actuar como un escudo contra las adversidades de la vida. Al cultivar hábitos de autocuidado, las personas pueden mejorar su resiliencia, reducir el estrés y fomentar una relación más compasiva y amorosa consigo mismas. El estilismo, aunque a menudo se percibe limitado a la moda y la apariencia, es una expresión tangible de autocuidado. A través del estilismo, las personas pueden comunicar su identidad, mejorar su autoconfianza y nutrir su salud mental.

La conexión entre el estilo y el autocuidado

La relación entre el autocuidado y la salud mental es bidireccional; mientras más nos cuidamos, mejor es nuestra salud mental, y a su vez, una buena salud mental nos facilita la práctica del autocuidado. Esta sinergia crea un ciclo positivo, donde el bienestar emocional y físico se potencian mutuamente. El autocuidado no solo alivia los síntomas de problemas de salud mental existentes, sino que también actúa como una forma de prevención. Al dedicar tiempo y esfuerzo a nuestras propias necesidades, podemos evitar el desgaste emocional y físico que surge de la negligencia personal. En este contexto, el estilismo se convierte en una herramienta valiosa para reforzar nuestra salud mental a través de la autoexpresión y el autocuidado.

La forma en que elegimos presentarnos al mundo tiene un impacto significativo en cómo nos sentimos con nosotros mismos. Un estilo que refleja genuinamente nuestra personalidad y valores puede fortalecer nuestra autoestima y promover una actitud positiva hacia la vida.El acto de seleccionar la ropa, los accesorios y el peinado no es meramente superficial, es una forma de autocuidado que nos permite tomar control sobre nuestra imagen y, por extensión, sobre cómo nos percibimos y valoramos.

Este control es empoderador, ofreciendo una fuente de confianza y satisfacción personal. Además, el estilismo puede ser un acto meditativo y creativo, proporcionando un espacio para la reflexión y la autoexpresión. Al dedicar tiempo a esta práctica, no solo estamos cuidando nuestra apariencia, sino también nutriendo nuestra mente, fomentando un sentido de identidad y pertenencia que es esencial para la salud mental.

Cómo el buen estilismo puede impulsar la autoconfianza

La autoconfianza es un pilar de la salud mental; cuando confiamos en nosotros mismos, estamos mejor equipados para enfrentar los desafíos de la vida. El estilismo, como forma de autocuidado, tiene el poder de elevar nuestra autoconfianza a través de la autoaceptación y la afirmación de nuestra identidad. Vestirse de manera que refleje nuestras preferencias personales y que nos haga sentir cómodos y seguros, puede transformar nuestra actitud y comportamiento. Este cambio no solo es perceptible para nosotros mismos sino también para los demás, generando una retroalimentación positiva que refuerza aún más nuestra autoestima. La confianza que se deriva de sentirse bien con nuestra apariencia es una herramienta poderosa en el manejo de la ansiedad social y otras inseguridades. Al priorizar el estilismo como una extensión del autocuidado, podemos cultivar una presencia más segura y asertiva, abriendo puertas a nuevas oportunidades y experiencias. El estilo personal es mucho más que una simple elección de moda; es una expresión de nuestro ser interior que tiene un profundo impacto psicológico.

A través del estilismo, podemos comunicar nuestros valores, estado de ánimo y aspiraciones. Esta capacidad de autoexpresión es liberadora, permitiéndonos afirmar nuestra individualidad y autenticidad. La coherencia entre cómo nos sentimos por dentro y cómo nos presentamos al mundo contribuye a una sensación de integridad y congruencia. Este alineamiento fortalece nuestra identidad y promueve un bienestar emocional, al reducir la disonancia entre nuestra autoimagen y la imagen proyectada. Además, el proceso de crear y mantener un estilo personal puede ser una fuente de placer y satisfacción. La alegría derivada de la selección de prendas que nos representan y nos hacen sentir bien es una forma valiosa de autocuidado, que nutre nuestra salud mental al proporcionar un sentido de control y creatividad en nuestras vidas.

El papel de la autoexpresión en la salud mental

La autoexpresión juega un papel crucial en la salud mental, actuando como un canal para explorar, entender y aceptar nuestra identidad. El estilismo, como una forma de autoexpresión, permite a las personas explorar diferentes facetas de sí mismas de manera creativa y tangible. Esta expresión de la individualidad puede ser enormemente liberadora, especialmente para aquellos que luchan por encontrar su voz en otros aspectos de la vida. Al afirmar nuestra identidad a través del estilismo, reforzamos nuestra autoestima y fomentamos una relación más positiva con nosotros mismos. Además, la autoexpresión a través del estilismo puede facilitar la conexión con otros. Al compartir aspectos de nuestra identidad de manera visible, podemos atraer a personas con intereses y valores similares, creando un sentido de comunidad y pertenencia que es vital para nuestra salud mental.

Abrazando el poder del autocuidado a través del estilismo

El estilismo, como forma de autocuidado, tiene el poder de transformar no solo nuestra apariencia, sino también nuestra salud mental y bienestar emocional. Al integrar el estilismo en nuestras prácticas de autocuidado, podemos fomentar una mayor autoestima, confianza y satisfacción personal. Abrazar el poder del autocuidado a través del estilismo requiere reconocer que merecemos invertir en nosotros mismos, tanto por dentro como por fuera. Al hacerlo, no solo mejoramos nuestra propia vida, sino que también inspiramos a otros a hacer lo mismo, creando un efecto dominó de bienestar y positividad.El poder del autocuidado a través del estilismo radica en su capacidad para recordarnos que, al final del día, la forma más profunda de respeto y amor propio es permitirnos ser auténticamente nosotros mismos, en todos los aspectos de nuestra vida.

Fuentes: hola.com; vogue.es; revistagq.com; telva.com

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During festivities such as Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu holidays, fashion takes on a special meaning as it becomes a way of connecting different cultures and celebrating diversity.

The influence of the Christmas season

Christmas is a holiday widely celebrated around the world and has a significant impact on the fashion industry. During this time of year, traditional colours such as red, green and gold dominate the catwalks and fashion boutiques. Reindeer, snowflake and Christmas tree prints also become popular. In addition, Christmas jumpers with festive designs have become a much-loved trend during this festive season.

Chinese New Year

Chinese New Year is another celebration that has a great influence on fashion. This holiday, which is celebrated in January or February, is full of traditions and symbolism that are reflected in Chinese fashion. The colours red and gold are especially significant during Chinese New Year, as they represent good luck and prosperity.

In the retail industry, Chinese New Year has become an opportunity for brands to launch special collections inspired by Chinese culture. Prints of dragons, cherry blossoms and other Chinese symbols can be seen on clothing and accessories during this season. In addition, fashion shows held in China during the New Year are a showcase for local designers and a way to celebrate China’s rich culture.

Each year, the Chinese calendar features a different animal, and this becomes a popular motif for fashion designers. For example, when the Chinese year is the year of the mouse, mouse prints and mouse-related details become popular in clothing and accessories. In addition, the colour red, which is considered lucky in Chinese culture, is widely used in fashion collections during this season.

The influence of Ramadan

Ramadan is a holy month for Muslims, during which they fast daily from dawn to dusk. During this period, fashion also plays an important role. Many fashion brands launch special collections for Ramadan, which include more modest clothing suitable for this religious holiday.

Clothes during this holiday are characterized by the use of soft colours and light fabrics that allow people to stay cool and comfortable during the fast. Designs are often elegant and sophisticated, with details such as lace, embroidery and floral prints. In addition, Ramadan fashion is also inspired by the cultural traditions of different Muslim countries, making each collection unique and representative of the diversity within this community.

Hindu festivals and their influence

Hindu festivals, such as Diwali and Holi, also have a significant impact on fashion. During Diwali, the festival of lights, bright colours such as red, orange and gold are especially popular. Many people choose to dress in saris or traditional Indian costumes, which are decorated with elaborate embroidery and intricate detailing.

During Holi, the festival of colours, fashion is filled with bright and colourful garments. Designers take inspiration from these festivals to create unique and vibrant garments that reflect the joy and energy of the festivities.

Coexistence and collaboration

In an increasingly globalized world, fashion has become a platform for coexistence and collaboration between different cultures. The retail industry has opened its doors to designers from all over the world, allowing ideas and cultural traditions to mix and enrich each other.

During the holiday season, many brands organize special events and collaborations with local designers and artists to celebrate cultural diversity. These events not only present holiday-inspired collections, but also provide an opportunity for emerging designers to showcase their work.

Collaboration between designers from different countries and cultures has resulted in unique collections that celebrate diversity and foster cultural understanding. These collaborations allow designers to share their vision of fashion and create garments that fuse different styles and traditions.

Cultural appropriation versus cultural appreciation

As fashion becomes more diverse and multicultural, it is important to address the issue of cultural appropriation versus cultural appreciation. While cultural appreciation involves recognizing and valuing the traditions of other cultural groups, cultural appropriation involves borrowing cultural elements without due respect and understanding.

It is essential that the retail industry promotes cultural appreciation rather than appropriation. This means giving credit to sources of inspiration, collaborating with designers from different cultures, and respecting cultural traditions and symbols. It is essential that designers and fashion brands are aware of this and ensure that their holiday inspiration is done in a respectful and sensitive manner.

A bridge for cultural understanding

Fashion has the power to bring people together and promote cultural understanding. Through it, we can learn about different cultures, traditions and ways of life. By wearing clothes inspired by other cultures, we can show respect and appreciation for global diversity. It can also be a way to start conversations and promote education about different cultures and cultural understanding.

Designers, brands and consumers can use fashion as a platform to share stories and experiences, thus fostering mutual understanding and respect.

In conclusion, fashion is a language of celebration that reflects people’s cultural identity and the festivities that mark their lives. Christmas, Chinese New Year, Ramadan and Hindu festivities are just a few examples of how celebrations influence fashion.

However, it is important to do so in a respectful and sensitive manner, avoiding cultural appropriation and encouraging cultural appreciation. By embracing diversity and inclusion, fashion brands can play a significant role in building bridges between different cultures and promoting global harmony.

Sources: culturasdemoda.com; modaes.com; vogue.es; cincodias.elpais.com, joseluisledesma.com

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Although Fornasetti is known for his work in interior design and the creation of decorative objects, he began his career in painting. After studying at the Brera Academy of Fine Arts in Milan, Fornasetti began working as an illustrator for magazines and newspapers. It was during this time that he began to develop his unique style, characterized by a combination of surrealist and classical elements.

Fornasetti also began working in interior design during this time, creating furniture and decorative objects for friends and clients. It was his work in interior design that eventually led him to create his iconic porcelain plate design, which became one of his most famous creations.

He was a painter, sculptor, illustrator, printmaker, designer, ceramist, craftsman, interior decorator, art book publisher and even collector. The fact that he ventured into so many artistic fields made him a born and amusing creator of art. He not only focused on making commissioned decorative pieces, but also enjoyed experimenting with new techniques and materials.

His work has marked a milestone in the history of design, becoming an icon, repeated by furniture designers and fashion houses in their collections under the Fornasetti licence.

Today, his son Barnaba Fornasetti continues to design in his name, creating each piece entirely by hand. Each piece is unique and unrepeatable. To recognize the originals, it is only necessary to look for the serial number and year of production.

Fornasetti’s unique style and inspirations

Fornasetti’s design style is unique and easily recognizable. It is characterized by a combination of classical and surrealistic elements, as well as the use of repetitive patterns and graphic designs. Fornasetti’s designs often feature motifs such as the sun, moon and stars, as well as human and animal figures. He was also inspired by classical architecture and Greek and Roman mythology. Some of his most famous collaborators include the architect Gio Ponti and the surrealist artist Salvador Dalí. Of particular note is his most recent collaboration (2021) with the luxury brand Louis Vuitton.

A collaboration initiated by Nicolas Ghesquière, artistic director of Louis Vuitton’s women’s collections, in which the Maison explores the creative world of the Italian atelier. The collection showcases Fornasetti’s iconic handmade drawings that have captivated art and design lovers since the atelier’s founding in 1940.

These designs were selected by Nicolas Ghesquière in conjunction with Barnaba Fornasetti, Piero’s son and artistic director of the Fornasetti atelier.

Lasting appeal

Fornasetti’s work remains very popular today. This is largely due to his ability to create timeless designs and decorative objects that are both functional and aesthetically appealing. In addition, his use of repetitive patterns and graphic designs means that his creations are easily recognizable and can be used in a variety of design contexts.

His strong point has always been imagination: “It’s fundamental. I try to free my inspiration from the everyday. I don’t paint from reality, but from my memories. I don’t copy.

His work in interior design is one of his most enduring legacies. His designs for wallpaper, decorative objects and furniture can be found in homes and commercial spaces around the world.

Some of his most iconic designs are undoubtedly his porcelain plates, which feature a variety of motifs and graphic designs. One of his most famous designs features the face of Italian actress and singer Lina Cavalieri.

Fornasetti was leafing through a magazine when he suddenly discovered Lina’s face. He was so fascinated that he described her as “[…] the true archetype: the quintessence of an image of classical beauty, like a Greek statue, enigmatic like the Mona Lisa”.

A face with enigmatic features defined by Gabriele D’Annunzio, the most emblematic exponent of Italian decadentism, as “the highest testimony of Venus on Earth”, a timeless physiognomy destined to become an icon.

Fornasetti, without even knowing her, turned Lina Cavalieri into an eternal female icon, transforming and reworking her face, which appears masked, torn, tattooed, reflected in a mirror, cut, inserted into geometric figures, smiling, crying, mischievous, furious in the artist’s works. Perhaps Fornasetti’s Lina can be considered, to all intents and purposes, a twentieth-century Mona Lisa, a precursor of Warhol’s Marilyn.

Fornasetti’s influence on contemporary design

The design is still evident today. His unique style and his ability to create timeless and functional designs have inspired many contemporary designers. In addition, his focus on combining classical and surreal elements has influenced interior design and decorative objects.

A Fornasetti drawing has the power to change the vibe of a place, not because it is beautiful, but because it takes you to a different dimension, that of dreams. Philippe Starck

Throughout his career, Piero Fornasetti left a lasting impact on the world of design. His unique style and his ability to create timeless and functional designs have inspired many contemporary designers.

Sources: revistaad.es; es.louisvuitton.com; nuvomagazine.com; elledecor.com; fornasetti.com; 

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Aunque Fornasetti es conocido por su trabajo en el diseño de interiores y la creación de objetos decorativos, comenzó su carrera en la pintura. Después de estudiar en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, Fornasetti comenzó a trabajar como ilustrador para revistas y periódicos. Fue durante este tiempo que comenzó a desarrollar su estilo único, que se caracteriza por la combinación de elementos surrealistas y clásicos.

Fornasetti también comenzó a trabajar en el diseño de interiores durante este tiempo, creando muebles y objetos decorativos para amigos y clientes. Fue su trabajo en el diseño de interiores lo que finalmente lo llevó a crear su icónico diseño de plato de porcelana, que se convirtió en una de sus creaciones más famosas.

Fue pintor, escultor, ilustrador, grabador, diseñador, ceramista, artesano, decorador de interiores, editor de libros de arte e incluso, coleccionista. El hecho de que se atreviera con tantos campos artísticos, lo convertía en un creador de arte nato y divertido. No solo se centraba en realizar piezas decorativas por encargo, sino que también, disfrutaba experimentando con nuevas técnicas y materiales.

Su obra ha marcado un hito en la historia del diseño, convirtiéndose en un icono, repetido por diseñadores de mobiliario y firmas de moda en sus colecciones bajo la licencia de Fornasetti.

Actualmente, su hijo, Barnaba Fornasetti sigue diseñando en su nombre y creando cada pieza de forma totalmente artesanal. Cada pieza es única e irrepetible. Para reconocer las originales, tan solo es necesario buscar el número de serie y año de producción.

El estilo único de Fornasetti y sus inspiraciones

El estilo de diseño de Fornasetti es único y fácilmente reconocible. Se caracteriza por la combinación de elementos clásicos y surrealistas, así como por el uso de patrones repetitivos y diseños gráficos. Los diseños de Fornasetti a menudo presentan motivos como el sol, la luna y las estrellas, así como figuras humanas y animales. También se inspiró en la arquitectura clásica y en la mitología griega y romana. Algunos de sus colaboradores más famosos incluyen al arquitecto Gio Ponti y al artista surrealista Salvador Dalí. Cabe destacar su colaboración más reciente (2021) con la marca de lujo Louis Vuitton.

Una colaboración iniciada por Nicolas Ghesquière, director artístico de las colecciones femeninas de Louis Vuitton, en la que la Maison explora el mundo creativo del atelier italiano. La colección muestra los icónicos dibujos hechos a mano de Fornasetti que han cautivado a los amantes del arte y el diseño; desde la fundación del atelier en 1940.

Estos diseños fueron seleccionados por Nicolas Ghesquière en conjunto con Barnaba Fornasetti, hijo de Piero y director artístico del atelier de Fornasetti.

El atractivo duradero

El trabajo de Fornasetti sigue siendo muy popular hoy en día. Esto se debe en gran parte a su capacidad para crear diseños atemporales y objetos decorativos que son tanto funcionales como estéticamente atractivos. Además, su uso de patrones repetitivos y diseños gráficos significa que sus creaciones son fácilmente reconocibles y pueden ser utilizadas en una variedad de contextos de diseño.

Su punto fuerte siempre fue la imaginación: “Es fundamental. Yo procuro liberar mi inspiración de lo cotidiano. No pinto a partir de la realidad, sino de mis recuerdos. No copio”.

Su trabajo en el diseño de interiores es uno de sus legados más duraderos. Sus diseños de papel tapiz, objetos decorativos y muebles se pueden encontrar en hogares y espacios comerciales en todo el mundo. 

Algunos de sus diseños más icónicos, son, sin duda, sus platos de porcelana, que presentan una variedad de motivos y diseños gráficos. Uno de sus diseños más famosos presenta el rostro de la actriz y cantante italiana Lina Cavalieri. 

Fornasetti estaba hojeando una revista cuando, de repente, descubrió el rostro de Lina. Se quedó tan fascinado que la describió como «[…] el verdadero arquetipo: la quintaesencia de una imagen de belleza clásica, como una estatua griega, enigmática como la Mona Lisa».

Un rostro de rasgos enigmáticos definido por Gabriele D’Annunzio, el exponente más emblemático del decadentismo italiano, como «el más alto testimonio de Venus en la Tierra», una fisionomía atemporal destinada a convertirse en un icono.

Fornasetti, sin siquiera conocerla, convirtió a Lina Cavalieri en un icono femenino eterno, transformando y reelaborando su rostro, que aparece enmascarado, desgarrado, tatuado, reflejado en un espejo, cortado, insertado en figuras geométricas, sonriendo, llorando, travieso, furioso en las obras del artista. Quizás la Lina de Fornasetti pueda considerarse, a todos los efectos, una Mona Lisa del siglo XX, precursora de la Marilyn de Warhol.

La influencia de Fornasetti en el diseño contemporáneo

Aunque la carrera de Fornasetti abarcó varias décadas, su influencia en el mundo del diseño sigue siendo evidente hoy en día. Su estilo único y su capacidad para crear diseños atemporales y funcionales han inspirado a muchos diseñadores contemporáneos. Además, su enfoque en la combinación de elementos clásicos y surrealistas ha influido en el diseño de interiores y objetos decorativos.

Un dibujo de Fornasetti tiene el poder de cambiar la vibración de un lugar, no porque sea bonito, sino porque te lleva a una dimensión diferente, la de los sueños.  Philippe Starck

A lo largo de su carrera, Piero Fornasetti dejó un impacto duradero en el mundo del diseño. Su estilo único y su capacidad para crear diseños atemporales y funcionales han inspirado a muchos diseñadores contemporáneos.

Fuentes: revistaad.es; es.louisvuitton.com; nuvomagazine.com; elledecor.com; fornasetti.com; 

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What is mental health, and why is it important?

The term mental health describes our emotional, psychological and social well-being. It is the ability to think, feel and act in order to improve one’s quality of life to be able to face life’s challenges, as well as to interact with others positively.

Mental health is an essential aspect of a person’s overall health and is necessary for the proper functioning of both individuals and organizations.

It is important to recognize and understand the signs and symptoms that can affect our mental health in order to effectively address them. These can range from minor, everyday problems to serious mental illness.

It is therefore very important not to underestimate even the mildest symptoms, because if mental health problems are not treated early, they can have a significant impact on our ability to lead healthy and productive lives.

They can make it difficult to manage day-to-day responsibilities, such as work, studies and family. It can also lead to increased stress, decreased productivity and deteriorate our health.

Therefore, it is vitally important to recognize and raise awareness of mental health problems, especially in the workplace.

Mental health in the workplace

Mental health problems can present with a wide range of signs and symptoms. They can include changes in mood or behaviour, difficulty concentrating, changes in appetite or sleep, feelings of hopelessness or worthlessness, and feelings of overwhelm.

It is important to understand that those problems often manifest differently for each person. It is therefore important to be aware of these differences and be sensitive to the needs of each individual.

Today, more than ever, it is critical to take steps to promote and ensure mental health in the workplace. In a world that is always in a hurry, stress can be something to deal with on a daily basis. It is important to note that more and more employees are not only looking for companies that care about maintaining appropriate working conditions and facilities, but also about their well-being both on and off the job.

Mental health in the workplace is as important to employees as it is to employers. Deteriorating mental health can have a negative impact on productivity, cause higher levels of absenteeism and lead to increased turnover. Not to mention that it can lead to increased levels of stress, burnout and decreased morale.

Therefore, employers have a responsibility to ensure that the workplace is a safe and healthy environment for employees. This means providing a conducive work environment, free from discrimination and harassment, as well as providing resources and support to employees.

Strategies to manage stress and anxiety

As we have mentioned, stress and anxiety can have a negative impact on our mental health. Similarly, it is important to recognize the signs and symptoms of stress and anxiety, such as difficulty sleeping, irritability, difficulty concentrating and restlessness. Even more important is finding healthy ways to manage stress and anxiety.

One of the most effective ways to manage stress and anxiety is relaxation techniques. This can include meditation, yoga, breathing exercises and muscle relaxation. Exercise is also a great way to reduce stress and anxiety, as it helps release endorphins. It is also essential to make time for activities that you enjoy, such as reading, listening to music or spending time with friends and family.

Benefits of a healthy work environment

Prioritizing mental health in the workplace can also lead to increased innovation and creativity, which can improve productivity and overall results. Employees who feel supported and valued are more likely to stay with the company and be more productive.

Creating a healthy work environment starts with a commitment from the top. Employers should create policies and procedures that promote a healthy work environment, such as flexible work schedules and the ability to work from home.

Mental health in the workplace can be improved in a number of ways, but one of the most important is to foster a culture that promotes open dialogue about these issues and encourages healthy habits, such as encouraging employees to take regular breaks, get enough sleep and eat healthy.

Companies have a responsibility to promote and prioritize a work environment that helps protect the mental health of their employees, as well as provide access to resources that can help us improve our well-being.

Sources: who.int/es; elpais.com; consaludmental.es ; .ilo.org ; eleconomista.es ;

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¿Qué es la salud mental y por qué es importante?

Con el término salud mental nos referimos a nuestro bienestar emocional, psicológico y social. Es la capacidad de pensar, sentir y actuar a fin de mejorar la calidad de vida de las personas para poder afrontar los retos de la vida, así como interactuar con los demás de forma positiva. 

La salud mental es un aspecto esencial de la salud general de una persona y es necesaria para el buen funcionamiento tanto de los individuos como de las organizaciones.

Es importante reconocer y comprender los signos y síntomas que pueden afectar nuestra salud mental para poder abordarlos eficazmente. Estos pueden ir desde problemas menores y cotidianos hasta enfermedades mentales graves.

Por eso es muy importante no subestimar incluso los síntomas más leves, ya que si los problemas de salud mental no son tratados a tiempo pueden tener un impacto significativo en nuestra capacidad para llevar una vida sana y productiva. 

Pueden dificultar la gestión de las responsabilidades cotidianas, como el trabajo, los estudios y la familia. También puede provocar un aumento del estrés, una disminución de la productividad y deteriorar nuestra salud.

Por ello, es de vital importancia reconocer y concienciar sobre los problemas de salud mental, sobre todo en el lugar de trabajo.

Salud mental en el entorno de trabajo

Los problemas de salud mental pueden presentar una amplia gama de signos y síntomas. Pueden incluir cambios en el estado de ánimo o el comportamiento, dificultad para concentrarse, cambios en el apetito o el sueño, sentimientos de desesperanza o inutilidad y sensación de agobio.

Es importante comprender que los problemas de salud mental suelen manifestarse de forma diferente en cada persona. Por ello es importante ser consciente de estas diferencias y ser sensible a las necesidades de cada individuo.

Hoy más que nunca es fundamental adoptar medidas para promover y garantizar la salud mental en los lugares de trabajo. En un mundo siempre de prisa, el estrés puede ser algo con el cual lidiar diariamente. Es importante notar que cada vez más empleados no solo buscan empresas que se preocupen por mantener condiciones labórales e instalaciones apropiadas, sino por su bienestar dentro y fuera del trabajo. 

La salud mental en el lugar de trabajo es tan importante para los empleados como para los empresarios. El deterioro de la salud mental puede tener un impacto negativo de la productividad, causar mayores niveles de absentismo y provocar un aumento en la de rotación de personal. Sin mencionar que puede conducir a un aumento de los niveles de estrés, agotamiento y disminución de la moral.

Por ello, los empresarios tienen la responsabilidad de garantizar que el lugar de trabajo sea un entorno seguro y saludable para los empleados. Esto significa proporcionar un entorno de trabajo propicio, libre de discriminación y acoso, así como proporcionar recursos y apoyo a los empleados.

Estrategias para controlar el estrés y la ansiedad

Tal como hemos mencionado, el estrés y la ansiedad pueden tener un impacto negativo en nuestra salud mental. De igual modo, es importante reconocer los signos y síntomas del estrés y la ansiedad, como la dificultad para dormir, la irritabilidad, la dificultad para concentrarse y la inquietud. Aún más importante es encontrar formas saludables de controlar el estrés y la ansiedad.

Una de las formas más eficaces de controlar el estrés y la ansiedad son las técnicas de relajación. Esto puede incluir meditación, yoga, ejercicios de respiración y relajación muscular. El ejercicio también es una forma estupenda de reducir el estrés y la ansiedad, ya que ayuda a liberar endorfinas. Es fundamental, además, tomarse tiempo para realizar actividades que le gusten, como leer, escuchar música o pasar tiempo con amigos y familiares.

Beneficios de un entorno de trabajo saludable

Priorizar la salud mental en el lugar de trabajo también puede conducir a un aumento de la innovación y la creatividad, lo que puede mejorar la productividad y los resultados generales. Los empleados que se sienten apoyados y valorados tienen más probabilidades de permanecer en la empresa y ser más productivos.

La creación de un entorno de trabajo saludable empieza con un compromiso desde arriba. Los empresarios deben crear políticas y procedimientos que promuevan un entorno de trabajo saludable, por ejemplo, horarios de trabajo flexibles y la posibilidad de trabajar desde casa. 

La salud mental en el lugar de trabajo se puede mejorar de varias maneras, pero una de las más importantes es fomentar una cultura que promueva el diálogo abierto sobre estos temas y fomente hábitos saludables, como animar a los empleados a tomarse descansos regulares, dormir lo suficiente y comer sano.

Hay que entender los problemas de salud mental, como una parte de nuestra vida, como una parte de nuestra salud global. La salud mental es un aspecto más del bienestar de cada persona. Algo que tenemos que cuidar, prestar atención y afrontar si pensamos que nos encontramos ante un problema.

Las empresas tienen la responsabilidad de promover y priorizar un ambiente de trabajo que ayude a proteger la salud mental de sus empleados, así como de proporcionar acceso a recursos que nos pueden ayudar a mejorar nuestro bienestar.

Fuentes: who.int/es; elpais.com; consaludmental.es ; .ilo.org ; eleconomista.es ;

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Kusama gained recognition for her work in the 1950s and 1960s, when she was part of the avant-garde art scene in New York. She has continued to create works throughout her career, and her works have been exhibited in many major museums and galleries around the world, making her one of the most influential and iconic Japanese artists of the 21st century.

The collaboration between Yayoi Kusama and Louis Vuitton

In 2012, Yayoi Kusama and Louis Vuitton began their journey together. The collaboration was a great success, and resulted in the launch of a special collection featuring Kusama’s art. The collection included clothing, accessories and home décor items, all decorated with her iconic polka dots. The collaboration received much attention and praise, and has become one of the most successful collaborations between an artist and a fashion house.

The success of the collaboration between Kusama and Louis Vuitton has helped bring the artist’s works to a wider audience, and her works have become an integral part of the house’s collections and campaigns.

Today, 10 years after their first collaboration, the worlds of fashion and art merge once again in the brand’s Cruise 2023 collection, with the infinite and timeless vision that is so characteristic of the artist.

The Collection

The launch of the new collection is celebrated with a campaign starring international models such as Gisele Bundchen, Bella Hadid, Karlie Kloss, Natalia Vodianova, Malick Bodian, Anok Yai, Fei Fei and many more, who were part of the new designs inspired by the art of “The Polka Dot Princess”.

With a pop style, each of the pieces in this collection features a design pattern with dots of different colors and sizes.

To create them, an innovative silkscreen printing technique was used that reproduces the artist’s brushstrokes, giving a realistic effect, as if they were hand-painted. The main pieces of the collection are a variety of Louis Vuitton bags with Yayoi Kusama’s signature twist, as if they were canvases with splashes of monochromatic paint. The future of the collaboration certainly looks promising.

The impact of Yayoi Kusama’s art on fashion trends

Kusama’s art has also inspired several fashion designers. Her signature polka dots have become an integral part of many designers’ collections.

In addition to influencing fashion trends, Kusama’s art has also had a major influence on the world of visual merchandising. Her works have been used to create captivating, eye-catching displays and immersive experiences.

The collaboration with the French firm has helped to create a bridge between art and fashion, and has helped to remind us of the importance of art in this world, helping to inspire a new generation of artists.

Sources: louisvuitton.com ; vogue.es ; moda.es; highsnobiety.com ; neo2.com ; Instagram.com

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Despite the increasing degree of digitalisation of retail, the sector has returned in 2022 to bet on physical sales, with stores as meeting points to offer brand experiences to customers and maintain the personal touch. 

In fact, as Adyen reports in its Adyen Retail 2021 Report, it reveals that seven out of ten consumers surveyed prefer to shop in physical stores. 

Consumers are looking for an experience that can only be achieved in the retail space and, in addition, they are concerned about the sustainability of the product they buy and are interested in supporting local commerce and proximity goods.

These are some of the conclusions of the Adyen report that provides a snapshot of consumer preferences according to the autonomous communities of residence.

Five reasons why consumers choose to shop in retail spaces

Despite the facility of shopping online, a study by Axis Communication highlights that 34% of Spanish people prefer to make their purchases in physical stores. Let’s take a look at the main reasons:

1. Direct contact with the products: undoubtedly, this option puts the product in the hands of the customer and that is “a value that most are not willing to give up, at least for now”. 
2. Human relationship with the sales assistant: in its Axis report it indicates “80% of shoppers value having a person who advises, guides them on the products they have in the store and even offers advice”. The importance of direct contact and the experience offered to customers in retail spaces is key to brand loyalty and reputation.
3. Simplicity in exchanges or returns: buying online makes this process slower and often not very sustainable.
4. Shopping: enjoying an afternoon of shopping is both an attractive way to get physical exercise and have a good time outside the home. 
5. More payment security: security is an essential point when it comes shopping, so it is another factor in favor of commercial spaces. Although online transactions are becoming increasingly secure, there is always the fear of what might happen to our data.

After the “boom” of online commerce, what we desire is to go out for a walk, eat, have a coffee and go shopping in physical retail spaces.

Thanks to this trend for the Retail sector, the range of shopping possibilities and competitiveness is opening up. For this reason, having an expert in the Direction of Visual Merchandising and Projects is an essential advantage for this new era.

Sources: businessinsider.es, ecommerce-news.es, distribucionactualidad.com, adyen.com, joseluisledesma.com.

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Pese al cada vez mayor grado de digitalización del retail, el sector ha vuelto en 2022 a apostar por la venta física, con las tiendas como puntos de encuentro para ofrecer experiencias de marca a los clientes y mantener el trato personal. 

De hecho, tal y cómo recoge Adyen en su Informe sobre el Retail 2021, desvela que siete de cada diez consumidores encuestados prefiere realizar sus compras en tiendas físicas. 

El consumidor busca tener una experiencia que solo se consigue en el espacio comercial y, además, se muestra preocupado por la sostenibilidad del producto que compra e interesado en apoyar el comercio local y bienes de proximidad.

Estas son algunas de las conclusiones del informe Adyen sobre Retail 2021, realizado en octubre de 2021 y que proporciona una fotografía de las preferencias de los consumidores en función de las comunidades autónomas de residencia.

Cinco motivos por los que el consumidor elige comprar en los espacios comerciales

No obstante la facilidad de comprar por Internet, un estudio de Axis Communication destaca que el 34% de los españoles prefiere hacer sus compras en tiendas físicas. Vamos a ver los principales motivos:

1. Contacto directo con el producto. Esta opción pone el producto en las manos del cliente y eso es “un valor al que la mayoría no está dispuesta a renunciar, al menos por ahora”. 
2. Relación humana con el dependiente: en su informe Axis señala que “un 80% de los compradores valora contar con una persona que asesora, que orienta sobre los productos con los que cuentan en la tienda e incluso ofrece consejo sobre cuál es mejor y siempre con una sonrisa en la cara”. 
3. Sencillez en cambios o devoluciones. Comprar por internet hace que este proceso sea más lento y muchas veces no muy sostenible.
4. Salir: disfrutar de una tarde de compras es, a la vez, una forma atractiva de hacer ejercicio físico y pasar un buen momento fuera de casa. 
5. Más seguridad de pago: la seguridad es un punto esencial a la hora de realizar compras, por lo que es otro factor a favor de los espacios comerciales. A pesar de que las transacciones online son cada vez más seguras, siempre existe el miedo de qué puede pasar con nuestros datos.

Después del “boom” del comercio online, lo que nos apetece es salir a la calle a pasear, comer, tomar cafe e irnos de compras en los espacios físicos comerciales.

Gracias a esta tendencia para el sector de Retail se abre el abanico de posibilidades de compra y competitividad. Por ello contar con un experto la Dirección Visual Merchandising y Proyectos es una ventaja esencial para esta nueva era.

Fuentes: businessinsider.es, ecommerce-news.es, distribucionactualidad.com, adyen.com, joseluisledesma.com.

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While on the fashion catwalks around the world designers present revolutionary collections, we in the day to day, we are still conditioned when it comes to dress, thinking about what they will think or say about us.

Undoubtedly, clothes, style or color are elements capable of communicating our personality and from the point of view of psychology a lot of information has been obtained from different studies, collected in Psychology Today.

Business Insider recently reviewed several studies related to first impression. Among these, there were some that related the quality and cut of clothing not only to status, but also to intelligence level.

This, is one of the examples, where the influence of the judgment of others, especially in formal circumstances, conditions us when choosing our style.

Classic fashion: the first impression

One of the most recurring questions among fashion lovers is what to wear one season, but consumers usually opt for those classic garments that never go out of style. 

Why is classic style so important?

Classic style carefully preserves the unique look, constancy, severity and restraint. Classic clothes are synonymous with elegance. Such clothes bring us harmony, grace and stability. Classic style is pacification and a sense of proportion in everything: in shapes, volumes and shades of color. A classic is never surprising because it has reliability and quality, without bright and flashy decorative elements.

But this does not mean that the classic style is monotonous and unattractive.

There are no right ways to dress, the important thing is that it is in line with our way of thinking and makes us feel comfortable with ourselves, we should not worry about what others think about how we dress.

The most innovative fashion trends

Clothes can bring a great deal of self-confidence, which has repercussions both in the workplace and socially.

For this reason, we must also learn to lose our fear of the first impression and break the rules of style to break the monotony, to play and have fun or simply to be disconcerting. Whatever the reason, the important thing is to feel comfortable.

The modern wardrobe owes its development not just to fashion designers in Paris or Milan but also to gangs and movements brought together by a shared appreciation of music, sport or a particular underground culture, and a certain style that defines membership. These styles have rocked establishments, created stereotypes, expressed social division as much as they have united people, entered the language, spread around the world, and, above all, transformed dress for a wider public.

100 Ideas that Changed Street Style

Everything that seems normal to us today was once something very innovative. These changes have been signed by people who, of course, have left their mark on the fashion world without the fear of the first impression. Here is a list of the most innovative designers in the fashion world to pay tribute to the revolutionary and pioneering minds that changed the rules of the game by being able to see the future and make it a reality:

• Paco Rabanne (1934) has been one of the pioneers of futuristic fashion. Together with Cardin and Courrèges, he used the latest high-tech synthetic sports fabrics to revitalize French haute couture with his space-focused fashion. In addition, Paco Rabanne surprised with the “Do It Yourself” dress, which was sold in a do-it-yourself box.

• Yves Saint-Laurent (1936-2008) was responsible for bringing a certain masculinity to women with his American suit. In the 1960s – although inspired by Melanie Dietrich in the 1930s – the Parisian designer created the suit for women, emphasizing the lapels and the front pleat of the pants, managing to maintain some femininity also with the darts on the waistband of the jacket and the close-fitting vest underneath.

• Rei Kawakubo (1942) arrived in Paris with Comme des Garçons in the early 1980s, presenting on the 1981 catwalk a new vision of fashion, which the press would call “Hiroshima chic” or “post-nuclear chic”. He also made black the characteristic color of avant-garde fashion, bringing minimalism, austerity with a post-modern approach to fashion. She questioned the feminine silhouettes, betting on a revolutionary fashion that would free women from sterotipulated garments.

• Elsa Schiaparelli (1890-1973) – became famous for using trompe l’oeil in her knitwear. She was also the main exponent of surrealist fashion and brought the world of dresses and costumes closer to the world of painting and art in general. Her collaborations with Dalí and Jean Cocteau are historical. 

• Miguel Adrover is one of the most international self-taught Spanish designers today, who based his collections on the people and culture of New York and his travels around the world. He was born in a small town in Mallorca called Calonge in 1965 and from there he jumped to London, where he came into contact with the most underground scene of the city: the universe of the neo-punks and the new romantics.

• Vivienne Westwood began her career pushing boundaries. She opened her own boutique in London, appropriately named SEX. The designer defined a new generation of punk style, designing and dressing some of the most iconic punk rockers, such as the Sex Pistols. Westwood and Malcolm McLaren created one of the most provocative pieces of punk rock style: the bondage suit. Inspired by the standard military pants McLaren brought back from the United States, Westwood used black satin from British railway workers’ vests and added bondage straps to achieve the sadomasochistic look.

Would you be able to express yourself through the way you dress in your day to day life without feeling conditioned?

Sources: i-d.vice.com ; businessinsider.es ; lofficielmexico.com ; bbc.com ; lavanguardia.com ; itfashion.com ; vogue.es

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Mientras en las pasarelas de moda de todo el mundo los diseñadores presentan colecciones revolucionarias, nosotros, en el día a día, seguimos condicionados a la hora de vestirnos, pensando sobre qué pensarán o dirán de nosotros.

Sin duda, la ropa, el estilo o el color son elementos capaces de comunicar nuestra personalidad y desde el punto de la psicología se ha obtenido mucha información a partir de diferentes estudios, recogidos en Psychology Today.

Business Insider revisó recientemente varios estudios relacionados con la primera impresión. Entre estos, había algunos que relacionaban la calidad y el corte de la ropa no solo con el status, sino también con el nivel de inteligencia.

Esto es uno de los ejemplos, donde la influencia del juicio de los demás, sobre todo en circunstancias formales, nos condiciona a la hora de elegir nuestro estilo, derivando a una sociedad de color gris.

La moda clásica

Una de las preguntas más recurrentes entre los amantes de la moda es la de qué se lleva una temporada, pero, los consumidores, por lo general, optan por hacerse con aquellas prendas clásicas que nunca pasan de moda. 

¿Por qué el estilo clásico es tan importante?

El estilo clásico conserva cuidadosamente el aspecto único, la constancia, la severidad y la moderación. La ropa clásica es sinónimo de elegancia. Tales prendas nos aportan armonía, gracia y estabilidad. El estilo clásico es la pacificación y un sentido de proporción en todo: en formas, volúmenes y tonos de color. Un clásico nunca es sorprendente porque tiene confiabilidad y calidad, sin elementos decorativos brillantes y llamativos.

Pero no por eso hay que pensar que el estilo clásico es monótono y poco atractivo.

No hay formas de vestir correctas, lo importante es que esté acorde con nuestra forma de pensar y nos haga sentir cómodos con nosotros mismos, no debemos preocuparnos por lo que los demás opinen sobre cómo vestimos.

Las tendencias más innovadoras de la moda: más allá de la primera impresión

La ropa puede aportar grandes dosis de confianza en uno mismo, lo que repercute tanto en el ámbito laboral como en el social.

Por eso, también hay que aprender a perder el miedo al juicio de la primera impresión y romper las reglas de estilo para quebrar la monotonía, para jugar y divertirnos o simplemente para desconcertar. Por el motivo que sea, lo importante es sentirnos cómodos.

“The modern wardrobe owes its development not just to fashion designers in Paris or Milan but also to gangs and movements brought together by a shared appreciation of music, sport or a particular underground culture, and a certain style that defines membership.These styles have rocked establishments, created stereotypes, expressed social division as much as they have united people, entered the language, spread around the world, and, above all, transformed dress for a wider public.

100 Ideas that Changed Street Style
Josh Sims

Todo lo que hoy nos parece normal, en su día fue algo muy innovador. Estos cambios lo han firmado personas que, desde luego, han dejado huella en el mundo de la moda. A continuación, un listado de los diseñadores más innovadores del mundo de la moda para rendir homenaje a las mentes revolucionarias y pioneras que cambiaron las reglas del juego al ser capaces de ver el futuro y hacerlo realidad:

• Paco Rabanne (1934) ha sido uno de los pioneros de la moda futurista. Junto con Cardin y Courrèges, utilizó las últimas telas deportivas sintéticas de alta tecnología para revitalizar la alta costura francesa con su moda enfocada al espacio. Además, Paco Rabanne sorprendió con el vestido «Do It Yourself», que se vendía en una caja para que lo hicieras tú mismo.

• Yves Saint-Laurent (1936-2008) fue el encargado de traer cierta masculinidad a la mujer con su traje americana. En la década de los 60 -aunque inspirado en Melanie Dietrich en los 30- el diseñador parisino creó el traje para la mujer, enfatizando las solapas y el pliegue delantero del pantalón, consiguiendo mantener algo de feminidad también con las pinzas del talle de la chaqueta y el chaleco ceñido debajo.

• Rei Kawakubo (1942) llegaba a París con Comme des Garçons a comienzos de los años 80, presentando sobre la pasarela de 1981 una nueva visión de la moda, que la prensa bautizaría como «Hiroshima chic» o «post-nuclear chic». También hizo del negro el color característico de la moda de vanguardia, aportando minimalismo, austeridad con un enfoque posmoderno de la moda. Se cuestionó las siluetas femeninas, apostando a una moda revolucionaria que liberara a la mujer de prendas estereotipadas.

• Elsa Schiaparelli (1890-1973) – se hizo famosa por utilizar el trampantojo en sus prendas de punto. Además, fue la principal exponente de la moda surrealista y acercó el mundo de los vestidos y trajes al de la pintura y el arte en general. Históricas son sus colaboraciones con Dalí y con Jean Cocteau. 

• Miguel Adrover, es uno de los diseñadores españoles autodidactas más internacionales en la actualidad, que basó sus colecciones en la gente y cultura neoyorquina y en sus viajes alrededor del mundo. Nació en un pequeño pueblo de Mallorca llamado Calonge en el año 1965 y de allí saltó a Londres, donde entró en contacto con la escena más underground de la ciudad: el universo de los neopunks y de los new romantics.

• Vivienne Westwood comenzó su carrera empujando límites. Abrió su propia boutique en Londres, apropiadamente llamada SEX. La diseñadora definió a una nueva generación de estilo punk, diseñando y vistiendo a algunos de los rockeros punk más icónicos, como los Sex Pistols. 

¿Serias capaz de expresarte a través de tu forma de vestir en tu día a día sin sentirte condicionad@?

Fuentes: i-d.vice.com ; businessinsider.es ; lofficielmexico.com ; bbc.com ; lavanguardia.com ; itfashion.com ; vogue.es

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From art to architecture, cinema to fashion, there are many areas that use geometric shapes as the basis for their creations. 

Particularly in interior design and retail decoration, symmetry and geometry play a key role in creating proportionate and harmonious spaces.

“Seeing the world through geometry is not only essential for composing, but it’s also downright fun”. – Jose Luis.

Geometric elements are a great eye-catcher. That is why it is important to find the right balance with the rest of the decorations.

The connection that exists between the design and distribution of the different elements that compose a space to make it harmonious is indisputable. Geometry means order, and because of this, things as simple as straight lines can be transformed into figures that we can perceive as visual harmonies.

Geometry and decoration

Geometric patterns allow us to play with different visual effects, so that we can give any space a more modern and innovative look. 

Geometric design can be adapted to the decoration of practically any place, and by making the right use of this resource we can modify the proportions and dimensions of a given space. 

Knowing the meaning of these geometric shapes is fundamental when designing our space.

The meaning of the shapes

When we refer to the design of spaces, the geometric shapes that have the most presence are the circle, the square, the triangle and the rectangle.

Thanks to these shapes, it is possible to create infinite possibilities to achieve a sense of harmony at the point of sale.

Symmetry, modularity and repetition can also be implemented to stimulate a variety of sensations and feelings for consumers. In fact, geometric shapes are a fantastic tool for visual merchandising since consumers are familiar with their shapes.

Understanding the meaning of each shape will give us a key perspective when designing our Visual Merchandising strategy and our retail space.

Square

The square is the basis of all geometry, this shape is associated with stability, firmness and trajectory.

This modulation allows a design to be configured in an orderly manner. If you also add colour or textures to the design, you get an endless number of solutions, all equally effective.

When drawing, you feel the straight lines and right angles of the square, and you feel a strong tension. This tension is often used for minimalist design structures.

All geometric shapes or figures that are based on horizontal and vertical lines belong, by their character, to the family of the square.

Triangle

The fundamental character of the triangle comes from the three diagonals that intersect at the angles. Its acute angles offer an aggressive and combative aspect.

The triangle generates direction, dynamism, is unstable and transmits energy.
The triangle family includes all diagonal shapes such as the rhombus, the trapezoid, the zigzag and the shapes derived from it.

The triangle symbolizes the thinking and is recommended for children’s exhibitions that aim to break structures or represent movement.

A figure as simple as a triangle manages to order the space. By combining inverted triangles, we can make rhombuses, which placed randomly on a wall create a visual mural.

Circle

The circle is considered the mother of all shapes and is therefore associated with the idea of movement, perfection and freedom. Its constantly curved perimeter creates a sensation of displacement, making it a good choice for conveying a message of velocity.

A circle is born when a point moves while maintaining a constant distance from another point. In contrast to the rough and tense impression produced by the outline of a square, the circle produces a feeling of relaxation and perpetual movement.

It symbolizes the spirit that moves in its unity and means: warmth, protection and creativity.
To the circle family belong all curved geometric shapes, such as the ellipse, the ovoid, the parabola and its derivative shapes.

There is no direction in this shape, and the feeling of looking at a circle is that of moving continuously, as if it were an infinite reading path.

Rectangle

The rectangle offers different stable options than a square, thanked to its equal sides two by two. It is the most common geometric shape in design. It’s represents honesty, solidity and stability. The combination of rectangles of different sizes is interesting and attractive.

Hexagons

This apparently simple shape can be found in everyday life. In the field of design and retail, this geometric figure makes it possible to create structures that lie between a polygon and a circle thanks to its degree of roundness. It is a powerful and fascinating way to convey balance and conviction.

The basic geometric figures and colours are the primitive forms of expression, and the main elements for transmitting sensations and emotion in the composition of an exhibition.

Do not hesitate to count on a Visual Merchandising professional to help you with your strategy and the design of your retail space.

Sources: teresagalan.es; semrush.com; designshack.net; blog.ida.cl; uxdesign.cc; joseluislededesma.com.

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Desde el arte hasta el mundo de la arquitectura, pasando por el cine y la moda, son muchas las áreas que usan las formas geométricas como base de sus creaciones. 

Sobre todo en el diseño de interiores y en la decoración de espacios de ventas, la simetría y la geometría juegan un papel fundamental para la creación de proporcionados y armoniosos.

Los elementos de geometría son un gran foco de atención para atraer miradas. Por eso es importante encontrar el equilibrio adecuado con el resto de las decoraciones.

Es indiscutible la conexión que existe entre el diseño y distribución de los diferentes elementos que componen un espacio para que este resulte armónico. La geometría implica orden, y gracias a esta cosas tan simples como líneas rectas pueden transformarse en figuras que podemos percibir como armonías visuales.

Geometría y decoración 

Los patrones geométricos nos permiten jugar con diferentes efectos visuales, de manera que podemos darle a cualquier espacio una apariencia más moderna e innovadora. 

El diseño geométrico se adapta prácticamente a la decoración de cualquier lugar y sabiendo utilizar adecuadamente este recurso podemos modificar las proporciones y las dimensiones de un determinado espacio. 

Conocer el significado de estas formas geométricas es fundamental a la hora de diseñar nuestro espacio.

El significado de las formas

Cuando nos referimos al diseño de espacios, las formas geométricas que más presencia tienen son el círculo, el cuadrado, el triángulo y el rectángulo. 

Gracias a estas figuras es posible crear infinitas posibilidades para lograr una sensación de armonía en el punto de venta. 

La simetría, la modularidad y la repetición también se pueden implementar para estimular una variedad de sensaciones y sentimientos para los consumidores. De hecho, las formas geométricas son una fantástica herramienta para el visual merchandising, ya que los consumidores están familiarizados con sus formas.

Comprender el significado de cada forma nos dará una perspectiva clave a la hora de diseñar nuestra estrategia de Visual Merchandising y nuestro espacio comercial.

Cuadrado

El cuadrado es la base toda la geometría, de la razón y la construcción.  Esta forma se asocia a estabilidad, firmeza y a la trayectoria.

Esta modulación permite configurar un diseño de manera ordenada. Si además el diseño suma el color o las texturas, consigue un sinfín de soluciones, todas igual de efectivas.

Cuando, al dibujar, se sienten las líneas rectas y los ángulos rectos del cuadrado, uno siente una fuerte tensión. Esta tensión suele usarse para estructuras de diseño minimalista.

Todas las formas o figuras geométricas que se fundamentan en líneas horizontales y verticales pertenecen, por su carácter, a la familia del cuadrado.

Triángulo

El carácter fundamental del triángulo proviene de las tres diagonales que se cortan en los ángulos. Sus ángulos agudos ofrecen un aspecto agresivo y combativo.

El triángulo genera dirección, dinamismo, es inestable y transmite energía.

A la familia del triángulo pertenecen todas las formas de carácter diagonal, como el rombo, el trapecio, el zigzag y las formas que se derivan.

El triángulo simboliza el pensamiento y resulta recomendado para exhibiciones infantiles o juveniles que buscan romper estructuras o representar movimiento.

Una figura tan sencilla como un triángulo consigue ordenar el espacio. Combinando triángulos invertidos conseguimos hacer rombos, que colocados de forma aleatoria en una pared constituyen un mural visual.

Círculo

El círculo es considerado como la madre de todas las formas, por lo tanto, se asocia a la idea de movimiento, de perfección y de libertad. Su perímetro constantemente curvado crea una sensación de desplazamiento, por lo que es una buena opción para transmitir un mensaje de velocidad.

Un círculo nace cuando un punto se desplaza manteniendo una distancia constante de otro punto. Frente a la impresión ruda y tensa que produce el trazado de un cuadrado, el círculo produce un sentimiento de relajación y de movimiento perpetuo.

Simboliza el espíritu que se mueve en su unidad y significa: calidez, protección y creatividad.

A la familia del círculo pertenecen todas las formas geometrías curvas, como la elipse, el ovoide, la parábola y sus formas derivadas.

No existe la dirección en esta forma y la sensación de mirar un círculo es la de movernos continuamente, como si fuera un camino de lectura infinito.

Rectángulo

El rectángulo ofrece opciones estables diferentes a los de un cuadrado gracias a sus lados iguales dos a dos. Es la forma geométrica más común en diseño y representa honestidad, solidez y estabilidad. La combinación de rectángulos de tamaños diferentes resultas interesante y atractiva.

Hexágono

Esta forma aparentemente simple se puede encontrar en la vida cotidiana. En el ámbito del diseño y del Retail, esta figura geométrica permite crear estructuras que se encuentran entre un polígono y un círculo gracias a su grado de redondez. Es una manera poderosa y fascinante que trasmite equilibrio y convicción.

Las figuras geométricas básicas y los colores son las expresiones primitivas de la expresión, y los principales elementos para transmitir sensaciones y emoción en la composición de una exposición.

No dudes contar con un profesional del Visual Merchandising para que te pueda asesorar en tu estrategia y en el diseño de tu espacio comercial.

Fuentes: teresagalan.es; semrush.com; designshack.net; blog.ida.cl; uxdesign.cc; joseluisledesma.com.

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In Retail, as in many other sectors, consumer habits are changing and especially with the rise of e-commerce have been transforming, so it is very important to always keep innovating and looking for a way to stay connected with our audience.

Each company, depending on its objectives, has to reflect on what values it can bring to the consumer and how to differentiate itself.

Shopping experience

Commercial spaces are configured by factors that stimulate the customer’s senses and are transmitted through materials, textures, lighting, etc.

As architect Juhani Pallasmaa says: “We contemplate, touch, listen and measure the world with our entire physical existence. We are in constant dialogue and interaction with the environment.

What is the customer interaction?

Customer interaction refers to all the ways in which customers interact, both physically and online.

Ideally, these interactions should create a positive reaction and build a customer-brand bond.

Companies that focus on customer engagement will focus on value creation rather than revenue creation. In this way, they provide people with something meaningful, beyond a sales pitch. Such as an experience, customer service or real-time interaction that, when executed correctly, will foster loyalty and sales growth.

Why customer participation is important

Today, there are more and more ways to interact with customers.

To drive consumer interaction, brands must actively work to connect with customers at every opportunity. Whatever engagement strategy is employed, it is important to be consistent in crafting messages that are brand-related and appropriate for the target audience. Deliver a consistent experience, in pursuit of trust and engagement.

Create an excellent customer experience

In order to create a superior experience, you must first look at all the ways in which you interact with your customers, whether in a physical shop or digital medium.

It is not only about making the user experience smooth and efficient, but it is also very important that the brand has a unique personality, which invites customers to get to know it and interact with it.

This is where brand awareness comes into play. For some brands, this might mean, for example, sourcing materials from suppliers that support their values and ethics. For others, it might come from the brand’s historical origins. Whatever it is, it is essential to find ways to highlight that authentic character, because before engaging with a brand, the customer needs to be aware that it exists and that it has something relevant to offer.

Monsieur Rose by Philippe Katerine

Le Bon Marché Rive Gauche and

@Coco_Mode_Stephanemoula

What are the ways to build interaction in our shop?

Here are some practical examples of how to create interaction in a commercial space:

• Immersive art: Using artists, designers, architects or sculptors to create immersive and impactful installations. 

• Gamification: The idea of proposing “games” allowing the audience to win prizes or discounts, for example, is a very dynamic and fun way to create interaction.

• Surprising spaces: Deconstructed spaces, innovative furniture, mirrors on the floor, designer chairs with very original shapes. Curious furniture will be an interesting way to surprise customers.

These are just a few examples of interaction that we can give to our commercial space and with a touch of creativity to give it originality and innovation through interactivity. The goal is: to create an unforgettable brand experience. Don’t hesitate to contact an expert who can advise you on your commercial strategy.

Sources: archdaily.com; outbrain.com; modaes.es; caad-design.com; digitalavmagazine.com; youtube.com; joseluisledesma.com

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En el Retail, como en muchos otros sectores, los hábitos del consumidor son cambiantes y sobre todo con el auge del comercio electrónico han ido transformándose, por eso es muy importante seguir siempre innovando y buscando una forma para seguir conectados con nuestro público.

Cada empresa, en función de sus objetivos, tiene que reflexionar sobre qué valores puede aportar al consumidor y cómo diferenciarse.

Experiencia de compra

Los espacios comerciales están configurados por factores que estimulan los sentidos del cliente y se transmiten a través de los materiales, texturas, la iluminación, etc.

Como dice el arquitecto Juhani Pallasmaa: «contemplamos, tocamos, escuchamos y medimos el mundo con toda nuestra existencia física. Estamos en constante diálogo e interacción con el medio ambiente».

¿Qué es la interacción con el cliente?

La interacción con cliente se refiere a todas las formas en las que los clientes se relacionan, ya sea de forma física como online.

Desde un punto de vista ideal, estas interacciones deberían crear una reacción positiva y construir un vínculo entre clientes-marca.

Las empresas que se centran en la participación del cliente, lo harán en la creación de valor y no en la creación de ingresos. De esta manera brindan a las personas algo significativo, más allá de un argumento de venta. Como por ejemplo: una experiencia, atención al cliente o interacción en tiempo real que, cuándo se ejecuta correctamente, fomentará la lealtad y el crecimiento de las ventas.

Por qué es importante la participación del cliente

Hoy en día, cada vez hay más formas de interactuar con los clientes.

Para impulsar la interacción con el consumidor, las marcas deben trabajar activamente para conectar con los clientes en cada oportunidad. Sea cual sea la estrategia de participación que se emplee, es importante ser coherente elaborando mensajes que estén relacionados con la marca y adecuados para el público objetivo. Brindar una experiencia consistente, en búsqueda de su confianza y compromiso.

Crea una excelente experiencia para los clientes

Para lograr crear una experiencia superior, en primer lugar, se deben analizar todas las formas en las que se interactúa con los clientes, ya sea en una tienda física o medio digital.

No se trata solo de hacer que la experiencia del usuario sea fluida y eficiente, sino también, es muy importante que la marca tenga una personalidad singular, que invite a los clientes, conocerla e interactuar con ella.

En este punto, es donde entra en juego el conocimiento de la marca. Para algunas marcas, esto podría significar, por ejemplo, obtener materiales de proveedores que respalden sus valores y su ética. Para otros, podría provenir de los orígenes históricos de la marca. Sea lo que sea, es fundamental buscar la forma de destacar ese carácter auténtico, ya que antes de comprometerse con una marca, el cliente debe ser consciente de que existe y que tiene algo relevante que ofrecer.

Monsieur Rose by Philippe Katerine

Le Bon Marché Rive Gauche.

¿Cuáles son las maneras de crear interacción en nuestra tienda?

A continuación abordaremos algunos ejemplos prácticos de como crear interacción en un espacio comercial:

• Arte inmersivo: Recurrir a artistas, diseñadores, arquitectos o escultores para crear instalaciones inmersivas e impactantes. 

• Gamification: La idea de proponer “juegos” permitiendo al público de ganar premios o descuentos, por ejemplos, es una manera muy dinámica y divertida de crear una interacción.

• Espacios sorprendentes: Espacios deconstruidos, mobiliarios innovadores, espejos en el suelo, sillas de diseño con formas muy originales. Contar con mobiliario curioso será una manera interesante de sorprender a los clientes.

Estos son solo algunos ejemplos de interacción que podemos darle a nuestro espacio comercial y con un toque de creatividad para darle originalidad e innovación mediante la interactividad. El objetivo es: crear una experiencia de marca inolvidable. Y no dudes en contactar con un experto para que pueda asesorarte en tu estrategia comercial.

Fuentes: archdaily.com; outbrain.com; modaes.es; caad-design.com; digitalavmagazine.com;; youtube.com; joseluisledesma.com

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El término Visual Storytelling se refiere al arte de contar historias de una marca con imágenes y medios visuales.

Y sí pensamos a la efectividad de las imágenes como elementos que facilitan la creación de recuerdos persistentes en el tiempo, entenderemos todo el potencial de esta técnica.

¿Cómo funciona el  visual storytelling?

El Visual Storytelling genera un gran impacto en la percepción de los negocios; ya que los ayuda a conectarse con sus clientes y al mismo tiempo impulsa las ventas.

En ese sentido, la narración de estos contenidos se puede adaptar de muchas maneras; sin embargo, existen algunos conceptos básicos que debemos tomar en cuenta para crear una buena estrategia. A continuación repasaremos algunos de los pasos fundamentales para contar una historia exitosa:

• Estructura: la mayoría de las historias están organizadas de una forma muy simple: problema, solución y resolución.
• Simplicidad: menos es más. Muchas veces perdemos de vista el poder de lo simple. Una historia visual que apele a lo básico proyectará un mensaje fuerte y claro, sin confundir a nuestro público sobre lo que queremos transmitir.
• Diseño: no hay necesidad de llenar una historia con muchos elementos visuales, un buen diseño es suficiente para llegar con éxito al consumidor. 

¿Dónde podemos utilizar el Visual Storytelling?

Esta técnica, por ejemplo, nos permite producir contenidos extraordinarios para redes sociales. Además, el auge de plataformas más visuales como Instagram las convierte en idóneas para el visual storytelling.

El visual storytelling también es muy valioso para los e-commerce. A la hora de presentar los productos de una tienda online existen diferentes tipos de imágenes y cada marca debe escoger la opción que mejor se adapte a su identidad y a la idea que quiere transmitir a su público. 

El mundo del Retail

El consumidor evoluciona con los tiempos, y hoy más que nunca los clientes no solo quieren sentirse identificados con la marca, sino que quieren vivir experiencias auténticas y acercarse a marcas que sean fieles a su visión.  Por lo tanto, podemos destacar tres pasos imprescindibles para un visual storytelling efectivo en el sector de la moda:

• Ser fiel y constante con la visión brand

El visual storytelling en el mundo de la moda funciona cuando la marca es constante y auténtica a lo largo del tiempo, con un mensaje que refleja una visión completa del brand. 

• Adaptarse a los tiempos 

Es vital ser relevantes al para lograr un visual storytelling eficaz. Podemos tomar como ejemplo a la directora creativa de Dior, María Grazia Chiuri, quien generó un impacto mediático increíble en 2019 con el lanzamiento de su colección otoño/invierno 2020 done los modelos llevaban camisetas con la frase ‘We Should All Be Feminists’, respondiendo al resurgimiento de la preocupación por la igualdad y los derechos de la mujer.

Chiuri logró ser fiel a la visión de Christian Dior dando voz a la ‘celebración de la mujer’ y respondiendo a una problemática social.

• Poner el foco en el consumidor

El tercer paso esencial para conseguir una gran estrategia visual storytelling, es poner el foco en el consumidor. Antes de diseñar una estrategia, hay que preguntarse ¿Qué es lo que quiero que sienta el consumidor y cómo puedo conseguir que se sienta así?

Los escaparates

Los beneficios del visual storytelling en los escaparates son varios y muy importantes. Entre ellos encontramos:

• Crear empatía 
• Suscitar emociones
• Conectar con el público
• Humanizar la marca

El escaparate, siendo el punto de conexión física los clientes, es el escenario perfecto para contar una historia clara, concisa y fiel a la marca con la cual podemos lograr muchos beneficios. 

En conclusión, esta técnica puede ser empleada en diferentes áreas del Retail y del mundo de la Moda.

Con una buena estrategia para contar historias, el Visual Storytelling se convertirá en una de las técnicas más vitales para tu empresa. No dudes en contactar con experto en Retail y Visual Merchandising para que pueda asesorarte.

Fuentes: fashionunited.es; mkparadise.com; launchmetrics.com; marketinginsiderreview.com; joseluisledesma.com

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We know that the textile industry is one of the most polluting industries, as it generates a large amount of waste.

Sustainable fashion is a very old topic of debate. There are advances, but we have to do better, proposing projects that help achieve profitable sustainability, that encourage investors.

The fashion industry is a sector with numerous processes that have a negative impact on the environment. Among many others, from manufacturing, distribution, marketing, to the management of surpluses.

Did you know that recycling, in many cases, also involves processes that affect the environment? Or that there are products that cannot be recycled due to the mix of materials at source?

And one of the keys to reducing the impact on the environment is undoubtedly to adopt new techniques to optimize and reduce the carbon footprint.

Although in reality, all processes must be reviewed and provided with economic resources, in order to achieve sustainable fashion itself. It is proven that sustainability has a much higher return on investment than other industry models, which are not.

But what is this new trend?

Upcycling is a recent term used to describe techniques that involve the transformation of waste or scrap into new objects of value. It can be used for the creation of: furniture, clothing, textiles, decorative objects, etc. 

This term was coined in 1994, when Reiner Piltz mentioned it in an article by Thorton Kay of Salvo. Also called supra-recycling or creative recycling, it means reusing and improving what you already have.

 Currently, this trend is very popular in the fashion industry, although it is also present in other areas.

Upcycling should not be confused with recycling, since the former has a more artistic and functional function. In any case, the objective is the same: to reuse a material and give it a new life.

In synthesis, the upcycling tries to reuse old or stock garments to give them a second life and to take advantage of the energy spent in their manufacture.

In this approach, no new raw materials are needed and nothing that has already been created is thrown away, which is an important step towards the circular economy and to reduce the environmental impact.

Upcycling and fashion brands

Every year around 70 million tons of clothing are consumed worldwide and in Spain alone, according to the Iberian Textile Recycling Association, around 800,000 tons of textile waste are generated annually. 

If these garments were reused, a large amount of water and resources would be saved and CO2 emissions would be considerably reduced.

Upcycling also proves that sustainability is not incompatible with design, and many companies are adopting this type of trend.

Companies like Nike, which through the Move to Zero project is committed to reducing waste to zero, have managed to turn their own waste into real objects of desire. Like the futuristic Space Hippie sneakers, inspired by life on Mars and, consequently, by the scarcity of resources.

Among other brands dedicated to this trend, we can find:

• BODE. A Woolmark Award finalist, Emily Adams Bode is one of the industry’s up-and-comers, her agender shows at New York Men’s Fashion Week declare a firm commitment to sustainability with collections made from already used fabrics.

• RAVE REVIEW. Josephine Bergqvist and Livia Schück are other pioneers in this field, scouring flea markets, thrift stores or sales to rescue garments and reinvent them. In their atelier in Sweden, they use already depreciated fabrics to design dresses or coats.

• HÔTEL is another great example. When the Ritz in Paris closed its doors for renovation, kilos of curtains, tablecloths and bedspreads were left homeless. Alexandra Hartmann got hold of many of those pieces and uses them as the basis for her collections.

Upcycling is a new way of creating fashion that aims to put an end to the mass production of disposable garments. The concept of upcycling bets for a different and unique fashion, and we hope that this trend is here to stay.

Sources: vogues.es; smoda.elpais; itfashion.com; nike.com, joseluisledesma.com

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De esta manera podemos explicar y estudiar el comportamiento de los consumidores durante su proceso de compra.

Sus origines remontan al año 2002, cuando el profesor holandés de Marketing, Ale Smidts (Premio Nobel en Economía) introdujo el término “neuromarketing”.

Según el autor, el neuromarketing consiste en las técnicas de investigación de los mecanismos cerebrales en la mente, es decir, el subconsciente del consumidor, para descubrir cómo las marcas pueden  mejorar sus estrategias de marketing.

Gracias a esta disciplina podemos averiguar a qué estímulos las personas prestan más atención y a cuáles no para consolidar estrategias de ventas y acciones de marketing más enfocadas a nuestro público.

Tipos de neuromarketing

Existen diferentes tipologias de neuromarketing:

• Auditivo: es el que se centra en el sentido del oído para conseguir sus objetivos. Se usa sobre todo en recursos sonoros como la música.
• Visual: es el que se basa en el sentido de la vista y estudia cómo reacciona un consumidor al ver un producto.
• Kinestésico: es el que se basa en el tacto, gusto y el olfato. Tiene un potencial increíblemente alto, ya que puede llegar a aumentar el deseo del consumidor al recibir cierto estímulo.

Neuromarketing y moda

Las posibilidades que el neuromarketing aplicado ofrece al sector de la moda y del retail son casi ilimitadas. 

Cuando un consumidor entra en una tienda, todos sus sentidos, desde el gusto hasta el tacto, se activan, y tienen un impacto sobre cómo se comporta. 

Analizar constantemente las técnicas para optimizar la conversión de los productos de una marca basados sobre el comportamiento del cliente en el proceso de compra es fundamental también para garantizar una experiencia satisfactoria. 

Una de las técnicas más aplicadas de neuromarketing en las tiendas física es la aromatización: el poder de los olores. Esta técnica consiste en utilizar un olor agradable y reconocible en todo el espacio de venta que incrementa los niveles emocionales de los clientes.

Se trata de activar todos los sentidos de los clientes generando estímulos capaces de aportar anclajes emocionales que beneficien al negocio.

Otra de las herramientas clave para crear sensaciones de manera subliminal es la iluminación. Una luz fría se recomienda para iluminar artículos brillantes. En cambio, la luz cálida invita a pasar.

Los tonos y las vibraciones de la música también pueden causar emociones como euforia o tranquilidad y condicionar la manera en la que el consumidor se comporta en la tienda. En el primer caso, sirve para motivar la compra por impulso; en el segundo, se utiliza para alargar el tiempo de permanencia en la tienda.

En el sector de la moda, los colores del visual merchandising son fundamentales, porque interactúan con los colores de los propios productos expuestos. Se recomienda, por ejemplo, utilizar colores neutros que no afecta a la percepción de los tonos de las prendas y causan una sensación de tranquilidad que invita a pasear por la tienda y pasar más tiempo en ella.

El neuromarketing no es solo una herramienta poderosa para el espacio físico sino también para el punto de venta offline. Podemos, de hecho, medir el impacto en el cliente del punto de venta online analizando su experiencia y la información que le motiva.

Tener un mayor conocimiento de los estímulos que afectan a las personas y cómo los afectan, es una apuesta continua para muchas empresas. Ese conocimiento más profundo garantizará la creación de productos y experiencias hechos a medida para los clientes.

Tener un profesional con experiencia y las capacidades para aplicar estos conceptos en tu estrategia de mercado será fundamental para lograr gran resultados y fidelizar los consumidores.

Fuentes: aenene.org, www.nmsba.com, moda.es

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What exactly is Emotional Intelligence?

According to the definition provided by Daniel Goleman, “Emotional Intelligence is the ability to know our own feelings and those of others, to motivate ourselves and to manage emotions well, in ourselves and in our relationships.” That is, the ability to understand, perceive, manage and use the emotions in a positive and successful way.

EI and professional development

Although emotional intelligence skills can be applied in many situations, it is especially important to use emotional intelligence at work, as any professional relationship is influenced by our emotions.

Knowledge and practice of emotional intelligence as a professional is the key to promoting any type of strategy, achieving success in the objectives and consolidating satisfactory relationships, both with coworkers and with clients.

“The effect of selling” is not enough, it is necessary to convey emotions, experiences, sensations and identify with the values and priorities of the client in order to add added value, offer a positive experience.
The development of personal and social skills increases the productivity and benefits of any project at all levels, especially in the area of Retail.

What are these competencies?

The American psychologist Daniel Goleman, points out five competencies that are encompassed within emotional intelligence. These are:

1. Self-awareness, a capacity that allows us to detect and understand our emotions and their impact on the emotional state of other people. In addition to knowing our resources and intuitions.
2. Self-regulation, this ability allows us to control our resources, feelings and impulses to adapt emotionally to changing situations.
3. Motivation refers to the emotional trend that guides us to successfully achieve our goals.
4. Empathy is awareness of the feelings and concerns of others. A skill necessary to adequately respond to and understand other people’s emotions. This competition allows us to anticipate and adapt to the needs of our clients, to better understand our colleagues.
5. Socialization, which allows establishing optimal and meaningful relationships with other individuals through persuasion, inspiration and negotiation. It is essential to be able to work with others towards a common goal and to learn to resolve conflicts. It also encompasses different skills, such as leadership or social intuition.

These qualities are increasingly in demand in companies. Within an organization, emotional intelligence is beneficial in increasing the level of job satisfaction, better leadership, reducing stress, and fighting mobbing.

It allows us to become aware of our emotions and those of others, to tolerate pressures and frustrations, thus increasing the ability to work as a team. For these reasons, more and more companies have decided to bet on emotional intelligence by training their team and managers.

“For better or worse, intelligence can come to nothing when the emotions hold sway.”

Daniel Goleman, Emotional Intelligence

We must remember that a good leader, in addition to having knowledge and experience, must also work on their soft skills if they want to improve the performance of their projects.

In order to apply all the techniques necessary to achieve the objectives of a company or a project and enhance its efficiency, it is essential to count with the professional figure of Project Manager with training in Emotional Intelligence.

Source: Emotional Intelligence by Daniel Goleman

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Pero, ¿qué es la inteligencia emocional?

Según la definición aportada por Daniel Goleman, “Inteligencia Emocional es la capacidad para conocer nuestros propios sentimientos y ajenos, de motivarnos y de manejar bien las emociones, en nosotros mismos y en nuestras relaciones”. 

Es decir, la capacidad que tiene un individuo para comprender, percibir, manejar y utilizar sus emociones de una forma positiva y exitosa.

Inteligencia emocional y desarrollo profesional

Aunque las habilidades relacionadas con la inteligencia emocional se pueden aplicar en muchas situaciones, es especialmente importante utilizar la inteligencia emocional en el trabajo, ya que cualquier relación profesional está influenciada por nuestras emociones. El conocimiento y práctica sobre la inteligencia emocional como profesional resulta clave para potenciar cualquier tipo de estrategia, lograr éxito en los objetivos y consolidar relaciones satisfactorias, tanto con los compañeros de trabajo, como con los clientes.

“El efecto de vender” no es suficiente, es necesario trasmitir emociones, experiencias, sensaciones e identificarse con los valores y prioridades del cliente con el fin de agregar un valor añadido, ofrecer una experiencia positiva.

El desarrollo de las competencias personales y sociales aumentan a todos los niveles la productividad y los beneficios de cualquier proyecto, especialmente en el área del Retail. 

¿Cuáles son estas competencias?

El psicólogo estadounidense Daniel Goleman, señala cinco competencias que se engloban dentro de la inteligencia emocional. Estas son:

1. La autoconciencia, una capacidad que nos permite detectar y comprender nuestras emociones y su impacto en el estado emocional de otras personas. Además de conocer nuestros recursos e intuiciones.
2. La autorregulación, esta capacidad nos permite controlar nuestros recursos, sentimientos e impulsos para adaptarse emocionalmente a situaciones cambiantes.
3. La motivación, se refiere a la tendencia emocional que nos guía para lograr con éxito nuestros objetivos.
4. La empatía es la conciencia de los sentimientos y preocupaciones ajenas. Una habilidad necesaria para responder de forma adecuada a las emociones de otras personas y para comprenderlas. Esta competencia nos permite anticiparnos y adaptarnos a las necesidades de nuestros clientes, comprender mejor a nuestros compañeros.
5. La socialización, que permite establecer relaciones óptimas y significativas con otros individuos a través de la persuasión, inspiración y negociación. Es fundamental para ser capaces de trabajar con los demás hacia una meta común y para aprender a resolver conflictos. Así mismo engloba diferentes habilidades, como el liderazgo o la intuición social.

Estas cualidades son cada vez más demandadas en las empresas. Dentro de una organización, la inteligencia emocional es beneficiosa para aumentar el nivel de satisfacción en el trabajo, para un mejor liderazgo, para reducir el estrés y para luchar contra el mobbing. Nos permite tomar conciencia de nuestras emociones y las de los demás, tolerar las presiones y frustraciones, aumentando así la capacidad de trabajar en equipo.

Por estas razones, cada vez más empresas han decidido apostar por la inteligencia emocional formando a su equipo y sus directivos.

” El éxito en la vida depende en un 20% del cociente intelectual y un 80% de la inteligencia emocional.”

(Daniel Goleman)

Debemos recordar, que un buen líder, además de tener conocimiento y experiencia, también debe trabajar sus soft skills si quiere mejorar el rendimiento de sus proyectos.

Para poder aplicar todas las técnicas necesarias para alcanzar los objetivos de una empresa o de un proyecto y potenciar su eficiencia es fundamental contar con la figura profesional del Project Manager que tenga formación en Inteligencia Emocional. 

Fuente: Inteligencia Emocional por Daniel Goleman

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El 2019, sin duda, ha sido un año muy importante para la Moda, marcado principalmente por movimientos como la sostenibilidad, la inclusión y el empoderamiento femenino. Pero, ¿qué podemos esperar para este 2020? 

Aquí os contamos algunas de las tendencias que marcarán el 2020:

Space Era

Una de las tendencias de este 2020 será el futurismo que llevará consigo tejidos holográficos y colecciones de inspiración espacial y sobrenatural. La ciencia ficción será fuente de inspiración a la hora de crear texturas que van desde lo orgánico hasta lo puramente industrial. Todo eso, surge paralelamente a la preparación para el lanzamiento de cuatro misiones a Marte, la fase de pruebas del cohete reutilizable Space X y una nueva generación de naves espaciales con tripulación humana.

(Fuente Lyst)

Hiperrealidad

Paisajes oníricos, psicológicos y psicodélicos serán la inspiración para colecciones donde moda y tecnología se encuentran. Las prendas de punto circular simbolizan el futuro, mientras las superficies iridiscentes son un guiño a lo digital. Ciencia, digital y tecnología serán los protagonistas en las tendencias 2020.

(Fuente WGNS y Pinkermoda)

Moda y política

La moda puede ser una poderosa herramienta de comunicación, siempre ha ocupado un lugar importante en los cambios sociales y ha sido un fiel reflejo de las divergencias políticas, de los estilos urbanos y culturales reivindicativos. Por ejemplo, las corbatas del candidato demócrata a la presidencia de EE. UU., Tom Steyer, ya han sido objeto de búsquedas y tuits en su país, y con las elecciones de EE. UU. a la vuelta de la esquina, sin duda, nos esperamos más estilismos con mensajes políticos en 2020.  

(Fuente LYST)

Feminismo y feminidad 

En la colección de primavera-verano 2020 de Chloé se ha celebrado la mujer con el mantra de “feminidad anclada en la realidad”. El empoderamiento femenino y el movimiento feminista se trasladan en el 2020 con colecciones que identifican más a la mujer, su rol y su poder. Las tendencias parecen alejarse de la estética andrógina para abrir espacio a sastrería, minimalismo, prendas románticas y naïf.

(Fuente Vogue)

Pantone Color del Año

En una época en que la tecnología sigue por delante de la capacidad humana de procesarlo todo, Pantone ha mostrado la necesidad de colores que desprenden honestidad y protección. De hecho, así será el color del 2020 que sustituirá el “Living Coral” de 2019. Hablamos del 19-4052 Classic Blue, la tonalidad que, este año, será la referencia en muchos campos creativos. Se trata de un azul atemporal que destaca por su elegancia y infunde calma, confianza y conexión. El Classic Blue es un azul reflexivo que fomenta la resiliencia.

(Fuente Pantone)

Experiencias inmersivas

La tecnología está cambiando la forma en que cada industria se mueve. Siempre mas empresas utilizan nuevas tecnologías para crear experiencias inmersivas para sus clientes. Es el caso de la realidad virtual y aumentada, que serán unas de las tendencias 2020, con las cuales podremos experimentar la exploración virtual de productos, tiendas o hasta la posibilidad de probar prendas.

(Fuente Forbes)

Impresión 3D

El 2020 será, también, la época de despegue de las impresoras 3D, de las que se dice constituirán la próxima revolución tecnológica. Según las previsiones de la consultora Context, el mercado alcanzará un volumen de facturación de 16.000 millones de dólares.  En el mundo del Retail y del Visual Merchandising, nosotros apostamos por el fin de la era de los mannequins blancos y sin rasgos que serán sustituidos por mannequins impresos en 3D, personalizados por temporada según cada marca.

Mantenerse al paso con las tendencias y seguir innovando puede ser complicado, por ello, es importante contar con los profesionales del sector que puedan guiarte en este proceso. Si buscas innovar tu imagen y tus escaparates, siguiendo las tendencias 2020, no dudes en descubrir mis servicios. 

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In response to fast fashion bad habits, in the last decades the world of Fashion and Retail has started a sustainable revolution.

Slow fashion seeks to reduce pollution, use sustainable raw materials, recycle, optimize designs to avoid waste and provide the necessary guarantees to producers and workers.

In addition, sustainable fashion is committed to a circular economy, applying new design and production model so garments can be recycled.

The pioneers of the sustainable revolution

The efforts to move towards a more eco-friendly fashion model can be seen in prestigious names, which were the pioneers of this movement, such as Vivienne Westwood (featured blog photo) or Stella McCartney. Two of the personalities most committed to embrace a sustainable attitude.

Vivienne Westwood has been collaborating since 2010 with the Ethical Fashion Initiative to promote activism and achieve social improvements in developing countries.

Stella McCartney, with their collections made from recycled materials, showed us that ethical fashion is possible and totally necessary. She’s being a milestone for the sustainable fashion industry.

With the launch of the Fashion Industry Charter for Climate Action in 2018, the textile sector has taken another significant step to address climate change.

The agreement signed by brands like Adidas, Burberry, Esprit, Guess, Gap Inc. Hugo Boss, H&M Group, Inditex, Kering Group, Levi Strauss & Co., Puma SE, Target, has set the goal of reducing emissions by 30% in 2030 and stop producing them completely in 2050.

In fact, there are many luxury names that have already decided to show that it’s not necessary to exploit the planet for the creation of their collections. 

Some of the biggest fashion brands like, Armani, Gucci, Ralph Lauren, Tommy Hilfiger and Hugo Boss, among others, have already renounced the use of animal leather.

Meanwhile, brands from the LVMH group, such as Louis Vuitton, Dior, Celine or Fendi have focused mainly on packaging, which has already been reduced up to 60%.

Creating and maintaining a balance between production and respect for the Planet is possible.

The concept of sustainable and respectful fashion cannot exist without more responsible consumption habits in order to become consumers who don’t aspire to buy more, but buy better.

Sustainable Window Displays

If we talk about sustainable fashion we also talk about sustainable design, fundamental for the creation of projects that meet the needing of customers, without compromising the Planet.

The most important thing we can do as professionals of Window Display & Visual Merchandising sector is to create designs in a responsible manner keeping in mind the social and environmental impact that involves, always looking for the highest quality materials. Being sustainable doesn’t mean giving up style.

It’s necessary to propose new ways to use products and materials with which we can create impactful spaces. Materials such as reclaimed wood, ecological or recycled wood, recycled plastic, types of metals such as aluminium (non-toxic and 100% recyclable) types of cardboard, fabrics or the use of 3D printers can be great allies to create very attractive and sustainable windows displays.

Fashion brands and decoration factories that adopted a sustainable model could at least double the long-term benefits in comparison with those that are not.

In fact, among other measures, the decoration factories would include a free collection service of the decoration used by the clients for their recycling, the use of non-harmful materials, the optimization in the design process to produce the indispensable elements, packaging control and production planning.

One of main functions as a Visual Merchandising professionals is to seek and find solutions for the challenges currently presented by the world of Fashion and Retail.

As professionals of Window Display and Visual Merchandising, it’s essential to have the technical knowledge of products in order to carry out an eco-design and guide our clients to maintain a sustainable approach.

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Como respuesta a los malos hábitos del fast fashion, en las ultimas décadas el mundo de la Moda y del Retail, ha empezado una revolución sostenible.

El slow fashion busca reducir la contaminación, usar materias primas sostenibles, reciclar, optimizar los diseños para evitar desechos y brindar las garantías necesarias a los productores y trabajadores.

Además, la moda sostenible apuesta por una economía circular, es decir, un nuevo modelo de diseño y producción para que las prendas puedan volver a ser recicladas.

Los pioneros de la revolución sostenible

Los esfuerzos para avanzar hacia un modelo de moda mas eco-friendly lo podemos apreciar en grandes firmas, que fueron las pioneras de este movimiento, como Vivienne Westwood o Stella McCartney (foto destacada del blog). Dos de las personalidades mas comprometidas con el medio ambiente.

Vivienne Westwood colabora desde 2010 con Iniciativa Moda Ética para promover el activismo y conseguir mejoras sociales en países en vías de desarrollo.

Stella McCartney con la creación de prendas elaboradas con materiales reciclados, enseñó que la moda ética es una posibilidad ahora totalmente necesaria. Sin duda, su actividad ha sido un ejemplo para muchos marcando un antes y un después en la industria del slow fashion.

Con el lanzamiento de la Carta de la Industria de la Moda para la acción climática en 2018 el sector textil ha dado otro paso significativo para hacer frente al cambio climático. 

La Carta firmada por marcas como Adidas, Burberry, Esprit, Guess, Gap Inc. Hugo Boss, H&M Group, Inditex, Kering Group, Levi Strauss & Co., Puma SE, Target, ha fijado como objetivo reducir las emisiones en un 30% para 2030 y dejar de producirlas por completo en 2050.

De hecho, son muchas las firmas de lujo que ya han decidido demostrar que no es necesario explotar el planeta para la creación de sus colecciones. Algunos de los grandes nombres de la moda, Armani, Gucci, Ralph Lauren, Tommy Hilfiger y Hugo Boss, entre otras, ya renunciaron de forma definitiva al uso de pieles de animales. Mientras, marcas del grupo LVMH, como Louis Vuitton, Dior, Celine o Fendi se han concentrado sobre todo en el packaging, que ya ha sido reducido hasta en un 60%.

Crear y mantener un equilibrio entre la producción y el respeto para el medio ambiente es posible.

El concepto de moda sostenible y respetuosa no puede existir sin hábitos de consumo más responsables que nos convierten en consumidores que no aspiran a consumir más, sino a consumir mejor.

Escaparatismo sostenible

Si hablamos de moda sostenible hablamos también de diseño sostenible, fundamental para la creación de piezas que cumplan con las necesidades de los clientes, sin comprometer el medio ambiente. 

Lo mas importante que podemos hacer como profesionales del Escaparatismo es crear diseños de forma responsable, teniendo en cuenta el impacto social, ambiental que conlleva, buscando siempre la máxima calidad en los materiales. Ser sostenible no significa renunciar al estilo. 

Es necesario plantear nuevas formas de usar productos y materiales con los cuales podemos crear y generar espacios impactantes. Materiales como la madera recuperada, madera ecológica o reciclada, plástico reciclado, tipos de metales como el aluminio (no tóxico y reciclable 100%) tipos de cartones, tejidos o el uso de impresiones 3D que dosifican la cantidad necesaria sin excesos, pueden ser grandes aliados para crear unos escaparates muy atractivos y sostenibles.

Las marcas de moda y las fabricas de decoración sostenibles podrían doblar, como mínimo los beneficios a largo plazo, de las que no lo son.

De hecho, entre otras medidas, las fabricas de decoración incluirían un servicio de recogida gratuita de la decoración utilizada por los clientes para su reciclado, la utilización de materiales no dañinos para el medio ambiente, la optimización en el proceso del diseño para producir los elementos indispensables, control de packaging y la planificación de la producción.

Una de las funciones del Visual Merchanding, es buscar y encontrar soluciones a los desafíos que actualmente presenta el mundo de la Moda y del Retail. 

Como profesionales del Escaparatismo y Visual Merchandising es fundamental tener los conocimientos técnicos de los productos para poder llevar a cabo un eco diseño y guiar nuestros clientes a mantener un enfoque sostenible.

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